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«Una familia gay» de Maximiliano Pelosi; ¿Qué cosa es una familia?

diciembre 3, 2013 ENTREVISTAS, VISION DOCUMENTAL

Estreno en la mayoría de los multicines de Buenos Aires.
Hasta hace un tiempo, las parejas argentinas de un mismo sexo tenían que viajar a lugares como España si querían tener legalmente reconocida su unión sentimental. Ahora, con la aprobación de la ley que permite la regulación de los matrimonios homosexuales, en Argentina surgió un debate social al respecto, pero ¿a todo el mundo le atrae el matrimonio como institución? ¿es una copia del matrimonio heterosexual? Mil preguntas comenzaron a surgir sobre este tema, en especial a aquellos a quienes concierne; ¿realmente se quieren casar?

«Una familia gay» es un documental que se apoya en algunos elementos ficcionados, previamente vividos, y en otros de búsqueda de respuestas, en algunos momentos casi a nivel periodístico. El centro del film es una pareja que felizmente han formado su hogar. Maximiliano, actor y director, procede de familia cristiana muy practicante y conservadora, y vive hace cinco años con David, un joven de familia judía ortodoxa que es comerciante de telas y vestidos de novia en el barrio del Once.

Pelosi, quien tiene ya cierto recorrido profesional en el mundo de la producción y realización cinematográfica, nos cuenta más detalles en diálogo con Cinestel.

– ¿Cómo surgió la idea de hacer esta película?

Yo empecé hace mucho tiempo con la idea de hacer una película sobre el divorcio de mis papás, que fue un tanto peculiar, y me empecé a preguntar por qué quería hacer la película cuando mis padres se habían divorciado hacía como 25 años y me dí cuenta de que la quería hacer porque yo ahora me podía casar. A partir de ese momento empecé a hacer una introspección primero, que luego pasó a ser una investigación sobre el porqué casarme o no, y cuando uno piensa estas cosas a nivel personal, lo hace con la gente que tiene alrededor. Entonces empecé a hacer pequeñas entrevistas y la ventaja de eso es que cuando vas a hacer una película y les preguntas a la gente, como saben que es para una película, a veces se dejan preguntar más, otras no, y se obliga a contestar pensando muy profundamente las respuestas.

Eso me hizo ir viendo distintas perspectivas para ir planificando las cosas en relación con la película y su estructura. Ideé las preguntas en función de lo que sabía sobre esas personas y algunas de las respuestas que me iban a dar ya las sabía porque había hecho un proceso de investigación previa. Eso duró casi un año y medio y al hacer definitivamente la película pudimos agregar cosas y cambiar otras, a veces de una manera espontánea. En concreto, la escena de cómo pensar la propuesta matrimonial que aparece en la película salió durante el rodaje y lo más divertido es que iba saliendo y se iba repitiendo en distintas entrevistas desde las de profesionales hasta las más íntimas que son con mis hermanas, siempre acerca de qué es el amor y sus distintas aristas.

– Vuestras familias tienen una posición radicalmente opuesta entre ellas en cuanto a lo que es el hecho de que un hijo tenga preferencias por la homosexualidad, pero ¿vosotros cómo veis el matrimonio? ¿es una opción útil para proteger a quien más quieres como se dice durante el film?

Yo creo que el matrimonio es un montón de cosas y eso es lo más interesante de la película, depende del paradigma en el que uno se pare a pensar en el matrimonio, en cómo lo piense. Para una persona que está dedicada a las leyes, es algo más legal. Para otros más identificados con la religión, es una cuestión religiosa, y para muchos es una cuestión social.

Una familia gay_Maximiliano PelosiLo más interesante que refleja la película es cómo el matrimonio es trasvasado por distintas instituciones, sean legales, sociales, religiosas, familiares,… y cada uno tiene su propia perspectiva respecto a lo que es el matrimonio en sí y a cómo funciona. A mí en lo personal, me parece que toca un poco en mi vida, y eso lo traté de reflejar en la película, pues está tocada por todas estas personas, instituciones y puntos de vista, sino no me hubieran interesado para ponerlas en la historia que cuento. De hecho hubo una escena que no quedó en el corte final, muy interesante, hablando con un rabino, porque para la religión judía el matrimonio no es para siempre. En el matrimonio judío existe el divorcio desde antes que el divorcio legal en las leyes civiles, entonces era muy fuerte encontrarte con una institución mucho más antigua que el estado argentino, el judaísmo, que tiene 5.000 años y ya concibió el «guet», que es un certificado de divorcio.

No quedaron finalmente esas dos escenas porque la película se hacía un poco larga y porque trataba de apuntar la historia a una decisión más personal mía y lo que se trataba era de darle más lugar a la posición y a la duda de mi pareja. Pero eso fue muy fuerte y a mí me hizo pensar bastante en relación a lo que es el matrimonio, cuánto puede durar y si merece la pena casarse. La religión católica está más por la monogamia y el ‘hasta que la muerte nos separe’, mientras que la otra, que es mucho más antigua, te permite reconsiderar esa decisión y descansar de tu pareja con el único motivo de que no se quieren y no se quieran más; te puedes divorciar y eso es como una cachetada a todo lo que uno aprendió durante muchos años.

– Una de las partes de «Una familia gay» que más me llama la atención es cuando aparecen diferentes personas en una ronda social porque ahí puedes ver que efectivamente son gente que pueden llegar a tener dudas y planteamientos comunes  o disímiles pero que al mismo tiempo son bien diversos en su vida cotidiana. ¿Fue fácil convencerlos para que aparecieran en la película?

Es una escena reconstruida de un grupo social al que yo había asistido tiempo atrás que organizaba actividades culturales y de esparcimiento y una de esas charlas era sobre homoparentalidad. De hecho, yo estuve ahí y esas tres personas sí habían hablado en esa charla tal como lo hicieron ante la cámara. Yo les llamé y les pedí que lo reconstruyeran dos o tres años después junto con otras personas nuevas que no tuvieron ningún reparo en salir. Inclusive añadieron algunas cosas más sobre lo que les sucedió durante ese tiempo posterior.

Entre los relatos que tuvimos que descartar para no alargar demasiado la duración de la película, estaba el de una madre lesbiana que había tenido su hijo con un hombre y que cuando lo tuvo se dio cuenta de que no podía negar más que era lesbiana y que el tener el hijo le había permitido darse cuenta de eso. Se reconoció como tal en ese momento y prefirió dejar al padre.

Otra cosa que me pareció importante y así lo hice, fue el tratar de rescatar el humor porque me parece esencial para un discurso y para vivir la vida, por eso traté de que abundaran las situaciones graciosas y cómicas dentro de lo que se dijera y se viviera.

– Interesante también el testimonio de dos gays algo mayores de edad que dicen que nunca se habrían planteado ellos el tema del matrimonio. ¿De las opiniones que habéis podido cursar en parejas gays y lesbianas, existe también esa percepción en general?

Yo creo que a mucha gente nos sorprendió mucho el tema del matrimonio. Unos de los entrevistados mayores es un viudo, una persona que pudo casarse, se casó, y desgraciadamente enviudó, y parte de la pregunta inicial y la causa de la película es pensar que ahora nos podíamos casar y si queríamos hacerlo. Esa fue la pregunta que a mí me hizo pensar el hacer esta película. En algún punto, la sociedad avanzó mucho más rápido de lo que avanza uno y fue como una patada en la cabeza. Yo a los 17 años pensaba que no me iba a poder casar, que no iba a poder tener hijos ni una familia, y 17 años después, a los 34, se aprobó la ley del matrimonio igualitario.

Una familia gay película documentalNo era que había sido un hecho ajeno o que no me hubiera interesado, de hecho había trabajado como militante en una pequeña organización y me había reunido con senadores y diputados para plantearles distintas posiciones en pos del matrimonio igualitario, lo cual pensábamos que eso no iba a hacerse realidad, que no se iba a aprobar esta ley, que iba a ser una ilusión y una parte, un escalón de la lucha. Cuando finalmente esto se logra de una manera entre comillas «rápida», en un proceso de año y medio más o menos, nos sorprende a todos porque nos obliga a replantearnos. Nosotros pensábamos que íbamos a tener que seguir luchando y nos dimos cuenta de que no; nuestra lucha era por la igualdad, por que se nos considerara iguales, pero no sé hasta qué punto estábamos luchando por casarnos. Ese era el hecho simbólico de la igualdad de nuestras relaciones, al menos simbólico porque esa realidad todavía no existe en la calle, ni en el colectivo cultural de la ciudad ni en el país, aunque la situación es mejor en la capital que en el resto de la nación.

Creo que cuanto mayores y más grandes somos las personas, más alejados estábamos de la idea de podernos casar. Yo me crié en una sociedad en la que el discurso de las parejas homosexuales no era un discurso que se veía en la televisión, ni se leía en los diarios. Todos los relatos que tenían que ver con la homosexualidad estaban o prohibidos o cercenados, o los gays eran locos, o eran raros, o caminaban mal, o se morían, o eran muy afeminados en una actitud casi paródica, en el mejor de los casos.

Años más tarde, cuando se estaba cuestionando la ley del matrimonio igualitario, salió una ficción en la televisión argentina, en el prime time, en donde dos personas del mismo sexo se casaban. Eso fue interesante en el sentido de construir el colectivo cultural en base a cómo nos cuentan y nosotros aprendemos que tiene que ser la realidad. La gente cuanto mayor es, menos pudo pensar en estas cosas. Para la gente más joven es más fácil, mientras que quienes estamos entre los 25 y los 45, somos generaciones de transición porque mientras veíamos que algunos por ahí estaban mucho más avanzados, nos obligaba a pensar esto desde otro lugar en nuestras reivindicaciones de igualdad.

– El tema de los hijos es otra cuestión que aborda la película, que reafirma que seas de la orientación sexual que seas, es una decisión personal, muy íntima de cada persona, como bien se ve incluso en vosotros mismos en la disparidad de opiniones que tenéis. Aquí si que ya depende de cada uno.

Sí, es una opinión absolutamente personal como aparece en la película, y en la charla con el cura yo no me había percatado de decirle si me quiero casar o no y el sacerdote me dijo que tiene que hablar la pareja, en vez del hecho de casarse, sobre cómo quieren criar a los hijos porque afirmaba que muchas parejas no se acaban casando por la diferencia en cómo quieren criarlos, otras muchas tampoco lo hacen porque uno quiere tener un hijo y el otro no, y aun cuando los dos quieran, hay que ponerse de acuerdo en bajo qué reglas, normas, situaciones o culturas los van a criar. Además de ser una decisión muy personal, es un tema a tener muy en cuenta en el momento de casarse porque se supone que la familia en algún punto es procreativa tal vez desde una visión muy heterosexista, pero desde un panorama mucho más moderno o menos ortodoxo, la familia es simplemente un grupo de gente que convive y tienen relaciones afectivas entre ellos. Debería de haber protección para todos los tipos de familias.

En todo caso, es muy lindo e interesante poderse plantear a nivel personal si quiero tener un hijo o no. Desde los 17 años que me asumí como homosexual, pensé que no solamente no me iba a casar sino que no iba a tener hijos en una familia en la que mis hermanos ya tenían novias y mis hermanas novios, y la idea de tener hijos y nietos estaba absolutamente instalada. Era una familia conservadora que crecía y se ampliaba con una estructura de reproducción del status quo. Ver a mi hermana con su hija y pensar que yo no iba a tener un hijo era lo que me dolía porque si bien yo era diferente entre los cuatro hermanos, siempre hubo como mucha igualdad, mis hermanos llevaban a sus parejas a la casa y eran bien recibidos y cuando nos íbamos de vacaciones nuestros padres invitaban a estos chicos a que viajasen con nosotros y yo pensaba que todo eso no lo podía hacer porque soy distinto, el diferente. Los hijos es algo que a uno le tocan mucho el alma.

– En «Una familia gay» habéis conjugado una amalgama de géneros que van desde la representación de vuestra realidad y algunos momentos vividos hasta la entrevista periodística, buscando que sea de una manera amena y dinámica. ¿Este esquema ya lo teníais decidido desde un principio?

Una familia gay documentalSí, a mí en particular los documentales no me resultan muy entretenidos, el cine de observación y de entrevista pura me suele cansar y yo quería hacer algo que fuera además de entretenido, ilustrativo sobre cómo aprendemos a enamorarnos, cómo aprendemos a ver y a que nos cuenten los relatos, factores todos ellos de distinto nivel de significados, pero si nosotros aprendemos a que nos tenemos que enamorar con esos discursos cromáticos de películas con mucho público y éstas son las que la gente están más acostumbrados a ver y que nos dicen cómo nos tenemos que comportar socialmente para demostrarle a alguien que si le regalamos un ramo de flores le queremos o que hay que hacerle una propuesta con un anillo de compromiso, y así es como se piensa culturalmente, por lo menos en occidente, lo que mamamos de Hollywood y de las películas, comedias y telecomedias, en algún punto algo de eso tiene que tener la película y no ser solamente un film de género documental, de entrevistas o quizá más distante y frío. Me parece que darle la posibilidad al espectador de que pueda identificarse con la película desde el protagonista, desde mi punto de vista personal, es una apuesta que valía la pena hacer.

©José Luis García/Cinestel.com

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CINESTEL, WEB FUNDADA EN JULIO 2005

FILMOTECA DE CATALUNYA_JUNY 2026

Aquest mes de juny en la Filmoteca de Catalunya tenim la possibilitat de veure cicles de Radu Jude; Barbara Hammer; Dies curts: Rocío Montaño; Japanimerama; Llogateres del món i Pink Narcissus a la restauració del mes.

Radu Jude

Extensa retrospectiva dedicada a una de les figures més interessants i prolífiques del cinema actual. La Filmoteca compta amb la seva presència per presentar una obra radicalment contemporània, no només pels temes que tracta (l’explotació laboral, el món de la publicitat o les xarxes socials), sinó perquè la mateixa forma absorbeix i qüestiona les mutacions de la imatge actual. Els conflictes ètics, socials i polítics que despleguen les seves pel·lícules estan profundament ancorats al present, alhora que manifesten el pes d’una herència que posa en crisi la història europea. Jude desafia amb un retrat àcid i sense concessions de la seva Romania natal, amb una llibertat formal desacomplexada, un sentit de l’humor incòmode i un ús depurat de la ironia. Un dels seus films més recents, Dracula, es presenta en el marc del +RAIN Film Festival de la Universitat Pompeu Fabra. (més informació)

Llogateres del món

Precisament el darrer film de Radu Jude, Kontinental’25, també forma part d’aquest cicle que centra el debat en la lluita per un habitatge digne, com un dels principals fronts de mobilització dels nostres dies. El cineasta romanès mantindrà una xerrada amb joves participants al taller Vivim el barri després de la projecció dijous 4 de juny. El programa continua tot el mes amb una selecció de pel·lícules que, des de diferents contexts històrics i geogràfics aborden la precarietat habitacional, els desnonaments, el sensellarisme i l’especulació com a símptoma d’un problema profundament polític. Entre d’altres s’hi podran veure Il tetto (Vittorio de Sica, 1956); El largo viaje hacia la ira (Llorenç Soler, 1969), Wendy & Lucy (Kelly Reichardt, 2008) i L’home sense nom (Wang Bing, 2009). (més informació)

Barbara Hammer

Continua la retrospectiva encetada al maig i organitzada amb la col·laboració de la Mostra Internacional de Films de Dones. El cicle explora l’obra d’aquesta cineasta i artista visual estatunidenca, lesbiana i feminista militant, que va concebre el cos com a espai de coneixement i d’acció política. Al llarg de cinc dècades, Hammer explora la representació del cos i el desig en nombrosos curtmetratges i llargmetratges, tant analògics com digitals, a través d’una experimentació formal en constant evolució. Filma el desig, el tacte i la vulnerabilitat com a formes de pensament i com a gest de llibertat. Hammer s’aproxima a tot allò que travessa la seva vida: els vincles afectius, el paisatge o la malaltia, amb una curiositat que esdevé font constant d’entusiasme i qüestionament crític.
(més informació)

De bell nou. La restauració del mes: ‘Pink Narcissus’

Recuperada gràcies al treball de la UCLA Film & Television Archive, la pel·lícula de James Biggood és considerada una obra de culte i una autèntica joia de l’estètica camp, imprescindible per entendre una possible expressió visual queer contemporània. Com una fantasia eròtica suspesa entre el somni i la realitat, aquest poema visual s’endinsa en la ment d’un jove prostitut que, mentre espera un client, s’abandona a una processó d’escenaris imaginaris. Un univers de colors saturats, decorats artificials i sensualitat desbordant construeix una exploració singular del desig i la bellesa, travessada per una ombra latent: la por a l’envelliment i a la pèrdua del propi encant. (més informació)

Japanimerama, punt final

Acaba aquest viatge al cor de l’animació japonesa que hem emprès des del mes d’abril, amb una acurada selecció de títols que mostren la diversitat d’estils i temes que han convertit a l’anime en un referent cultural global, també en la programació familiar de FilmoXica. I una de les cites pendents imprescindibles és la recuperació, en un programa doble, de les dues parts de Ghost in the Shell, les dues pel·lícules per antonomàsia del ciberpunk. Dues obres mestres del gènere signades per una de les seves ments més privilegiades: Mamoru Oshii. La segona part, Innocence, va ser el primer anime de la història seleccionat per competir a la Secció Oficial de Cannes.
(més informació)

Dies curts: Rocío Montaño

El cicle dedicat a cineastes emergents tanca temporada amb Rocío Montaño, cineasta i mestra de primària, graduada en Comunicació Audiovisual. Com a cineasta, la seva activitat se centra en els vídeo-diaris i el cinema domèstic. El programa que presentarà inclou títols tan suggeridors com Ansiedad y la cámara, Melocotones tardíos, Esto es agua o Cuadernos de cangrejos. (més informació)

I també…

Les golfes, el cicle que rescata el cinema més transgressor, programa una indiscutible pel·lícula de culte, motiu de projeccions especials arreu del món per celebrar la seva singularitat: Troll 2, l’enèsima demostració que les pel·lícules batejades com “la pitjor pel·lícula de la història” sempre troben el seu lloc. A Troll 2 ni tan sols hi surten trolls: hi surten goblins. La presentarà la comissària del cicle, Desirée de Fez. (enllaç)

Visibilitzem el cinema català està dedicat a la vessant com a productor de Josep M. Forn (Barcelona 1928-2021), figura fonamental en la història del cinema català. El seu nom és al darrere d’alguns projectes clau (La ciutat cremada) i en el debut de cineastes com Gonzalo Herralde o Ventura Pons. La sessió reuneix tres exemples de les desenes de curts que va impulsar per descobrir nous talents de casa nostra: Tango (Mario Gas, 1975), La casa d’Odin (Paco Poch, 1979) i La festa dels bojos (Lluís Racionero, 1977). (enllaç)

L’exposició Isabel Herguera. El desig d’un lloc imaginat tanca portes el 14 de juny. Darreres oportunitats de descobrir el talent i l’univers d’aquesta artista i animadora. Dimecres 3 de juny, darrera visita guiada, a càrrec de Laura Ginès, comissària del cicle paral·lel Isabel Herguera. Imaginaris compartits, que s’aproximarà al treball d’Herguera des de la pràctica artística compartida, aprofundint en la tècnica del multiplà i en l’obra més plàstica (dibuixos i llibretes de viatge), que revela la gènesi del cinema d’Herguera. (enllaç)

També es clou el cicle Fritz Lang. El període mut amb dos guions signats per la que aleshores era la dona del director, Thea von Harbou, Els espies i La dona a la Lluna, dos films de 1928 que donen pas a la seva filmografia sonora, objecte d’un nou cicle a partir de juliol, coincidint amb l’any del 50è aniversari de la mort del mestre alemany. (enllaç)

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CARTEL DE DARÍN EN SAN SEBASTIÁN

3 junio 2026 – El reconocido actor argentino Ricardo Darín será la “imagen oficial” del cartel de la 74 edición del Festival de San Sebastián a celebrar este próximo mes de septiembre, con la presencia importante de la que será nueva directora del certamen Maialen Beloki (co-dirigiendo con José Luis Rebordinos hasta el final de diciembre de este año). Darín ya fue distinguido nueve años antes, en 2017, con el Premio Donostia. Este cartel oficial fue diseñado por el estudio donostiarra Wallijai, que creó un collage a partir de un retrato tomado en 2024 por el fotógrafo y músico argentino Sebastián Arpesella.

Ricardo Darín fue descubierto para el cine por Adolfo Aristaráin cuando a sus 22 años de edad participó en el rodaje de “La discoteca del amor”, estrenada en 1980, una película cuya idea original tuvo la finalidad de promocionar un disco LP de música que fue vendido en paralelo a su estreno. Está considerado como uno de los mejores y más prolíficos actores de la Argentina, y sobre todo en el exterior, dándose la paradoja de que las grandes distribuidoras del territorio español suelen plantear reticencias a la hora de exhibir películas argentinas en las que no participe Darín. Curiosamente a diferencia de Francia, donde sí que hay mayores posibilidades de ver filmes argentinos sin la supuesta “necesaria presencia” del afamado actor que plantean las grandes compañías ibéricas de distribución cinematográfica.

PALMA DE ORO PARA CINEASTA ARGENTINO

24 mayo 2026 – Deben de andar disgustados en estas fechas los responsables del (des)gobierno de Argentina formado por los partidos de Milei/Macri, pues un argentino, Federico Luis, logró la Palma de Oro en Cannes en medio de la crisis del INCAA. El director ganó la distinción por su cortometraje “Para los contrincantes”, que debió rodar íntegramente en México con fondos de ese país, Chile y Francia, ante el desfinanciamiento del INCAA y la consiguiente paralización del soporte estatal para el cine local.

El director subió al escenario de la Sala Lumière para recibir el galardón de manos de la realizadora catalana Carla Simón, y conmovió al auditorio con su discurso: “Es maravilloso estar aquí y también un poco agridulce, cuando sabemos que tantas cosas crueles están pasando en el mundo”. El cortometraje relata la historia de un niño de 10 años sumido en el mundo del boxeo infantil en el barrio mexicano de Tepito.

Federico Luis es un destacado cineasta argentino reconocido internacionalmente por su trabajo en dirección de cine independiente, que ya había triunfado en la edición 2024 de Cannes al ganar la Semana de la Crítica con su largometraje “Simón de la montaña”, hecho con el apoyo de los gestores anteriores del Instituto de Cine. Y se da la circunstancia de que su siguiente ficción en un largo también va a ser rodada en México, aunque Luis no es de los que a posteriori de la edición de un corto derivan la historia hacia un largometraje, sino que procura que cada film sea una obra independiente de la otra.

El jurado presidido por el director surcoreano Park Chan-wook e integrado, entre otros, por la actriz estadounidense Demi Moore y por el actor sueco Stellan Skarsgard, decidió otorgar su Palma de Oro al Mejor Largometraje a “Fjord”, del rumano Cristian Mungiu, una película que resultó ser polémica porque desde la ficción critica con vehemencia a los servicios sociales de Noruega que, entre otras cosas, deben velar por el bienestar de los niños sobre quienes se sospecha que han sido objeto de abusos y malos tratos por parte de sus padres.

El Gran Premio de Jurado fue para “Minotaur”, de Andrei Zviaguintsev y el de la Mejor Dirección fue, ex-aequo, para Pawel Pawlikowski por “Fatherland” y para Javier Calvo y Javier Ambrossi (Los Javis) por “La bola negra”, una película producida por Pedro Almodóvar, un cineasta que es todo un clásico muy admirado y querido en el Festival de Cannes.

27 MAYO: HOMENAJE A RAYMUNDO GLEYZER

21 mayo 2026 – Raymundo Gleyzer es uno de los cineastas imprescindibles del cine militante argentino y latinoamericano. En diez años de trabajo produjo una serie de cortometrajes y largometrajes que retratan las temáticas más urgentes de los 60s y 70s, que no sólo no han perdido vigencia y valor sino que lo han acrecentado. Ver sus películas hoy es conectar con la mirada lúcida de un cineasta comprometido con el tiempo que le tocó vivir. Raymundo Gleyzer fue secuestrado y desaparecido el 27 de mayo de 1976, a sus 34 años. Este año se hace una revisión su obra restaurada a 50 años de su asesinato en manos de la dictadura cívico-militar.

Desde el Foro Audiovisual de la Provincia de Buenos Aires han convocado a una proyección federal y simultánea para este 27 de Mayo. Las proyecciones alcanzan también algunos cines ubicados en España, que ese día también ofrecerán el visionado de algunas películas del célebre cineasta en homenaje a su autor y a su ingeniosa forma de retratar algunos problemas sociales. Además, desde el Foro también han convocado a todo el sector del cine y la cultura nacional argentina a que se sumen a esta iniciativa.

Raymundo Gleyzer no sólo filmó con la cámara, también lo hizo con la historia. No sólo rodó películas, sino que dejó trazado un camino. A 50 años de su desaparición, su nombre resurge cada 27 de mayo para recordarnos que el cine puede ser una herramienta poderosa, un arma creativa cargada de futuro.

En cuanto a las proyecciones en el territorio español, los residentes en Santiago de Compostela y alrededores tendrán la oportunidad de ver algunas de sus películas a las 19:00h de ese día, (enlace). Y se sabe que se las películas también se exhibirán en la Elías Querejeta Zine Eskola de Donostia-San Sebastián. En cuanto dispongamos de más enlaces, ampliaremos esta información.

“SOMUDL”, LA NOVA SECCIÓ DEL SOM CINEMA

El festival Som Cinema ha posat en marxa la convocatòria del SomUdL, una nova secció oberta a tot l’estudiantat de qualsevol titulació que vulgui presentar curtmetratges de ficció i documentals a concurs. La convocatòria, promoguda pel Vicerectorat de Cultura de la UdL i destinada a que l’alumnat “pugui expressar les seves inquietuds lliurement i transmetre la seva visió del món a través del llenguatge audiovisual”, restarà oberta fins al 10 de juliol. El festival Som Cinema tindrà lloc entre els dies 21 i 25 d’octubre, i la inclusió de la nova secció SomUdL és una de les grans novetats d’aquesta 17a edició.

Amb aquesta iniciativa, destinada a “enfortir el vincle de la Universitat de Lleida amb el cinema i la cultura a la nostra ciutat, tot posant en valor la creativitat del nostre estudiantat”, els organitzadors volen potenciar l’obertura del festival a tots els sectors de la ciutat i molt especialment als joves, que constitueixen el futur d’aquest àmbit de la creació audiovisual.

L’estudiantat interessat pot consultar les bases i el formulari d’inscripció al web www.somcinema.cat o enllaçar-hi a través del web www.udl.cat/ca/organs/vicerectors/vc/.

Cal recordar que, a banda d’aquesta nova secció, Som Cinema consta de les seccions oficials de Llargmetratges i Curts de Ficció, Llargmetratges i Curts Documentals i Som Secundària, i té una dotació de 2.000 € per a pel·lícula de ficció guanyadora.

El festival està organitzat per Suggeriments, amb el suport de l’Ajuntament de Lleida, Institut d’Estudis Ilerdencs de la Diputació de Lleida, ICEC-Generalitat de Catalunya, Universitat de Lleida i Fundació Horitzons 2050.

PALMARÈS DEL 29 FESTIVAL DOCSBARCELONA

17 maig 2026 – El Jurat Oficial de la 29ª edició del DocsBarcelona va concedir el Premi a la Millor Pel·lícula a Amazomania, documental que revisita l’expedició de 1996 a l’Amazones per filmar la tribu aïllada dels Korubo i que qüestiona el llegat colonial i les conseqüències humanes de la denominada “descoberta”. El film està dirigit pel suec Nathan Grossman, reconegut internacionalment per una trajectòria centrada en qüestions socials i mediambientals. Va començar la seva carrera com a fotògraf per a Rolling Stone i va passar al cinema amb el curt viral The Toaster Challenge, sobre el consum d’energia humana. En el seu primer llargmetratge, I Am Greta, va seguir Greta Thunberg des del primer dia de la seva vaga escolar fins a la fama mundial i va ser guardonat amb el Critic’s Choice i l’Emmy.

El mateix jurat també va atorgar una Menció especial a Das Deutsche Volk, una obra dirigida per Marcin Wierzchowski que reconstrueix l’atac racista de Hanau, a Alemanya, a través del testimoni de supervivents i familiars de les víctimes, exposant el racisme estructural a l’Europa contemporània.

El Jurat Docs&Cat va premiar amb el Premi a la Millor Pel·lícula Catalana– XAL The Travelers, un film que acompanya un grup de migrants a la frontera entre el Marroc i Espanya mentre esperen el moment de travessar cap a Europa, convertint la càmera en eina de supervivència i esperança compartida. Està dirigit per David Bingong, que va rodar el film durant el seu propi viatge migratori.

La Menció especial del Jurat Docs&Cat va recaure en Bèstia, retrat de tres caçadors de la Catalunya interior que reflexiona sobre la masculinitat rural i les contradiccions entre tradició i mirada contemporània. El documental és l’òpera prima de Helena Garza, autora vinculada a la no-ficció i a la investigació antropològica.

Corren las liebres va ser la producció més ben valorada pels espectadors d’aquesta edició del DocsBarcelona, que li han concedit el Premi del Públic – Moritz. El Premi Amnistia Internacional Catalunya i el Premi Docs del Jurat – Antaviana van reconèixer Atlas de la desaparición, de Manuel Correa, una investigació documental sobre les persones desaparegudes traslladades al Valle de los Caídos i sobre les eines forenses que avui permeten reconstruir-ne la memòria.

“Enguany hem volgut que el DocsBarcelona fos, encara més, un festival arrelat a la ciutat. Creiem que aquest és l’únic futur possible: generar espais de diàleg amb Barcelona on ens trobem i convertir-nos en un esdeveniment fet des de la ciutat i per a la ciutat”, va destacar Maria Colomer, codirectora artística i cap de programació.

“VIVA”, AINA CLOTET DEBUTA EN LA DIRECCIÓ

15 maig 2026 – L’actriu catalana Aina Clotet ha presentat a la Setmana de la Crítica del Festival de Cannes la seva òpera prima com a directora, “Viva”, una pel·lícula centrada en el desig intens de viure. “Aquesta història neix de la meva necessitat de parlar de la por: la por a la mort, la por a la solitud. Però, en el fons, la por a la solitud més profunda és la por a la mort”, va explicar Clotet a França.

Amb una combinació d’humor, intensitat emocional i una mirada profundament humana, “Viva” aborda qüestions com la dependència afectiva, la passió, la por a la mort i la necessitat de trencar amb les estructures tradicionals que condicionen les nostres vides. La mateixa directora assumeix també el paper protagonista.

La història segueix la Nora, de 40 anys, que, després d’un enfrontament directe amb la mort, es veu impulsada per una necessitat urgent de sentir-se viva. S’endinsa en relacions apassionades amb dos homes molt diferents, en Tom i en Max, les personalitats oposades dels quals reflecteixen el seu propi conflicte interior. Tanmateix, quan cap dels dos no aconsegueix omplir el buit que sent, la Nora es veu obligada a afrontar una veritat més profunda: haurà d’enfrontar-se a una por que alimenta el seu desig de viure.

Produïda per Ikiru Films i Funicular Films, “Viva” marca el debut d’Aina Clotet en el llargmetratge, després d’una consolidada trajectòria com a actriu en cinema, televisió i teatre. El guió, signat per Clotet i Valentina Viso, presenta el film com una tragicomèdia contemporània que explora el desig de viure, la por a la mort i la complexitat de les relacions afectives. El repartiment es completa amb Naby Dakhli, Marc Soler, Loll Beltran i Zaira Pérez, amb la col·laboració especial de Guillermo Toledo i Josh Zuckerman.

FALLECIÓ EL CINEASTA ADOLFO ARISTARÁIN

26 abril 2026 – Falleció a los 82 años de edad el cineasta argentino Adolfo Aristaráin, según un comunicado difundido por la Academia Española de Cine. Recibió numerosos reconocimientos por sus películas, entre los que destaca la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián por su filme “Un lugar en el mundo”. No hace mucho tiempo, esa misma Academia le condecoró con su Medalla de Oro, pero no pudo viajar a España como consecuencia del terrible miedo a volar que padecía, una fobia que compartía con uno de sus actores preferidos para trabajar en el cine, Federico Luppi.

Aunque durante su vida hizo multitud de trabajos audiovisuales, sus películas más reconocidas fueron, aparte de la anteriormente mencionada: Tiempo de revancha, La ley de la frontera, Martín (Hache), Lugares comunes y Roma, su último largometraje, pues aunque tenía algunos proyectos más, nunca se llegaron a concretar. En mayo del año 2022 presentó en Buenos Aires su libro titulado El Oficio del Cine.

Trabajó con gente tan conocida como Federico Luppi, José Sacristán, Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Juan Diego Botto y Susú Pecoraro, entre otros muchos.

En enero de 2024 publicó un texto en el diario Página12 en el que llamaba a movilizarse contra las políticas del gobierno de Milei/Macri que acababa de ganar las elecciones. A raíz de esa publicación, el fiscal federal Carlos Stornelli denunció penalmente al director de cine por instigación a cometer delito, intimidación pública e incitación a la violencia colectiva. La iniciativa no prosperó en los tribunales.

El mencionado texto de Aristaráin comenzaba diciendo: “Gracias a un grupo lamentablemente numeroso de imbéciles, ignorantes y zombies que una vez votó a Macri, y ahora a su bufón Milei y a toda la banda de rufianes que los acompañan, se entregó el gobierno y administración del pais a una banda organizada que no tiene ideología, que busca sólo sacar provecho y rematar las industrias, los minerales, todo lo que puedan, sin límite”.

Adolfo Aristaráin era un director honesto, intransigente y profundamente moralista, con una firme convicción ética que se reflejaba en su cine y en su vida. Defendió historias que él consideraba que cautivarían al público a través de unos ideales críticos de la realidad social y el individualismo ético.

Y él mismo se definía como alguien que aprendía un oficio en el cine, con un espíritu anticonformista arriesgado, sensible y cuestionador ante la obediencia ciega al poder.

MURIÓ EL CINEASTA ARGENTINO LUIS PUENZO

21 abril 2026 – El cineasta Luis Puenzo, director de “La historia oficial”, película que ganó el Oscar de Hollywood a la Mejor Película Extranjera, murió en Buenos Aires. La noticia fue confirmada por el entorno del director, quien en los últimos años se había alejado de la escena pública por problemas de salud. Tenía 80 años.

Su cine, atravesado por la memoria, la identidad y los derechos humanos, marcó un antes y un después en la proyección internacional de Argentina como país.

Inició su recorrido en el cine publicitario. En 1968 fundó su productora, Luis Puenzo Cine, y en 1974 Cinemanía S.A. En 1973 presentó su ópera prima, Luces de mis zapatos, protagonizada por Pipo Pescador, Norman Briski y Juan Hidalgo, dando inicio a su camino como realizador y productor con una mirada propia.

Su filmografía como director incluye La peste, Gringo viejo, La puta y la ballena, Las sorpresas y Broken Silence. Como productor, participó en XXY, El niño pez, Wakolda, Infancia clandestina, El faro de las orcas, Los últimos y Planta madre.

Fue miembro fundador de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina, participó en la redacción de la Ley de Cine y presidió el INCAA durante un corto periodo de tiempo.

Curiosamente, su fallecimiento llegó uno o dos días después del de un actor argentino relevante que participó en películas como La Patagonia Rebelde y Esperando a la carroza, entre otras. Ambos tenían nombres compuestos casi idénticos: Luis Adalberto Puenzo y Adalberto Luis Brandoni. Tristes ironías de la vida o de la muerte, en este caso.