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“Tunun”, entrevista a Yannick Constantin y Yanina Luponio Sáenz

diciembre 12, 2025 ENTREVISTAS, VISION DOCUMENTAL
Tunun entrevista a Yannick Constantin y Yanina Luponio Saenz

Estreno en Buenos Aires
Ignorando alternativas viables, la Autovía de Punilla (RN38) a su paso por la provincia argentina de Córdoba fue planeada sin el consenso de las poblaciones afectadas, partiendo literalmente un territorio habitado por algunas poblaciones indígenas.
La comunidad originaria de Cosquín-Las Tunas se opuso totalmente al proyecto desde que se tuvo conocimiento del mismo, y los realizadores cordobeses Yannick Constantin y Yanina Luponio Sáenz quisieron mostrar en su ópera prima documental todas aquellas partes que desde los medios de comunicación masivos jamás fueron expuestas ni reveladas.
“Tunun” se propone preservar memorias y registros del territorio antes y durante las intervenciones para mostrar tanto las huellas presentes como sus transformaciones.

El film, cuyo título remite a cómo fue primariamente denominado el territorio, presenta a Natividad Altamira como hilo conductor del relato, lo que nos lleva a un recorrido por paisaje, flora, huellas arqueológicas y viviendas tradicionales en su primera mitad, para pasar a continuación a centrarse en el conflicto por la obra vial. La policía y el aparato estatal argentino actuaron de forma represiva, y el poder judicial fue percibido como cómplice por no garantizar el derecho a la protesta.

Los directores del film, Yannick Constantin y Yanina Luponio Sáenz comienzan esta entrevista explicándonos cómo llegaron a interesarse por esta problemática que abarca a pueblos como los Kamiare y los Comechingón, que habitan zonas de las provincias de San Luis y Córdoba:

Tunun entrevista a Yannick Constantin y Yanina Luponio SaenzYannick Constantin: Nosotros llegamos a la comunidad en 2021 con la inminencia de este gran desarrollo que se ve a lo largo de la película. Había inquietud en la familia Altamira, a través de Natividad y de su hijo Jesús, por resguardar memorias y huellas del territorio. Al armar el relato cinematográfico en el montaje, nos pareció que ese primer momento mostraba cosas que después ya no se verían, o que mostraría las consecuencias que atravesó el territorio.

También queríamos nombrar el documental “Tunún” como la forma original de denominar el territorio, y atender las pequeñas huellas naturales: plantas, patrimonios arqueológicos, morteros, pircas. Por ejemplo, esa casa de piedra que Natividad presenta constituía la base del territorio sobre el que luego sería la intervención y el núcleo del conflicto.

Yanina Luponio Sáenz: No queríamos que esas huellas quedaran como marcas de un pasado; buscábamos resignificar su utilidad en el presente, romper la linealidad de la historia oficial y poder construirla desde otro lugar.

Aunque el cine avanza linealmente, también puede hackear esa linealidad. Si inscribes las pircas o morteros a un pasado colonial, se ve que las familias los siguen usando hoy; no responden a una cronología lineal.

– En un documental así, el núcleo es el conflicto, pero también hay dificultades para esclarecer quién puede mostrar estas cosas y quién no. Ustedes encontraron a Natividad Altamira. ¿Lo tuvieron claro desde el principio o tuvieron que seleccionar entre otras personas?

Tunun entrevista a Yannick Constantin y Yanina Luponio SaenzYanina: Llegamos a Natividad porque somos amigos de las abogadas que llevan adelante la defensa de las familias. Dentro del pueblo ellos sentían la necesidad de resguardar la memoria más allá de la obra. Nosotros pusimos a disposición la herramienta audiovisual para que ellos tengan ese material. Fue el hijo de Natividad quien nos dijo que quería que se registraran las palabras y la forma de vida de su madre.

Con el tiempo se amplió el campo de conversación y conocimos a otras familias y vecinos del valle que también estaban en contra de la obra, muchos de ellos que ni siquiera pertenecen a las comunidades indígenas. Gracias a esas voluntades conjuntas pudimos hacer la película, porque solos habría sido muy difícil.

Las personas del territorio nos avisaban cuando ocurría algo. Vivimos a 40 minutos de ahí e íbamos con la cámara a los procedimientos y registrábamos las consecuencias del impacto, aunque a veces llegábamos tarde.

Yannick: Natividad se fue constituyendo como la protagonista y la mejor guía por su trayectoria histórica, sus antepasados y su casa de piedra, donde nació y crió a sus hijos.

La edad le da esa trayectoria de vida que te permite contar transversalmente: sus memorias son las de su infancia, de su abuelo y de sus hijos actuales. Era la voz ideal para contarnos y romper la noción básica sobre el territorio.

Yanina: También queríamos evidenciar que la imagen decimonónica de lo indígena no encaja aquí; sobre todo cuando nos tienen que decir cómo debe ser un indígena o qué debe hacer, y lo que vemos ahí quizá rompe también con lo que uno esperaría que fuera un indígena promedio americano. La película abre ventanas de discusión política e histórica sobre cómo opera el colonialismo hoy, desde lo simbólico y subjetivo. Necesitamos seguir hablando de esto para que no quede como una efeméride del pasado, que no quede en un 12 de octubre, sino que se sepa cómo sigue operando esa dinámica al día de la fecha.

Esta obra urbanística de la que hablamos en “Tunun” está financiada por el norte global; muchos ordenamientos territoriales se hacen en oficinas lejanas para toda Latinoamérica. Lo que mostramos es una viñeta pequeña de eso. Entonces, traer esa discusión política hoy, nos parece adecuado.

– Además de que la comunidad originaria de Las Tunas reclama su territorio, veo racismo sistemático del Estado argentino con los pueblos indígenas, sin importar el partido. ¿Es así realmente? ¿No ha habido gobernadores o partidos que apoyen a estas comunidades?

Yanina: Es muy pertinente tu apreciación en ese sentido porque, por ejemplo, el Plan IIRSA, firmado en 2000 en una época de progresismo, muestra la grieta entre discurso progresista y praxis política. Estas inconsistencias son palpables sobre todo en procesos de despojo territorial y extractivismo colonial. O sea, seguimos siendo el sur global o Latinoamérica, las zonas de sacrificio, como hace 500 años. Y eso no hay color político que lo haya discutido con seriedad; la discusión partidaria se queda corta.

Incluso en Bolivia, en un Estado plurinacional, los conflictos más grandes que han tuvieron todos los años de Evo Morales como presidente fueron por estas causas, por despojos territoriales atravesados por procesos extractivistas. La cuestión es debatir semánticamente qué significa progreso y desarrollo hoy.

Yannick: Quienes están llevando los procesos judiciales son juicios contra gobiernos, sin importar su color. Es una discusión política más profunda que la partidaria.

– En la película, al describir el trazado de la autovía de Punilla, me pregunté si a priori los promotores consultaron sobre cómo circularían los animales o si se presentaron alternativas más viables. ¿Hubo otras opciones o consulta previa?

Yannick: Esa es una trampa de los megaproyectos: deben incluir en su planificación estudios de impacto ambiental y audiencias públicas, pero los estudios suelen tener excepciones y las audiencias no implican escucha real. Y por otro lado, vemos también que cuando la resistencia popular se manifiesta en contra, tampoco es que eso tiene un asidero o que tiene una escucha real.

En la película se muestra que la única condición fue no pasar sobre las casas y se movió el trazado 20 metros. Pero realmente no hubo un diálogo equitativo que contemple alternativas más acordes a las dinámicas del territorio y las economías rurales.

Los trazados se dibujan lejos de los territorios y quienes redactan el proyecto no ven las particularidades ni escuchan a quienes sí que realmente conocen el territorio. En la comunidad se usaban pozos de agua que se abastecían de ciertas napas; y las explosiones de la obra secaron vertientes y contaminaron napas. Un estudio de impacto serio debería contemplar esto; pero a menudo son formalidades administrativas que no miden los impactos sociales, ambientales y humanos.

Yanina: Y en relación a esto, sobre todo en la secuencia con arqueólogos que mostramos en la película, yo me preguntaba que cuál es el rol de la ciencia y de la academia en estos procesos. Parece que muchas veces estamos al margen, pero acá vemos el impacto que genera poner el conocimiento a merced de qué narrativa, de qué construcción de mundo.

Muchas veces la academia suele estar lejos de los territorios, que están cada vez más cerrados, y acá vemos que son muy necesarios. Entonces, la cuestión es qué hacemos con el conocimiento que tenemos, a quién se lo brindamos y para qué fin.

En la película hubo tres equipos de profesionales que hicieron el relevamiento arqueológico y paleontológico, pero estuvieron al servicio de las empresas. Es necesario cuestionar a quién se brinda el conocimiento y con qué finalidad.

– Los desalojos no aparecen en “Tunun”, pero supongo que son conocidos. ¿Qué ocurrió?

Yannick: Hubo desalojos del acampe a la madrugada, un gesto autoritario de represión a la protesta. Un vecino fue agredido; 18 activistas ambientales fueron imputados y procesados, y seis enfrentan juicio. No todos pertenecen a la comunidad indígena, sino a la comunidad ampliada del Valle de Punilla, que acompañó la lucha socioambiental de la comunidad y también, como hablábamos antes, se opuso a la obra en las audiencias públicas.

Nosotros no filmamos directamente la agresión, pero se ven tensiones con la policía. Hubo amedrentamiento, detenciones arbitrarias y estrategias de patoteo, incluso por agentes no uniformados que después se identificaron como policías. El aparato estatal y el poder judicial no garantizan los derechos a la protesta, que están en la legislación nacional y en tratados internacionales.

– También es relevante cómo tratan el tema los medios; los medios privados no lo cubren, pero los públicos tampoco.

Yanina: El problema es que no hay mucha discusión de fondo. Y para mí tiene que ver justamente con esto: lo que se pone en juego es un modo de pensar la política que después los distintos gobiernos llevan a la práctica, pero que, en el fondo, no cambia demasiado entre los más de derecha y los más de izquierda. Todos manejan la misma idea de “camino al progreso” en línea recta, pero casi nunca se preguntan a quién se lleva puesto ese progreso. Y, al final, vienen siendo los mismos de hace 500 años, más allá del color político.

Cuando se habla de los Estados latinoamericanos, parece que fueran simplemente la continuación administrativa de lo que fue la colonia española. Obvio que cambiaron cosas, seguro, pero la base colonial sigue ahí, intacta. Y meterse con eso es muy difícil; no es un tema que esté presente en el debate público. Incluso puede sonar ofensivo plantearlo. Por eso está bueno intentar ir un poquito más allá, sobre todo acá.

Acá está todo tan polarizado, en un momento tan convulsionado, con este desastre de gobierno nacional, que todo se reduce a una discusión partidaria, blanco o negro, cada vez que se habla de política. Es como si la política fuera solo partidos y nada más. Entonces hay que hacer todo un recorrido previo para poder plantear otro escenario y recién desde ahí ponerse a charlar; si no se hace muy complicado.

 

©José Luis García/Cinestel.com

Tunun entrevista a Yannick Constantin y Yanina Luponio Saenz

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL, WEB FUNDADA EN JULIO 2005

LLEIDA: SOM CINEMA LAB PRO 2026

La 2a edició del Som Cinema Lab/Pro, iniciativa emmarcada en el Festival Som Cinema, ha obert la convocatòria destinada a la presentació de treballs per part de guionistes i directors de les Terres de Ponent amb projectes de curtmetratge en català en fase de guió. La convocatòria romandrà oberta fins al 6 de setembre de 2026 a les 23.59 h. (més informació)

FILMOTECA DE CATALUNYA_ESTIU 2026

Aquest estiu en la Filmoteca de Catalunya tenim la possibilitat de veure La repesca! i cicles de Fritz Lang sonor, comèdies romàntiques, Aki Kaurismäki o Jane Fonda, entre d’altres.

La repesca!

Un any més arriba La repesca!, un cicle pensat per recuperar algunes de les pel·lícules del 2025, votades per l’equip de la Filmoteca, i esquivar les dinàmiques accelerades que regeixen l’economia de l’atenció. Una invitació a redescobrir aquestes obres amb temps, en pantalla gran i oferint un espai compartit entre propostes de gran públic i altres de més minoritàries. L’edició d’enguany ofereix una mirada oberta a la diversitat de formes i sensibilitats que conviuen a la cartellera del nostre país.
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Fritz Lang. El període sonor

Fritz Lang entra en el cinema sonor per la porta gran tot revolucionant la nova tecnologia d’aleshores amb M (1931), un film en què els sons, el silenci i el fora de camp sonor s’integraven de manera innovadora en la narració. Aquesta transició significa per al cineasta el pas d’un univers monumental i fantàstic a un estil contingut i realista, centrat en personatges més quotidians, allunyats dels superherois i els supercriminals de l’etapa muda. En arribar als Estats Units, destaca en gèneres com el western, el d’espies, el d’aventures i, sobretot, el noir, al qual aporta la influència estètica de l’expressionisme alemany, i manté molts dels elements constants de la seva filmografia. (més informació)

Tu i jo, què? Comèdies romàntiques

Què és, exactament, una comèdia romàntica? Dues persones destinades a trobar-se? Una batalla de gèneres amb final feliç? Un mecanisme perfecte de rèpliques enginyoses contingut dins d’una matrioixca de malentesos? Tu i jo, què? proposa un recorregut per un dels gèneres més populars, mutants i persistents de la història del cinema: un territori on les formes del desig, les convencions socials i les fantasies sentimentals es negocien a cop de diàleg. El cicle reuneix grans clàssics, especialment del cinema nord-americà, però també proposa desviaments cap a altres geografies i sensibilitats.
(més informació)

Aki Kaurismäki

Aki Kaurismäki va situar al mapa la cinematografia finlandesa. Centrant-se en personatges marginats i en conflictes de classe, construeix un cinema polític sense discurs explícit, basat en la defensa de la dignitat humana. Amb referents com Bresson, Tati, Chaplin, Buñuel o Ozu, la seva aposta formal consisteix a eliminar el superflu per aconseguir una expressivitat màxima amb recursos austers. Amb una posada en escena minimalista, el·líptica i sòbria, i una visió molt crua de la realitat, el cineasta combina l’humor sec i de vegades surrealista amb una gran sensibilitat emocional. (més informació)

Jane Fonda

Una retrospectiva en què algunes de les seves interpretacions més memorables s’entrellacen amb capítols clau del cinema del segle XX: la transició del sistema clàssic d’estudis al New Hollywood, el cinema compromès en l’estela de la contracultura i les lluites del 68, el nou star system del cinema d’entreteniment dels vuitanta…, fins a arribar als seus papers més recents, en els quals desplega sense complexos el seu estatus d’icona intergeneracional. Una història del cinema i de l’emancipació: amb un registre interpretatiu sofisticat i autoconscient, Fonda ha desmuntat metòdicament els codis de cosificació sexual imposats per la mirada masculina. (més informació)

EXPOSICIÓ: Feminismes fílmics: 1976-2026 – A partir de la col·lecció de la Filmoteca de Catalunya

En ocasió del 50è aniversari de les Primeres Jornades Catalanes de la Dona, l’exposició revisa la influència que el moviment feminista ha exercit en el camp del cinema i la creació videogràfica en el context català, i com les idees, les demandes i les accions d’aquest moviment s’han reflectit en els treballs audiovisuals per donar lloc a una manera diferent de pensar, sentir i crear imatges en moviment.

La mostra presenta remuntatges de fragments de pel·lícules, peces de videoart i reportatges televisius articulats entorn dels nou temes que es van debatre durant aquells dies –Treball, Barris, Família, Educació, Mitjans de comunicació, Política, Legislació, Ruralitat i Sexualitat–, i proposa una genealogia possible dels feminismes fílmics a Catalunya entre 1976 i l’actualitat.
(més informació)

I també…

Darreres sessions de la retrospectiva dedicada al cineasta romanès Radu Jude, una de les veus més originals i incisives del cinema europeu actual. (enllaç)

El cicle Arxiu viu presenta la sessió Mari Chordà. Cossos i corrents, un recorregut íntim per diversos fragments inèdits de la filmografia de la cineasta (Amposta, 1942), pel·lícules dipositades a la Filmoteca de Catalunya i procedents del fons que l’artista va confiar al Centre de Documentació de Ca la Dona. (enllaç)

I una altra cita clàssica dels estius: la col·laboració amb el Bachcelona, en el vessant cinematogràfic d’un festival que, més enllà del format de concert, potencia la vivència, la interacció, la divulgació i els aspectes més inesperats i lúdics de la música de J. S. Bach. Enguany amb la projecció de L’evangeli segons sant Mateu de Pasolini, on l’ús de la música de Bach crea un contrast auster amb la cruesa visual per atorgar a les imatges una dimensió gairebé espiritual. (enllaç)

Divendres 17 de juliol a les 17.00 h a la Sala Chomón, presentació dels curtmetratges resultants del taller d’experimentació cinematogràfica Vivim el barri, en una sessió oberta al públic i gratuïta presentada pels i les joves creadores, que del 6 al 14 de juliol hauran participat al taller, organitzat per la Filmoteca de Catalunya dinamitzat per l’associació Les minúscules. (enllaç)

I no oblideu que la FilmoXica d’estiu va en bicicleta! (enllaç)

CINESTEL TAMBIÉN ESTÁ EN BLUESKY

CIRCUIT ESTABLE DE CINEMA CATALÀ

Cicle Gaudí 2016 - Circuit estable de cinema català
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SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

Sylvette Baudrot 260

FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL ARGENTINA

‘La producción audiovisual y su respaldo jurídico’ no es un libro más de Julio Raffo, sino un texto de lectura y de consulta imprescindible para los distintos profesionales de la industria del cine que deseen estar al tanto sobre cómo, conforme a la Ley de Cine, se regula en la Argentina la actividad productiva que conlleva la realización de películas, atendiendo no solamente a disposiciones legales y su marco regulatorio, sino que también a ejemplos prácticos y anécdotas. (saber más)

ZONA INDUSTRIA

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PEPON COROMINA PER PELÍCULAS INMUNDAS

2 juliol 2026 – El Premi Pepón Coromina 2026, que atorga l’Acadèmia del Cinema Català, reconeix projectes que comparteixen aquest esperit: un cinema arriscat, independent, innovador i al marge de les fórmules habituals de la indústria. El guardó ha reconegut enguany la productora Películas Inmundas, del cineasta Marc Ferrer, per la seva visió del cinema com un espai de llibertat, allunyat de les estructures comercials habituals. Es tracta d’un model basat en l’autogestió que aposta per un cinema que “sobreviu, creix i es desenvolupa” al marge de la indústria.

Coincidint amb la celebració de la Festa d’estiu, l’Acadèmia del Cinema Català va presentar el balanç anual de la producció cinematogràfica amb participació catalana corresponent a l’any 2025.

El 2025 la producció cinematogràfica catalana va tornar a assolir un màxim històric, amb 124 llargmetratges qualificats amb participació de productores catalanes, la xifra més alta registrada i un nou rècord per segon any consecutiu, que suposa un augment del 8,8% respecte 2024 i consolida la tendència ascendent de la producció, en paral·lel a l’increment de producció a Espanya. Més enllà del creixement del volum de producció, també s’observa una tendència a l’alça en l’última dècada en la participació minoritària de productores catalanes (inferior al 20%), mentre que les pel·lícules amb participació única o majoritària representen el 72% del total.

En termes de pes relatiu de la producció catalana dins del conjunt espanyol, els films de ficció representen el 34% del total, quatre punts menys que l’any anterior. També disminueix la quota dels documentals, que passa del 21% al 19%. En canvi, els films d’animació guanyen pes fins a representar el 62,5% de tota la producció espanyola d’aquest gènere.

APARTARON A PAULA FÉLIX-DIDIER

19 junio 2026 – Siguen cayendo malas noticias para el cine en Argentina. Ahora ha sido el jefe de Gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Jorge Macri, quien junto a la ministra de Cultura porteña, Gabriela Ricardes, han decidido apartar a quien ha sido durante más de diecisiete años una de las figuras más reconocibles en lo que tiene que ver con la preservación del patrimonio, la investigación y la difusión del cine. Paula Félix-Didier, una profesional de prestigio y gran persona, ha sido desplazada de su cargo de directora al frente del Museo del Cine bonaerense, aunque seguirá formando parte del equipo que sostiene el espacio, según ella misma ha declarado en un breve comunicado.

La decisión, nunca argumentada por sus autores, ha provocado un amplio rechazo y numerosos profesionales, investigadores, realizadores, programadores, archivistas y trabajadores de la cultura han expresado su respaldo a la gestión de la máxima responsable de la institución pública. La Asociación de Amigos del Museo ha emitido un comunicado en el que, entre otras cosas, dice:

“Durante su gestión, el Museo del Cine alcanzó una visibilidad nacional e internacional inédita. Aun en contextos marcados por severas restricciones presupuestarias, la institución consolidó políticas fundamentales para la conservación, investigación, restauración y difusión del patrimonio audiovisual argentino. Entre muchos otros logros, pueden mencionarse el fortalecimiento de los programas de preservación y digitalización, la recuperación y restauración de obras fundamentales de nuestra cinematografía, el desarrollo de una programación pública sostenida y la construcción de vínculos de cooperación con algunas de las instituciones más prestigiosas del mundo en la materia.”

El hito más conocido popularmente alcanzado por Paula Félix-Didier y su equipo tuvo que ver con “Metrópolis”, la famosa película de ciencia ficción de Fritz Lang rodada en 1927. En 2008 se halló una deteriorada copia del filme, con el metraje original, en formato de 16 mm en el Museo del Cine de Buenos Aires. Esto hizo posible que, bajo la supervisión de la directora del Museo, se pudiera realizar un nuevo montaje más cercano al original, que comenzó a exhibirse y comercializarse en 2010.

La gestión de Félix-Didier posibilitó la articulación con organismos como la Federación Internacional de Archivos Fílmicos (FIAF), la Federación Internacional de Archivos Televisivos (FIAT), la University of California, Los Angeles (UCLA) y The Film Foundation, entre muchas otras instituciones de referencia mundial, y contribuyó a posicionar al Museo del Cine como una entidad respetada en el campo de la preservación audiovisual. Asimismo, la directora recibió incontables distinciones y reconocimientos por su labor a nivel mundial.

Y paralelamente, los Amigos del Museo han expresado su inquietud frente a los desafíos que esta inesperada decisión provoca: “El apartamiento de la directora se produce en un momento especialmente delicado para el Museo, atravesado por procesos de reorganización y traslado de sus colecciones. En este marco, resulta inevitable preguntarse por la continuidad de las políticas de preservación desarrolladas durante las últimas décadas y por las condiciones institucionales necesarias para garantizar la protección, el estudio y el acceso público a un patrimonio de valor incalculable”, -dicen en su comunicado-.

SOM CINEMA 2026: CONVOCATÒRIA FILMS

12 juny 2026 – El Festival Som Cinema ha donat el dia 12 de juny, el tret de sortida a la convocatòria per participar en aquesta 17a edició, oberta a curtmetratges i llargmetratges de ficció i documentals produïts al Països Catalans. El període d’inscripció finalitza el 3 de juliol. També el 12 de juny, i fins el 10 de juliol, s’estableix el període per participar al 8è concurs de curtmetratges Som Secundària, destinat als centres de secundària, instituts i cicles formatius de la demarcació de Lleida. Al web de Som Cinema estan disponibles les bases i l’enllaç de Festhome per tal de tramitar les inscripcions. El festival tindrà lloc del 21 al 25 d’octubre en diversos espais de la ciutat de Lleida.

El Festival de l’Audiovisual Català és obert als treballs produïts o coproduïts per empreses audiovisuals i/o productors amb seu o residència a Catalunya, el País Valencià, les Illes Balears, Andorra, la Catalunya Nord, la Franja de Ponent i la ciutat de l’Alguer.

El festival consta de 3 jurats encarregats de seleccionar les produccions que s’exhibiran durant l’esdeveniment: el Jurat de la secció oficial de Llargmetratges i Curts de Ficció, el Jurat de la secció oficial de Llargmetratges i Curts Documentals i el Jurat de la secció Som Secundària i Som UdL.

El concurs de curtmetratges Som Secundària consta de 2 categories: curts realitzats per alumnes d’ESO i curts fets per alumnes de Batxillerat i Cicles Formatius.

D’altra banda, Som Cinema ja llueix nova imatge, una il·lustració 100% al·lusiva al Setè Art, obra de l’artista lleidatà Josep M. Cazares. La il·lustració mostra una dona amb la claqueta que s’utilitza en el moment de començar a rodar, i que en aquest cas marca l’inici del procés del festival.
(més informació)

CARTEL DE DARÍN EN SAN SEBASTIÁN

3 junio 2026 – El reconocido actor argentino Ricardo Darín será la “imagen oficial” del cartel de la 74 edición del Festival de San Sebastián a celebrar este próximo mes de septiembre, con la presencia importante de la que será nueva directora del certamen Maialen Beloki (co-dirigiendo con José Luis Rebordinos hasta el final de diciembre de este año). Darín ya fue distinguido nueve años antes, en 2017, con el Premio Donostia. Este cartel oficial fue diseñado por el estudio donostiarra Wallijai, que creó un collage a partir de un retrato tomado en 2024 por el fotógrafo y músico argentino Sebastián Arpesella.

Ricardo Darín fue descubierto para el cine por Adolfo Aristaráin cuando a sus 22 años de edad participó en el rodaje de “La discoteca del amor”, estrenada en 1980, una película cuya idea original tuvo la finalidad de promocionar un disco LP de música que fue vendido en paralelo a su estreno. Está considerado como uno de los mejores y más prolíficos actores de la Argentina, y sobre todo en el exterior, dándose la paradoja de que las grandes distribuidoras del territorio español suelen plantear reticencias a la hora de exhibir películas argentinas en las que no participe Darín. Curiosamente a diferencia de Francia, donde sí que hay mayores posibilidades de ver filmes argentinos sin la supuesta “necesaria presencia” del afamado actor que plantean las grandes compañías ibéricas de distribución cinematográfica.

PALMA DE ORO PARA CINEASTA ARGENTINO

24 mayo 2026 – Deben de andar disgustados en estas fechas los responsables del (des)gobierno de Argentina formado por los partidos de Milei/Macri, pues un argentino, Federico Luis, logró la Palma de Oro en Cannes en medio de la crisis del INCAA. El director ganó la distinción por su cortometraje “Para los contrincantes”, que debió rodar íntegramente en México con fondos de ese país, Chile y Francia, ante el desfinanciamiento del INCAA y la consiguiente paralización del soporte estatal para el cine local.

El director subió al escenario de la Sala Lumière para recibir el galardón de manos de la realizadora catalana Carla Simón, y conmovió al auditorio con su discurso: “Es maravilloso estar aquí y también un poco agridulce, cuando sabemos que tantas cosas crueles están pasando en el mundo”. El cortometraje relata la historia de un niño de 10 años sumido en el mundo del boxeo infantil en el barrio mexicano de Tepito.

Federico Luis es un destacado cineasta argentino reconocido internacionalmente por su trabajo en dirección de cine independiente, que ya había triunfado en la edición 2024 de Cannes al ganar la Semana de la Crítica con su largometraje “Simón de la montaña”, hecho con el apoyo de los gestores anteriores del Instituto de Cine. Y se da la circunstancia de que su siguiente ficción en un largo también va a ser rodada en México, aunque Luis no es de los que a posteriori de la edición de un corto derivan la historia hacia un largometraje, sino que procura que cada film sea una obra independiente de la otra.

El jurado presidido por el director surcoreano Park Chan-wook e integrado, entre otros, por la actriz estadounidense Demi Moore y por el actor sueco Stellan Skarsgard, decidió otorgar su Palma de Oro al Mejor Largometraje a “Fjord”, del rumano Cristian Mungiu, una película que resultó ser polémica porque desde la ficción critica con vehemencia a los servicios sociales de Noruega que, entre otras cosas, deben velar por el bienestar de los niños sobre quienes se sospecha que han sido objeto de abusos y malos tratos por parte de sus padres.

El Gran Premio de Jurado fue para “Minotaur”, de Andrei Zviaguintsev y el de la Mejor Dirección fue, ex-aequo, para Pawel Pawlikowski por “Fatherland” y para Javier Calvo y Javier Ambrossi (Los Javis) por “La bola negra”, una película producida por Pedro Almodóvar, un cineasta que es todo un clásico muy admirado y querido en el Festival de Cannes.

27 MAYO: HOMENAJE A RAYMUNDO GLEYZER

21 mayo 2026 – Raymundo Gleyzer es uno de los cineastas imprescindibles del cine militante argentino y latinoamericano. En diez años de trabajo produjo una serie de cortometrajes y largometrajes que retratan las temáticas más urgentes de los 60s y 70s, que no sólo no han perdido vigencia y valor sino que lo han acrecentado. Ver sus películas hoy es conectar con la mirada lúcida de un cineasta comprometido con el tiempo que le tocó vivir. Raymundo Gleyzer fue secuestrado y desaparecido el 27 de mayo de 1976, a sus 34 años. Este año se hace una revisión su obra restaurada a 50 años de su asesinato en manos de la dictadura cívico-militar.

Desde el Foro Audiovisual de la Provincia de Buenos Aires han convocado a una proyección federal y simultánea para este 27 de Mayo. Las proyecciones alcanzan también algunos cines ubicados en España, que ese día también ofrecerán el visionado de algunas películas del célebre cineasta en homenaje a su autor y a su ingeniosa forma de retratar algunos problemas sociales. Además, desde el Foro también han convocado a todo el sector del cine y la cultura nacional argentina a que se sumen a esta iniciativa.

Raymundo Gleyzer no sólo filmó con la cámara, también lo hizo con la historia. No sólo rodó películas, sino que dejó trazado un camino. A 50 años de su desaparición, su nombre resurge cada 27 de mayo para recordarnos que el cine puede ser una herramienta poderosa, un arma creativa cargada de futuro.

En cuanto a las proyecciones en el territorio español, los residentes en Santiago de Compostela y alrededores tendrán la oportunidad de ver algunas de sus películas a las 19:00h de ese día, (enlace). Y se sabe que se las películas también se exhibirán en la Elías Querejeta Zine Eskola de Donostia-San Sebastián. En cuanto dispongamos de más enlaces, ampliaremos esta información.

“SOMUDL”, LA NOVA SECCIÓ DEL SOM CINEMA

El festival Som Cinema ha posat en marxa la convocatòria del SomUdL, una nova secció oberta a tot l’estudiantat de qualsevol titulació que vulgui presentar curtmetratges de ficció i documentals a concurs. La convocatòria, promoguda pel Vicerectorat de Cultura de la UdL i destinada a que l’alumnat “pugui expressar les seves inquietuds lliurement i transmetre la seva visió del món a través del llenguatge audiovisual”, restarà oberta fins al 10 de juliol. El festival Som Cinema tindrà lloc entre els dies 21 i 25 d’octubre, i la inclusió de la nova secció SomUdL és una de les grans novetats d’aquesta 17a edició.

Amb aquesta iniciativa, destinada a “enfortir el vincle de la Universitat de Lleida amb el cinema i la cultura a la nostra ciutat, tot posant en valor la creativitat del nostre estudiantat”, els organitzadors volen potenciar l’obertura del festival a tots els sectors de la ciutat i molt especialment als joves, que constitueixen el futur d’aquest àmbit de la creació audiovisual.

L’estudiantat interessat pot consultar les bases i el formulari d’inscripció al web www.somcinema.cat o enllaçar-hi a través del web www.udl.cat/ca/organs/vicerectors/vc/.

Cal recordar que, a banda d’aquesta nova secció, Som Cinema consta de les seccions oficials de Llargmetratges i Curts de Ficció, Llargmetratges i Curts Documentals i Som Secundària, i té una dotació de 2.000 € per a pel·lícula de ficció guanyadora.

El festival està organitzat per Suggeriments, amb el suport de l’Ajuntament de Lleida, Institut d’Estudis Ilerdencs de la Diputació de Lleida, ICEC-Generalitat de Catalunya, Universitat de Lleida i Fundació Horitzons 2050.

PALMARÈS DEL 29 FESTIVAL DOCSBARCELONA

17 maig 2026 – El Jurat Oficial de la 29ª edició del DocsBarcelona va concedir el Premi a la Millor Pel·lícula a Amazomania, documental que revisita l’expedició de 1996 a l’Amazones per filmar la tribu aïllada dels Korubo i que qüestiona el llegat colonial i les conseqüències humanes de la denominada “descoberta”. El film està dirigit pel suec Nathan Grossman, reconegut internacionalment per una trajectòria centrada en qüestions socials i mediambientals. Va començar la seva carrera com a fotògraf per a Rolling Stone i va passar al cinema amb el curt viral The Toaster Challenge, sobre el consum d’energia humana. En el seu primer llargmetratge, I Am Greta, va seguir Greta Thunberg des del primer dia de la seva vaga escolar fins a la fama mundial i va ser guardonat amb el Critic’s Choice i l’Emmy.

El mateix jurat també va atorgar una Menció especial a Das Deutsche Volk, una obra dirigida per Marcin Wierzchowski que reconstrueix l’atac racista de Hanau, a Alemanya, a través del testimoni de supervivents i familiars de les víctimes, exposant el racisme estructural a l’Europa contemporània.

El Jurat Docs&Cat va premiar amb el Premi a la Millor Pel·lícula Catalana– XAL The Travelers, un film que acompanya un grup de migrants a la frontera entre el Marroc i Espanya mentre esperen el moment de travessar cap a Europa, convertint la càmera en eina de supervivència i esperança compartida. Està dirigit per David Bingong, que va rodar el film durant el seu propi viatge migratori.

La Menció especial del Jurat Docs&Cat va recaure en Bèstia, retrat de tres caçadors de la Catalunya interior que reflexiona sobre la masculinitat rural i les contradiccions entre tradició i mirada contemporània. El documental és l’òpera prima de Helena Garza, autora vinculada a la no-ficció i a la investigació antropològica.

Corren las liebres va ser la producció més ben valorada pels espectadors d’aquesta edició del DocsBarcelona, que li han concedit el Premi del Públic – Moritz. El Premi Amnistia Internacional Catalunya i el Premi Docs del Jurat – Antaviana van reconèixer Atlas de la desaparición, de Manuel Correa, una investigació documental sobre les persones desaparegudes traslladades al Valle de los Caídos i sobre les eines forenses que avui permeten reconstruir-ne la memòria.

“Enguany hem volgut que el DocsBarcelona fos, encara més, un festival arrelat a la ciutat. Creiem que aquest és l’únic futur possible: generar espais de diàleg amb Barcelona on ens trobem i convertir-nos en un esdeveniment fet des de la ciutat i per a la ciutat”, va destacar Maria Colomer, codirectora artística i cap de programació.