Inicio » UNIVERSO DEL CINE » Artículos y Entrevistas:

“Barbie”, “Oppenheimer” y un Hollywood mermado por las huelgas

agosto 8, 2023 UNIVERSO DEL CINE
Barbie Oppenheimer y un Hollywood mermado por las huelgas

Tal vez el oscuro panorama que a corto plazo se vislumbra en relación a los futuros estrenos de Hollywood debido a las persistentes huelgas de guionistas y de intérpretes que están teniendo lugar en Los Ángeles, pueda significar mayores oportunidades de que el cine independiente sea más conocido por aquel público potencial que no ha tenido acceso a él.
Sin embargo, dejando al margen esos problemas que amenazan la estabilidad de una industria del entretenimiento que siempre está pendiente de gustar al mayor número de personas y que constantemente está mirando los resultados económicos de la taquilla, la llegada en julio de dos superproducciones estadounidenses supuso una corriente de aire fresco frente a un horizonte sombrío.
Se trata, obviamente, de “Barbie” y “Oppenheimer”, dos películas a tener en cuenta.
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“Entre las Higueras”, precariedad y violencia patriarcal en Túnez

Reseña de Entre las Higueras film de Erige Sehiri

Estrenada en España
Erige Sehiri es una directora y productora de cine franco-tunecina que ahora se pasa a la ficción tras haber estrenado en 2018 un poderoso y exitoso documental, “Railway Men”, en el cual, enfrentándose a la incompetencia y la corrupción, la película celebraba la dignidad, la esperanza y la resistencia.
Por senderos parecidos transita “Entre las Higueras”, su más reciente incursión en las tareas de dirección, donde recurre a actores principiantes para desarrollar una historia sobre la falta de oportunidades, las diferencias generacionales y la influencia patriarcal en un entorno familiar de corte conservador.
Un grupo de trabajadoras agrícolas pasa el día recolectando higos en la finca de un terrateniente.
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“Las Buenas Compañías”, Sílvia Munt apuesta por las libertades

Reseña de Las Buenas Compañías de Sílvia Munt

Estrenada en España
La historia real de un grupo de chicas jóvenes que en los años 70 del siglo XX tuvieron la oportunidad de luchar por unos derechos para las mujeres que consideraban legítimos, inspiró a la actriz y cineasta catalana Sílvia Munt para el guion de una película de ficción que muestra el curso de la vida de unas activistas en favor de la causa feminista, que luchaban por la aprobación de una ley que amparase el derecho al aborto, como así ocurriría más tarde.
“Las Buenas Compañías” parte del verano de 1977, cuando una joven de 16 años llamada Bea se sumará a un grupo de luchadoras por el derecho a decidir sobre sus propios cuerpos, entablando a continuación amistad con una chica algo mayor que ella.
A partir de ahí la película sigue los pasos de este colectivo de mujeres que básicamente ayudan a otras jóvenes a cruzar la frontera para abortar.
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“20.000 Especies de Abejas”, relato sobre la comprensión intrafamiliar

Reseña de 20000 Especies de Abejas de Estibaliz Urresola

Estrenada en España
La aceptación y compresión intrafamiliar, así como el mantenimiento o no de las tradiciones familiares adquieren una importancia extrema, muy superior incluso en el caso de las nuevas generaciones infantiles que están descubriendo por sí mismas las maneras de relacionarse con el mundo para formar así su propia personalidad y su identidad.
La directora vasca Estíbaliz Urresola Solaguren aborda esta problemática en su primer largo de ficción, “20.000 Especies de Abejas”, una historia alimentada desde una base empática y muy cercana a esos sentimientos, a veces contradictorios, que se producen en situaciones como la que cuenta esta película, con un par de actuaciones extraordinarias de sus protagonistas, la niña debutante Sofía Otero y la actriz Patricia López Arnaiz (Ane).
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“Matria”, un regalo de película para cualquier amante del cine

Reseña de Matria una película de Alvaro Gago

Estrenada en España
Es un regalo para cualquier cinéfilo la forma en la que el director gallego Álvaro Gago ha abordado su ópera prima en largometraje.
“Matria” es en realidad la trasposición a la gran pantalla de una circunstancia que le ocurrió de verdad en su vida familiar, cuando una cuidadora fue capaz de recuperar el decaído estado de ánimo que sufría su abuelo.
Esa particularidad provocó que Gago decidiera rodar un primer corto con esa misma mujer, Francisca Iglesias, que ahora ha devenido en un largo dramático de ficción magistralmente interpretado por la actriz de Pontevedra María Vázquez, quien prácticamente monopoliza todo el relato en una actuación asombrosa que el realizador logró seguir, inclusive con algunos planos secuencia que a priori tal vez podrían haber sido dificultosos, pero que están muy bien resueltos.
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Gustavo Garzón actúa en “Cuando ya no esté” de Martín Viaggio

Gustavo Garzon en Cuando ya no este de Martin Viaggio

Estreno en Buenos Aires
Gustavo Garzón es el veterano actor que protagoniza “Cuando ya no esté”, la más reciente película del director argentino Martín Viaggio que es una historia de redención, un drama en el cual un padre de familia que ha sido diagnosticado de una temible enfermedad terminal trata de comprender cada una de las acciones y experiencias que han marcado su vida mientras se busca una solución sanitaria al problema que padece.
Nos encontramos frente a un relato con varias capas en el cual su actor principal intenta redescubrir a la que ha sido su compañera sentimental, al tiempo que busca redimirse de su mala relación con su propio hijo.
El film parte en una clave amorosa hacia alguien que se va, pero también explora otros aspectos de la vida particular de Arturo, adentrándose en una especie de reflexión psicológica sosegada en torno a la existencia y la muerte.
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“The Quiet Migration”, de Malene Choi; adopción y algunos efectos

The Quiet Migration de Malene Choi adopción y algunos efectos

Carl es un joven danés, pero sus rasgos físicos revelan que ciertamente sus antepasados vivieron en un lejano país asiático hoy llamado Corea del Sur y que, obviamente, se trata de un hijo adoptado por un matrimonio con raigambre en Dinamarca. La directora danesa Malene Choi trasladó en esta película su propia experiencia personal, la cual desarrolla en un guion de completa ficción pero que sí que contiene muchos elementos y situaciones que ella vivió al ser considerada como una chica “distinta” durante su infancia, adolescencia e inclusive actualmente.
“The Quiet Migration” es una película que, además de haber sido premiada por la crítica que la valoró en la sección Panorama de la Berlinale de este año 2023, contiene todas las piezas necesarias para que el espectador pase un rato agradable y de empatía, pues está lejos de ahondar en los aspectos dramáticos que a otros les gusta enfatizar.
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Todd Solondz: “Me gusta jugar y a veces no me siguen el juego”

febrero 28, 2023 NOTICIAS
Filmoteca de Catalunya Todd Solondz Americana Film Fest 2023

Filmoteca de Catalunya – Americana Film Fest
Cineasta extravagante donde los haya, el estadounidense Todd Solondz pasó por la Filmoteca de Catalunya para presentar el ciclo sobre su obra cinematográfica que está incluido en la programación del décimo Americana Film Fest de la ciudad de Barcelona.
Nacido en Nueva Jersey en 1959, el realizador es todo un referente del cine independiente de Norteamérica, al ser sus películas un intento de radiografiar la moral de su país desde un punto de vista áspero y mordaz, casi siempre incluyendo imágenes que incomodan al espectador por su violencia a nivel sexual o por ser marcadamente explícitas en ese sentido. Entre sus espectadores hay de todo, desde gente que lo alaba hasta quienes directamente lo insultan cuando presenta una película allí en los Estados Unidos.
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Cuál es el secreto del éxito del film “Aftersun”, de Charlotte Wells

Cual es el secreto del exito de Aftersun de Charlotte Wells

Charlotte Wells es una directora británica afincada en Nueva York cuya más reciente película, “Aftersun”, fue acogida con mucho interés a su paso por el Festival de Cine de Cannes, algo que según ella misma declaraba en aquel entonces, resultó ser completamente inesperado ya que pensaba que una producción de este tipo, que carece de grandes artificios de tipo narrativo, pasaría por allá como una película más entre otras muchas.
El filme es la aventura vacacional de Calum, un joven padre separado que pasa unos días en Turquía junto a su hija Sophie de 11 años, vista veinte años más tarde a través de lo que el guion establece como una sucesión de grabaciones en vídeo de tipo casero, y observada como una interesante mezcla de recuerdos y melancolía.
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“La Maternal”, disgusto, reparación y vida de unas madres adolescentes

diciembre 3, 2022 CRÍTICAS UNIVERSO DEL CINE
Reseña de La Maternal película de Pilar Palomero

El segundo largometraje de la directora aragonesa Pilar Palomero seguro que no deja indiferente a ningún espectador. “La Maternal” es una película que aborda, intercalando algunas escenas más cercanas al documental, una ficción sobre un tema puntiagudo, el de las madres adolescentes que tienen que intentar salir adelante con un embarazo que en la inmensa mayoría de los casos no es deseado.
La realizadora definía el film como una historia sobre la fortaleza, la valentía, la superación, pero también sobre la incomunicación, el miedo y el abandono, y razón no le faltaba, pues el guion de este relato está basado en toda una serie de parámetros establecidos a través de una línea tan discontinua como muchas veces es la vida misma en lo que tiene que ver con determinados aspectos. Lo bueno de todo esto es que “La Maternal” convence y conlleva no pocos puntos de conexión con su audiencia.
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Andreas Kleinert: “El protagonista del film habría vivido en El Raval”

octubre 25, 2022 UNIVERSO DEL CINE
Filmoteca Cinema Alemany actual Lieber Thomas de Andreas Kleinert

“Estoy convencido de que Thomas Brasch, pese a que murió en el año 2001, si hubiese tenido que escoger un barrio en el cual vivir habría sido este de El Raval, porque a él no había otra cosa que le desagradara más que las barriadas bonitas en las que todo está en orden”, explicó en Barcelona el cineasta alemán Andreas Kleinert, autor de “Lieber Thomas”, la película de inauguración de la décimo primera edición del Ciclo de Cinema Alemany actual que todos los años acoge la Filmoteca de Catalunya.
Kleinert ha arrasado este año en las categorías principales de los Premios Lola de la Academia de Cine de Alemania con una biopic sobre uno de los talentos literarios más grandes de la antigua República Democrática Alemana (RDA), un tipo que fue muy despreocupado con los convencionalismos y que con su excentricidad fue capaz de desafiar las imposiciones de aquel régimen político.
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Cinema Jueu 2022: memoria histórica, migraciones y feminismo

octubre 25, 2022 UNIVERSO DEL CINE
Festival Cinema Jueu Barcelona 2022 Memoria migraciones y feminismo

El Festival de Cinema Jueu de Barcelona alcanzó este año su vigésimo cuarta edición y, en esta ocasión, apostó por una reflexión acerca de la transmisión de la memoria histórica, la viabilidad de la convivencia intercultural y el acceso a obras cinematográficas concebidas por mujeres, como respuesta a la larguísima discriminación que ellas han sufrido, y no sólo en el ámbito creativo.
La programación de esta muestra nuevamente se reveló muy diversa y sensible con los legados culturales que recibimos y cómo estos se transforman con la sucesiva llegada de las nuevas generaciones, más una atención especial a aquellos que se vieron transformados por el exilio o la emigración.
Además de la Filmoteca de Catalunya, las proyecciones se extendieron también al Cinema Truffaut de Girona y al Born Centre de Cultura i Memòria de Barcelona.
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Pregón de la Merçè: Carla Simón presenta una secuela de “Alcarràs”

septiembre 26, 2022 NOTICIAS
Pregón de la Merçè Carla Simón presenta secuela de Alcarràs

Las fiestas patronales de la ciudad de Barcelona se vistieron de cine este año, pues la cineasta catalana Carla Simón aceptó el desafío que le propuso la alcaldesa Ada Colau de pronunciar el pregón de la edición de 2022, en una celebración en la cual priman las muestras de cultura popular.
Para la recién ganadora del Oso de Oro a la mejor película en Berlín, en un contexto actual en el cual no se para de hablar de la guerra, “en el mundo hay cosas todavía que celebrar”.
La directora nació en el Hospital de Mar de Barcelona, aunque su familia de entonces vivía en Badalona, y más tarde se fue a vivir a un pueblo de la comarca de La Garrotxa de características muy similares a las que retrata en “Alcarràs”.
Regresó a la capital de Catalunya a la edad de 17 años, momento en el cual se puso a estudiar la carrera de Comunicación Audiovisual.
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Adrián Silvestre (Mi vacío y yo) trata de encumbrar nuevos talentos

septiembre 15, 2022 UNIVERSO DEL CINE
Reseña de la película Mi vacío y yo de Adrián Silvestre

El estreno de la película “Mi vacío y yo” revela el interés que el director de cine Adrián Silvestre muestra de que sus actrices tengan un espacio de continuidad en el universo cinematográfico.
A nadie se le escapa que el cambio habido con respecto a su primera película, en lo que se refiere al paso desde el documental a la más pura ficción, va en esa dirección, al margen de que la actuación de su protagonista, la francesa Raphaëlle Pérez, es muy meritoria.
Lo hizo Almodóvar con su equipo habitual allá por los años 80 y ahora es Silvestre quien intenta en su segundo filme mantener aquel mismo espíritu de persistencia de unas personas que desean interpretar para el séptimo arte.
“Mi vacío y yo” es una película que llama a la empatía del espectador y que está enfocada en las virtudes y complejidades de su personaje principal.
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“Delante de ti”, alma y calidez humana en las relaciones familiares

Reseña de la película Delante de ti de Hong Sangsoo

Estrenada en España
El cineasta coreano Hong Sangsoo prosigue con su singular estilo cinematográfico en “Delante de ti”, nueva entrega de su ya extensa filmografía que en este caso ahonda en la problemática interna de una mujer que habiendo permanecido un largo tiempo de su vida en los Estados Unidos de América, decide regresar a su Corea del Sur natal para reencontrarse con los seres queridos que componen su familia.
La película va poco a poco revelando diferentes aspectos que tienen que ver con su pasado. Quizá el más llamativo de ellos sea el hecho de que en su juventud fue una antigua estrella de la gran pantalla que un día determinado decidió abandonar el país para buscar nuevos horizontes en su futuro.
Ahora el tiempo ha pasado y los interrogantes alrededor de lo que seguirá haciendo o no, se van repitiendo con mayor frecuencia.
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Contrastes sociales y personales en “Benediction” de Terence Davies

Reseña de la película Benediction de Terence Davies

El británico Terence Davies es muy dado a mostrar fuertes contrastes en sus historias y tratar de enlazarlos a lo largo de todo el relato, haciéndolo con éxito la mayoría de la veces.
En “Benediction” será fácil encontrarse con la impresión de que se está viendo dos películas en una, independientemente del hecho de que los protagonistas del film son los mismos, y ello es debido a que la película cuenta una misma evolución, pero desde dos perspectivas diferentes.
Aquí la figura central es el soldado y escritor antibelicista Siegfried Sasoon, un hombre complejo que sobrevivió a los horrores de combatir en la I Guerra Mundial y fue condecorado por su valentía, pero a su regreso se convirtió en un firme crítico de la continuación de la guerra por parte de su gobierno. Este giro no es el único que podemos ver, pues también hay otros en el film.
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“Introduction”, de Hong Sangsoo; seriedad e informalidades en Corea

Reseña de la película Introduction un film de Hong Sangsoo

Estrenada en España
Para Hong Sangsoo, la sensibilidad y los matices en las relaciones humanas son tan importantes que una de las cosas que suele hacer es escribir los guiones pensando en la personalidad de los actores y actrices que previamente ha decidido para cualquiera de sus películas.
“Introduction” es un filme que abunda en esa necesidad suya de expresarse artísticamente mostrando cosas que únicamente se pueden revelar con imágenes (aquí en blanco y negro) y muy sutilmente a través de los gestos y los diálogos de los personajes.
Un joven llamado Youngho sueña con llegar a trabajar como actor algún día, pero se topa con sus propias dudas ante la disyuntiva de sus padres y los nuevos retos a los cuales se quiere enfrentar Juwon, la chica con la que sale. sigue...

Osvaldo Andreoli presenta el libro ‘Alfredo Alcón, el actor de la utopía’

marzo 4, 2022 UNIVERSO DEL CINE
Libro Alfredo Alcón el actor de la utopía Osvaldo Andreoli

El prominente actor argentino Alfredo Alcón falleció el 11 de abril de 2014, a los 84 años. Fue y es considerado el primer gran actor de la Argentina, y coincidiendo con el que habría sido su 92 cumpleaños, el crítico cultural, periodista, poeta y teatrista Osvaldo Andreoli ha publicado un ensayo poético a través de la Editorial Leviatán.
«Alfredo Alcón, el actor de la utopía» es un texto basado en su experiencia personal y el bagaje de su memoria estremecida, en el cual comparte reflexiones, testimonios, enfoques y polémicas, cotejando tanto las miradas confrontadas como los eventos compartidos.
Según Andreoli, al delinear un perfil reconocible de Alfredo Alcón, no cabe la imparcialidad, pero al atenerse a los acontecimientos arriba y abajo del escenario, ahí sí que cabe esperar por parte del lector un cierto grado de objetividad.
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“Competencia Oficial”, divertida sátira sobre el firmamento actoral

febrero 25, 2022 CRÍTICAS UNIVERSO DEL CINE
Reseña de Competencia Oficial de Mariano Cohn y Gastón Duprat

Los realizadores argentinos Mariano Cohn y Gastón Duprat poseen una robusta carrera en el mundo del audiovisual que ya cuenta con algunos títulos de éxito. En su nueva película han tenido la oportunidad de trabajar con intérpretes de la talla de Penélope Cruz, Antonio Banderas y Oscar Martínez.
“Competencia Oficial” es una historia sobre los egos y las disputas entre los actores y actrices, que se enfoca en algunas situaciones inherentes a la preparación de los rodajes de las películas.
A un empresario de edad avanzada le entra de repente la necesidad de darse a sí mismo un capricho filantrópico y decide contratar a una directora de cine para que haga una película con dos ilustres y afamados actores.
Pero el improvisado productor desconoce cuál es es grado de egolatría que envuelve la mente de tan renombradas y prestigiosas figuras de la actuación.
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“Azor”, un excelente drama financiero de Andreas Fontana

febrero 22, 2022 CRÍTICAS UNIVERSO DEL CINE
Reseña de la película Azor dirigida por Andreas Fontana

Llegó a las salas cinematográficas del territorio español un excelente drama político-financiero, cuyo guion fue ideado por el realizador suizo Andreas Fontana. Se trata de “Azor”, una película de ficción cuyo guion está vinculado a los detalles que el autor de esta historia pudo recabar sobre el terreno entre la alta burguesía argentina, aunque el film está circunscrito a un periodo determinado de los años 80 que abarca aquella ya por suerte pretérita dictadura cívico-militar.
Si bien lo que más sobresale de este filme es su excelente factura técnica e interpretativa, también es importante reseñar el interés que sus diálogos generan y, por supuesto, su credibilidad.
“Azor” se sitúa en el viaje que un banquero suizo llamado Yvan De Wiel realiza a Buenos Aires junto a su esposa, inicialmente para encontrar un nuevo socio y averiguar qué ha pasado con un compañero suyo desaparecido.
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CINESTEL, WEB FUNDADA EN JULIO 2005

FILMOTECA DE CATALUNYA_JUNY 2026

Aquest mes de juny en la Filmoteca de Catalunya tenim la possibilitat de veure cicles de Radu Jude; Barbara Hammer; Dies curts: Rocío Montaño; Japanimerama; Llogateres del món i Pink Narcissus a la restauració del mes.

Radu Jude

Extensa retrospectiva dedicada a una de les figures més interessants i prolífiques del cinema actual. La Filmoteca compta amb la seva presència per presentar una obra radicalment contemporània, no només pels temes que tracta (l’explotació laboral, el món de la publicitat o les xarxes socials), sinó perquè la mateixa forma absorbeix i qüestiona les mutacions de la imatge actual. Els conflictes ètics, socials i polítics que despleguen les seves pel·lícules estan profundament ancorats al present, alhora que manifesten el pes d’una herència que posa en crisi la història europea. Jude desafia amb un retrat àcid i sense concessions de la seva Romania natal, amb una llibertat formal desacomplexada, un sentit de l’humor incòmode i un ús depurat de la ironia. Un dels seus films més recents, Dracula, es presenta en el marc del +RAIN Film Festival de la Universitat Pompeu Fabra. (més informació)

Llogateres del món

Precisament el darrer film de Radu Jude, Kontinental’25, també forma part d’aquest cicle que centra el debat en la lluita per un habitatge digne, com un dels principals fronts de mobilització dels nostres dies. El cineasta romanès mantindrà una xerrada amb joves participants al taller Vivim el barri després de la projecció dijous 4 de juny. El programa continua tot el mes amb una selecció de pel·lícules que, des de diferents contexts històrics i geogràfics aborden la precarietat habitacional, els desnonaments, el sensellarisme i l’especulació com a símptoma d’un problema profundament polític. Entre d’altres s’hi podran veure Il tetto (Vittorio de Sica, 1956); El largo viaje hacia la ira (Llorenç Soler, 1969), Wendy & Lucy (Kelly Reichardt, 2008) i L’home sense nom (Wang Bing, 2009). (més informació)

Barbara Hammer

Continua la retrospectiva encetada al maig i organitzada amb la col·laboració de la Mostra Internacional de Films de Dones. El cicle explora l’obra d’aquesta cineasta i artista visual estatunidenca, lesbiana i feminista militant, que va concebre el cos com a espai de coneixement i d’acció política. Al llarg de cinc dècades, Hammer explora la representació del cos i el desig en nombrosos curtmetratges i llargmetratges, tant analògics com digitals, a través d’una experimentació formal en constant evolució. Filma el desig, el tacte i la vulnerabilitat com a formes de pensament i com a gest de llibertat. Hammer s’aproxima a tot allò que travessa la seva vida: els vincles afectius, el paisatge o la malaltia, amb una curiositat que esdevé font constant d’entusiasme i qüestionament crític.
(més informació)

De bell nou. La restauració del mes: ‘Pink Narcissus’

Recuperada gràcies al treball de la UCLA Film & Television Archive, la pel·lícula de James Biggood és considerada una obra de culte i una autèntica joia de l’estètica camp, imprescindible per entendre una possible expressió visual queer contemporània. Com una fantasia eròtica suspesa entre el somni i la realitat, aquest poema visual s’endinsa en la ment d’un jove prostitut que, mentre espera un client, s’abandona a una processó d’escenaris imaginaris. Un univers de colors saturats, decorats artificials i sensualitat desbordant construeix una exploració singular del desig i la bellesa, travessada per una ombra latent: la por a l’envelliment i a la pèrdua del propi encant. (més informació)

Japanimerama, punt final

Acaba aquest viatge al cor de l’animació japonesa que hem emprès des del mes d’abril, amb una acurada selecció de títols que mostren la diversitat d’estils i temes que han convertit a l’anime en un referent cultural global, també en la programació familiar de FilmoXica. I una de les cites pendents imprescindibles és la recuperació, en un programa doble, de les dues parts de Ghost in the Shell, les dues pel·lícules per antonomàsia del ciberpunk. Dues obres mestres del gènere signades per una de les seves ments més privilegiades: Mamoru Oshii. La segona part, Innocence, va ser el primer anime de la història seleccionat per competir a la Secció Oficial de Cannes.
(més informació)

Dies curts: Rocío Montaño

El cicle dedicat a cineastes emergents tanca temporada amb Rocío Montaño, cineasta i mestra de primària, graduada en Comunicació Audiovisual. Com a cineasta, la seva activitat se centra en els vídeo-diaris i el cinema domèstic. El programa que presentarà inclou títols tan suggeridors com Ansiedad y la cámara, Melocotones tardíos, Esto es agua o Cuadernos de cangrejos. (més informació)

I també…

Les golfes, el cicle que rescata el cinema més transgressor, programa una indiscutible pel·lícula de culte, motiu de projeccions especials arreu del món per celebrar la seva singularitat: Troll 2, l’enèsima demostració que les pel·lícules batejades com “la pitjor pel·lícula de la història” sempre troben el seu lloc. A Troll 2 ni tan sols hi surten trolls: hi surten goblins. La presentarà la comissària del cicle, Desirée de Fez. (enllaç)

Visibilitzem el cinema català està dedicat a la vessant com a productor de Josep M. Forn (Barcelona 1928-2021), figura fonamental en la història del cinema català. El seu nom és al darrere d’alguns projectes clau (La ciutat cremada) i en el debut de cineastes com Gonzalo Herralde o Ventura Pons. La sessió reuneix tres exemples de les desenes de curts que va impulsar per descobrir nous talents de casa nostra: Tango (Mario Gas, 1975), La casa d’Odin (Paco Poch, 1979) i La festa dels bojos (Lluís Racionero, 1977). (enllaç)

L’exposició Isabel Herguera. El desig d’un lloc imaginat tanca portes el 14 de juny. Darreres oportunitats de descobrir el talent i l’univers d’aquesta artista i animadora. Dimecres 3 de juny, darrera visita guiada, a càrrec de Laura Ginès, comissària del cicle paral·lel Isabel Herguera. Imaginaris compartits, que s’aproximarà al treball d’Herguera des de la pràctica artística compartida, aprofundint en la tècnica del multiplà i en l’obra més plàstica (dibuixos i llibretes de viatge), que revela la gènesi del cinema d’Herguera. (enllaç)

També es clou el cicle Fritz Lang. El període mut amb dos guions signats per la que aleshores era la dona del director, Thea von Harbou, Els espies i La dona a la Lluna, dos films de 1928 que donen pas a la seva filmografia sonora, objecte d’un nou cicle a partir de juliol, coincidint amb l’any del 50è aniversari de la mort del mestre alemany. (enllaç)

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‘La producción audiovisual y su respaldo jurídico’ no es un libro más de Julio Raffo, sino un texto de lectura y de consulta imprescindible para los distintos profesionales de la industria del cine que deseen estar al tanto sobre cómo, conforme a la Ley de Cine, se regula en la Argentina la actividad productiva que conlleva la realización de películas, atendiendo no solamente a disposiciones legales y su marco regulatorio, sino que también a ejemplos prácticos y anécdotas. (saber más)

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CARTEL DE DARÍN EN SAN SEBASTIÁN

3 junio 2026 – El reconocido actor argentino Ricardo Darín será la “imagen oficial” del cartel de la 74 edición del Festival de San Sebastián a celebrar este próximo mes de septiembre, con la presencia importante de la que será nueva directora del certamen Maialen Beloki (co-dirigiendo con José Luis Rebordinos hasta el final de diciembre de este año). Darín ya fue distinguido nueve años antes, en 2017, con el Premio Donostia. Este cartel oficial fue diseñado por el estudio donostiarra Wallijai, que creó un collage a partir de un retrato tomado en 2024 por el fotógrafo y músico argentino Sebastián Arpesella.

Ricardo Darín fue descubierto para el cine por Adolfo Aristaráin cuando a sus 22 años de edad participó en el rodaje de “La discoteca del amor”, estrenada en 1980, una película cuya idea original tuvo la finalidad de promocionar un disco LP de música que fue vendido en paralelo a su estreno. Está considerado como uno de los mejores y más prolíficos actores de la Argentina, y sobre todo en el exterior, dándose la paradoja de que las grandes distribuidoras del territorio español suelen plantear reticencias a la hora de exhibir películas argentinas en las que no participe Darín. Curiosamente a diferencia de Francia, donde sí que hay mayores posibilidades de ver filmes argentinos sin la supuesta “necesaria presencia” del afamado actor que plantean las grandes compañías ibéricas de distribución cinematográfica.

PALMA DE ORO PARA CINEASTA ARGENTINO

24 mayo 2026 – Deben de andar disgustados en estas fechas los responsables del (des)gobierno de Argentina formado por los partidos de Milei/Macri, pues un argentino, Federico Luis, logró la Palma de Oro en Cannes en medio de la crisis del INCAA. El director ganó la distinción por su cortometraje “Para los contrincantes”, que debió rodar íntegramente en México con fondos de ese país, Chile y Francia, ante el desfinanciamiento del INCAA y la consiguiente paralización del soporte estatal para el cine local.

El director subió al escenario de la Sala Lumière para recibir el galardón de manos de la realizadora catalana Carla Simón, y conmovió al auditorio con su discurso: “Es maravilloso estar aquí y también un poco agridulce, cuando sabemos que tantas cosas crueles están pasando en el mundo”. El cortometraje relata la historia de un niño de 10 años sumido en el mundo del boxeo infantil en el barrio mexicano de Tepito.

Federico Luis es un destacado cineasta argentino reconocido internacionalmente por su trabajo en dirección de cine independiente, que ya había triunfado en la edición 2024 de Cannes al ganar la Semana de la Crítica con su largometraje “Simón de la montaña”, hecho con el apoyo de los gestores anteriores del Instituto de Cine. Y se da la circunstancia de que su siguiente ficción en un largo también va a ser rodada en México, aunque Luis no es de los que a posteriori de la edición de un corto derivan la historia hacia un largometraje, sino que procura que cada film sea una obra independiente de la otra.

El jurado presidido por el director surcoreano Park Chan-wook e integrado, entre otros, por la actriz estadounidense Demi Moore y por el actor sueco Stellan Skarsgard, decidió otorgar su Palma de Oro al Mejor Largometraje a “Fjord”, del rumano Cristian Mungiu, una película que resultó ser polémica porque desde la ficción critica con vehemencia a los servicios sociales de Noruega que, entre otras cosas, deben velar por el bienestar de los niños sobre quienes se sospecha que han sido objeto de abusos y malos tratos por parte de sus padres.

El Gran Premio de Jurado fue para “Minotaur”, de Andrei Zviaguintsev y el de la Mejor Dirección fue, ex-aequo, para Pawel Pawlikowski por “Fatherland” y para Javier Calvo y Javier Ambrossi (Los Javis) por “La bola negra”, una película producida por Pedro Almodóvar, un cineasta que es todo un clásico muy admirado y querido en el Festival de Cannes.

27 MAYO: HOMENAJE A RAYMUNDO GLEYZER

21 mayo 2026 – Raymundo Gleyzer es uno de los cineastas imprescindibles del cine militante argentino y latinoamericano. En diez años de trabajo produjo una serie de cortometrajes y largometrajes que retratan las temáticas más urgentes de los 60s y 70s, que no sólo no han perdido vigencia y valor sino que lo han acrecentado. Ver sus películas hoy es conectar con la mirada lúcida de un cineasta comprometido con el tiempo que le tocó vivir. Raymundo Gleyzer fue secuestrado y desaparecido el 27 de mayo de 1976, a sus 34 años. Este año se hace una revisión su obra restaurada a 50 años de su asesinato en manos de la dictadura cívico-militar.

Desde el Foro Audiovisual de la Provincia de Buenos Aires han convocado a una proyección federal y simultánea para este 27 de Mayo. Las proyecciones alcanzan también algunos cines ubicados en España, que ese día también ofrecerán el visionado de algunas películas del célebre cineasta en homenaje a su autor y a su ingeniosa forma de retratar algunos problemas sociales. Además, desde el Foro también han convocado a todo el sector del cine y la cultura nacional argentina a que se sumen a esta iniciativa.

Raymundo Gleyzer no sólo filmó con la cámara, también lo hizo con la historia. No sólo rodó películas, sino que dejó trazado un camino. A 50 años de su desaparición, su nombre resurge cada 27 de mayo para recordarnos que el cine puede ser una herramienta poderosa, un arma creativa cargada de futuro.

En cuanto a las proyecciones en el territorio español, los residentes en Santiago de Compostela y alrededores tendrán la oportunidad de ver algunas de sus películas a las 19:00h de ese día, (enlace). Y se sabe que se las películas también se exhibirán en la Elías Querejeta Zine Eskola de Donostia-San Sebastián. En cuanto dispongamos de más enlaces, ampliaremos esta información.

“SOMUDL”, LA NOVA SECCIÓ DEL SOM CINEMA

El festival Som Cinema ha posat en marxa la convocatòria del SomUdL, una nova secció oberta a tot l’estudiantat de qualsevol titulació que vulgui presentar curtmetratges de ficció i documentals a concurs. La convocatòria, promoguda pel Vicerectorat de Cultura de la UdL i destinada a que l’alumnat “pugui expressar les seves inquietuds lliurement i transmetre la seva visió del món a través del llenguatge audiovisual”, restarà oberta fins al 10 de juliol. El festival Som Cinema tindrà lloc entre els dies 21 i 25 d’octubre, i la inclusió de la nova secció SomUdL és una de les grans novetats d’aquesta 17a edició.

Amb aquesta iniciativa, destinada a “enfortir el vincle de la Universitat de Lleida amb el cinema i la cultura a la nostra ciutat, tot posant en valor la creativitat del nostre estudiantat”, els organitzadors volen potenciar l’obertura del festival a tots els sectors de la ciutat i molt especialment als joves, que constitueixen el futur d’aquest àmbit de la creació audiovisual.

L’estudiantat interessat pot consultar les bases i el formulari d’inscripció al web www.somcinema.cat o enllaçar-hi a través del web www.udl.cat/ca/organs/vicerectors/vc/.

Cal recordar que, a banda d’aquesta nova secció, Som Cinema consta de les seccions oficials de Llargmetratges i Curts de Ficció, Llargmetratges i Curts Documentals i Som Secundària, i té una dotació de 2.000 € per a pel·lícula de ficció guanyadora.

El festival està organitzat per Suggeriments, amb el suport de l’Ajuntament de Lleida, Institut d’Estudis Ilerdencs de la Diputació de Lleida, ICEC-Generalitat de Catalunya, Universitat de Lleida i Fundació Horitzons 2050.

PALMARÈS DEL 29 FESTIVAL DOCSBARCELONA

17 maig 2026 – El Jurat Oficial de la 29ª edició del DocsBarcelona va concedir el Premi a la Millor Pel·lícula a Amazomania, documental que revisita l’expedició de 1996 a l’Amazones per filmar la tribu aïllada dels Korubo i que qüestiona el llegat colonial i les conseqüències humanes de la denominada “descoberta”. El film està dirigit pel suec Nathan Grossman, reconegut internacionalment per una trajectòria centrada en qüestions socials i mediambientals. Va començar la seva carrera com a fotògraf per a Rolling Stone i va passar al cinema amb el curt viral The Toaster Challenge, sobre el consum d’energia humana. En el seu primer llargmetratge, I Am Greta, va seguir Greta Thunberg des del primer dia de la seva vaga escolar fins a la fama mundial i va ser guardonat amb el Critic’s Choice i l’Emmy.

El mateix jurat també va atorgar una Menció especial a Das Deutsche Volk, una obra dirigida per Marcin Wierzchowski que reconstrueix l’atac racista de Hanau, a Alemanya, a través del testimoni de supervivents i familiars de les víctimes, exposant el racisme estructural a l’Europa contemporània.

El Jurat Docs&Cat va premiar amb el Premi a la Millor Pel·lícula Catalana– XAL The Travelers, un film que acompanya un grup de migrants a la frontera entre el Marroc i Espanya mentre esperen el moment de travessar cap a Europa, convertint la càmera en eina de supervivència i esperança compartida. Està dirigit per David Bingong, que va rodar el film durant el seu propi viatge migratori.

La Menció especial del Jurat Docs&Cat va recaure en Bèstia, retrat de tres caçadors de la Catalunya interior que reflexiona sobre la masculinitat rural i les contradiccions entre tradició i mirada contemporània. El documental és l’òpera prima de Helena Garza, autora vinculada a la no-ficció i a la investigació antropològica.

Corren las liebres va ser la producció més ben valorada pels espectadors d’aquesta edició del DocsBarcelona, que li han concedit el Premi del Públic – Moritz. El Premi Amnistia Internacional Catalunya i el Premi Docs del Jurat – Antaviana van reconèixer Atlas de la desaparición, de Manuel Correa, una investigació documental sobre les persones desaparegudes traslladades al Valle de los Caídos i sobre les eines forenses que avui permeten reconstruir-ne la memòria.

“Enguany hem volgut que el DocsBarcelona fos, encara més, un festival arrelat a la ciutat. Creiem que aquest és l’únic futur possible: generar espais de diàleg amb Barcelona on ens trobem i convertir-nos en un esdeveniment fet des de la ciutat i per a la ciutat”, va destacar Maria Colomer, codirectora artística i cap de programació.

“VIVA”, AINA CLOTET DEBUTA EN LA DIRECCIÓ

15 maig 2026 – L’actriu catalana Aina Clotet ha presentat a la Setmana de la Crítica del Festival de Cannes la seva òpera prima com a directora, “Viva”, una pel·lícula centrada en el desig intens de viure. “Aquesta història neix de la meva necessitat de parlar de la por: la por a la mort, la por a la solitud. Però, en el fons, la por a la solitud més profunda és la por a la mort”, va explicar Clotet a França.

Amb una combinació d’humor, intensitat emocional i una mirada profundament humana, “Viva” aborda qüestions com la dependència afectiva, la passió, la por a la mort i la necessitat de trencar amb les estructures tradicionals que condicionen les nostres vides. La mateixa directora assumeix també el paper protagonista.

La història segueix la Nora, de 40 anys, que, després d’un enfrontament directe amb la mort, es veu impulsada per una necessitat urgent de sentir-se viva. S’endinsa en relacions apassionades amb dos homes molt diferents, en Tom i en Max, les personalitats oposades dels quals reflecteixen el seu propi conflicte interior. Tanmateix, quan cap dels dos no aconsegueix omplir el buit que sent, la Nora es veu obligada a afrontar una veritat més profunda: haurà d’enfrontar-se a una por que alimenta el seu desig de viure.

Produïda per Ikiru Films i Funicular Films, “Viva” marca el debut d’Aina Clotet en el llargmetratge, després d’una consolidada trajectòria com a actriu en cinema, televisió i teatre. El guió, signat per Clotet i Valentina Viso, presenta el film com una tragicomèdia contemporània que explora el desig de viure, la por a la mort i la complexitat de les relacions afectives. El repartiment es completa amb Naby Dakhli, Marc Soler, Loll Beltran i Zaira Pérez, amb la col·laboració especial de Guillermo Toledo i Josh Zuckerman.

FALLECIÓ EL CINEASTA ADOLFO ARISTARÁIN

26 abril 2026 – Falleció a los 82 años de edad el cineasta argentino Adolfo Aristaráin, según un comunicado difundido por la Academia Española de Cine. Recibió numerosos reconocimientos por sus películas, entre los que destaca la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián por su filme “Un lugar en el mundo”. No hace mucho tiempo, esa misma Academia le condecoró con su Medalla de Oro, pero no pudo viajar a España como consecuencia del terrible miedo a volar que padecía, una fobia que compartía con uno de sus actores preferidos para trabajar en el cine, Federico Luppi.

Aunque durante su vida hizo multitud de trabajos audiovisuales, sus películas más reconocidas fueron, aparte de la anteriormente mencionada: Tiempo de revancha, La ley de la frontera, Martín (Hache), Lugares comunes y Roma, su último largometraje, pues aunque tenía algunos proyectos más, nunca se llegaron a concretar. En mayo del año 2022 presentó en Buenos Aires su libro titulado El Oficio del Cine.

Trabajó con gente tan conocida como Federico Luppi, José Sacristán, Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Juan Diego Botto y Susú Pecoraro, entre otros muchos.

En enero de 2024 publicó un texto en el diario Página12 en el que llamaba a movilizarse contra las políticas del gobierno de Milei/Macri que acababa de ganar las elecciones. A raíz de esa publicación, el fiscal federal Carlos Stornelli denunció penalmente al director de cine por instigación a cometer delito, intimidación pública e incitación a la violencia colectiva. La iniciativa no prosperó en los tribunales.

El mencionado texto de Aristaráin comenzaba diciendo: “Gracias a un grupo lamentablemente numeroso de imbéciles, ignorantes y zombies que una vez votó a Macri, y ahora a su bufón Milei y a toda la banda de rufianes que los acompañan, se entregó el gobierno y administración del pais a una banda organizada que no tiene ideología, que busca sólo sacar provecho y rematar las industrias, los minerales, todo lo que puedan, sin límite”.

Adolfo Aristaráin era un director honesto, intransigente y profundamente moralista, con una firme convicción ética que se reflejaba en su cine y en su vida. Defendió historias que él consideraba que cautivarían al público a través de unos ideales críticos de la realidad social y el individualismo ético.

Y él mismo se definía como alguien que aprendía un oficio en el cine, con un espíritu anticonformista arriesgado, sensible y cuestionador ante la obediencia ciega al poder.

MURIÓ EL CINEASTA ARGENTINO LUIS PUENZO

21 abril 2026 – El cineasta Luis Puenzo, director de “La historia oficial”, película que ganó el Oscar de Hollywood a la Mejor Película Extranjera, murió en Buenos Aires. La noticia fue confirmada por el entorno del director, quien en los últimos años se había alejado de la escena pública por problemas de salud. Tenía 80 años.

Su cine, atravesado por la memoria, la identidad y los derechos humanos, marcó un antes y un después en la proyección internacional de Argentina como país.

Inició su recorrido en el cine publicitario. En 1968 fundó su productora, Luis Puenzo Cine, y en 1974 Cinemanía S.A. En 1973 presentó su ópera prima, Luces de mis zapatos, protagonizada por Pipo Pescador, Norman Briski y Juan Hidalgo, dando inicio a su camino como realizador y productor con una mirada propia.

Su filmografía como director incluye La peste, Gringo viejo, La puta y la ballena, Las sorpresas y Broken Silence. Como productor, participó en XXY, El niño pez, Wakolda, Infancia clandestina, El faro de las orcas, Los últimos y Planta madre.

Fue miembro fundador de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina, participó en la redacción de la Ley de Cine y presidió el INCAA durante un corto periodo de tiempo.

Curiosamente, su fallecimiento llegó uno o dos días después del de un actor argentino relevante que participó en películas como La Patagonia Rebelde y Esperando a la carroza, entre otras. Ambos tenían nombres compuestos casi idénticos: Luis Adalberto Puenzo y Adalberto Luis Brandoni. Tristes ironías de la vida o de la muerte, en este caso.