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“Carlos Gesell, mi padre”, entrevista a la directora Marina Zeising

diciembre 18, 2023 ENTREVISTAS, VISION DOCUMENTAL
Carlos Gesell mi padre entrevista a la directora Marina Zeising

Estreno en Buenos Aires
En las costas del mar Argentino se encuentra Villa Gesell, una localidad muy frecuentada por los turistas, donde una bonita estatua dorada nos recuerda al fundador de esa pequeña ciudad balneario de playas atlánticas. Lo interesante de Carlos Gesell es que apostó por un lugar a priori inhóspito, una extensión de dunas arenosas, para transformarlo en otra cosa más habitable, aun cuando lo que allí finalmente se construyó dista mucho con respecto a la idea original que el promotor tenía.
“Carlos Gesell, mi padre” es una idea que surge tras la lectura por parte de la directora Marina Zeising de un libro escrito por una de las hijas del que fuera creador de ese espacio multifuncional.
Desde el punto de vista de Rosemarie Gesell (foto), el documental reconstruye su extraordinaria historia atravesada por los avatares del siglo XX.

Los abuelos alemanes de Marina frecuentaron mucho esa zona, hasta que decidieron comprar una casa en el municipio de al lado, Pinamar, que está a tan sólo diez minutos de distancia. La realizadora nació justo a los tres meses de la muerte de Carlos Gesell y, aunque contó con diversos colaboradores, la mayor parte de la investigación sobre el terreno la hizo ella misma, ya que además es una zona en la que ahora está presente la mayor parte del año.

“Les pasé la película a gente grande, en una casa de abuelos de Gesell, -nos comenta Zeising-, para ver qué es lo que ellos nos decían, porque me interesaba mucho su punto de vista ya que yo no viví ese tiempo histórico, y sin embargo todos estaban muy emocionados porque decían que yo había logrado captar el espíritu de esa época, lo cual me alegró oír porque para mí hacer este filme era un desafío”.

“Yo vengo de familia Waldorf, muy antroposófica, más hippie, si se quiere expresar así, de una corriente alemana muy bohemia que era lo más parecido a lo que se vivía en Gesell. Entonces, aunque no haya vivido esa época, para mí es parte del espíritu familiar. Así que no me costó mucho captar esa historia tan paralela a la cultura de mi familia, y que yo he conocido ya en democracia”.

– Hay que subrayar que Rosemarie falleció en diciembre del año 2021 y que la voz en off que narra la película la puso la actriz Cecilia Rossetto.

El talento de Cecilia, como buena actriz que es, fue meterse en ese universo. Yo le mandé muchos videos de Rosemarie para que ella pudiera comprobar cómo hablaba y tratara de captar su esencia. Al final fue fantástico lo que pasó, porque yo no sabía que el papá de Cecilia Rossetto había sido bicampeón mundial de ajedrez. Héctor Rossetto fue un hombre muy conocido y si uno lo googlea aparece en fotos junto a Humphrey Bogart y otras personas muy famosas como el Che Guevara.

A partir de eso, yo me daba cuenta mientras trabajábamos y hacíamos los ensayos en off, de que Rosemarie hablaba siempre de este padre-patriarca tan poderoso, y Cecilia también tuvo un padre de esas características. Entonces fue muy interesante ver cómo ella enseguida la entendió a Rosemarie desde ese punto de vista de hija de alguien que fue una figura tan importante.

– ¿Y por qué se decidieron a narrar esta historia como un cuento explicado de forma cronológica?

Yo ya conocía algo sobre la historia de Carlos Gesell, pero cuando me reencuentro con este tema, el hecho de meterme de nuevo en el museo, volver a revisarla, me pareció cautivante porque es diferente a la formación de otras villas y pueblos de la Argentina; aquí se trató de una tierra privada que él la habilitó a que sea pública, una coyuntura que en la Argentina no suele pasar mucho.

Cuando leí todas las biografías, la que más me gustó fue la de Rosemarie, y ahí fue cuando yo la contacto y le pido si la puedo entrevistar, y a sus 87 años de edad yo le hago una larguísima entrevista, de muchas horas de duración en su casa. A partir de ahí la desgloso y armo el guion.

Ella ya entonces tenía una voz muy cascada porque fumaba mucho, -de hecho pongo algunos planitos en la peli de ella fumando, que son como reflexiones acerca de su historia-, y me contó casi lo mismo que aparece en su libro. Como todo me lo contó de forma cronológica, -ella tenía un recuerdo muy vivo y muy presente-, eso fue como explicar un poco la historia del siglo XX desde Argentina y cómo repercutió acá la acción de las dos guerras mundiales, además de profundizar en la forma en que se fue dividiendo el territorio argentino, que es algo también interesante.

Esto que pasó en Gesell fue un descarte de unos terratenientes que creían que no les servía para nada, y Carlos fue muy hábil en salirse de la empresa familiar e invertir todos sus capitales en comprar esas tierras de descarte. Ahí es donde él forma todo eso. Pero sí, ya desde el vamos me planteé narrar esta historia como algo cronológico.

– “Carlos Gesell, mi padre” también contiene algunas jugosas escenas de cine clásico con Buster Keaton, Chaplin y también creo haber reconocido al “Nosferatu” de Murnau, pero a falta de una Cinemateca que posiblemente no se pondrá en marcha en los próximos cuatro años por razones puramente políticas, está el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken en Buenos Aires que quizá te echó una mano en esos menesteres de seleccionar imágenes que casaran con lo que estabas proponiendo en esta película para, de alguna manera, jugar con ellas. ¿Fue así?

Totalmente, es un juego y te digo que de todas las películas que hice fue la que más me divertí editándola, porque me propuse cómo contar aquella historia del siglo XX cuando no teníamos materiales de archivo suficientes, aunque sí que había un material depositado en el Archivo General de la Nación que me cedieron, pues es un lugar que me encanta y donde yo siempre busco entre sus numerosos registros.

También toqué la puerta del Museo Pablo Ducrós Hicken, donde me atendieron muy bien, pidiendo el material de la primera película que se filmó en Gesell en su momento de mayor auge, cuando estaba súper de moda, y que se llamaba “Los Inconstantes”, que en realidad a Carlos Gesell no le había gustado porque aparecen mujeres desnudas y se insinúa cierto libertinaje, y la hija del director me cedió la posibilidad de incluirlo, pero las latas estaban en el Museo. No estaba completa la película y por esas cosas que tiene la Argentina, se habían dado cuenta de que faltaba una lata, pero hicimos un telecine, que de hecho lo tengo grabado porque es toda una experiencia fantástica y a los que nos gusta el cine es como meterse en un mundo realmente encantador, e hicimos un transfer a digital

Carlos Gesell mi padre entrevista a la directora Marina Zeising

Marina Zeising, directora de “Carlos Gesell, mi padre”

En el montaje preferí dejar la banda de sonido tal cual estaba, raspada, porque para mí es un homenaje al cine de blanco y negro, el cine mudo y el cine que nos precedió. Y como el material no estaba bien, tampoco quise disimular, forzarlo y tratar de que se vea bien, sino mostrarlo tal cual está en la realidad. Así que la película también es un homenaje a Chaplin y a Buster Keaton, que para mí eran unos grandes maestros del cine que ya de entrada entendieron su esencia e inclusive supieron pronosticar lo que se venía del capitalismo. Fue un placer absoluto trabajar con esos materiales y aparte me enteré de que estaban liberados los derechos y por eso me animé a incluirlos.

Y es que, en definitiva, ni la familia tiene tantas fotos de la época del principio del siglo XX, cuando Carlos era adolescente, así que cuando veía estas otras películas siempre tuve en cuenta que fueron rodadas durante aquellas primeras décadas. Y ahí se puede observar cómo era aquel momento, con esos autos, cuando Gesell viajó a Estados Unidos y a Europa, porque él tenía esas posibilidades de viajar.

A Carlos lo forzaban mucho a profesionalizarse en algo, pero él era un inventor y un tipo fuera de serie, y su padre también lo era, Silvio Gesell, un hombre muy conocido sobre quien ahora están recuperando sus memorias, sobre todo en Alemania, donde tienen hasta una Fundación, pues era un economista que estudiaba las teorías económicas.

– En la película se ve un cine que parece ser que es el Oasis de Pinamar, donde vi gran cantidad de películas gracias a Carlos Morelli y toda su magnífica organización de un Festival que llenaba casi todas las funciones en esas salas. Pero, ¿es que en Gesell no quedan cines actualmente?

Ese fue el problema. Cuando quise filmar, justo había cerrado el Atlántic. De hecho me quedó desactualizado el texto porque en él decía “lo que hoy es el Cine Atlántic” y al mes de que lo grabé y filmé, cerró el cine. Entonces tuvimos que ir al cine de Pinamar, donde nos cedieron el espacio, porque quería imaginar qué pasaría si Carlos Gesell recorriera el Gesell actual: si quería ver películas se tendría que ir a unas salas que están en Pinamar.

También hay todo un fragmento nocturno donde filmo todo lo relacionado con el desarrollo urbanístico de corte capitalista que hubo, con las cosas y las ventas chinas, los copos para los niños, el McDonald’s,… y llegó toda esa riña que cuenta la película, donde el pueblo le pedía a él que deje el asfalto y que empiece a desarrollar más, él tenía resistencia y ya estaba grande y le ganó el desarrollismo, así que empezó a ceder en un montón de cosas y ahí es donde cambia mucho Villa Gesell y por eso todos dicen que ya no es lo mismo que era antes.

En todo caso, te puedo decir que viviendo allá en esa zona, en Gesell está el espíritu de él porque es una ciudad muy cultural, a diferencia de las demás que están más atrás en esos términos, en el sentido de que hay un montón de ferias anuales y la gente del municipio invierte mucho en cultura, en armar fiestas populares, encuentros de debate,… y esos valores siguen estando presentes, pues para la gente de la cultura es un lugar de referencia.

– Y en esta película hay también una historia emocional, la que parte de Rosemarie en la voz de Cecilia, y el relato sobre una familia que confió en ese lugar.

Sí, a mí me interesaba mucho la mirada de ella, que no es una mujer que por su generación se auto-percibía como feminista, -nunca hablamos de eso-, pero sí era una mujer bastante moderna para su edad. Hasta se posicionó a favor de la legalización del aborto en su momento en que eso generó un revuelo. Y en sí, es una familia progresista sobre la que ella me contaba un montón de anécdotas que no las incluyo en la película.

De hecho, ella tenía una parte del territorio que había heredado del padre, al igual que les ocurrió a los otros hermanos, y ella quería abrir su propiedad para que la gente pase al mar, pero el municipio no le dejaba. También era muy campechana y respondía afirmativamente cuando un grupo musical le decía que quería tocar en su zona. Además era una mujer muy abierta, con un estilo más bien hippie.

Eso es lo que me gustaba de ella y también cómo contás un padre de esas características; porque por un lado él era muy generoso con su comunidad, pero por el otro, un patriarca: a él le gustaba ser el león, el jefe. Carlos era un padre muy poderoso y sobre eso tengo muchos amigos que tienen padres muy fuertes, conocidos, y siempre es un tema el que resurge: cómo lidiás con esas figuras que te hacen sombra.

Rosemarie trabajó con su padre en parte y eso entonces tenía doble sentido: por un lado su trabajo y por el otro, su rol de hija al mismo tiempo. Eso es lo que me gustó de ella.Síguenos en Twitter color

 

©José Luis García/Cinestel.com

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Vera Chytilová (1929-2014) ocupa un lloc d’honor entre les figures més iconoclastes, transgressores i proteiques del setè art. Figura clau del Nou Cinema Txec dels anys seixanta, va ser l’única dona d’aquest corrent cinematogràfic que va estudiar a l’Acadèmia de Cinema de Praga (FAMU). Coneguda per Les margarides (1966), la seva obra més emblemàtica, Chytilová va desafiar tant les convencions expressives del cinema com les imposicions ideològiques mitjançant un estil únic que combinava humor àcid, poesia visual i un insolent esperit de rebel·lia. Creadora de personatges femenins ingovernables, amb un domini magistral del muntatge i una llibertat creativa intolerable per la censura i les mirades més reaccionàries, el cinema de Chytilová és alhora sàtira moral, revolta feminista i un exercici constant de reinvenció formal.
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George Cukor (1899-1983) es va establir a Hollywood a inicis del sonor i va aprofitar el seu bagatge teatral per desenvolupar una concepció del cinema basada en la importància dels diàlegs i la direcció actoral. En els més de cinquanta films que va dirigir, repartits en tota mena de gèneres, va saber imposar el seu sentit de l’espectacle. Amb l’equilibri perfecte que establia entre sofisticació, elegància i sentit de l’humor i la seva capacitat per transmetre la subtilesa de certes situacions, va excel·lir en el melodrama i l’alta comèdia. Va definir la carrera de grans actrius de Hollywood -amb Katharine Hepburn al capdavant- oferint-los personatges que defugien els estereotips imperants, plens de matisos, contradiccions i humanitat.
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VENECIA: “FATHER MOTHER SISTER BROTHER”

9 septiembre 2025 – “Todos los que hacemos películas aquí no estamos motivados por la competencia”, dijo el cineasta estadounidense Jim Jarmusch nada más recibir el León de Oro en la Mostra de Venecia por su más reciente película, “Father Mother Sister Brother”, que en el territorio español será distribuida en cines por Avalon, donde tiene previsto su estreno para el próximo día 24 de diciembre de este año.

Jarmusch dijo durante su visita al Festival italiano que su nueva creación “es una especie de película anti-acción, con un estilo sutil y tranquilo construido para permitir que se acumulen pequeños detalles, casi como flores cuidadosamente colocadas en tres delicados ornamentos. Las colaboraciones con los magistrales directores de fotografía Frederick Elmes y Yorick Le Saux, el brillante editor Affonso Gonçalves y otros colaboradores frecuentes, elevan lo que comenzó como palabras en una página a una forma de cine puro”.

“Father Mother Sister Brother”, aunque sea un largometraje, posee la particularidad de que está esmeradamente presentado en forma de tríptico. Las tres historias se refieren a las relaciones entre los hijos adultos con unos progenitores algo distantes, tanto con sus propios vástagos como entre sí mismos. Cada uno de los tres capítulos tiene lugar en el presente, y cada uno de ellos ocurre en un país diferente.

‘Father’ está ambientado en el noreste de los Estados Unidos, ‘Mother’ en Dublín, Irlanda, y ‘Sister Brother’ en París, Francia. La película es una serie de estudios de personajes: tranquila, observacional y sin prejuicios; una comedia, pero entretejida con hilos de melancolía. Y entre los intérpretes del film encontramos a Tom Waits, Adam Driver, Mayim Bialik, Charlotte Rampling y Cate Blanchett.

Este cineasta de gran estatura se mostró agradecido al Festival por “apreciar nuestra película tranquila”. De hecho, Jim Jarmusch siempre se ha declarado como un firme admirador del cine de Michelangelo Antonioni, Kenji Mizoguchi y Yasujiro Ozu. Obviamente su lista de películas estrenadas es muy larga y prolífica, pero por citar sólo algunas, podríamos destacar su experimento exitoso con “Coffee and Cigarettes”, donde desarrolló la idea de repetir el título en distintas entregas, y algunos otros filmes como por ejemplo “Extraños en el paraíso”,  “Mystery Train”, el western “Dead Man”, “Flores rotas” o “Paterson”.

LOCARNO CON CECILIA KANG (“HIJO MAYOR”)

18 agosto 2025 – La realizadora argentina Cecilia Kang recibió en Locarno el Premio a la Mejor Dirección Emergente por su nueva película, “Hijo Mayor”, un relato coral que cuenta varias historias que confluyen en un denominador común: Lila, una joven coreano-argentina, navega por las contradicciones de su identidad y trata de encontrar su lugar en el mundo. Su papá, Antonio, llega a Latinoamérica 18 años antes y decide apostarlo todo por la promesa del sueño de un joven inmigrante. El filme es una epopeya familiar que busca volver al pasado para reinventar el presente.

En el Festival de Locarno, donde participaba en la Sección Concurso Cineastas del Presente, Cecilia Kang declaraba: «Hijo mayor nace de los recuerdos, o de lo que uno decide recordar. Es el rastro romántico de un hombre que decidió elegir un camino diferente al que se esperaba de él, y cómo ese camino se convirtió inevitablemente en el comienzo del mío».

“Hijo Mayor” toma varias perspectivas. La primera se desarrolla en Buenos Aires, donde Lila, una adolescente hija de coreanos acompaña a su padre a un viaje de pesca con sus amigos coreanos.

La segunda tiene lugar en el frío invierno de Seúl (Corea del Sur): So Young, una niña coreana de ocho años mira hacia la ventana, ensimismada en sus pensamientos. La niña espera a su madre en la oficina donde trabaja.

La tercera ocurre en un verano de Asunción (Paraguay): Antonio intenta entrar a un nuevo negocio. Lo llaman Antonio, aunque su documento diga un nombre distinto, más difícil de pronunciar. Es un hombre coreano de 37 años, de rostro felino y delgado.

Y por último, pero no menos importante, la cuarta perspectiva es una entrevista a un hombre. Es el padre de la directora. Tiene frente a él álbumes con fotos viejas. Habla sobre su pasado y mira fijo a su hija a través de la cámara.

Cecilia Kang explicaba al respecto del film que “Hijo Mayor” es una película que “nace de mi necesidad de ver plasmados en imágenes y sonidos aquellos recuerdos que mi padre me cuenta desde que soy muy chica. Son imágenes que se repiten constantemente, en la pantalla de mi memoria, ese plano tan abstracto como personal. Es por ello que la propuesta estética del film parte de mi deseo de ensayar, de forma lúdica y personal, un ejercicio sobre la memoria. Cómo cristalizar el recuerdo propio y volverlo en imagen y sonido, en una obra para compartir”.

CONMEMORAN 25 AÑOS DE “NUEVE REINAS”

21 julio 2025 – A Contracorriente Films anuncia la reposición en salas de NUEVE REINAS el próximo viernes 29 de agosto. Una de las estafas más icónicas del cine vuelve a la gran pantalla precisamente en la misma fecha en que se estrenó hace 25 años.

Con una versión remasterizada en 4K, presentada en la sección Cannes Classics del Festival de Cannes, las salas de cine españolas se suman a la celebración que conmemora el 25 aniversario de la ópera prima de Fabián Bielinsky.

Desde su estreno, la película protagonizada por Ricardo Darín (“Relatos salvajes”, “El secreto de sus ojos”, “Argentina, 1985”), Gastón Pauls (“Che: Guerrilla”, “Fuga”, serie de TV “Todos contra Juan”) y Leticia Brédice (“Almejas y mejillones”, “El fracaso”, serie de TV “Mujeres asesinas”) se convirtió rápidamente en un fenómeno cinematográfico internacional y un éxito global, posicionándose como la película argentina más taquillera del 2000.

Entre sus galardones destacan siete Premios Cóndor de Plata a Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Actor, para Ricardo Darín, Mejor Actriz, Mejor Guion, Mejor Fotografía y Mejor Montaje. También fue reconocida con el Premio del Público y el galardón a Mejor Guion en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, además de ganar el premio a Mejor Película Internacional Independiente en Lengua No Inglesa en los British Independent Film Awards.

En España tuvo su premier en Lleida y cautivó a medio millón de espectadores. Fue nominada a Mejor Película Extranjera de Habla Hispana en los Premios Goya, y Ricardo Darín, entonces en pleno ascenso internacional, recibió el Premio Sant Jordi a Mejor Actor Extranjero.

Años después, el legado de la película sigue más vivo que nunca. Las nuevas generaciones la han redescubierto y la han reconocido como una obra que permite transportarse a la Argentina del año 2000, sirviendo como una radiografía de su época.

Lo que aparentemente comienza como un simple golpe, pronto se convierte en una lección magistral sobre cómo desconcertar al espectador.

Sinopsis

Buenos Aires. Juan y Marcos son dos estafadores de poca monta, uno joven y el otro veterano en el arte del timo. Se conocen de forma fortuita una madrugada y casualmente se ven envueltos en un asunto que les puede hacer millonarios: tienen menos de un día para hacer una estafa que no puede fallar. Ambos están dispuestos a aprovechar la única gran oportunidad que la vida les presenta.

PEPÓN COROMINA: “THE HUMAN HIBERNATION”

5 juliol 2025 – En el marc de la Festa d’Estiu de l’Acadèmia del Cinema Català, es va fer públic el veredicte del 12è Premi Pepón Coromina, un guardó que distingeix anualment el risc, la innovació i la creativitat en la producció cinematogràfica catalana, en record del productor Pepón Coromina.

El jurat d’aquesta edició, format pels cineastes Juan Sebastián Vásquez, Andrés Duque, Júlia de Paz, Jordi Sanz i l’actriu i directora Mireia Vilapuig, va reconèixer “The Human Hibernation”, d’Anna Cornudella (foto), “una obra de rara bellesa, on la ciència-ficció especulativa es fon amb la melancolia dels paisatges rurals per oferir-nos una meditació poètica sobre l’espera, la transformació i el desig de desaparèixer”, recull el veredicte.

La proposta estètica i filosòfica interpel·la l’espectador des d’una temporalitat alternativa, i esdevé un acte de resistència silenciosa i transformadora, “amb una direcció sensible i una aposta formal valenta, que planteja un descentrament del jo per obrir la mirada cap a l’ecosistema sencer i els vincles que el conformen”, destaca el jurat.

Amb aquest guardó, “The Human Hibernation” ha estat reconeguda per primer cop a Catalunya, després de rebre el premi FIPRESCI de la crítica al Festival de Berlín i el Feroz Arrebato de No Ficció.

El jurat també va voler donar una Menció especial a la sala de cinema cooperativa Zumzeig, per la seva trajectòria valenta i la seva aposta decidida per una altra manera de fer, veure i compartir el cinema. “Zumzeig és l’espai on es poden veure obres com The Human Hibernation; un projecte autogestionat que manté viva la flama del pensament crític i el risc creatiu en els circuits de distribució”, assenyalen.

NEIX EL SOM CINEMA LAB/PRO

4 juliol 2025 – El Festival Som Cinema serà el marc de la primera edició del Som Cinema Lab/Pro, una iniciativa formativa i professionalitzadora destinada a guionistes i directors/es de les Terres de Ponent. Aquesta nova branca del festival neix amb la voluntat d’acompanyar el desenvolupament de curtmetratges en català en fase de guió, i de facilitar eines i espais per defensar-los davant de productores i professionals del sector.

L’objectiu principal del Lab/Pro és oferir espais de treball per millorar i reescriure els guions presentats; i fomentar una experiència col·lectiva d’aprenentatge, intercanvi i xarxa entre creadors/es que es trobin en moments similars del procés creatiu.

La convocatòria del Som Cinema Lab/Pro s’ha obert el 13 de juny i estarà activa fins a les 23.59 h del 5 de setembre. Els projectes seleccionats participaran activament en diverses sessions de treball durant els dies centrals del Festival Som Cinema, que enguany se celebrarà del 22 al 26 d’octubre a la ciutat de Lleida.

El jurat del Lab/Pro escollirà un projecte guanyador que serà premiat amb la participació directa a la Trobada de Talents del Festival Galacticat 2026, on podrà entrar en contacte amb productores destacades del sector audiovisual. El curtmetratge resultant també es projectarà a la següent edició del Som Cinema, sigui dins o fora de competició, i el finalista rebrà un passi complet per al Festival Animac 2026. Aquesta primera edició del Som Cinema Lab/Pro estarà coordinada per la cooperativa audiovisual Octubre Cinema.

Les inscripcions es poden fer a través del formulari en línia https://forms.gle/UVEmPmKPg3twRtYN8.

CANNES PREMIÓ A “SIRAT”, DE OLIVER LAXE

25 mayo 2025 – El director Oliver Laxe recibió en Cannes el Premio del Jurado por su más reciente película.
“Sirat” está protagonizada por el actor catalán Sergi López, quien junto al niño Bruno Núñez desarrolla una historia mística y de trance en pleno desierto.

Un hombre y su hijo llegan a una rave perdida en medio de las montañas del sur de Marruecos. Buscan a Mar, su hija y hermana, desaparecida hace meses en una de esas fiestas sin amanecer. Reparten su foto una y otra vez rodeados de música electrónica y un tipo de libertad que desconocen. Allí deciden seguir a un grupo de raveros en la búsqueda de una última fiesta que se celebrará en el desierto, donde esperan encontrar a la joven desaparecida.

El cineasta gallego había participado antes en Cannes, pero aún no lo había hecho en la Sección Oficial. Esta vez continúa dando muestra del estilo heredado de sus anteriores trabajos, transformando el film en una historia introspectiva, con pocos diálogos e inspirada en el Puente Sirāt, que en la tradición islámica separa el infierno del cielo donde el alma se enfrenta a su verdadera naturaleza.

Pero lo que más llamó la atención en el prestigioso festival francés de cine es que esta nueva propuesta de Laxe es algo más radical que las anteriores y que, asimismo, a diferencia de sus anteriores filmes, en este caso sí que se le puede encontrar a la historia algunos matices que señalan a ciertos comportamientos ocurridos a nivel político, sobre todo en lo que afecta a ese escenario desértico y su conexión tanto con las tradiciones como con los personajes que padre e hijo se van encontrando a lo largo de la película.

Oliver Laxe es un fanático del formato y la textura del fílmico, así que no ha desaprovechado la ocasión para rodar “Sirat” en 16 mm, una calidad de color que los más avezados cinéfilos apreciarán, aun cuando en la mayoría de salas de cine la película se proyecta en el sistema más común y aceptado actualmente, que es el digital.

DOCSBARCELONA 2025: EL PALMARÈS OFICIAL

19 maig 2025 – “La memoria de las mariposas”, una pel·lícula que fa un tribut a les víctimes indígenes del comerç del cautxú peruà, i que la cineasta Tatiana Fuentes (foto) connecta amb la seva pròpia família, corona el palmarès de la edició d’enguany del DocsBarcelona amb el Premi Docs a la Millor Pel·lícula. El Jurat Oficial, integrat per Montse Triola, Ana Pfaff, Fito Castillo i Joost Daamen, va reconèixer “la resignificació de les imatges, tant en el context contemporani com dins del propi metratge, per tal d’apel·lar a la reparació i la memoria històrica”. El Premi Docs a la Millor Pel·lícula Catalana va ser per “Grup natural”, mirada empàtica i constructiva a l’adolescència de Nina Solà. “El que en un principi sembla el retrat d’una institució molt concreta acaba esdevenint una pel·lícula universal, divertida i fresca, amb una mirada que en cap moment infatilitza els protagonistes”, recull el veredicte del Jurat Docs&Cat, integrat per Adrià Lahuerta, Elena Molina i Adrián Silvestre. Van optar al premi, patrocinat per La Xarxa Audiovisual Local (XAL), les produccions catalanes del festival. També el Premi Docs del Públic – Moritz va reconèixer un documental català, en aquest cas “Mares”, d’Ariadna Seuba, el camí cap a la maternitat de dues dones, ple d’il·lusions i frustracions.

El Jurat Oficial va atorgar tres premis més del palmarès. El Premi Docs Nou Talent – Filmin, reservat a les òperes primes, va valorar “la mirada vital a una relació madura i complexa en el crepuscle de l’existència d’ambdós personatges” de “Two strangers trying not to kill each other”, de Jacob Perlmutter i Manon Ouimet. El Premi Docs Antaviana va ser per a “la mirada insistent a les futures generacions d’un país en guerra i la seva normalització en el sistema educatiu” de “Timestamp”, de Kateryna Gornostai, homenatge a la lluita quotidiana d’estudiants i professors per mantenir les escoles obertes en plena guerra d’Ucraïna. “Always”, el bell debut de Deming Chen, va rebre un dels nous guardons del festival, el Premi Docs al Millor Muntatge – AMMAC, “per una mirada precisa i observacional en l’ordinari que permet emergir a un relat poètic extraordinari”.

BCN FILM FEST PREMIÓ A “THE QUIET SON”

5 mayo 2025 – “The Quiet Son”, una película de las realizadoras francesas Delphine y Muriel Coulin, con un reparto encabezado por el veterano actor Vincent Lindon (foto), recibió el Premio a la Mejor Película en el festival de cine BCN FILM FEST 2025, celebrado en la ciudad de Barcelona.

El relato nos acerca a Pierre, un trabajador ferroviario de cincuenta años, que cría solo a sus dos hijos. Los tres están muy unidos. Cuando Louis, el más joven, deja su casa para estudiar en la Sorbona de París, Fus, el mayor y con peores resultados en los estudios, se vuelve cada vez más reservado, lo cual le lleva a involucrarse cada vez más con grupos de extrema derecha.

La película documenta el increíble esfuerzo realizado por los tres miembros de esta familia para permanecer juntos. Una de las directoras, Muriel, explicaba que esta historia de ficción “es como una mesa de billar de tres jugadores. Tres hombres unidos por algo muy duro, la desaparición de su madre. Y que intentan continuar como una familia a pesar de todo. Nunca se resignan a perderse el uno al otro”.

Delphine profundiza en el tema añadiendo que “es una familia que intenta seguir adelante. Se dice que el sentido de la historia es el del progreso: cada generación vive mejor que la anterior. Pero hoy las cosas van al revés. El voto extremista está ligado a este sentimiento muy fuerte de injusticia”.

Para Delphine, “Pierre intenta ser un buen padre, por eso no deja de preguntarse qué se ha perdido con Fus. ¿Somos responsables de lo que hacen nuestros hijos? Es una pregunta universal, dado el auge de la extrema derecha que se está produciendo en todas partes en el mundo occidental. Cualquiera puede identificarse con la historia” -concluye la co-directora-.