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“El vaivén de la escuelas”, el deseo de repensar la educación pública

El vaivén de las escuelas Entrevista a Carlos Skliar

Estreno en Buenos Aires
El encierro domiciliario de personas sanas ordenado por las autoridades sanitarias a partir de marzo del año 2020 no tiene precedentes en la Historia y fue algo que inevitablemente provocó enormes desajustes en distintos ámbitos, uno de ellos tan básico y esencial como lo es la enseñanza pública por afectar a esas edades tan sensibles que abarcan los periodos de la infancia y la juventud.
También los docentes tuvieron una enorme afectación en su vida privada y profesional y por esa razón dos de ellos, Martín Ferrari y Carlos Skliar, unieron sus esfuerzos para explicar en “El vaivén de las escuelas” las emociones contradictorias que aquella situación provocó entre el profesorado. “No hay respuestas sino un entramado de preguntas sobre lo interrumpido, lo desierto, lo discontinuo, lo que se pudo hacer y lo que no se pudo hacer”, -nos cuenta Carlos Skliar en entrevista-.

Pero más allá de la afectación que aquellas medidas tuvieron en los alumnos y su desarrollo académico, la película se focaliza exclusivamente en las emociones provocadas por aquel aislamiento tan imprevisto entre los educadores, tanto los más expertos como los que recién accedían a esta profesión en la cual los conocimientos se comunican al alumnado.

Al margen de todo ello, Skliar nos recuerda que aquí sí que se menciona al alumno que se suicidó, el ir a las casas a buscar al estudiante había perdido conectividad, cómo las escuelas eran un lugar de reunión por las comidas que se distribuían en los barrios, cómo pensaron los paseos y las caminatas cuando se autorizó, y también alude al hecho de que en Argentina tuvieron un periodo de aislamiento mucho más largo que en otros países.

“El documental captura dos instantes. Uno es el del vacío, el del silencio y la soledad, el de las instituciones desiertas. Y el segundo momento, que es el que yo diría que tiene más desarrollo, es el momento en el cual los maestros y las maestras regresan, y tratamos de capturar esa oportunidad de celebración, de reuniones en las cuales trataban de debatir a propósito de qué es lo que les había pasado”, -puntualiza Carlos-.

– En ese sentido, lo que sí que el documental menciona es la invasión de la escuela en la vida privada de los docentes, porque ustedes tenían que dar clases desde su domicilio particular y tuvieron que adaptarse a ello inmediatamente.

Sí, hubo otros países que demoraron más tiempo, pero en nuestro caso fue inmediato y hay educadores que comentan que nunca más quieren esa relación de invasión, de pérdida de la separación entre trabajo y vida privada, pero claro, la época en la que vivimos, más allá de la pandemia, no favorece esa separación y esa distinción. Ése es un análisis más anterior y antiguo, pues desde que internet ha entrado en nuestras vidas, esa separación es algo difícil de mantener. Pero la educación no es 24 horas por día los siete días de la semana, porque eso lleva a una idea de que no hay momentos de inutilidad, de reposo, pereza o libertad con respecto a tener que aprender todo el tiempo desde cualquier lugar y en cualquier momento.

Lo otro que se marcó en ese sentido fue las situaciones personales de los educadores con respecto a tener que cuidar de sus hijos o a sus madres, separaciones, vidas individuales muy complicadas, ya de por sí precarias, y por lo tanto esto agravó fundamentalmente la situación. Yo creo que es una de las marcas simbólicas y materiales más evidentes que el documental muestra, o sea delimitar hasta dónde llegaba la escuela y hasta dónde la casa. Por eso creo que la tarea educativa vuelve a plantearse hasta qué punto vamos a ser como el resto de la gente, trabajadores 24/7.

– Y luego está también el hecho de que la experiencia colectiva no puede sustituirse por algo que es digital e individual, pues no es lo mismo. ¿Quisieron ustedes tal vez hacer una disimulada protesta con esta película acerca de cómo se hicieron las cosas en aquel momento?

No, más bien queríamos darle cabida a una idea de escuela que estaba, a mi modo de ver, en la punta de la lengua durante la pandemia. Me refiero con esa imagen a una exploración que yo percibí en miles de educadores y educadoras de tal vez hacer las cosas de otro modo y pensar en otras escuelas. Y visto para atrás, yo creo que ése era el motivo principal para que no quedara atragantada en esa idea de escuela, que no quedara en suspenso, que tuviera un lugar para poder ser expresado, porque luego la coyuntura hace que se olvide un posible estado de transformación. Y yo creo que fuimos en esa dirección.

El vaivén de las escuelas Entrevista a Carlos Skliar

Carlos Skliar, co-guionista de “El vaivén de las escuelas”

Por otro lado, a mí el debate entre lo presencial y lo virtual me parece que ha sido mal planteado, porque siempre se trata de la presencia y en todo caso la enorme discusión que podemos hacer, que tiene que ver, como tú lo dijiste, entre lo individual y lo colectivo. Es decir, es evidente que podemos aprender individualmente y hoy el mundo y la máquina que es el mundo, te ofrece esta posibilidad de una manera muy concreta. La pregunta es si las escuelas, los colegios, la educación en general, tiene que ver con los aprendizajes individuales, o con el léxico individual, o con el triunfo de algunos o de algunas, o tiene que ver con crear otro tejido comunitario que no es el que te reclama o exige la época.

Yo diría que el documental no fue una protesta. No se ven discusiones sobre si el gobierno hizo bien o hizo mal. No se ven ese tipo de discusiones, que por cierto, las debe haber, pero me parece que nuestro retrato iba en la dirección de, efectivamente, buscar ese momento en el cual, vueltos a las escuelas, en ese instante de regreso, identificar si había una idea transformadora y de cambio, colectiva, y cómo la pudieron llevar a la práctica.

Ahora estamos a casi un año y medio de ese momento y queremos retomar con el documental qué pasó con todo aquello que se vislumbraba como necesidad de transformación; si quedó atragantado, si quedo en la punta de la lengua, si en algunos casos fue desarrollado,… En fin, creo que esa es la telaraña en la cual nos hemos metido.

– Seguramente la tecnología debería de ser algo complementario a la escuela y no la vía principal para el estudio. Algo en que apoyarse también, pero sólo como un recurso más.

Es que la historia de la Escuela con las tecnologías ha sido siempre así. Es decir, el libro también ha sido una tecnología y ha entrado en el mundo educativo, primero de una manera absoluta, tiránica, como único medio. Luego compartió recurso con el audio y más adelante con el vídeo. Me parece que a veces estamos hablando de formatos que determinan modos de funcionamiento y ahí entramos en la discusión sobre cuánto un formato te determina un modo de comportamiento y de hacer las cosas, o cuánto es un recurso de lenguajes que multiplican las posibilidades en vez de masacrar los formatos anteriores.

Yo creo que esa es la discusión en una época en que lo nuevo se presenta con todo su brillo y lo viejo parece ser ya anacrónico. Entonces, la Escuela vuelve a discutir la relación entre pasado, presente y futuro, insisto, en un tiempo en el cual el futuro es el tirano que gobierna, el pasado parece un viejito o una viejecilla que ya no tiene nada para decir, y el presente es un sinsentido. Por consiguiente yo creo que lo que las escuelas hacen, -y en el documental se ve también-, es tratar de recuperar un sentido para el presente, no tanto para la preparación de futuro, ni tanto para una memoria anquilosada de pasado. En eso estamos de acuerdo.

– Lo que quizá también se debería de imponer sería la racionalidad de esos recursos y que las personas pudieran utilizarlos de una manera equitativa, porque cuando se presenta algo nuevo, como ocurre ahora con la denominada inteligencia artificial, se tiende a usar desmesuradamente. Y creo que también se tendría que valorar qué significado tiene cada cosa concreta.

En nuestro país y en nuestra región toda la espectacularidad de las transformaciones tecnológicas ocurre en un fondo de profunda desigualdad. No es sólo la desmesura, sino también la disparidad de niveles. La cuestión es cómo se distribuye esa tecnología y bajo qué lógica de igualdad o de equidad aparece, porque si no va a ser siempre una radicalización de lo desigual, es decir, va a ser un instrumento al servicio de no sólo ya de la carencia y la abundancia, sino de conectividad o no conectividad, como pasó en la pandemia, y cada vez que la sofisticación aparece, si no se la piensa en términos de política pública y no sólo como instrumento empresarial, a nosotros se nos plantea el problema de más brecha, más desigualdad y más dificultad para la relación ante el mundo educativo y el mundo del trabajo, porque ya de por sí es delicado y frágil en este lado del mundo.

– Al hilo de este tema, recuerdo que una docente de enseñanza secundaria me comentaba que la mayoría de sus alumnos y alumnas se habían retrasado con respecto a su edad a lo largo del largo encierro en sus casas. ¿Ustedes lo han constatado también?

Si bien el documental no toca ese asunto, -y es importante decirlo porque no quisimos hacer un diagnóstico ni un pronóstico de la situación, sino más bien un retrato de imagen, cuerpo, rostro o palabra-, efectivamente creo que nuestro problema principal no ha sido tanto el retraso como el no regreso, es decir, hemos perdido demasiados estudiantes en el camino. Se calculaba en miles la pérdida de matrícula, sobre todo en escuelas secundarias, y por supuesto que ha habido y todavía hay un relato inacabado del sufrimiento, del padecimiento, del aislamiento y de la soledad.

Al mismo tiempo cabe decir que la insistencia en los medios tecnológicos para darle continuidad a las escuelas y a las pedagogías en boga, hizo también que mucha gente se desconectara por dos razones: una, la desigualdad absoluta que tenemos en nuestro país con respecto a la conectividad, como antes decía, y la otra es porque muchos estudiantes adolescentes y jóvenes decían que ya tenían su vida virtual, social, individual, de comunidad, de imagen, y por lo tanto que el colegio o la escuela también fuera virtual, les produjo un rechazo un poco exacerbado.

Así que extender hacia la vida escolar y académica también las formas tecnológicas que el alumnado ya usa en sus redes sociales e individuales, ha ido en detrimento del rendimiento y por supuesto que estamos todavía sufriendo esos efectos. Pero insisto que el documental no aborda esa cuestión, sino que tiene testimonios de maestros y maestras más de primaria, más de colegio básico, y muchos de ellos sí refieren el dilema tecnológico y el reencuentro y la necesidad de cuidado y compañía y de contar las experiencias, pero no tanto de los aprendizajes. La pérdida en ese área no es una cuestión tan central en el documental, sino más bien la otra pérdida, la social, de comunidad, de salir a la calle, de estar al aire libre, de ir a la escuela,… esas pérdidas sí se relatan y no tanto la de los aprendizajes, aunque sea algo que no se pueda obviar en este análisis. Yo creo que será uno de los efectos a pensar por el espectador tras visionar el documental.Síguenos en Twitter color

 

©José Luis García/Cinestel.com

El vaivén de las escuelas Entrevista a Carlos Skliar

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL, WEB FUNDADA EN JULIO 2005

FILMOTECA DE CATALUNYA_GENER 2026

Les novetats del mes de gener del 2026 són: la retrospectiva dedicada a Néstor Almendros en la seva faceta de director de fotografia i també de realitzador; la radicalitat de les propostes de no-ficció d’Annik Leroy i l’obertura del cicle dedicat al Colectivo Cine Mujer de Mèxic.

Néstor Almendros

Néstor Almendros és un dels grans mestres de la llum al cinema universal. Nascut a Barcelona, es va exiliar a causa del franquisme a Cuba el 1948, d’on es va tornar a exiliar fugint del castrisme el 1961 per edificar el gruix de la seva obra entre França, Itàlia i els Estats Units. Guardonat amb l’Oscar, va desenvolupar una mirada cinematogràfica que combinava la sensibilitat pictòrica europea amb la llum natural. Entre molts d’altres, va ser col·laborador habitual de Rohmer i Truffaut.

La retrospectiva que ara presenta la Filmoteca, a més d’alguns dels seus treballs més destacats com a director de fotografia, recupera la seva obra com a director de documentals i peces experimentals, amb els quals revela el seu compromís ètic i polític, a més d’una mirada crítica i profundament humana que complementa la seva saviesa visual.
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Annik Leroy: Veus distants

Tendrament devastadores, les pel·lícules de no-ficció de la cineasta belga Annik Leroy oscil·len entre el to poètic i l’assagístic, l’empremta personal i la política. Els seus indrets -els carrers desolats de Berlín, un cafè a Àustria, els paisatges volcànics d’Islàndia o la ciutat ferida de Sarajevo- testimonien una història turmentada. En les seves pel·lícules, el so, igual que les imatges, pot esdevenir tan romàntic i expressiu com materialment revelador.

Al llarg de quatre llargmetratges i quatre curtmetratges que s’estenen durant més de quatre dècades, ens enfrontem a una obra singular en la seva profunda radicalitat, que la cineasta presentarà personalment a la Filmoteca.
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El Colectivo Cine Mujer en context

El darrer dia del mes, dissabte 31 de gener, encetem aquest cicle que s’estendrà tot febrer. Presenta l’obra d’aquest col·lectiu militant feminista que va dialogar amb l’agitació que va mobilitzar Amèrica Llatina mentre va estar actiu a Mèxic entre el 1975 i el 1987. Les seves pel·lícules, fetes en 16 mm de manera col·lectiva, van abordar temes com el treball domèstic, la violència estructural, l’organització de les dones i la manera en què el quotidià expressa relacions de poder.

El programa inaugural inclou els curts Vicios en la cocina, las papas silban (Beatriz Mira Andreu, 1978, 24 min), 3 mujeres 3 (Margarita Suzan, 1976, 21 min) i Luna de almendra (Rosa María Álvarez Gil, 1990, 13 min), i comptarà amb la presentació de Karina Solórzano, comissària del cicle. Aquesta sessió també forma part de les jornades Preservar el foc. Arxius imperfectes i cinema militant, organitzades per Xcèntric (CCCB) del diumenge 25 de gener al diumenge 1 de febrer. (més informació)

Afins: Joaquim Jordà. Clausura

Aquest cicle transversal que ens ha acompanyat tota la tardor, es clou traçant un recorregut estructurat en duets que, a la manera del programa Els passos dobles, revelen l’afinitat i els paral·lelismes de l’obra del cineasta amb altres films aliens. La representació de la salut mental com un gest d’emancipació narrativa i política; la descomposició urbana i la fabricació de relats col·lectius entorn de barris marcats per la desigualtat i la memòria obrera i les seves fractures, constitueixen aquests emparellaments temàtics.

El cicle posa el punt final amb una mirada als projectes que Jordà va deixar oberts i que d’altres han assumit, per prolongar així el seu pensament: una obra inacabada i completada per col·laboradors propers i una sessió que, de bracet amb Isaki Lacuesta, reviu el guió inacabat de Dominicana, en un homenatge a un llegat que segueix transformant-se.
(més informació)

‘Dracs de llegenda’ a FilmoXica

En la programació familiar de la Filmoteca tot és possible, i aquest hivern estarà poblada de criatures llegendàries, enormes, que treuen foc pels queixals i poden volar… (més informació)

I també…

La Filmoteca celebra la restauració del film “Memoria”, del director Francisco Macián, amb dues sessions aquest mes de gener, una d’elles presentada per l’artista Jordi Artigas. (enllaç)

La retrospectiva Germaine Dulac segueix redescobrint l’obra d’aquesta pionera, des dels experiments impressionistes i surrealistes que van qüestionar gènere i sexualitat, fins als seus documentals i noticiaris dels anys trenta. (enllaç)

Amb motiu de l’exposició Col·lisió extrema. Cartells pintats a mà de Ghana, anys noranta, Filmoteca de Catalunya reuneix al cicle Àfrica contraataca una selecció de títols africans subsaharians que mostren l’impacte i la fascinació que el cinema ha tingut en la població del continent i els seus creadors d’ençà de la seva arribada ara fa un segle a través dels colonitzadors. (enllaç)

I encara queden més sessions del cicle dedicat a Kiyoshi Kurosawa per a veure. Referent del J-Horror i del suspens metafísic, Kurosawa ha explorat amb mestria la frontera entre el real i l’invisible: les pors que habiten no només a les ombres, sinó també en la rutina, la soledat i la incomunicació del Japó contemporani. (enllaç)

Recordeu també que si sou persones docents, també podreu gaudir, juntament amb l’alumnat, del programa per a centres educatius 2025-2026 que mostra el cinema en tots els seus vessants. Enguany la Filmo presenta tres tipus de proposta: Arxiu viu, Programa expandit i La Filmoteca a l’Aula. (enllaç)

I tothom pot accedir a la programació de l’Aula de Cinema, que consisteix en un exercici de renovació i problematització de l’escriptura la història del cinema. (enllaç)

CINESTEL TAMBIÉN ESTÁ EN BLUESKY

CIRCUIT ESTABLE DE CINEMA CATALÀ

Cicle Gaudí 2016 - Circuit estable de cinema català
Cicle Gaudí 2016 - Circuit estable de cinema català

SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

Sylvette Baudrot 260

FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL ARGENTINA

‘La producción audiovisual y su respaldo jurídico’ no es un libro más de Julio Raffo, sino un texto de lectura y de consulta imprescindible para los distintos profesionales de la industria del cine que deseen estar al tanto sobre cómo, conforme a la Ley de Cine, se regula en la Argentina la actividad productiva que conlleva la realización de películas, atendiendo no solamente a disposiciones legales y su marco regulatorio, sino que también a ejemplos prácticos y anécdotas. (saber más)

LOS INVENTORES DEL CINEMATÓGRAFO

Cinematógrafo LumièreEl cine es una invención sin ningún futuro. (…)
Nuestro invento no es para venderlo. Puede ser explotado algún tiempo como curiosidad científica, pero no tiene ningún interés comercial. *Antoine Lumière

ZONA INDUSTRIA

El Cine Argentino resiste en 2026 mientras la estupidez avanza

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Tras un año en el que estuvo amenazada la existencia y la supervivencia del cine nacional, este 2026 parece estar plagado de retos y desafíos para una filmografía que desde hace décadas es una, por…

Programación de la Filmoteca de Catalunya para febrero-junio 2026

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Para el primer semestre hay miradas al cine del pasado con, por ejemplo, un ciclo completo de las películas de Fritz Lang que inclusive abarca su periodo sonoro, pero también perspectivas del…

El histórico cine Saga Kino de Oslo confía en Christie para su reapertura

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Entrevista a Joel Munu sobre el CLAC y los cineastas de Lleida

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Superar la invisibilidad y falta de recursos, así como abrir un diálogo con instituciones locales y de Catalunya para defender los derechos laborales y artísticos del sector, son ideas que…

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Este año, 10 equipos de distintas partes de Latinoamérica se reúnen en Tandil para rodar 10 películas en 10 días. Cada proyecto es una voz única. Cada mirada, un reflejo distinto de la realidad propia.

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DESPEDIDA AL GRAN CINEASTA BÉLA TARR

6 enero 2026 – “Sátántangó”, “Werckmeister Harmonies” y “El caballo de Turín” son tres películas de culto que han dejado una huella profunda en el mundo de la cinefilia. Por desgracia, su autor, el reconocido cineasta húngaro Béla Tarr, nos ha dejado a los 70 años de edad a consecuencia de una enfermedad.

Comenzó a los 10 años como actor en Budapest, y tras haber intentado ser filósofo, descubrió su pasión por ponerse detrás de una cámara para contar historias desde un punto de vista original.

Pero a Béla Tarr se le describe sobre todo como maestro de los larguísimos planos secuencia en blanco y negro, con movimientos de cámara lentos y coreografiados. Su filmografía se vincula al llamado “slow cinema”, un cine de ritmo muy pausado, pocas acciones externas y fuerte énfasis en la atmósfera, lo cual es muy sugerente para las personas que quieren participar en la narrativa de una película haciendo circular sus pensamientos propios.

Su estilo fue comparado con el de Michelangelo Antonioni y Andréi Tarkovski, aunque algunos críticos hablaban de él como un “Tarkovsky desespiritualizado”. Frente al cine comercial, él mismo defendió un cine honesto, centrado en personas reales y en “captar nuestra forma de existir”, más que en contar historias convencionales. Gus Van Sant a menudo citó a Tarr como una de sus mayores influencias en sus últimos trabajos, desde “Gerry”, cuando Van Sant empezó a usar tomas muy largas e ininterrumpidas. También, Tarr, y, en particular “Sátántangó”, han sido una influencia fundamental en un movimiento fílmico remodernista.

Y es que sin lugar a dudas, la película más relevante de Béla Tarr fue “Sátántangó”, una historia que tardó siete años en planificar justo al borde de la caída del muro de Berlín. El film narraba, en siete horas, el fracaso de una granja colectiva (duraba exactamente 415 minutos), y solo pudo hacerlo público en 1994, en la nueva situación de Hungría. Para muchos, esta obra impresionante es una de sus piezas mayores. Susan Sontag, gran defensora de Tarr, al que consideraba como uno de los salvadores del cine moderno, afirmó que volvería a ver una vez cada año “Sátántangó”.

LES NOMINACIONS ALS PREMIS GAUDÍ 2026

Barcelona, 16 de desembre del 2025: L’Acadèmia del Cinema Català va anunciar a l’Auditori de La Pedrera de Barcelona les nominacions dels XVIII Premis Gaudí. En aquesta edició, “Romería”, de Carla Simón, amb tretze nominacions, seguida de “Sirat”, d’Oliver Laxe, amb dotze, i “Sorda”, d’Eva Libertad, que n’assoleix deu, encapçalen el rànquing en la segona volta de votacions, oberta fins al 26 de gener de 2026 per als vint-i-nou títols finalistes (vint-i-cinc produccions catalanes i quatre europees). També destaquen “Frontera”, de Judith Colell, amb vuit nominacions; l’òpera prima “Estrany riu”, de Jaume Claret Muxart, també amb vuit candidatures; i “La furia”, debut de Gemma Blasco, amb sis. “Tardes de soledad”, d’Albert Serra, amb sis nominacions, esdevé el documental més nominat en la història dels guardons de l’Acadèmia.

En la categoria de Millor pel·lícula competeixen per primer cop cinc títols: dues obres de cineastes veterans (Frontera i Wolfgang) i tres òperes primes (Estrany riu, Esmorza amb mi i Molt lluny).

En la categoria de Millor pel·lícula en llengua no catalana competeixen les tres produccions més nominades enguany als Gaudí, “Romería”, “Sirat” i “Sorda”, també preseleccionades per representar Espanya a la 98a edició dels Oscars, i la segona pel·lícula de Belén Funes, “Los Tortuga”. Precisament la pel·lícula “Sirat” es troba entre les finalistes en les categories de millor càsting, pel·lícula internacional, fotografia, música i so dels Premis Oscar de Hollywood. (Les nominacions en aquet cas s’anunciaran el pròxim 22 de gener.)

En el balanç de gènere de les finalistes, trobem un 52% de presència femenina en les categories nominatives. El palmarès es donarà a conèixer el diumenge 8 de febrer de 2026 en una gala al Gran Teatre del Liceu de la capital catalana.

TRISTE FALLECIMIENTO DE HÉCTOR ALTERIO

13 diciembre 2025 – Murió a los 96 años de edad uno de los actores argentinos más internacionales, Héctor Alterio, nacionalizado español porque en 1975, mientras se encontraba en España, fue amenazado de muerte por la Triple A, por lo que decidió no regresar a su país y residir desde entonces en Madrid. Se reunieron con él su esposa Modesta Ángela Bacaicoa Destéfano, y sus hijos Ernesto Alterio (1970) y Malena Alterio (1974), que han seguido sus pasos como intérpretes de cine y de teatro.

Aunque su debut como actor se produjo en el año 1948, se hizo famoso sobre todo por sus trabajos en el cine que empezaron en 1965 con “Todo sol es amargo”, de Alfredo Mathé. Durante los años siguientes Alterio intervino en algunas de las mejores películas de la entonces nueva generación de cineastas argentinos. Hizo colaboraciones con Fernando Ayala en “Argentino hasta la muerte”, (1970); Juan José Jusid en “La fidelidad”, (1970); Héctor Olivera en “La venganza del Beto Sánchez”, (1972) y “La Patagonia rebelde”, (1974), Oso de Plata en Berlín. Y con el más destacado de ellos, Leopoldo Torre Nilsson en “El santo de la espada”, (1969), “La maffia”, (1971) y “Los siete locos”, (1972).

Desde su exilio en 1975, Alterio también tuvo participación en muchas producciones españolas, dejando memorables creaciones en “A un dios desconocido” (1977) de Jaime Chávarri, con la que obtuvo el premio al mejor actor en el Festival de San Sebastián; “El crimen de Cuenca” (1979) de Pilar Miró; “El nido” (1980) de Jaime de Armiñán, película nominada al Óscar y premio al mejor actor de la Asociación de Cronistas de Nueva York; o “Don Juan en los infiernos” (1991) y “El detective y la muerte” (1994); ambas películas de Gonzalo Suárez.

Sin embargo, no dejó de participar en numerosas películas de Argentina, su país de origen, en donde fue uno de los protagonistas principales en cuatro de las primeras cinco películas del país que llegaron a ser candidatas en la instancia final del Oscar a la mejor película de habla no inglesa, e incluso una de ellas lo ganó. Dichas películas fueron: “La tregua”, de Sergio Renán (1974), “Camila”, de María Luisa Bemberg (1984), “La historia oficial”, de Luis Puenzo (1985) (que ganó el premio), y “El hijo de la novia”, de Juan José Campanella (2001).

En 2004 recibió el Goya de Honor y en 2008 el Cóndor de Plata por su trayectoria profesional.

GAUDÍ D’HONOR 2026 SERÁ PER A SÍLVIA MUNT

4 desembre 2025 – L’actriu, directora i guionista Sílvia Munt recollirà el Premi Gaudí d’Honor – Miquel Porter 2026, el màxim guardó honorífic del cinema català, en la gala dels XVIII Premis Gaudí, que tindrà lloc el 8 de febrer de 2026 al Gran Teatre del Liceu. El premi reconeix una trajectòria artística d’excel·lència, transmesa al llarg de més de quatre dècades dedicades al cinema, el teatre, la televisió i la dansa, i una contribució sòlida i profunda a la cultura cinematogràfica del nostre país.

La decisió ha estat adoptada per la Junta Directiva de l’Acadèmia, formada per Judith Colell (presidenta), Carlos R. Ríos (vicepresident), Alba Cros (secretària), Àngels Masclans (tresorera) i els vocals Marcel Barrena, Tono Folguera, Elena Martín, Arnau Bataller, Gina Ferrer i Marta Bazaco. “Sílvia Munt és compromís: compromís amb la professió d’actriu, que la va portar a transitar per desenes de personatges, alguns dels més icònics de la història del cinema català; i compromís amb la professió de directora i guionista, des d’on s’ha posicionat com una cineasta crítica, que ha sentit la responsabilitat d’utilitzar el cinema —sigui de ficció o documental— per visibilitzar les esquerdes de la societat en què vivim; i des d’on ha sabut contemporitzar rigorosament els clàssics, fent-los rellevants i atractius per al públic actual sense perdre els seus valors. Pionera en fer el pas de la interpretació a la direcció, no ha deixat mai d’acompanyar amb cura els actors i actrius que han posat el seu talent al servei de les seves creacions, obrint amb valentia, perseverança i ofici un camí que moltes altres han pogut seguir”, afirma la Junta.

Amb aquest reconeixement, Sílvia Munt s’incorpora al llistat de figures essencials que han rebut fins ara el Premi Gaudí d’Honor – Miquel Porter: Jaime Camino (2009), Josep Maria Forn (2010), Jordi Dauder (2011), Pere Portabella (2012), Montserrat Carulla (2013), Julieta Serrano (2014), Ventura Pons (2015), Rosa Maria Sardà (2016), Josep Maria Pou (2017), Mercedes Sampietro (2018), Joan Pera (2019), Francesc Betriu (2020), Carme Elías (2021), Tomàs Pladevall (2022), Jaume Figueras (2023), Rosa Vergés (2024) i Paco Poch (2025).

FESTIVAL INT. DE CINE INFINITO SUPER 8

26 noviembre 2025 – Comenzó en Capital Federal de Argentina hasta el domingo 30 la segunda edición del Festival Internacional de Cine Infinito Super 8, con proyecciones en las sedes de la Universidad del Cine de Buenos Aires, el Kino Palais/Casa Nacional del Bicentenario, el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken, el Centro Cultural La Tomada, y la Galería AnTnA.

INFINITO Super 8 se propone generar un espacio de intercambios para recobrar la experiencia colectiva del cine, el estado de comunión que implica una proyección en una sala y en una pantalla grande, sin interrupciones, especialmente en tiempos en los que el consumo audiovisual es cada vez más acelerado e individualizado, menos atento, y se lleva adelante mayoritariamente en dispositivos móviles y pequeñas pantallas personalizadas.

La idea es recuperar y celebrar la función comunitaria del cine, no sólo para generar el placer grupal durante el momento de la proyección, sino –y especialmente- para generar nuevos intercambios de saberes estéticos, técnicos, teóricos y prácticos, que siembren las bases de nuevos proyectos y colaboraciones mutuas entre cineastas de la región sudamericana y el mundo.

De hecho, la intención de sus promotores, Mónica Lairana y Paulo Pécora, es crear y compartir un nuevo espacio de difusión para el cine independiente y artesanal filmado en Super 8 milímetros, y lograr de ese modo una forma de difusión y reconocimiento al trabajo que tantas realizadores y realizadores en el mundo llevan adelante de manera artesanal, autogestiva, y casi secreta.

Además de sus competencias argentina e internacional, esta singular muestra de cine rinde homenaje al realizador rosarino Mario Piazza (1956-2024), uno de los pioneros del uso del formato Super 8 en la Argentina, con la proyección de dos de sus films iniciales (El hombre de acero, de 1976, y Papá gringo, de 1983) y la publicación de «Yeites», un texto inédito que empezó a escribir en 2021.

Igualmente, entre sus numerosas actividades, cinco films realizados por Juan José Mugni en los años 70 y 80 en Argentina y Uruguay, entre los que figuran tres donde colaboró con la artista experimental Marie Louise Alemann (como actriz y camarógrafa), serán exhibidos en un foco dedicado a su trayectoria.

“UN BANY PROPI” GUANYA SOM CINEMA 2025

26 octubre 2025 – Un bany propi, dirigit per Lucia Casañ i produït per PT Media i à Punt, ha obtingut el premi al Millor Llargmetratge de Ficció en la 16a edició del festival Som Cinema, mentre que Aigua salina, dirigit per Ivet Moreno i Abraham Delgado, i produït per ESCAC Films, ha estat guardonat com a Millor Curtmetratge de Ficció. Igualment, el Jurat ha decidit atorgar una Menció Especial al llargmetratge de ficció Sima’s song (La Canción de Sima), dirigit per Roya Sadat i produït per Alba Sotorra SL, Baldr Film, Urban Factory, Volos Films i Roya Film House, i al curtmetratge de ficció Bonita, dirigit per Eva Santana i Albert Carbó, i produït per Silendum Films.

El Premi del Jurat ha estat pel llarg de ficció La invasió dels bàrbars, dirigit per Vicent Monsonís i produït per Stanbrook, Alhena Production, Arden Producciones, à Punt, 3Cat i RTVE.

El film Loquillla mía, dirigit per Clàudia Estrada Tarascó i produït per CCCB i Dones Visuals, s’ha endut el premi al Millor Curtmetratge Documental, mentre que Muñequita linda, dirigit per David Moncasi i produït per TRAMA Audiovisual, ha aconseguit el premi al Millor Llargmetratge Documental. El jurat també ha volgut fer sengles Mencions Especials al curt documental La huella del barro, dirigit per Rodrigo Màrquez i produït per Rodrigo Màrquez, i al llarg documental Sunu gaal (El nostre cayuco), dirigit per Josep T. Paris i produït per Karavan Films i 3Cat.

En el decurs de l’acte s’han presentat també els curtmetratges, concretament 2 plans-seqüències titulats Reflejo i Tot o res, que han elaborat els alumnes de l’Institut La Caparrella de Lleida durant el festival. Els alumnes han incidit en la dificultat del treball, per la complexitat d’aquesta tècnica, i han demanat als espectadors “que segueixin amb molta atenció els curts per entendre el significat”.

La directora del festival, Judith Vives, ha afirmat que “en aquesta edició hem tingut molta varietat de propostes, totes ells d’alt nivell” i ha destacat també l’organització d’espais paral·lels “per donar suport als projectes dels nous realitzadors emergents del territori”. També ha dit que “el fet que tantes produccions de Catalunya, País Valencià, Balears i Andorra es puguin veure al festival converteix Lleida en un punt de referència del cinema en català”. Finalment, ha incidit en la nombrosa presència de convidats que han visitat el festival, una cinquantena en total, inclosos directors, actors, productors i altres professionals relacionats amb el món del cinema.

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JOSÉ LUIS GUERÍN ESTRENA EN FEBRERO

6 octubre 2025 – “Històries de la bona vall” (Historias del buen valle) es la nueva película del cineasta catalán José Luis Guerín. La distribuidora del film tiene previsto estrenar esta nueva obra del director el 26 de febrero de 2026, justo dos días antes de la gala de los Premios Goya que se celebrará en Barcelona un domingo por la noche, rompiendo los hábitos adquiridos desde el año 2005 de celebrarla los sábados por la noche.

Tres años fueron los que Guerín dedicó a la realización de este proyecto que contó con la participación de vecinos del barrio barcelonés de Vallbona y con la producción de Los Ilusos, la compañía de Jonás Trueba. Vallbona es un barrio periférico de Barcelona que permanece aislado por ríos, vías y autopistas. En este rincón humilde, conviven la herencia rural con la urbanización moderna, mezclando las casas de antiguos migrantes de la posguerra con los bloques donde se asienta la nueva migración.

La película retrata este enclave como una aldea global marcada por la memoria de la supervivencia y las luchas vecinales. Una reflexión humanista sobre los conflictos sociales, identitarios y ecológicos del mundo contemporáneo.

VENECIA: “FATHER MOTHER SISTER BROTHER”

9 septiembre 2025 – “Todos los que hacemos películas aquí no estamos motivados por la competencia”, dijo el cineasta estadounidense Jim Jarmusch nada más recibir el León de Oro en la Mostra de Venecia por su más reciente película, “Father Mother Sister Brother”, que en el territorio español será distribuida en cines por Avalon, donde tiene previsto su estreno para el próximo día 24 de diciembre de este año.

Jarmusch dijo durante su visita al Festival italiano que su nueva creación “es una especie de película anti-acción, con un estilo sutil y tranquilo construido para permitir que se acumulen pequeños detalles, casi como flores cuidadosamente colocadas en tres delicados ornamentos. Las colaboraciones con los magistrales directores de fotografía Frederick Elmes y Yorick Le Saux, el brillante editor Affonso Gonçalves y otros colaboradores frecuentes, elevan lo que comenzó como palabras en una página a una forma de cine puro”.

“Father Mother Sister Brother”, aunque sea un largometraje, posee la particularidad de que está esmeradamente presentado en forma de tríptico. Las tres historias se refieren a las relaciones entre los hijos adultos con unos progenitores algo distantes, tanto con sus propios vástagos como entre sí mismos. Cada uno de los tres capítulos tiene lugar en el presente, y cada uno de ellos ocurre en un país diferente.

‘Father’ está ambientado en el noreste de los Estados Unidos, ‘Mother’ en Dublín, Irlanda, y ‘Sister Brother’ en París, Francia. La película es una serie de estudios de personajes: tranquila, observacional y sin prejuicios; una comedia, pero entretejida con hilos de melancolía. Y entre los intérpretes del film encontramos a Tom Waits, Adam Driver, Mayim Bialik, Charlotte Rampling y Cate Blanchett.

Este cineasta de gran estatura se mostró agradecido al Festival por “apreciar nuestra película tranquila”. De hecho, Jim Jarmusch siempre se ha declarado como un firme admirador del cine de Michelangelo Antonioni, Kenji Mizoguchi y Yasujiro Ozu. Obviamente su lista de películas estrenadas es muy larga y prolífica, pero por citar sólo algunas, podríamos destacar su experimento exitoso con “Coffee and Cigarettes”, donde desarrolló la idea de repetir el título en distintas entregas, y algunos otros filmes como por ejemplo “Extraños en el paraíso”,  “Mystery Train”, el western “Dead Man”, “Flores rotas” o “Paterson”.