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“Tunun”, entrevista a Yannick Constantin y Yanina Luponio Sáenz

diciembre 12, 2025 ENTREVISTAS, VISION DOCUMENTAL
Tunun entrevista a Yannick Constantin y Yanina Luponio Saenz

Estreno en Buenos Aires
Ignorando alternativas viables, la Autovía de Punilla (RN38) a su paso por la provincia argentina de Córdoba fue planeada sin el consenso de las poblaciones afectadas, partiendo literalmente un territorio habitado por algunas poblaciones indígenas.
La comunidad originaria de Cosquín-Las Tunas se opuso totalmente al proyecto desde que se tuvo conocimiento del mismo, y los realizadores cordobeses Yannick Constantin y Yanina Luponio Sáenz quisieron mostrar en su ópera prima documental todas aquellas partes que desde los medios de comunicación masivos jamás fueron expuestas ni reveladas.
“Tunun” se propone preservar memorias y registros del territorio antes y durante las intervenciones para mostrar tanto las huellas presentes como sus transformaciones.

El film, cuyo título remite a cómo fue primariamente denominado el territorio, presenta a Natividad Altamira como hilo conductor del relato, lo que nos lleva a un recorrido por paisaje, flora, huellas arqueológicas y viviendas tradicionales en su primera mitad, para pasar a continuación a centrarse en el conflicto por la obra vial. La policía y el aparato estatal argentino actuaron de forma represiva, y el poder judicial fue percibido como cómplice por no garantizar el derecho a la protesta.

Los directores del film, Yannick Constantin y Yanina Luponio Sáenz comienzan esta entrevista explicándonos cómo llegaron a interesarse por esta problemática que abarca a pueblos como los Kamiare y los Comechingón, que habitan zonas de las provincias de San Luis y Córdoba:

Tunun entrevista a Yannick Constantin y Yanina Luponio SaenzYannick Constantin: Nosotros llegamos a la comunidad en 2021 con la inminencia de este gran desarrollo que se ve a lo largo de la película. Había inquietud en la familia Altamira, a través de Natividad y de su hijo Jesús, por resguardar memorias y huellas del territorio. Al armar el relato cinematográfico en el montaje, nos pareció que ese primer momento mostraba cosas que después ya no se verían, o que mostraría las consecuencias que atravesó el territorio.

También queríamos nombrar el documental “Tunún” como la forma original de denominar el territorio, y atender las pequeñas huellas naturales: plantas, patrimonios arqueológicos, morteros, pircas. Por ejemplo, esa casa de piedra que Natividad presenta constituía la base del territorio sobre el que luego sería la intervención y el núcleo del conflicto.

Yanina Luponio Sáenz: No queríamos que esas huellas quedaran como marcas de un pasado; buscábamos resignificar su utilidad en el presente, romper la linealidad de la historia oficial y poder construirla desde otro lugar.

Aunque el cine avanza linealmente, también puede hackear esa linealidad. Si inscribes las pircas o morteros a un pasado colonial, se ve que las familias los siguen usando hoy; no responden a una cronología lineal.

– En un documental así, el núcleo es el conflicto, pero también hay dificultades para esclarecer quién puede mostrar estas cosas y quién no. Ustedes encontraron a Natividad Altamira. ¿Lo tuvieron claro desde el principio o tuvieron que seleccionar entre otras personas?

Tunun entrevista a Yannick Constantin y Yanina Luponio SaenzYanina: Llegamos a Natividad porque somos amigos de las abogadas que llevan adelante la defensa de las familias. Dentro del pueblo ellos sentían la necesidad de resguardar la memoria más allá de la obra. Nosotros pusimos a disposición la herramienta audiovisual para que ellos tengan ese material. Fue el hijo de Natividad quien nos dijo que quería que se registraran las palabras y la forma de vida de su madre.

Con el tiempo se amplió el campo de conversación y conocimos a otras familias y vecinos del valle que también estaban en contra de la obra, muchos de ellos que ni siquiera pertenecen a las comunidades indígenas. Gracias a esas voluntades conjuntas pudimos hacer la película, porque solos habría sido muy difícil.

Las personas del territorio nos avisaban cuando ocurría algo. Vivimos a 40 minutos de ahí e íbamos con la cámara a los procedimientos y registrábamos las consecuencias del impacto, aunque a veces llegábamos tarde.

Yannick: Natividad se fue constituyendo como la protagonista y la mejor guía por su trayectoria histórica, sus antepasados y su casa de piedra, donde nació y crió a sus hijos.

La edad le da esa trayectoria de vida que te permite contar transversalmente: sus memorias son las de su infancia, de su abuelo y de sus hijos actuales. Era la voz ideal para contarnos y romper la noción básica sobre el territorio.

Yanina: También queríamos evidenciar que la imagen decimonónica de lo indígena no encaja aquí; sobre todo cuando nos tienen que decir cómo debe ser un indígena o qué debe hacer, y lo que vemos ahí quizá rompe también con lo que uno esperaría que fuera un indígena promedio americano. La película abre ventanas de discusión política e histórica sobre cómo opera el colonialismo hoy, desde lo simbólico y subjetivo. Necesitamos seguir hablando de esto para que no quede como una efeméride del pasado, que no quede en un 12 de octubre, sino que se sepa cómo sigue operando esa dinámica al día de la fecha.

Esta obra urbanística de la que hablamos en “Tunun” está financiada por el norte global; muchos ordenamientos territoriales se hacen en oficinas lejanas para toda Latinoamérica. Lo que mostramos es una viñeta pequeña de eso. Entonces, traer esa discusión política hoy, nos parece adecuado.

– Además de que la comunidad originaria de Las Tunas reclama su territorio, veo racismo sistemático del Estado argentino con los pueblos indígenas, sin importar el partido. ¿Es así realmente? ¿No ha habido gobernadores o partidos que apoyen a estas comunidades?

Yanina: Es muy pertinente tu apreciación en ese sentido porque, por ejemplo, el Plan IIRSA, firmado en 2000 en una época de progresismo, muestra la grieta entre discurso progresista y praxis política. Estas inconsistencias son palpables sobre todo en procesos de despojo territorial y extractivismo colonial. O sea, seguimos siendo el sur global o Latinoamérica, las zonas de sacrificio, como hace 500 años. Y eso no hay color político que lo haya discutido con seriedad; la discusión partidaria se queda corta.

Incluso en Bolivia, en un Estado plurinacional, los conflictos más grandes que han tuvieron todos los años de Evo Morales como presidente fueron por estas causas, por despojos territoriales atravesados por procesos extractivistas. La cuestión es debatir semánticamente qué significa progreso y desarrollo hoy.

Yannick: Quienes están llevando los procesos judiciales son juicios contra gobiernos, sin importar su color. Es una discusión política más profunda que la partidaria.

– En la película, al describir el trazado de la autovía de Punilla, me pregunté si a priori los promotores consultaron sobre cómo circularían los animales o si se presentaron alternativas más viables. ¿Hubo otras opciones o consulta previa?

Yannick: Esa es una trampa de los megaproyectos: deben incluir en su planificación estudios de impacto ambiental y audiencias públicas, pero los estudios suelen tener excepciones y las audiencias no implican escucha real. Y por otro lado, vemos también que cuando la resistencia popular se manifiesta en contra, tampoco es que eso tiene un asidero o que tiene una escucha real.

En la película se muestra que la única condición fue no pasar sobre las casas y se movió el trazado 20 metros. Pero realmente no hubo un diálogo equitativo que contemple alternativas más acordes a las dinámicas del territorio y las economías rurales.

Los trazados se dibujan lejos de los territorios y quienes redactan el proyecto no ven las particularidades ni escuchan a quienes sí que realmente conocen el territorio. En la comunidad se usaban pozos de agua que se abastecían de ciertas napas; y las explosiones de la obra secaron vertientes y contaminaron napas. Un estudio de impacto serio debería contemplar esto; pero a menudo son formalidades administrativas que no miden los impactos sociales, ambientales y humanos.

Yanina: Y en relación a esto, sobre todo en la secuencia con arqueólogos que mostramos en la película, yo me preguntaba que cuál es el rol de la ciencia y de la academia en estos procesos. Parece que muchas veces estamos al margen, pero acá vemos el impacto que genera poner el conocimiento a merced de qué narrativa, de qué construcción de mundo.

Muchas veces la academia suele estar lejos de los territorios, que están cada vez más cerrados, y acá vemos que son muy necesarios. Entonces, la cuestión es qué hacemos con el conocimiento que tenemos, a quién se lo brindamos y para qué fin.

En la película hubo tres equipos de profesionales que hicieron el relevamiento arqueológico y paleontológico, pero estuvieron al servicio de las empresas. Es necesario cuestionar a quién se brinda el conocimiento y con qué finalidad.

– Los desalojos no aparecen en “Tunun”, pero supongo que son conocidos. ¿Qué ocurrió?

Yannick: Hubo desalojos del acampe a la madrugada, un gesto autoritario de represión a la protesta. Un vecino fue agredido; 18 activistas ambientales fueron imputados y procesados, y seis enfrentan juicio. No todos pertenecen a la comunidad indígena, sino a la comunidad ampliada del Valle de Punilla, que acompañó la lucha socioambiental de la comunidad y también, como hablábamos antes, se opuso a la obra en las audiencias públicas.

Nosotros no filmamos directamente la agresión, pero se ven tensiones con la policía. Hubo amedrentamiento, detenciones arbitrarias y estrategias de patoteo, incluso por agentes no uniformados que después se identificaron como policías. El aparato estatal y el poder judicial no garantizan los derechos a la protesta, que están en la legislación nacional y en tratados internacionales.

– También es relevante cómo tratan el tema los medios; los medios privados no lo cubren, pero los públicos tampoco.

Yanina: El problema es que no hay mucha discusión de fondo. Y para mí tiene que ver justamente con esto: lo que se pone en juego es un modo de pensar la política que después los distintos gobiernos llevan a la práctica, pero que, en el fondo, no cambia demasiado entre los más de derecha y los más de izquierda. Todos manejan la misma idea de “camino al progreso” en línea recta, pero casi nunca se preguntan a quién se lleva puesto ese progreso. Y, al final, vienen siendo los mismos de hace 500 años, más allá del color político.

Cuando se habla de los Estados latinoamericanos, parece que fueran simplemente la continuación administrativa de lo que fue la colonia española. Obvio que cambiaron cosas, seguro, pero la base colonial sigue ahí, intacta. Y meterse con eso es muy difícil; no es un tema que esté presente en el debate público. Incluso puede sonar ofensivo plantearlo. Por eso está bueno intentar ir un poquito más allá, sobre todo acá.

Acá está todo tan polarizado, en un momento tan convulsionado, con este desastre de gobierno nacional, que todo se reduce a una discusión partidaria, blanco o negro, cada vez que se habla de política. Es como si la política fuera solo partidos y nada más. Entonces hay que hacer todo un recorrido previo para poder plantear otro escenario y recién desde ahí ponerse a charlar; si no se hace muy complicado.

 

©José Luis García/Cinestel.com

Tunun entrevista a Yannick Constantin y Yanina Luponio Saenz

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL_WEB FUNDADA EN JULIO 2005

FILMOTECA DE CATALUNYA_ESTIU 2026

Aquest estiu en la Filmoteca de Catalunya tenim la possibilitat de veure La repesca! i cicles de Fritz Lang sonor, comèdies romàntiques, Aki Kaurismäki o Jane Fonda, entre d’altres.

La repesca!

Un any més arriba La repesca!, un cicle pensat per recuperar algunes de les pel·lícules del 2025, votades per l’equip de la Filmoteca, i esquivar les dinàmiques accelerades que regeixen l’economia de l’atenció. Una invitació a redescobrir aquestes obres amb temps, en pantalla gran i oferint un espai compartit entre propostes de gran públic i altres de més minoritàries. L’edició d’enguany ofereix una mirada oberta a la diversitat de formes i sensibilitats que conviuen a la cartellera del nostre país.
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Fritz Lang. El període sonor

Fritz Lang entra en el cinema sonor per la porta gran tot revolucionant la nova tecnologia d’aleshores amb M (1931), un film en què els sons, el silenci i el fora de camp sonor s’integraven de manera innovadora en la narració. Aquesta transició significa per al cineasta el pas d’un univers monumental i fantàstic a un estil contingut i realista, centrat en personatges més quotidians, allunyats dels superherois i els supercriminals de l’etapa muda. En arribar als Estats Units, destaca en gèneres com el western, el d’espies, el d’aventures i, sobretot, el noir, al qual aporta la influència estètica de l’expressionisme alemany, i manté molts dels elements constants de la seva filmografia. (més informació)

Tu i jo, què? Comèdies romàntiques

Què és, exactament, una comèdia romàntica? Dues persones destinades a trobar-se? Una batalla de gèneres amb final feliç? Un mecanisme perfecte de rèpliques enginyoses contingut dins d’una matrioixca de malentesos? Tu i jo, què? proposa un recorregut per un dels gèneres més populars, mutants i persistents de la història del cinema: un territori on les formes del desig, les convencions socials i les fantasies sentimentals es negocien a cop de diàleg. El cicle reuneix grans clàssics, especialment del cinema nord-americà, però també proposa desviaments cap a altres geografies i sensibilitats.
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Aki Kaurismäki

Aki Kaurismäki va situar al mapa la cinematografia finlandesa. Centrant-se en personatges marginats i en conflictes de classe, construeix un cinema polític sense discurs explícit, basat en la defensa de la dignitat humana. Amb referents com Bresson, Tati, Chaplin, Buñuel o Ozu, la seva aposta formal consisteix a eliminar el superflu per aconseguir una expressivitat màxima amb recursos austers. Amb una posada en escena minimalista, el·líptica i sòbria, i una visió molt crua de la realitat, el cineasta combina l’humor sec i de vegades surrealista amb una gran sensibilitat emocional. (més informació)

Jane Fonda

Una retrospectiva en què algunes de les seves interpretacions més memorables s’entrellacen amb capítols clau del cinema del segle XX: la transició del sistema clàssic d’estudis al New Hollywood, el cinema compromès en l’estela de la contracultura i les lluites del 68, el nou star system del cinema d’entreteniment dels vuitanta…, fins a arribar als seus papers més recents, en els quals desplega sense complexos el seu estatus d’icona intergeneracional. Una història del cinema i de l’emancipació: amb un registre interpretatiu sofisticat i autoconscient, Fonda ha desmuntat metòdicament els codis de cosificació sexual imposats per la mirada masculina. (més informació)

EXPOSICIÓ: Feminismes fílmics: 1976-2026 – A partir de la col·lecció de la Filmoteca de Catalunya

En ocasió del 50è aniversari de les Primeres Jornades Catalanes de la Dona, l’exposició revisa la influència que el moviment feminista ha exercit en el camp del cinema i la creació videogràfica en el context català, i com les idees, les demandes i les accions d’aquest moviment s’han reflectit en els treballs audiovisuals per donar lloc a una manera diferent de pensar, sentir i crear imatges en moviment.

La mostra presenta remuntatges de fragments de pel·lícules, peces de videoart i reportatges televisius articulats entorn dels nou temes que es van debatre durant aquells dies –Treball, Barris, Família, Educació, Mitjans de comunicació, Política, Legislació, Ruralitat i Sexualitat–, i proposa una genealogia possible dels feminismes fílmics a Catalunya entre 1976 i l’actualitat.
(més informació)

I també…

Darreres sessions de la retrospectiva dedicada al cineasta romanès Radu Jude, una de les veus més originals i incisives del cinema europeu actual. (enllaç)

El cicle Arxiu viu presenta la sessió Mari Chordà. Cossos i corrents, un recorregut íntim per diversos fragments inèdits de la filmografia de la cineasta (Amposta, 1942), pel·lícules dipositades a la Filmoteca de Catalunya i procedents del fons que l’artista va confiar al Centre de Documentació de Ca la Dona. (enllaç)

I una altra cita clàssica dels estius: la col·laboració amb el Bachcelona, en el vessant cinematogràfic d’un festival que, més enllà del format de concert, potencia la vivència, la interacció, la divulgació i els aspectes més inesperats i lúdics de la música de J. S. Bach. Enguany amb la projecció de L’evangeli segons sant Mateu de Pasolini, on l’ús de la música de Bach crea un contrast auster amb la cruesa visual per atorgar a les imatges una dimensió gairebé espiritual. (enllaç)

Divendres 17 de juliol a les 17.00 h a la Sala Chomón, presentació dels curtmetratges resultants del taller d’experimentació cinematogràfica Vivim el barri, en una sessió oberta al públic i gratuïta presentada pels i les joves creadores, que del 6 al 14 de juliol hauran participat al taller, organitzat per la Filmoteca de Catalunya dinamitzat per l’associació Les minúscules. (enllaç)

I no oblideu que la FilmoXica d’estiu va en bicicleta! (enllaç)

CINESTEL TAMBIÉN ESTÁ EN BLUESKY

CIRCUIT ESTABLE DE CINEMA CATALÀ

Cicle Gaudí 2016 - Circuit estable de cinema català
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SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

Sylvette Baudrot 260

FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL ARGENTINA

‘La producción audiovisual y su respaldo jurídico’ no es un libro más de Julio Raffo, sino un texto de lectura y de consulta imprescindible para los distintos profesionales de la industria del cine que deseen estar al tanto sobre cómo, conforme a la Ley de Cine, se regula en la Argentina la actividad productiva que conlleva la realización de películas, atendiendo no solamente a disposiciones legales y su marco regulatorio, sino que también a ejemplos prácticos y anécdotas. (saber más)

ZONA INDUSTRIA

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PELÍCULA DE MARIANO LLINÁS EN LA SEMINCI

15 septiembre 2026 – El cineasta argentino Mariano Lllinás competirá en la Sección Tiempo de Historia de la SEMINCI de Valladolid, al final de octubre, con su nueva película sobre Borges.

En una nota de prensa, desde el festival cuentan lo siguiente: “La película de Mariano Llinás parte de una paradoja fascinante: cuanto más intenta acercarse a Borges, más imposible resulta abarcarlo. “Biografía de Jorge Luis Borges” reúne manuscritos, objetos, lugares, libros y episodios de la vida del escritor, pero cada hallazgo abre una nueva historia y conduce hacia otro lugar. En vez de encerrar a Borges en una semblanza al uso, Llinás vuelve a poner en circulación sus mundos y convierte su película en una aventura laberíntica que parece no tener final”.

A partir de la colección de objetos de la Fundación ISLAA, el director Mariano Llinás emprende un monumental viaje documental de 330 minutos dedicado a la vida de Jorge Luis Borges.

Construida como una minuciosa investigación detectivesca y un diario de viajes, la película examina manuscritos, cartas, dibujos de la infancia y correcciones del escritor. Acompañado por el especialista Ernesto Montequin, Llinás recorre geografías fundamentales para el autor como Ginebra, Cambridge, Reikiavik y Nueva York. La narración en voz en off guía la travesía rastreando las huellas físicas y personales que el célebre autor dejó en cada documento y lugar.

A lo largo de sus tres partes, la obra analiza la evolución literaria de Borges, conectando de forma sutil sus textos con su experiencia vital. La cinta no elude las zonas más complejas e incómodas de la trayectoria del escritor, abordando abiertamente su visión política y sus polémicas.

Fiel al espíritu borgeano, el relato se nutre de digresiones, referencias fantásticas, pasajes de la literatura universal y reflexiones sobre la creación. Un colosal retrato cinematográfico que demuestra cómo la propia vida de Borges se entrelaza con las tramas y mitologías que él mismo concibió.

BIARRITZ: PREMIERE FILM DE PABLO CÉSAR

14 septiembre 2026 – ROMANCE DE LA LUNA NEGRA, el nuevo largometraje del director argentino Pablo César, tendrá su Première Mundial el próximo 28 de septiembre a las 20:15 h en el Théâtre du Casino de Biarritz, como parte de la 35ª edición del Festival Biarritz Amérique Latine.

Rodada hace apenas unos meses en distintas localizaciones del País Vasco e íntegramente en película fotoquímica de 35 mm, ROMANCE DE LA LUNA NEGRA está protagonizada por Luz Castillo, quien tenía 90 años durante el rodaje y asume aquí por segunda vez el papel protagónico de un largometraje de ficción.

En la película, Castillo interpreta a Clara, una mujer de 90 años que vive sola en el País Vasco y cuya vida se ve alterada por la aparición de un misterioso vecino. A partir de ese encuentro, figuras provenientes de la memoria, la filosofía y el amor comienzan a reaparecer en su camino. Entre lo cotidiano y lo fantástico, Clara se interna en un territorio en el que los recuerdos adquieren cuerpo y el tiempo parece quedar suspendido.

La película propone un viaje íntimo alrededor de la vejez, la ausencia, la memoria y la posibilidad de reencontrar aquello que parecía perdido para siempre. En ese universo, figuras como José Ortega y Gasset, Miguel de Unamuno y Gustavo Adolfo Bécquer irrumpen no como explicaciones, sino como presencias que acompañan el recorrido interior de Clara.

La elección de Biarritz posee, además, un significado especial para la relación entre la actriz, el director y el festival: fue allí donde comenzó, dos años atrás, el recorrido internacional deDespués del final, la película que marcó el sorprendente debut cinematográfico de Castillo.

La Sección Oficial del reconocido festival francés también incluye algunas películas argentinas. En la categoría de largometrajes de ficción compiten CAMINERA (2025), dirigida por Federico Pozzi y HANGAR ROJO (2026) (Chile – Italia – Argentina), dirigida por Juan Pablo Sallato.

En documentales están programados DICIEMBRE (2025) (Uruguay – Argentina), dirigido por Lucas Gallo, y LOS VENCEDORES (2026), dirigido por Pablo Aparo.

Y en la sección de Cortometrajes se proyectan los filmes argentinos LA HORA DE IRSE (2026), dirigido por Renzo Cozza, y PARA LOS CONTRINCANTES»* (2026), (Chile – México – Reino Unido), dirigido por el argentino Federico Luis y ganador de la Palma de Oro en Cannes.

MURIÓ EL CINEASTA EDUARDO CALCAGNO

2 septiembre 2026 – Falleció en Buenos Aires a los 85 años de edad el reconocido cineasta y crítico de cine Eduardo Calgagno. Nacido en la capital argentina en 1941 e hijo del notable crítico Raimundo Calcagno, Eduardo inició su propio camino en la década de 1960 ejerciendo la crítica de cine en diversos medios gráficos, radiales y televisivos.

Pero pronto comenzó a fraguar proyectos concretos para el cine como director. Tras algunos cortometrajes, Calcagno se atrevió a probar suerte en el largometraje, asumiendo la dirección de “Fuiste mía un verano” (1969), donde se propuso unir el cine de autor con la fórmula comercial de llevar a un cantante popular a las pantallas, nada menos que Leonardo Favio.

A partir de ahí rodó más historias, como puede ser “Los Enemigos” (1983), “Te amo” (1986), y otra de sus más reconocidas: “El Censor” (1995), protagonizada por su actor fetiche, el talentoso y carismático Ulises Dumont. Una de las miradas más incisivas sobre la maquinaria cultural de la censura.

En 1999 estrena “Yepeto”, acaso su mejor película y también, por qué no escribirlo, la de Ulises Dumont. Con guión de Roberto Tito Cossa, cuenta la historia de un triángulo “amoroso” entre un atleta, una alumna de facultad y su profesor. Tanto Dumont, como Calcagno y Cossa, fueron galardonados en varios festivales por este filme.

Entre sus otros filmes, destacaremos que en 2007 Eduardo Calcagno realiza “El salto de Cristian”, también con muchos actores conocidos. Y en 2014 estrena “Ulises, un alma desbordada”, un documental homenaje a su gran amigo Ulises Dumont, una amistad de toda la vida la de ambos.

A este señor venido desde Claromecó a Buenos Aires, donde vivía muy cerquita de la 9 de Julio, tuvimos desde Cinestel la satisfacción de conocerlo, tanto triunfando en la Mostra de Lleida con “Yepeto”, como más adelante en el transcurso de sus años formando parte de las tutorías de los proyectos que se presentaban en el Concurso Historias Breves del INCAA. Su impronta, amabilidad y, sobre todo, su sentido del humor, dejaron huella entre muchos de nosotros.

RICARDO DARÍN PRESENTA “LO DEJAMOS ACÁ”

28 agosto 2026 – El actor argentino Ricardo Darín, imagen del cartel oficial del 74 Festival de Cine de San Sebastián, presentará en esta edición del certamen donostiarra, en premier mundial, la película “Lo dejamos acá”, de su coterráneo Hernán Goldfrid.

El film forma parte del programa Otras Actividades del Zinemaldia de Donostia, y está co-protagonizado por el actor Diego Peretti. La película trata acerca de un psicoanalista pragmático que pierde la fe en los métodos habituales de la psicología y comienza a sobrepasar los límites con sus pacientes. Todo parece funcionar hasta que un escritor con un bloqueo creativo llega a su consulta.

Producida por Kenya Films, con Ricardo Darín, Chino Darín y Federico Posternak como productores, y dirigida por Hernán Goldfrid (Atrapados, El jardín de bronce, Tesis sobre un homicidio), “Lo dejamos acá” marca el regreso de Darín a la pantalla grande tras “Argentina, 1985” y luego del éxito de la serie “El Eternauta”. Completan el elenco Antonia Bengoechea, Inés Efron, Andrea Politti, Pata Echegoyen, Carlos Santamaría y Miriam Odorico. El film llegará a Netflix el próximo 16 de octubre.

Hernán Goldfrid (Buenos Aires, 1979) debutó en el largometraje en el 2009 con la comedia romántica “Música en espera”, y posteriormente, dirigió el thriller “Tesis sobre un homicidio” (2013), protagonizado también por Ricardo Darín, que superó el millón de espectadores en Argentina.

Entre el 2016 y el 2023, el realizador argentino dirigió las tres temporadas de la serie “El jardín de bronce”, nominada en el 2020 al Emmy Internacional a Mejor serie dramática. Y en el 2025, firmó además varios episodios de “Atrapados”, adaptación de la novela Caught, de Harlan Coben.

MERITXELL COLELL PREMIADA EN LOCARNO

17 agosto 2026 – Tanto la crítica cinematográfica internacional como la suiza han otorgado sendos premios a la más reciente película dirigida por la realizadora catalana Meritxell Colell. “Lejos de los árboles” recibió en el Festival Internacional de Cine de Locarno, tanto el premio de Fipresci a la mejor película como el Boccalino d’Oro 2026. La película reflexiona sobre el silencios familiares heredados y fragilidad de la memoria.

Adela, una artista sonora mexicana, viaja desde la selva hasta los Andes peruanos junto a Lucho, un guía y traductor. Siguiendo el legado de su abuelo, un republicano exiliado en México, teje un mapa sonoro de lenguas en peligro de extinción. Cuando el miedo a la muerte irrumpe, la realidad se fractura. El viaje se convierte en un pasaje íntimo que la enfrenta a la memoria, el duelo, el desarraigo y la identidad.

Meritxell Colell Aparicio dijo en el festival suizo que su película “es una carta de amor a los abuelos de los que nunca me despidí. Un homenaje a familiares que fueron a la guerra siendo niños, cuyo silencio nos llegó a nosotros, sus nietas. Una historia de historias, que afirman la necesidad de recordar, escuchar y amar”.

El cine argentino también tuvo presencia en el palmarés: “La ilusión de un verano sin fin”, de Alessandra Sanguinetti, ganó el máximo premio de Cineasti del Presente y el reconocimiento a la mejor ópera prima. Producida por Julia Solomonoff, la película fue rodada durante 25 años. Este documental íntimo sigue la vida de dos primas inseparables en las Pampas rurales argentinas, comenzando como un juego infantil de fantasía y evolucionando hacia un profundo estudio colaborativo del tiempo, la memoria y la feminidad.

ESTRENA “A FUEGO”, DE ESTEL DÍAZ

1 agosto 2026 – Llega este 21 de agosto a la salas de cine del territorio español, la ópera prima de la directora Estel Díaz, una película de gran fuerza visual sobre la exuberancia emocional de la etapa adolescente. Tras la repentina muerte de su hermano Nico, Lola, de 17 años, se adentra en una búsqueda que la lleva a descubrir un mundo oculto que él solía frecuentar: El Búnker. Un espacio abandonado convertido en epicentro de fiestas clandestinas, batallas de baile y libertad, donde, junto a un nuevo grupo de amigos, reconectará con su pasión por la danza y encontrará un refugio para redescubrirse y aprender a vivir sin miedo, sin filtros, “a fuego”.

Las Tres Chimeneas de Sant Adrià se convierten en «El Búnker», el lugar en el que se celebran fiestas clandestinas y concursos de baile en los que no hay límites: solo diversión, ritmo y desinhibición. “A fuego” cuenta con guion de la propia Díaz junto a Núria Dunjó, nominada al Goya al mejor guion adaptado por “Ama”, y un elenco protagonista lleno de grandes promesas encabezado por Zoe Bonafonte, nominada al Goya a la mejor actriz revelación por “El 47”. Estará acompañada por Marc Soler (“Celeste”, “Viva”), la cantante Ruslana, Miquel Melero (“La noche salvaje”) y la colaboración especial de Omar Banana (“Te estoy amando locamente”). Completan el reparto Ujin Moreno, Ton Vieira, Cris Blanco y Mari Pau Pigem.

EN RODATGE: “MESTRES” DE JUDITH COLELL

31 juliol 2026 – Bruna Cusí, Daniela Brown, Natalia de Molina, Nausicaa Bonnín i Greta Fernández protagonitzen “Mestres”, la nova pel·lícula de la cineasta Judith Colell, inspirada en fets reals. La història gira al voltant d’un grup de mestres que van desafiar la dictadura franquista i lluitar clandestinament per una educació humanista.

Amb guió d’Antonio Chavarrías i Judith Colell, la pel·lícula ens situa al 1940, on cinc joves mestres decideixen desafiar la dictadura franquista i lluitar, clandestinament, per un sistema d’educació humanista.
«Mestres» és un drama històric, que mostra el llegat de l’escola de la República i la lluita clandestina per part de col·lectius de mestres, que van mantenir viu el seu esperit en temps del franquisme.

Segons la directora, Judith Colell: “La nostra voluntat és posar al centre de la història la tasca anònima d’aquestes mestres, i les seves escoles on es va conrear l’amor per la cultura, la llengua i la formació de ciutadans lliures. Espais que van contribuir a mantenir viu l’esperit de l’escola moderna en un context tant repressiu com va ser la postguerra franquista.”

“Mestres” és una pel·lícula de personatges, on les històries de les cinc dones protagonistes, mostren des d’una vessant realista i humana el retrat de la duresa i la repressió de l’època, però també des de la resistència i l’esperança per un món millor.
El rodatge de «Mestres» està tenint lloc durant sis setmanes en diferents localitzacions de Barcelona, Mataró i Cardedeu.

CARTEL DE DARÍN EN SAN SEBASTIÁN

3 junio 2026 – El reconocido actor argentino Ricardo Darín será la “imagen oficial” del cartel de la 74 edición del Festival de San Sebastián a celebrar este próximo mes de septiembre, con la presencia importante de la que será nueva directora del certamen Maialen Beloki (co-dirigiendo con José Luis Rebordinos hasta el final de diciembre de este año). Darín ya fue distinguido nueve años antes, en 2017, con el Premio Donostia. Este cartel oficial fue diseñado por el estudio donostiarra Wallijai, que creó un collage a partir de un retrato tomado en 2024 por el fotógrafo y músico argentino Sebastián Arpesella.

Ricardo Darín fue descubierto para el cine por Adolfo Aristaráin cuando a sus 22 años de edad participó en el rodaje de “La discoteca del amor”, estrenada en 1980, una película cuya idea original tuvo la finalidad de promocionar un disco LP de música que fue vendido en paralelo a su estreno. Está considerado como uno de los mejores y más prolíficos actores de la Argentina, y sobre todo en el exterior, dándose la paradoja de que las grandes distribuidoras del territorio español suelen plantear reticencias a la hora de exhibir películas argentinas en las que no participe Darín. Curiosamente a diferencia de Francia, donde sí que hay mayores posibilidades de ver filmes argentinos sin la supuesta “necesaria presencia” del afamado actor que plantean las grandes compañías ibéricas de distribución cinematográfica.