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“Sebastián Moro, el caminante”; entrevista a María Laura Cali

Sebastián Moro el caminante Entrevista a María Laura Cali

Estreno en Buenos Aires
La actriz María Laura Cali debutó como realizadora audiovisual con el documental “Los Ñoquis” (2019), una mirada hacia la embestida que el neoliberalismo practicó en la Argentina contra la función pública. Y fue en el transcurso de la presentación de ese filme en Bolivia cuando pudo conocer a un periodista mendocino que había sido víctima de esa violencia institucional, pues fue desplazado de sus tareas habituales en la delegación de Radio Nacional en Mendoza, donde renunció y además le borraron las 250 grabaciones de sus trabajos de investigación en torno a los juicios de lesa humanidad ocurridos en esa provincia.
“Sebastián Moro, el caminante” es un repaso minucioso a las circunstancias que confluyeron en un desenlace fatal que acabó con la vida de ese informador que era corresponsal en La Paz de Página12 y jefe editor de Prensa Rural.

El ahora fallecido entrevistó a Cali muy poco tiempo antes de esos graves hechos, presumiblemente llevados a cabo por la policía boliviana en connivencia con el ejército durante los albores del golpe de Estado de 2019 que derivó en el posterior exilio del presidente Evo Morales. A Moro le gustaba caminar por las calles de la ciudad y un día, a su regreso, apareció golpeado y desvanecido; por ello el documental intenta arrojar alguna luz acerca de los sucedido a través de algunos detalles como puede ser el análisis de los audios que el informador solía dejar grabados en el WhatsApp de su celular.

Sebastián Moro había ido a Bolivia en busca de una vida mejor, pero el último artículo que envió a Página12 desde La Paz, muy poco antes de su muerte, ya venía a anunciar que se produciría ese golpe. Y pocos días después, mientras él estaba en el Hospital agonizando, ocurrió también la masacre de Senkata y Sacaba.

La película contiene algunos fragmentos de “El Coraje del Pueblo” y “Banderas del amanecer”, ambas del cineasta boliviano Jorge Sanjinés, y además, la Fundación Grupo Ukamau, que igualmente sufrió la represión de aquel grave momento, figura como compañía coproductora del film. Sanjinés acaba de sacar a la luz su nueva película, “Los viejos soldados” (2023), con premiere en el Festival de Cine Político de Buenos Aires, donde “Sebastián Moro, el caminante” obtuvo el Gran Premio del Jurado.

María Laura Cali responde las preguntas de Cinestel:

– Sebastián Moro caminaba frecuentemente por la calles de La Paz hablando con grabadora en mano. ¿Frecuentaba siempre los mismos sitios?

Él hacía siempre recorridos fijos y todos los amigos y familiares lo recuerdan todo el tiempo caminando en Mendoza y también en Bolivia. Lo único que no se encontró en su departamento fue su grabadora, su celular sí estaba, al igual que una campera, un abrigo. Según lo que logramos saber, él sale a caminar con la campera de periodista. Es posible que también haya influido eso.

– Hay un momento fugaz del documental en el cual se ve una portada del Reader’s Digest donde el título dice “Cómo organizar su vida digital” y esto quizá plantea la reflexión de que aquellas personas que van en contra de la libertad y la democracia, antes quemaban libros, pero ahora con el auge del mundo digital parece que eso está más fácil, pues tan sólo tienen a unos pocos clicks la posibilidad de borrar archivos, como le ocurrió a Moro en Mendoza.

En Mendoza lo que existía era una web de los archivos de los juicios de lesa humanidad, que hace un par de años volvió a ser reactivada, donde se transcribe día a día todo lo que va sucediendo en un juicio. Sebastián iba a estos juicios y tomaba nota con su mano, -hay un montón de libretas que sí aparecen en el documental-, y luego eso lo transcribía y es lo que enviaba a esta web pública, y esto fue lo que borró de un plumón el gobierno de Mauricio Macri. Y claro, Sebastián no se quedó con copia de eso y para volverlo a hacer se necesitaría transcribir lo que pone en todas esas pequeñas libretas que sólo él entendía, y por eso resulta muy difícil llevar el hilo de lo que sucedía cada día, en cada juicio en los que se juzgaba a los genocidas.

Es muy importante y la verdad es que es una reflexión que todos tenemos que hacer, porque creemos que estamos protegidos cuando pensamos lo sencillo que es apretar un botón y tenerlo todo, pero también ocurre que se puede apretar un botón y borrarlo todo. Esa creo que es una reflexión de interés que este caso nos deja.

– Parece ser entonces que él se quedó en Bolivia porque no percibió los peligros de lo que sabía que podría pasar. ¿Fue por eso por lo que en ningún momento quiso regresar a Argentina?

No quiso marcharse y él estaba en crisis personal, no con su profesión sino por su subsistencia. Tenía un sueldo muy precario, como todos los que trabajan en radios comunitarias, y estaba en crisis con eso. En los dos días anteriores, cuando tuvieron que sacar los equipos, muchos de sus compañeros buscaron refugio, pero Sebastián se fue a su casa y yo creo que él supo que venía el golpe de Estado, pero no imaginó que él iba a ser un blanco de ataque.

Sebastián Moro el caminante Entrevista a María Laura Cali

María Laura Cali, directora del documental “Sebastián Moro, el caminante”

Sebastián sentía una gran responsabilidad por informar, y esto se ve en cada una de sus historias, no solamente en Mendoza sino en Bolivia. Y ahí nosotros contábamos la historia de la Comunidad Chuñavi, donde también él un año antes había sido amenazado como consecuencia de haberle dado visibilidad a esta comunidad que estaba siendo saqueada por unos intrusos que se habían apropiado de las tierras. Él les dio voz a los dueños verdaderos de esa tierra y por ese motivo la misma radio fue amenazada.

Sebastián ponía su cuerpo, amaba su profesión, pero ponía su cuerpo en cada cobertura que hacía. Pero fue así, él no buscó refugio, no se protegió y no imaginó que iba a ser un blanco de ataque.

– Y después de todo lo que ocurrió, ¿encontraste que la Justicia de allá es lenta o es reacia a solucionarlo? Porque veo que hay unos juzgados que pertenecen a la policía, un detalle que me resultó diferente a lo que nosotros conocemos.

Sí, nuestra filmación coincidió con el inicio de la causa penal que promueve la familia, además de que es un caso que está en los Tribunales internacionales; pero sí, la Justicia va lenta. Y lo que pasó fue que Sebastián muere un jueves y en Argentina todavía estaba el gobierno de Mauricio Macri, entonces el embajador argentino en Bolivia no contuvo a la familia como se merecía.

Como ejemplo de ello, la familia pedía un avión sanitario cuando Sebastián estaba agonizando, todavía con vida, pero la Embajada le respondió que un avión sanitario no podía aterrizar en ese momento por como estaba Bolivia. Fue un año después cuando nos enteramos que en simultáneo, esos mismos días, aterrizó un avión con las balas que envió nuestro gobierno argentino para realizar la masacre que ocurrió en Senkata y Sacaba.

Eso fue sumamente angustiante para la familia y lo mismo sucedió cuando él fallece, piden un avión para trasladar el cuerpo y la Embajada les responde que eso no iba a ser posible, debido a las mismas razones por las que no había podido mandar el avión sanitario, y que era mejor que cremaran el cuerpo o lo dejaran enterrado en Bolivia, aunque les aconsejan que mejor cremen el cuerpo.

A partir de ahí, la familia crema el cuerpo de Sebastián y por suerte existen fotos y existe ese testigo último que lo vio. También hubo un médico que lo atiende y determina que eso fue producto de golpes y tortura. Se lo dice a la hermana, -la familia viajó inmediatamente a asistirlo-, y este médico se lo dice a la familia, pero de todo eso no quedó ningún papel firmado, porque en ese momento también, según lo que nos contaban sus allegados, no querían que todos los heridos y todas las víctimas fueran atendidos en los hospitales. Decían que era por producto de una borrachera o le ponían cualquier tipo de diagnóstico.

Por eso es muy importante visibilizar la historia de Sebastián, porque no se la conoce, ni en Argentina ni en Bolivia. Si bien recién fue el día del periodista en Bolivia, donde en la Casa del Pueblo (Casa de Gobierno) le nombraron el Periodista del Pueblo. Y este tipo de actos, la verdad es que ayudan a que este caso sea conocido y logre la verdad y la justicia, que es lo que viene reclamando la familia desde hace tres años.

– Y además, durante la primera parte del documental vemos que durante el tiempo en que Sebastián estaba en Mendoza, él daba visibilidad a problemas de gente que vive en el mundo rural. A nadie se le escapa el hecho de que hay un abandono constante de población desde el campo hacia lo urbano y que posiblemente en muchos casos sea por este tipo de coacciones que reciben estas personas. ¿Era importante exponerlo al principio del documental?

Sí, qué bien que lo resaltes, porque la investigación fue enorme y hubo un montón de cosas que no pudimos poner en el documental y son como pequeños puntitos que dejamos como para ver si al espectador le interesa, investigue. Lo emocionante es que el abuelo y el padre de Sebastián eran grandes militantes, así que esto viene a nivel familiar. Y en su chacra, el abuelo tenía mucha gente de la comunidad boliviana trabajando, donde la familia cuenta cómo convivían, cómo les enseñaban a leer y a escribir y, hasta el día de hoy, en toda esa zona repleta de viñedos en Mendoza, habita la segunda comunidad boliviana más grande de la Argentina, justamente porque van a trabajar a esos viñedos, pero la precariedad es absoluta, porque a veces no reciben un techo, son explotados, y Sebastián se ocupaba de darles visibilidad contando esas historias también. Todo eso es algo que él vivió desde chico, cuando ya quería ser periodista y vio cómo su padre y su abuelo luchaban por los derechos de la gente.

– Tengo una última pregunta que tiene que ver con la participación en la realización del filme, en mayor o menor medida, de dos personas para mí muy importantes, como son Carmen Guarini y Alejandra Almirón. ¿Su implicación fue decisiva en el resultado final de esta película?

Carmen me estuvo acompañando en todo; es la asesora integral del proyecto y estuvo conmigo desde el minuto cero en marzo del 2020, que fue ya cuando ingresamos en pandemia, momento en el que nosotros nos adentramos a escribir el guion y yo la llamé a ella para que me hiciera ese asesoramiento, y a partir de ahí estuvo conmigo en absolutamente todo, cuando decidimos filmar, ayudándome a repensarme, a evaluar este caso que no era sencillo, si bien yo siempre quise que la historia la contara el propio Sebastián a través de sus grabaciones y que él fuera el hilo conductor, al tener todas estas aristas más políticas y al haber todas estas opiniones, que si fue golpe, que si no fue golpe, pues hay un gran sector social que considera que no fue un golpe de Estado.

Para mí todo ese acompañamiento ha sido fundamental y maravilloso, un sostén fundamental hasta el día de hoy. Estuvimos en el Festival la Mujer y el Cine y ahí ella vino, me acompañó, participamos de un debate juntas, estamos ya escribiendo mi próximo proyecto en el que ella va a ser mi coguionista,… Hemos hecho un equipo hermoso.

Nosotros tuvimos a una montajista, Camila Menéndez, que hizo un gran trabajo porque había muchísimo material y ordenar todos esos ingredientes fue una tarea titánica. A mí me interesa siempre construir equipos porque yo no creo que siempre tenga la verdad. Los productores también fueron viendo todos los cortes, me fueron acompañando, pero había que reducir mucho la película, pues el primer corte duraba unas dos horas y media, y me parecía que era muy importante una mirada en montaje con la experiencia que tiene Alejandra Almirón, así que ella también se sumó como asesora al final y además realizó nuestro trailer.

Alejandra es otra hermosura de persona, con sus observaciones detalladas, exquisitas, que nos ayudaban a ajustar esta película. Y también quiero nombrar a Sergio Prudencio, un gran músico en Bolivia que se sumó a la película y que está totalmente comprometido con la causa de Sebastián. Él cree que hay que difundirla porque es fundamental contar cómo a veces el ejercicio de informar puede ser peligroso, como Rodolfo Walsh decía, y logramos contar con su música magistral.

El equipo ha sido extraordinario, tanto en Bolivia como en Mendoza, tanto en fotografía como en sonido, el cuidado que se le ha puesto a cada detalle. Yo estoy realmente muy satisfecha de este resultado final.Síguenos en Twitter color

 

©José Luis García/Cinestel.com

Sebastián Moro el caminante Entrevista a María Laura Cali

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL, WEB FUNDADA EN JULIO 2005

FILMOTECA DE CATALUNYA_JUNY 2026

Aquest mes de juny en la Filmoteca de Catalunya tenim la possibilitat de veure cicles de Radu Jude; Barbara Hammer; Dies curts: Rocío Montaño; Japanimerama; Llogateres del món i Pink Narcissus a la restauració del mes.

Radu Jude

Extensa retrospectiva dedicada a una de les figures més interessants i prolífiques del cinema actual. La Filmoteca compta amb la seva presència per presentar una obra radicalment contemporània, no només pels temes que tracta (l’explotació laboral, el món de la publicitat o les xarxes socials), sinó perquè la mateixa forma absorbeix i qüestiona les mutacions de la imatge actual. Els conflictes ètics, socials i polítics que despleguen les seves pel·lícules estan profundament ancorats al present, alhora que manifesten el pes d’una herència que posa en crisi la història europea. Jude desafia amb un retrat àcid i sense concessions de la seva Romania natal, amb una llibertat formal desacomplexada, un sentit de l’humor incòmode i un ús depurat de la ironia. Un dels seus films més recents, Dracula, es presenta en el marc del +RAIN Film Festival de la Universitat Pompeu Fabra. (més informació)

Llogateres del món

Precisament el darrer film de Radu Jude, Kontinental’25, també forma part d’aquest cicle que centra el debat en la lluita per un habitatge digne, com un dels principals fronts de mobilització dels nostres dies. El cineasta romanès mantindrà una xerrada amb joves participants al taller Vivim el barri després de la projecció dijous 4 de juny. El programa continua tot el mes amb una selecció de pel·lícules que, des de diferents contexts històrics i geogràfics aborden la precarietat habitacional, els desnonaments, el sensellarisme i l’especulació com a símptoma d’un problema profundament polític. Entre d’altres s’hi podran veure Il tetto (Vittorio de Sica, 1956); El largo viaje hacia la ira (Llorenç Soler, 1969), Wendy & Lucy (Kelly Reichardt, 2008) i L’home sense nom (Wang Bing, 2009). (més informació)

Barbara Hammer

Continua la retrospectiva encetada al maig i organitzada amb la col·laboració de la Mostra Internacional de Films de Dones. El cicle explora l’obra d’aquesta cineasta i artista visual estatunidenca, lesbiana i feminista militant, que va concebre el cos com a espai de coneixement i d’acció política. Al llarg de cinc dècades, Hammer explora la representació del cos i el desig en nombrosos curtmetratges i llargmetratges, tant analògics com digitals, a través d’una experimentació formal en constant evolució. Filma el desig, el tacte i la vulnerabilitat com a formes de pensament i com a gest de llibertat. Hammer s’aproxima a tot allò que travessa la seva vida: els vincles afectius, el paisatge o la malaltia, amb una curiositat que esdevé font constant d’entusiasme i qüestionament crític.
(més informació)

De bell nou. La restauració del mes: ‘Pink Narcissus’

Recuperada gràcies al treball de la UCLA Film & Television Archive, la pel·lícula de James Biggood és considerada una obra de culte i una autèntica joia de l’estètica camp, imprescindible per entendre una possible expressió visual queer contemporània. Com una fantasia eròtica suspesa entre el somni i la realitat, aquest poema visual s’endinsa en la ment d’un jove prostitut que, mentre espera un client, s’abandona a una processó d’escenaris imaginaris. Un univers de colors saturats, decorats artificials i sensualitat desbordant construeix una exploració singular del desig i la bellesa, travessada per una ombra latent: la por a l’envelliment i a la pèrdua del propi encant. (més informació)

Japanimerama, punt final

Acaba aquest viatge al cor de l’animació japonesa que hem emprès des del mes d’abril, amb una acurada selecció de títols que mostren la diversitat d’estils i temes que han convertit a l’anime en un referent cultural global, també en la programació familiar de FilmoXica. I una de les cites pendents imprescindibles és la recuperació, en un programa doble, de les dues parts de Ghost in the Shell, les dues pel·lícules per antonomàsia del ciberpunk. Dues obres mestres del gènere signades per una de les seves ments més privilegiades: Mamoru Oshii. La segona part, Innocence, va ser el primer anime de la història seleccionat per competir a la Secció Oficial de Cannes.
(més informació)

Dies curts: Rocío Montaño

El cicle dedicat a cineastes emergents tanca temporada amb Rocío Montaño, cineasta i mestra de primària, graduada en Comunicació Audiovisual. Com a cineasta, la seva activitat se centra en els vídeo-diaris i el cinema domèstic. El programa que presentarà inclou títols tan suggeridors com Ansiedad y la cámara, Melocotones tardíos, Esto es agua o Cuadernos de cangrejos. (més informació)

I també…

Les golfes, el cicle que rescata el cinema més transgressor, programa una indiscutible pel·lícula de culte, motiu de projeccions especials arreu del món per celebrar la seva singularitat: Troll 2, l’enèsima demostració que les pel·lícules batejades com “la pitjor pel·lícula de la història” sempre troben el seu lloc. A Troll 2 ni tan sols hi surten trolls: hi surten goblins. La presentarà la comissària del cicle, Desirée de Fez. (enllaç)

Visibilitzem el cinema català està dedicat a la vessant com a productor de Josep M. Forn (Barcelona 1928-2021), figura fonamental en la història del cinema català. El seu nom és al darrere d’alguns projectes clau (La ciutat cremada) i en el debut de cineastes com Gonzalo Herralde o Ventura Pons. La sessió reuneix tres exemples de les desenes de curts que va impulsar per descobrir nous talents de casa nostra: Tango (Mario Gas, 1975), La casa d’Odin (Paco Poch, 1979) i La festa dels bojos (Lluís Racionero, 1977). (enllaç)

L’exposició Isabel Herguera. El desig d’un lloc imaginat tanca portes el 14 de juny. Darreres oportunitats de descobrir el talent i l’univers d’aquesta artista i animadora. Dimecres 3 de juny, darrera visita guiada, a càrrec de Laura Ginès, comissària del cicle paral·lel Isabel Herguera. Imaginaris compartits, que s’aproximarà al treball d’Herguera des de la pràctica artística compartida, aprofundint en la tècnica del multiplà i en l’obra més plàstica (dibuixos i llibretes de viatge), que revela la gènesi del cinema d’Herguera. (enllaç)

També es clou el cicle Fritz Lang. El període mut amb dos guions signats per la que aleshores era la dona del director, Thea von Harbou, Els espies i La dona a la Lluna, dos films de 1928 que donen pas a la seva filmografia sonora, objecte d’un nou cicle a partir de juliol, coincidint amb l’any del 50è aniversari de la mort del mestre alemany. (enllaç)

CINESTEL TAMBIÉN ESTÁ EN BLUESKY

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SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

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PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL ARGENTINA

‘La producción audiovisual y su respaldo jurídico’ no es un libro más de Julio Raffo, sino un texto de lectura y de consulta imprescindible para los distintos profesionales de la industria del cine que deseen estar al tanto sobre cómo, conforme a la Ley de Cine, se regula en la Argentina la actividad productiva que conlleva la realización de películas, atendiendo no solamente a disposiciones legales y su marco regulatorio, sino que también a ejemplos prácticos y anécdotas. (saber más)

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PALMA DE ORO PARA CINEASTA ARGENTINO

24 mayo 2026 – Deben de andar disgustados en estas fechas los responsables del (des)gobierno de Argentina formado por los partidos de Milei/Macri, pues un argentino, Federico Luis, logró la Palma de Oro en Cannes en medio de la crisis del INCAA. El director ganó la distinción por su cortometraje “Para los contrincantes”, que debió rodar íntegramente en México con fondos de ese país, Chile y Francia, ante el desfinanciamiento del INCAA y la consiguiente paralización del soporte estatal para el cine local.

El director subió al escenario de la Sala Lumière para recibir el galardón de manos de la realizadora catalana Carla Simón, y conmovió al auditorio con su discurso: “Es maravilloso estar aquí y también un poco agridulce, cuando sabemos que tantas cosas crueles están pasando en el mundo”. El cortometraje relata la historia de un niño de 10 años sumido en el mundo del boxeo infantil en el barrio mexicano de Tepito.

Federico Luis es un destacado cineasta argentino reconocido internacionalmente por su trabajo en dirección de cine independiente, que ya había triunfado en la edición 2024 de Cannes al ganar la Semana de la Crítica con su largometraje “Simón de la montaña”, hecho con el apoyo de los gestores anteriores del Instituto de Cine. Y se da la circunstancia de que su siguiente ficción en un largo también va a ser rodada en México, aunque Luis no es de los que a posteriori de la edición de un corto derivan la historia hacia un largometraje, sino que procura que cada film sea una obra independiente de la otra.

El jurado presidido por el director surcoreano Park Chan-wook e integrado, entre otros, por la actriz estadounidense Demi Moore y por el actor sueco Stellan Skarsgard, decidió otorgar su Palma de Oro al Mejor Largometraje a “Fjord”, del rumano Cristian Mungiu, una película que resultó ser polémica porque desde la ficción critica con vehemencia a los servicios sociales de Noruega que, entre otras cosas, deben velar por el bienestar de los niños sobre quienes se sospecha que han sido objeto de abusos y malos tratos por parte de sus padres.

El Gran Premio de Jurado fue para “Minotaur”, de Andrei Zviaguintsev y el de la Mejor Dirección fue, ex-aequo, para Pawel Pawlikowski por “Fatherland” y para Javier Calvo y Javier Ambrossi (Los Javis) por “La bola negra”, una película producida por Pedro Almodóvar, un cineasta que es todo un clásico muy admirado y querido en el Festival de Cannes.

27 MAYO: HOMENAJE A RAYMUNDO GLEYZER

21 mayo 2026 – Raymundo Gleyzer es uno de los cineastas imprescindibles del cine militante argentino y latinoamericano. En diez años de trabajo produjo una serie de cortometrajes y largometrajes que retratan las temáticas más urgentes de los 60s y 70s, que no sólo no han perdido vigencia y valor sino que lo han acrecentado. Ver sus películas hoy es conectar con la mirada lúcida de un cineasta comprometido con el tiempo que le tocó vivir. Raymundo Gleyzer fue secuestrado y desaparecido el 27 de mayo de 1976, a sus 34 años. Este año se hace una revisión su obra restaurada a 50 años de su asesinato en manos de la dictadura cívico-militar.

Desde el Foro Audiovisual de la Provincia de Buenos Aires han convocado a una proyección federal y simultánea para este 27 de Mayo. Las proyecciones alcanzan también algunos cines ubicados en España, que ese día también ofrecerán el visionado de algunas películas del célebre cineasta en homenaje a su autor y a su ingeniosa forma de retratar algunos problemas sociales. Además, desde el Foro también han convocado a todo el sector del cine y la cultura nacional argentina a que se sumen a esta iniciativa.

Raymundo Gleyzer no sólo filmó con la cámara, también lo hizo con la historia. No sólo rodó películas, sino que dejó trazado un camino. A 50 años de su desaparición, su nombre resurge cada 27 de mayo para recordarnos que el cine puede ser una herramienta poderosa, un arma creativa cargada de futuro.

En cuanto a las proyecciones en el territorio español, los residentes en Santiago de Compostela y alrededores tendrán la oportunidad de ver algunas de sus películas a las 19:00h de ese día, (enlace). Y se sabe que se las películas también se exhibirán en la Elías Querejeta Zine Eskola de Donostia-San Sebastián. En cuanto dispongamos de más enlaces, ampliaremos esta información.

“SOMUDL”, LA NOVA SECCIÓ DEL SOM CINEMA

El festival Som Cinema ha posat en marxa la convocatòria del SomUdL, una nova secció oberta a tot l’estudiantat de qualsevol titulació que vulgui presentar curtmetratges de ficció i documentals a concurs. La convocatòria, promoguda pel Vicerectorat de Cultura de la UdL i destinada a que l’alumnat “pugui expressar les seves inquietuds lliurement i transmetre la seva visió del món a través del llenguatge audiovisual”, restarà oberta fins al 10 de juliol. El festival Som Cinema tindrà lloc entre els dies 21 i 25 d’octubre, i la inclusió de la nova secció SomUdL és una de les grans novetats d’aquesta 17a edició.

Amb aquesta iniciativa, destinada a “enfortir el vincle de la Universitat de Lleida amb el cinema i la cultura a la nostra ciutat, tot posant en valor la creativitat del nostre estudiantat”, els organitzadors volen potenciar l’obertura del festival a tots els sectors de la ciutat i molt especialment als joves, que constitueixen el futur d’aquest àmbit de la creació audiovisual.

L’estudiantat interessat pot consultar les bases i el formulari d’inscripció al web www.somcinema.cat o enllaçar-hi a través del web www.udl.cat/ca/organs/vicerectors/vc/.

Cal recordar que, a banda d’aquesta nova secció, Som Cinema consta de les seccions oficials de Llargmetratges i Curts de Ficció, Llargmetratges i Curts Documentals i Som Secundària, i té una dotació de 2.000 € per a pel·lícula de ficció guanyadora.

El festival està organitzat per Suggeriments, amb el suport de l’Ajuntament de Lleida, Institut d’Estudis Ilerdencs de la Diputació de Lleida, ICEC-Generalitat de Catalunya, Universitat de Lleida i Fundació Horitzons 2050.

PALMARÈS DEL 29 FESTIVAL DOCSBARCELONA

17 maig 2026 – El Jurat Oficial de la 29ª edició del DocsBarcelona va concedir el Premi a la Millor Pel·lícula a Amazomania, documental que revisita l’expedició de 1996 a l’Amazones per filmar la tribu aïllada dels Korubo i que qüestiona el llegat colonial i les conseqüències humanes de la denominada “descoberta”. El film està dirigit pel suec Nathan Grossman, reconegut internacionalment per una trajectòria centrada en qüestions socials i mediambientals. Va començar la seva carrera com a fotògraf per a Rolling Stone i va passar al cinema amb el curt viral The Toaster Challenge, sobre el consum d’energia humana. En el seu primer llargmetratge, I Am Greta, va seguir Greta Thunberg des del primer dia de la seva vaga escolar fins a la fama mundial i va ser guardonat amb el Critic’s Choice i l’Emmy.

El mateix jurat també va atorgar una Menció especial a Das Deutsche Volk, una obra dirigida per Marcin Wierzchowski que reconstrueix l’atac racista de Hanau, a Alemanya, a través del testimoni de supervivents i familiars de les víctimes, exposant el racisme estructural a l’Europa contemporània.

El Jurat Docs&Cat va premiar amb el Premi a la Millor Pel·lícula Catalana– XAL The Travelers, un film que acompanya un grup de migrants a la frontera entre el Marroc i Espanya mentre esperen el moment de travessar cap a Europa, convertint la càmera en eina de supervivència i esperança compartida. Està dirigit per David Bingong, que va rodar el film durant el seu propi viatge migratori.

La Menció especial del Jurat Docs&Cat va recaure en Bèstia, retrat de tres caçadors de la Catalunya interior que reflexiona sobre la masculinitat rural i les contradiccions entre tradició i mirada contemporània. El documental és l’òpera prima de Helena Garza, autora vinculada a la no-ficció i a la investigació antropològica.

Corren las liebres va ser la producció més ben valorada pels espectadors d’aquesta edició del DocsBarcelona, que li han concedit el Premi del Públic – Moritz. El Premi Amnistia Internacional Catalunya i el Premi Docs del Jurat – Antaviana van reconèixer Atlas de la desaparición, de Manuel Correa, una investigació documental sobre les persones desaparegudes traslladades al Valle de los Caídos i sobre les eines forenses que avui permeten reconstruir-ne la memòria.

“Enguany hem volgut que el DocsBarcelona fos, encara més, un festival arrelat a la ciutat. Creiem que aquest és l’únic futur possible: generar espais de diàleg amb Barcelona on ens trobem i convertir-nos en un esdeveniment fet des de la ciutat i per a la ciutat”, va destacar Maria Colomer, codirectora artística i cap de programació.

“VIVA”, AINA CLOTET DEBUTA EN LA DIRECCIÓ

15 maig 2026 – L’actriu catalana Aina Clotet ha presentat a la Setmana de la Crítica del Festival de Cannes la seva òpera prima com a directora, “Viva”, una pel·lícula centrada en el desig intens de viure. “Aquesta història neix de la meva necessitat de parlar de la por: la por a la mort, la por a la solitud. Però, en el fons, la por a la solitud més profunda és la por a la mort”, va explicar Clotet a França.

Amb una combinació d’humor, intensitat emocional i una mirada profundament humana, “Viva” aborda qüestions com la dependència afectiva, la passió, la por a la mort i la necessitat de trencar amb les estructures tradicionals que condicionen les nostres vides. La mateixa directora assumeix també el paper protagonista.

La història segueix la Nora, de 40 anys, que, després d’un enfrontament directe amb la mort, es veu impulsada per una necessitat urgent de sentir-se viva. S’endinsa en relacions apassionades amb dos homes molt diferents, en Tom i en Max, les personalitats oposades dels quals reflecteixen el seu propi conflicte interior. Tanmateix, quan cap dels dos no aconsegueix omplir el buit que sent, la Nora es veu obligada a afrontar una veritat més profunda: haurà d’enfrontar-se a una por que alimenta el seu desig de viure.

Produïda per Ikiru Films i Funicular Films, “Viva” marca el debut d’Aina Clotet en el llargmetratge, després d’una consolidada trajectòria com a actriu en cinema, televisió i teatre. El guió, signat per Clotet i Valentina Viso, presenta el film com una tragicomèdia contemporània que explora el desig de viure, la por a la mort i la complexitat de les relacions afectives. El repartiment es completa amb Naby Dakhli, Marc Soler, Loll Beltran i Zaira Pérez, amb la col·laboració especial de Guillermo Toledo i Josh Zuckerman.

FALLECIÓ EL CINEASTA ADOLFO ARISTARÁIN

26 abril 2026 – Falleció a los 82 años de edad el cineasta argentino Adolfo Aristaráin, según un comunicado difundido por la Academia Española de Cine. Recibió numerosos reconocimientos por sus películas, entre los que destaca la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián por su filme “Un lugar en el mundo”. No hace mucho tiempo, esa misma Academia le condecoró con su Medalla de Oro, pero no pudo viajar a España como consecuencia del terrible miedo a volar que padecía, una fobia que compartía con uno de sus actores preferidos para trabajar en el cine, Federico Luppi.

Aunque durante su vida hizo multitud de trabajos audiovisuales, sus películas más reconocidas fueron, aparte de la anteriormente mencionada: Tiempo de revancha, La ley de la frontera, Martín (Hache), Lugares comunes y Roma, su último largometraje, pues aunque tenía algunos proyectos más, nunca se llegaron a concretar. En mayo del año 2022 presentó en Buenos Aires su libro titulado El Oficio del Cine.

Trabajó con gente tan conocida como Federico Luppi, José Sacristán, Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Juan Diego Botto y Susú Pecoraro, entre otros muchos.

En enero de 2024 publicó un texto en el diario Página12 en el que llamaba a movilizarse contra las políticas del gobierno de Milei/Macri que acababa de ganar las elecciones. A raíz de esa publicación, el fiscal federal Carlos Stornelli denunció penalmente al director de cine por instigación a cometer delito, intimidación pública e incitación a la violencia colectiva. La iniciativa no prosperó en los tribunales.

El mencionado texto de Aristaráin comenzaba diciendo: “Gracias a un grupo lamentablemente numeroso de imbéciles, ignorantes y zombies que una vez votó a Macri, y ahora a su bufón Milei y a toda la banda de rufianes que los acompañan, se entregó el gobierno y administración del pais a una banda organizada que no tiene ideología, que busca sólo sacar provecho y rematar las industrias, los minerales, todo lo que puedan, sin límite”.

Adolfo Aristaráin era un director honesto, intransigente y profundamente moralista, con una firme convicción ética que se reflejaba en su cine y en su vida. Defendió historias que él consideraba que cautivarían al público a través de unos ideales críticos de la realidad social y el individualismo ético.

Y él mismo se definía como alguien que aprendía un oficio en el cine, con un espíritu anticonformista arriesgado, sensible y cuestionador ante la obediencia ciega al poder.

MURIÓ EL CINEASTA ARGENTINO LUIS PUENZO

21 abril 2026 – El cineasta Luis Puenzo, director de “La historia oficial”, película que ganó el Oscar de Hollywood a la Mejor Película Extranjera, murió en Buenos Aires. La noticia fue confirmada por el entorno del director, quien en los últimos años se había alejado de la escena pública por problemas de salud. Tenía 80 años.

Su cine, atravesado por la memoria, la identidad y los derechos humanos, marcó un antes y un después en la proyección internacional de Argentina como país.

Inició su recorrido en el cine publicitario. En 1968 fundó su productora, Luis Puenzo Cine, y en 1974 Cinemanía S.A. En 1973 presentó su ópera prima, Luces de mis zapatos, protagonizada por Pipo Pescador, Norman Briski y Juan Hidalgo, dando inicio a su camino como realizador y productor con una mirada propia.

Su filmografía como director incluye La peste, Gringo viejo, La puta y la ballena, Las sorpresas y Broken Silence. Como productor, participó en XXY, El niño pez, Wakolda, Infancia clandestina, El faro de las orcas, Los últimos y Planta madre.

Fue miembro fundador de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina, participó en la redacción de la Ley de Cine y presidió el INCAA durante un corto periodo de tiempo.

Curiosamente, su fallecimiento llegó uno o dos días después del de un actor argentino relevante que participó en películas como La Patagonia Rebelde y Esperando a la carroza, entre otras. Ambos tenían nombres compuestos casi idénticos: Luis Adalberto Puenzo y Adalberto Luis Brandoni. Tristes ironías de la vida o de la muerte, en este caso.

APLAZADOS LOS PREMIOS CÓNDOR DE PLATA

13 abril 2026 – La Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina informa que la 73ª edición de los Premios Cóndor de Plata, correspondientes a la producción audiovisual 2025, queda suspendida hasta nuevo aviso.

La decisión responde al contexto económico que atraviesa la Argentina, el cual impacta en la disponibilidad de recursos y en la posibilidad de garantizar las condiciones necesarias para la realización del evento en los términos que requiere una ceremonia de esta magnitud.

Desde su creación, los Premios Cóndor de Plata han acompañado y visibilizado la producción audiovisual argentina, consolidándose como un espacio de reconocimiento para realizadores, técnicos, intérpretes y trabajadores del sector.

La Asociación continuará evaluando la evolución del contexto con el objetivo de reprogramar la ceremonia cuando existan las condiciones adecuadas para su realización.