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“Buscando a Tabernero”; el homenaje a un director de fotografía

noviembre 27, 2020 ENTREVISTAS, VISION DOCUMENTAL
Buscando a Tabernero Entrevista a Eduardo Montes Bradley

Estrenada en Argentina
Su nombre de nacimiento era Paul Weinschenk, pero al llegar a Buenos Aires se lo cambió por su traducción en español, Pablo Tabernero. Tuvo que emigrar desde Alemania a partir del ascenso de los nazis al poder y porque la situación en Barcelona no estaba clara ante el avance de los golpistas españoles que desde 1936 pretendían acabar con la República democrática que estaba en vigor.
El realizador argentino Eduardo Montes-Bradley reúne en “Buscando a Tabernero” gran cantidad de datos acerca de este director de fotografía que es clave para entender la evolución del cine clásico argentino, y que tuvo además el valor de prevenir sobre la posible destrucción de un material fílmico importantísimo. No le hicieron caso.
La investigación sobre el personaje del film se llevó a cabo con la colaboración de su hijo, Henry Weinschenk.

Barcelona, Berlín, Mainz y algunas localidades de Suiza formaron parte del recorrido que Montes-Bradley tuvo que hacer junto con el hijo de Tabernero, en lo que ellos califican como “una experiencia pedagógica extraordinaria”, pese a los inconvenientes que supuso que cuando solicitaron los apoyos necesarios para la realización del documental el dólar estaba a 30 pesos, lo cual fue un problema que hubo que salvar a posteriori.

Tabernero es posiblemente otro afectado más de esa absurda idea por la cual solamente se recuerdan o se reconocen públicamente los esfuerzos de los directores de las películas de autor, cuando para Eduardo muchas veces es el director de fotografía la persona más importante que pueda haber en una producción.

De Pablo Tabernero se sabe que estaba pensando en escribir una auto-biografía. De hecho la inició redactando solamente cuatro páginas y la tituló “Memorias de un judío errante”, quizá pensando en el hecho de que él se había tenido que reinventar muchas veces tras haber sobrevivido a tantas dictaduras y revoluciones.

En Barcelona trabajó para Ibérica Films en películas tan emblemáticas como “Doña Francisquita” y otras del grupo. Cuando estalló el golpe militar contra la democracia en España, el director de fotografía todavía estuvo en Barcelona hasta mayo de 1937, pues en esos meses la CNT le pidió, sin que pudiera negarse, que acompañara a un equipo de filmación al frente de Durruti en Aragón, y posiblemente si no lo hizo por temor político, fue porque tenía que pagar la renta, ya que la CNT les pagaba a sus asalariados y él tenía un piso en el Ensanche barcelonés.

“En Barcelona -dice Eduardo Montes-Bradley-, cada calle, cada bloque o cada manzana pertenecía a una filiación distinta y yo creo que él entró en el grupo al que pertenecía su manzana. Si allí hubieran estado los comunistas como autoridad política, él hubiera terminado en ese otro frente y con otra gente”.

“En realidad -continúa- Tabernero no tenía una gran sensibilidad política sino deseos de sobrevivir, y él sabía cómo hacerlo desde muy pequeño; empezando porque sobrevive a la fiebre española tras la cual se va a Suiza, o al nazismo,… Y en la columna de Durruti es donde se filman las imágenes que después Ken Loach utiliza para su “Tierra y Libertad”. Supuestamente, según la CNT, había nueve individuos en ese equipo de filmación, pero yo tengo sólo registrado tres: un suizo, el camarógrafo Pablo Tabernero y un asistente más que suelo verlo en las imágenes llevando el bolso donde van las películas”.

“Después de la muerte de Durruti en Madrid, Tabernero está en Barcelona, donde la cosa se pone muy difícil entre enero y mayo del 37, pero él filma “El Último Minuto” a principios de año, que para mí es una película brillante porque es donde definitivamente se une el expresionismo alemán con el panfleto político, e inaugura toda una nueva tradición en el cine latinoamericano”.

– Justamente, si de él hubiera dependido, el material de los Laboratorios Alex se habría salvado del incendio. ¿No es así?

Absolutamente. Él entra a los Laboratorios Alex cuando su carrera como director de fotografía llega a un final con la caída de Perón en 1955. Ya en el 56, Pablo se da cuenta de que no puede seguir viviendo del cine porque la producción había entrado en una de las crisis recurrentes que tiene nuestro país, y va a ser empleado de Alex donde trabaja con el fundador de la empresa.

Buscando a Tabernero Entrevista a Eduardo Montes Bradley

Eduardo Montes-Bradley, director de “Buscando a Tabernero”

Pero el dueño muere y quedan los hijos a cargo, particularmente uno de ellos, Sandro Sessa, que era un poco snob y veía a esos inmigrantes europeos de la guerra como gente de la cual se podía prescindir, ya que lo que le importaba era el éxito, Miami, París,… producir para el extranjero,… Le congeló el salario, -no se lo fue actualizando con la inflación-, por lo que le fue dejando en una situación muy comprometida.

Y antes de irse, Tabernero le dijo que en las bodegas donde estaban todos los negativos de la Historia del cine argentino, estaban mezcladas las películas que eran de nitrato con las que no lo eran y que deberían de ser aisladas, creando paredes de 30 milímetros para contener la posibilidad de un fuego, entre otras medidas. La respuesta de Sandro Sessa fue echarlo.

Él se va en enero de 1967 a vivir a Estados Unidos y se percata de esto. En 1969 hay un gran fuego en un incendio que quema toda la Historia del cine argentino. Eso fue terrible, y también para Tabernero lo debió ser, porque él ya estaba viviendo en Nueva York como inmigrante y con un trabajo como redactor en la revista SMTP de la televisión. Él fue el hombre que pudo haber salvado el cine clásico y curiosamente sus propios negativos se perdieron en esa tragedia.

– Me llama la atención que en el film se menciona en algún momento que llegaste a Buenos Aires al mismo tiempo que moría Martínez Suárez, pero igualmente me preguntaba que por qué no entrevistaste a otros discípulos de Tabernero como Desanzo y algunos más.

Yo hablé con Desanzo y me mandó por mail una historia escrita muy buena; hablé con Félix Monti y me contó otra anécdota muy bella; también entrevisté en Francia a Ricardo Aronovich; y todo eso sirvió para que yo entendiera la importancia de la transición pedagógica, es decir, reconocer por qué somos útiles nosotros en una cadena humana de conocimiento.

En mi reflexión, lo que puedo hacer notar es que algo que empieza en Europa, en la República de Weimar, pasa por la España de la guerra civil y se continúa en la Argentina, pero termina en las manos de Truffaut y de la nouvelle vague en el momento en que Ricardo Aronovich recurre a una resolución de plano que aprendió de Tabernero cuando el maestro francés se lo requirió.

Pero hay algo que en innegable y que vino cuando la pandemia y la crisis económica: yo no podía seguir desarrollando la parte argentina, porque además ése no había sido el objeto inicial, -y esto es importante que lo diga-, debido a que yo lo que quería saber es quién era Tabernero antes de llegar a la Argentina. Para lo demás, ya están los críticos de cine.

– Sí, y por eso también tuviste el apoyo en la película de Diego Trerotola y de Fernando Martín Peña. El primero de ellos es un fan de los trabajos que Tabernero hizo, aparte de que gracias a él se conoce mucho más el gran desempeño que Pablo tuvo en cuanto a la iluminación.

Yo creo que sí. Cuando empecé a investigar en la Argentina había varios cinéfilos, entre ellos los que acabas de citar y Sergio Wolf, que sabían muy bien quién había sido Tabernero en Argentina, donde tenemos una gran habilidad para fabricar mitos que lo que tienen es un nacimiento cierto, pero no cronológico. Es decir, que para muchos Tabernero nace con su primera película en el país, pero sin embargo para entonces ya era un hombre muy experimentado.

– Me dejaste también con las ganas de conocer cómo es que Pablo Tabernero acaba como editor de una revista de la Motion Pictures, donde creo que trabajó como unos veinte años.

Tal vez fueron más. No era de lo que te imaginas, sino de la Motion Picture & Television Engineers, que es otra cosa; se trata de una publicación muy prestigiosa. Él era uno de los primeros subscriptores que tuvo esa revista y siempre la leyó como si fuera el Evangelio de San Mateo (risas). Estaba siempre con ella y Pablo, como buen alemán, se escribía con la gente que trabajaba en la publicación. Era muy minucioso en las relaciones.

Cuando se fue a los Estados Unidos, llegó con la idea de trabajar ahí. Ya había hablado con sus editores y lo reciben con las manos abiertas, porque Estados Unidos en esa época tenía la tradición de respetar a una persona que ya había escrito algunos ensayos sobre “El Gabinete del Doctor Caligari”, tenía relaciones en Alemania y en Francia, entendía muy bien francés, hablaba castellano,… entonces a la revista le convenía sus servicios para producir artículos de otras partes también.

– Y tras el trabajo de elaborar todo esto, ¿eres consciente de que llegaste a reunir todo lo que pudiste sobre Tabernero y lo que significó su trabajo de cara al cine?

“Buscando a Tabernero” es una referencia a su personaje, pero también es un viaje a través del siglo. A mí me sorprendió mucho cuando yo fui a la Filmoteca en Catalunya, donde me asistió una persona muy amable que estaba allí, y él iba reaccionando en la medida que yo iba uniendo los puntos, los cabos sueltos que indicaban una sola identidad pero con distintos nombres.

Por ejemplo, hay un diccionario sobre las películas de durante la guerra civil española, escrito por una francesa. Él me lo trajo, lo estuvimos estudiando con sus fichas técnicas, y se asombró muchísimo de que hayamos podido deducir que el camarógrafo y director de fotografía de todas estas películas era la misma persona, no eran cinco distintos.

Yo creo que es un aporte a la Historia del cine de la guerra civil, por un lado, y por otro es un aporte a los que están estudiando, pues hay tres estudiosos que yo conozco, uno en Barcelona, otro en Madrid y otro en Salamanca, que están trabajando sobre los judíos que llegaron en la época de la II República a trabajar en la industria del cine. Yo tengo los contratos originales de Pablo Tabernero con Ibérica Films por “Doña Francisquita” y otras películas que hicieron.

También considero que hay un aporte a la Historia del cine español. Me alegro mucho de haberlo podido consolidar, porque no lo tenían registrado.Síguenos en Twitter color

 

©José Luis García/Cinestel.com

Buscando a Tabernero Entrevista a Eduardo Montes Bradley

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL, WEB FUNDADA EN JULIO 2005

FILMOTECA CATALUNYA_OCTUBRE 2025

Afins. Joaquim Jordà

La segona edició d’Afins, el programa que contempla la història del cinema com una xarxa de relacions i afectes, està dedicada a Joaquim Jordà, una de les figures més lliures, polièdriques i influents del cinema català. Realitzador, guionista, traductor, professor, activista, lector i espectador voraç, conversador apassionat: Jordà és indestriable dels encontres, intercanvis i complicitats que va teixir al llarg de la seva trajectòria cinematogràfica i política. En companyia de veus afins, el cicle recupera fites de la seva filmografia, explora projectes inacabats i traça relacions amb els referents que van nodrir l’univers de Joaquim Jordà. El programa s’inaugura el 14 d’octubre amb Numax-Fagor-Plus, on el dramaturg i director Roger Bernat revisa la seva peça de teatre documental, que fa una dècada va oferir una nova mirada d’un dels films més icònics de Jordà: Numax presenta… (més informació)

La llei del gènere. Valeria Sarmiento i Raúl Ruiz

Programada pel cineasta i teòric Érik Bullot, l’objectiu d’aquesta retrospectiva és presentar les obres de Sarmiento i Ruiz poc vistes a Espanya, observar-ne les semblances i les diferències, i constatar el poder formal i polític del cinema en dos artistes amants de l’experimentació narrativa. A més de col·laborar mútuament en el muntatge i en el guió, les seves filmografies posen de manifest temes sovint semblants, que evoquen qüestions d’exili, identitat i colonialitat. De manera irònica, fins i tot paròdica, la subversió del gènere n’és sens dubte el fil conductor. (més informació)

Els passos dobles: Ariadna Ribas

El cineasta Isaki Lacuesta i la sonidista Amanda Villavieja cedeixen el relleu d’Els passos dobles a Ariadna Ribas (i a Marc Coll, que el reprendrà al desembre). Col·laboradora en films d’Albert Serra, Elena Martín o Virginia García del Pino, Ribas emmiralla, des de la seva visió de muntadora, alguns dels seus treballs amb films aliens, en un diàleg expandit que, des de diferents estils i èpoques, proposa un mapa d’afinitats temàtiques i formals. Així, per exemple, connecta La mort de Louis XIV d’Albert Serra amb El ángel exterminador de Buñuel, pel tractament de l’espai tancat com a motor del temps i la tensió. (més informació)

Germaine Dulac

Coindidint amb l’exposició que li dedica el Museu Tàpies, una extensa retrospectiva, acompanyada de música en viu i experimentacions sonores, reivindica aquesta precursora del cinema d’avantguarda, realitzadora, guionista, productora i autora de textos teòrics de gran rellevància. Germaine Dulac (1882-1942) és autora d’una obra profundament revolucionària, temàticament i formalment, pel seu posicionament feminista i anticlerical en el context del París de principis del segle XX. La Coquille et le clergyman, a partir d’un text d’Antonin Artaud, és avui considerada un clàssic i la primera pel·lícula surrealista de la història. El cicle Dulac ens acompanyarà fins al gener. (més informació)

Travis Wilkerson

Cineasta, professor i activista nord-americà, conegut per les seves pel·lícules sobre el racisme estructural, l’imperialisme i les lluites obreres. Wilkerson combina assaig, performance, recerca històrica i denúncia política, amb influències del cinema militant i les avantguardes. Considerat un dels hereus del Tercer Cinema, proposa un estil provocador que barreja narració en primera persona, materials d’arxiu i una estètica sòbria, amb l’objectiu d’interpel·lar directament l’espectador, al més pur estil agit-prop. Aquesta retrospectiva es presenta amb la col·laboració del festival Intersección d’A Coruña i el Màster en Teoria i Pràctica del Documental Creatiu de l’UAB. (més informació)

Dia Mundial del Patrimoni Audiovisual amb Chano Domínguez

Dues jornades commemoren l’efemèride, amb digitalitzacions recents dels fons de la Filmoteca. En la primera celebrem els 30 anys del western futurista Atolladero, l’adaptació del còmic publicat a la revista Makoki, Atolladero Texas, d’Óscar Aibar i dirigida per ell mateix. En l’altra, la projecció d’El amor brujo (1967), comptarà amb l’actuació del gran pianista de jazz Chano Domínguez, que reinterpretarà en directe aquesta joia del cinema espanyol que fusiona el flamenc amb el drama romàntic i la tradició andalusa. Una manera de redescobrir el clàssic de Rovira Beleta des d’una nova lectura plena de duende i llibertat creativa. (més informació)

Exposició Col·lisió extrema
Cartells de Ghana pintats a mà, anys noranta

Ghana va viure al final dels vuitanta, en plena crisi econòmica provocada per dècades de corrupció i inestabilitat política, un fenomen inèdit: la irrupció d’una xarxa de projeccions itinerants de vídeo, que va tenir la seva edat daurada durant els anys noranta. Per atreure el públic, artistes locals formats en la publicitat pintaven a mà cartells cridaners de pel·lícules comercials en sacs de farina de cotó, fàcils d’enrotllar, traslladar i penjar. L’exposició recull una trentena d’aquests cartells fets per 21 autors destacats del moviment i cedits per la galeria Ernie Wolfe i el Museu Fowler. Són obres extremes en color, composició i iconografia, que neixen del xoc entre una rica tradició artística nacional i la publicitat occidental de les caràtules de VHS o PAL, que els servien d’inspiració. Al desembre es completarà amb el cicle L’Àfrica contrataca. (més informació)

I també…

Arrenca un curs més una història del cinema possible amb Aula de Cinema, amb sessions que dialoguen amb la programació de la Filmoteca, com la inaugural, a càrrec la comissària de l’exposició de cartells de Ghana Beatriz Leal-Riesco, o la que presentarà Érik Bullot sobre el cinema inacabat de Raúl Ruiz. (enllaç)

La 12a Setmana del Cineclubisme Català, organitzada per la Federació Catalana de Cineclubs, lliura els seus Premis Nunes, entre ells l’internacional al productor Marin Karmitz, que presentarà Trois couleurs: Bleu de Kieslovski, una de les seves produccions destacades, i presenta una programació que omplirà la setmana de mirada crítica, passió compartida i compromís amb una cultura participativa. (enllaç)

El director Alecs Nastoiu ha presentat personalment el seu film The Secret of Pin-Up Island per inaugurar una nova edició del cicle Cinema romanès actual, cinc títols que mostren la vitalitat d’aquesta cinematografia i exploren les tensions socials, els desitjos íntims i els dilemes generacionals d’una societat en transformació. (enllaç)

El Festival de Cinema Jueu portarà obres provinents d’Ucraïna, Polònia, França, els Estats Units i Alemanya. Sis films que reflecteixen l’experiència d’aquesta cultura amb la guerra i l’Holocaust, i que haurien de servir d’eina de reflexió i compromís amb la pau i els drets humans en un context marcat pel genocidi contra el poble palestí. (enllaç)

El programa Arxiu viu presenta Cossos a la deriva: el cinema de Miñuca i Fernando Villaverde, una nova mostra de l’obra d’aquests cineastes cubans establerts des de l’any 2000 a Barcelona, conservada i digitalitzada a la Filmoteca de Catalunya. (enllaç)

FilmoXica obre nou cicle temàtic de tardor: Llibres lliures, amb Pippi Langstrump o Le petit Nicolas, a més de les propostes d’El Meu Primer Festival i el festival audiovisual Reteena. (enllaç)

CINESTEL TAMBIÉN ESTÁ EN BLUESKY

CIRCUIT ESTABLE DE CINEMA CATALÀ

Cicle Gaudí 2016 - Circuit estable de cinema català
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SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

Sylvette Baudrot 260

FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL ARGENTINA

‘La producción audiovisual y su respaldo jurídico’ es el libro más reciente de Julio Raffo, un texto de lectura y de consulta imprescindible para los distintos profesionales de la industria del cine que deseen estar al tanto sobre cómo se regula en la Argentina la actividad productiva que conlleva la realización de películas, atendiendo no solamente a disposiciones legales y su marco regulatorio, sino que también a ejemplos prácticos y anécdotas. (saber más)

LOS INVENTORES DEL CINEMATÓGRAFO

Cinematógrafo LumièreEl cine es una invención sin ningún futuro. (…)
Nuestro invento no es para venderlo. Puede ser explotado algún tiempo como curiosidad científica, pero no tiene ningún interés comercial. *Antoine Lumière

ZONA INDUSTRIA

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Este año, 10 equipos de distintas partes de Latinoamérica se reúnen en Tandil para rodar 10 películas en 10 días. Cada proyecto es una voz única. Cada mirada, un reflejo distinto de la realidad propia.

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A partir de este mes de mayo comienza a implementarse en salas de cine la próxima generación de sistemas de proyección láser Dolby Vision, tras haber sido anunciada la renovación de su acuerdo comercial con Christie.

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José Celestino Campusano, desde su gira por México, defendiendo el cine autogestivo y no hegemónico

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La tournée comenzó en la Cineteca de México, donde el programa oficial destacaba el enfoque único de su cine: “Campusano se adentra en los bajos fondos de marginalidades delictivas,…

LLEIDA: 16 SOM CINEMA FILM FESTIVAL

9 octubre 2025 – Un total de 55 pel·lícules -de les quals 31 a concurs- de Catalunya, el País Valencià, les Balears i Andorra seran projectades en el festival Som Cinema, la 16 edició del qual tindrà lloc del 22 al 26 d’octubre en diversos espais de la ciutat de Lleida. El Festival de l’Audiovisual Català consta de les seccions oficials de Llargmetratges i Curts de Ficció, Llargmetratges i Curts Documentals i Som Secundària, i té una dotació de 2.000 EUR per a pel·lícula de ficció guanyadora.

Judith Vives, directora de Som Cinema, va dir en el decurs de la presentació del festival que enguany l’esdeveniment ofereix “temàtiques d’elevat interès, pel seu caire social o per la singularitat del plantejament” i va incidir en que molts d’aquests treballs “es presten al debat”, fet incentivat per la presència en algunes sessions de directors, actors i productors. Vives va destacar també totes les activitats paral·leles a les seccions oficials com són les trobades professionals i les sessions adreçades a instituts i centres de formació audiovisual. Vives va afegir que el festival “creix any rere any de forma sostinguda en el marc del bon moment que viu el cinema català”.

Destaquen pel seu contingut social els films “Duro”, dirigit per Francesc Cuéllar, un llargmetratge sobre violències masclistes amb els rols de l’home i la dona canviats; “La invasió dels bàrbars”, de Vicent Monsonís, un treball que explora la repressió franquista, l’espoli del patrimoni cultural i la memòria històrica; “Sima’s Song” (La Cançó de Sima), de la directora Roya Sadat (que assistirà a la projecció del film), un treball que reivindica els drets de les dones a l’Afganistan; “Supernatural”, de Ventura Durall, que investiga els contrapunts entre la ciència i la màgia; “Sunu Gaal” (El nostre cayuco), de Josep T. París, centrat en el drama de l’emigració vist des del punt de vista de la gent africana; “Un bany propi”, de Lucia Casañ, un film que reflexiona sobre la empremta creativa, l’autonomia, la intimitat o la desigualtat de gènere, “Eva i Bea”, una comèdia de temàtica LGTB, o “Parirem sense por”, d’Alba Pifarre, una mirada profunda i transformadora sobre el part.

Entre les produccions que es podran veure hi ha 7 pel·lícules rodades per equips totalment o parcialment lleidatans. Trobareu informació més completa del Festival de l’Audiovisual Català al seu web SomCinema.cat.

“CONSTEL·LACIÓ PORTABELLA” ALS CINEMES

9 octubre 2025 – “Constel·lació Portabella” de Claudio Zulian, és el retrat d’un cineasta europeu de culte, que ha destacat pel seu compromís polític i el seu activisme a favor de la defensa de les llibertats. El llargmetratge arribarà als cinemes el 24 d’octubre, després de recórrer un el seu selecte recorregut de festivals. A partir de llavors, se celebraran nombrosos esdeveniments a Catalunya i Espanya en homenatge a la seva figura i al seu extraordinari llegat.

La pel·lícula s’ha realitzat amb fragments dels seus propis films i de xerrades, conferències i entrevistes amb el mateix Portabella en diferents mitjans al llarg de la seva carrera com a cineasta i polític. Emmarcant tot això hi ha declaracions de crítics, directors de cinema i historiadors, que han tingut relació amb el seu art i/o participat en les seves obres. Gràcies a noms com Esteve Riambau, Jonathan Rosenbaum o Luis E. Parés, entre altres, ens submergim en els reptes després de les apostes creatives d’un artista total.

Per al director i productor del film, Claudio Zulian, Portabella ha estat “un exemple de coherència en la cerca d’un llenguatge cinematogràfic sensible i obert al temps en què vivim”.

Per part seva, el coproductor Lluís Miñarro -guanyador de la Palma d’Or del Festival de Cannes amb “L’oncle Boonmee recorda les seves vides anteriors”, de Apichatpong Weerasethakul- afegeix que per a ell Portabella és “un renovador del llenguatge cinematogràfic”. El també cineasta afegeix: «la seva coherència com a cineasta i productor insubornable és un exemple per a mi”.

El gener passat es va anunciar que al llarg de 2026 i 2027 la Generalitat de Catalunya i el Ministeri de Cultura celebraran el centenari de Pere Portabella amb una programació conjunta.

JOSÉ LUIS GUERÍN ESTRENA EN FEBRERO

6 octubre 2025 – “Històries de la bona vall” (Historias del buen valle) es la nueva película del cineasta catalán José Luis Guerín. La distribuidora del film tiene previsto estrenar esta nueva obra del director el 26 de febrero de 2026, justo dos días antes de la gala de los Premios Goya que se celebrará en Barcelona un domingo por la noche, rompiendo los hábitos adquiridos desde el año 2005 de celebrarla los sábados por la noche.

Tres años fueron los que Guerín dedicó a la realización de este proyecto que contó con la participación de vecinos del barrio barcelonés de Vallbona y con la producción de Los Ilusos, la compañía de Jonás Trueba. Vallbona es un barrio periférico de Barcelona que permanece aislado por ríos, vías y autopistas. En este rincón humilde, conviven la herencia rural con la urbanización moderna, mezclando las casas de antiguos migrantes de la posguerra con los bloques donde se asienta la nueva migración.

La película retrata este enclave como una aldea global marcada por la memoria de la supervivencia y las luchas vecinales. Una reflexión humanista sobre los conflictos sociales, identitarios y ecológicos del mundo contemporáneo.

VENECIA: “FATHER MOTHER SISTER BROTHER”

9 septiembre 2025 – “Todos los que hacemos películas aquí no estamos motivados por la competencia”, dijo el cineasta estadounidense Jim Jarmusch nada más recibir el León de Oro en la Mostra de Venecia por su más reciente película, “Father Mother Sister Brother”, que en el territorio español será distribuida en cines por Avalon, donde tiene previsto su estreno para el próximo día 24 de diciembre de este año.

Jarmusch dijo durante su visita al Festival italiano que su nueva creación “es una especie de película anti-acción, con un estilo sutil y tranquilo construido para permitir que se acumulen pequeños detalles, casi como flores cuidadosamente colocadas en tres delicados ornamentos. Las colaboraciones con los magistrales directores de fotografía Frederick Elmes y Yorick Le Saux, el brillante editor Affonso Gonçalves y otros colaboradores frecuentes, elevan lo que comenzó como palabras en una página a una forma de cine puro”.

“Father Mother Sister Brother”, aunque sea un largometraje, posee la particularidad de que está esmeradamente presentado en forma de tríptico. Las tres historias se refieren a las relaciones entre los hijos adultos con unos progenitores algo distantes, tanto con sus propios vástagos como entre sí mismos. Cada uno de los tres capítulos tiene lugar en el presente, y cada uno de ellos ocurre en un país diferente.

‘Father’ está ambientado en el noreste de los Estados Unidos, ‘Mother’ en Dublín, Irlanda, y ‘Sister Brother’ en París, Francia. La película es una serie de estudios de personajes: tranquila, observacional y sin prejuicios; una comedia, pero entretejida con hilos de melancolía. Y entre los intérpretes del film encontramos a Tom Waits, Adam Driver, Mayim Bialik, Charlotte Rampling y Cate Blanchett.

Este cineasta de gran estatura se mostró agradecido al Festival por “apreciar nuestra película tranquila”. De hecho, Jim Jarmusch siempre se ha declarado como un firme admirador del cine de Michelangelo Antonioni, Kenji Mizoguchi y Yasujiro Ozu. Obviamente su lista de películas estrenadas es muy larga y prolífica, pero por citar sólo algunas, podríamos destacar su experimento exitoso con “Coffee and Cigarettes”, donde desarrolló la idea de repetir el título en distintas entregas, y algunos otros filmes como por ejemplo “Extraños en el paraíso”,  “Mystery Train”, el western “Dead Man”, “Flores rotas” o “Paterson”.

LOCARNO CON CECILIA KANG (“HIJO MAYOR”)

18 agosto 2025 – La realizadora argentina Cecilia Kang recibió en Locarno el Premio a la Mejor Dirección Emergente por su nueva película, “Hijo Mayor”, un relato coral que cuenta varias historias que confluyen en un denominador común: Lila, una joven coreano-argentina, navega por las contradicciones de su identidad y trata de encontrar su lugar en el mundo. Su papá, Antonio, llega a Latinoamérica 18 años antes y decide apostarlo todo por la promesa del sueño de un joven inmigrante. El filme es una epopeya familiar que busca volver al pasado para reinventar el presente.

En el Festival de Locarno, donde participaba en la Sección Concurso Cineastas del Presente, Cecilia Kang declaraba: «Hijo mayor nace de los recuerdos, o de lo que uno decide recordar. Es el rastro romántico de un hombre que decidió elegir un camino diferente al que se esperaba de él, y cómo ese camino se convirtió inevitablemente en el comienzo del mío».

“Hijo Mayor” toma varias perspectivas. La primera se desarrolla en Buenos Aires, donde Lila, una adolescente hija de coreanos acompaña a su padre a un viaje de pesca con sus amigos coreanos.

La segunda tiene lugar en el frío invierno de Seúl (Corea del Sur): So Young, una niña coreana de ocho años mira hacia la ventana, ensimismada en sus pensamientos. La niña espera a su madre en la oficina donde trabaja.

La tercera ocurre en un verano de Asunción (Paraguay): Antonio intenta entrar a un nuevo negocio. Lo llaman Antonio, aunque su documento diga un nombre distinto, más difícil de pronunciar. Es un hombre coreano de 37 años, de rostro felino y delgado.

Y por último, pero no menos importante, la cuarta perspectiva es una entrevista a un hombre. Es el padre de la directora. Tiene frente a él álbumes con fotos viejas. Habla sobre su pasado y mira fijo a su hija a través de la cámara.

Cecilia Kang explicaba al respecto del film que “Hijo Mayor” es una película que “nace de mi necesidad de ver plasmados en imágenes y sonidos aquellos recuerdos que mi padre me cuenta desde que soy muy chica. Son imágenes que se repiten constantemente, en la pantalla de mi memoria, ese plano tan abstracto como personal. Es por ello que la propuesta estética del film parte de mi deseo de ensayar, de forma lúdica y personal, un ejercicio sobre la memoria. Cómo cristalizar el recuerdo propio y volverlo en imagen y sonido, en una obra para compartir”.

CONMEMORAN 25 AÑOS DE “NUEVE REINAS”

21 julio 2025 – A Contracorriente Films anuncia la reposición en salas de NUEVE REINAS el próximo viernes 29 de agosto. Una de las estafas más icónicas del cine vuelve a la gran pantalla precisamente en la misma fecha en que se estrenó hace 25 años.

Con una versión remasterizada en 4K, presentada en la sección Cannes Classics del Festival de Cannes, las salas de cine españolas se suman a la celebración que conmemora el 25 aniversario de la ópera prima de Fabián Bielinsky.

Desde su estreno, la película protagonizada por Ricardo Darín (“Relatos salvajes”, “El secreto de sus ojos”, “Argentina, 1985”), Gastón Pauls (“Che: Guerrilla”, “Fuga”, serie de TV “Todos contra Juan”) y Leticia Brédice (“Almejas y mejillones”, “El fracaso”, serie de TV “Mujeres asesinas”) se convirtió rápidamente en un fenómeno cinematográfico internacional y un éxito global, posicionándose como la película argentina más taquillera del 2000.

Entre sus galardones destacan siete Premios Cóndor de Plata a Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Actor, para Ricardo Darín, Mejor Actriz, Mejor Guion, Mejor Fotografía y Mejor Montaje. También fue reconocida con el Premio del Público y el galardón a Mejor Guion en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, además de ganar el premio a Mejor Película Internacional Independiente en Lengua No Inglesa en los British Independent Film Awards.

En España tuvo su premier en Lleida y cautivó a medio millón de espectadores. Fue nominada a Mejor Película Extranjera de Habla Hispana en los Premios Goya, y Ricardo Darín, entonces en pleno ascenso internacional, recibió el Premio Sant Jordi a Mejor Actor Extranjero.

Años después, el legado de la película sigue más vivo que nunca. Las nuevas generaciones la han redescubierto y la han reconocido como una obra que permite transportarse a la Argentina del año 2000, sirviendo como una radiografía de su época.

Lo que aparentemente comienza como un simple golpe, pronto se convierte en una lección magistral sobre cómo desconcertar al espectador.

Sinopsis

Buenos Aires. Juan y Marcos son dos estafadores de poca monta, uno joven y el otro veterano en el arte del timo. Se conocen de forma fortuita una madrugada y casualmente se ven envueltos en un asunto que les puede hacer millonarios: tienen menos de un día para hacer una estafa que no puede fallar. Ambos están dispuestos a aprovechar la única gran oportunidad que la vida les presenta.

PEPÓN COROMINA: “THE HUMAN HIBERNATION”

5 juliol 2025 – En el marc de la Festa d’Estiu de l’Acadèmia del Cinema Català, es va fer públic el veredicte del 12è Premi Pepón Coromina, un guardó que distingeix anualment el risc, la innovació i la creativitat en la producció cinematogràfica catalana, en record del productor Pepón Coromina.

El jurat d’aquesta edició, format pels cineastes Juan Sebastián Vásquez, Andrés Duque, Júlia de Paz, Jordi Sanz i l’actriu i directora Mireia Vilapuig, va reconèixer “The Human Hibernation”, d’Anna Cornudella (foto), “una obra de rara bellesa, on la ciència-ficció especulativa es fon amb la melancolia dels paisatges rurals per oferir-nos una meditació poètica sobre l’espera, la transformació i el desig de desaparèixer”, recull el veredicte.

La proposta estètica i filosòfica interpel·la l’espectador des d’una temporalitat alternativa, i esdevé un acte de resistència silenciosa i transformadora, “amb una direcció sensible i una aposta formal valenta, que planteja un descentrament del jo per obrir la mirada cap a l’ecosistema sencer i els vincles que el conformen”, destaca el jurat.

Amb aquest guardó, “The Human Hibernation” ha estat reconeguda per primer cop a Catalunya, després de rebre el premi FIPRESCI de la crítica al Festival de Berlín i el Feroz Arrebato de No Ficció.

El jurat també va voler donar una Menció especial a la sala de cinema cooperativa Zumzeig, per la seva trajectòria valenta i la seva aposta decidida per una altra manera de fer, veure i compartir el cinema. “Zumzeig és l’espai on es poden veure obres com The Human Hibernation; un projecte autogestionat que manté viva la flama del pensament crític i el risc creatiu en els circuits de distribució”, assenyalen.

NEIX EL SOM CINEMA LAB/PRO

4 juliol 2025 – El Festival Som Cinema serà el marc de la primera edició del Som Cinema Lab/Pro, una iniciativa formativa i professionalitzadora destinada a guionistes i directors/es de les Terres de Ponent. Aquesta nova branca del festival neix amb la voluntat d’acompanyar el desenvolupament de curtmetratges en català en fase de guió, i de facilitar eines i espais per defensar-los davant de productores i professionals del sector.

L’objectiu principal del Lab/Pro és oferir espais de treball per millorar i reescriure els guions presentats; i fomentar una experiència col·lectiva d’aprenentatge, intercanvi i xarxa entre creadors/es que es trobin en moments similars del procés creatiu.

La convocatòria del Som Cinema Lab/Pro s’ha obert el 13 de juny i estarà activa fins a les 23.59 h del 5 de setembre. Els projectes seleccionats participaran activament en diverses sessions de treball durant els dies centrals del Festival Som Cinema, que enguany se celebrarà del 22 al 26 d’octubre a la ciutat de Lleida.

El jurat del Lab/Pro escollirà un projecte guanyador que serà premiat amb la participació directa a la Trobada de Talents del Festival Galacticat 2026, on podrà entrar en contacte amb productores destacades del sector audiovisual. El curtmetratge resultant també es projectarà a la següent edició del Som Cinema, sigui dins o fora de competició, i el finalista rebrà un passi complet per al Festival Animac 2026. Aquesta primera edició del Som Cinema Lab/Pro estarà coordinada per la cooperativa audiovisual Octubre Cinema.

Les inscripcions es poden fer a través del formulari en línia https://forms.gle/UVEmPmKPg3twRtYN8.

BILLY WILDER Y LOS FRACASOS EN EL CINE

Billy WilderPor lo general, cuando una película no funciona, uno dice que se adelantó a su tiempo, o que se estrenó demasiado cerca de la Navidad, o que era justo después de la Navidad y la gente se había gastado el dinero en regalos, o que fue un fracaso porque hacía muy buen tiempo y la gente se fue a la playa, o porque llovía y la gente se quedó en casa.
*Billy Wilder, director y guionista austriaco.