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«Cuerpos de Agua» de Juan Felipe Chorén, un pueblo defendiendo a un pueblo

«Un pueblo defendiendo a un pueblo, es algo que no sabés cómo empieza, no sabés cómo se desarrolla y no sabés como termina», decía Alfredo E. Carretero, el Intendente de Bolívar (provincia de Buenos Aires) en 1985 tras una feroz catástrofe, una inundación sin precedentes que sufrió el municipio. Por fortuna los vecinos no se amilanaron y se pusieron manos a la obra para impedir que el agua estancada en sus calles y propiedades devorase su vida cotidiana.

«Cuerpos de agua» trata sobre las inundaciones de mediados de los ochenta en ese municipio bonaerense. Más de 4.500 millones de hectáreas fueron anegadas por el desborde de ríos y lagunas en la provincia. La inundación, que permaneció por casi dos décadas en la llanura, dejó los campos totalmente improductivos. En noviembre de 1985 la ciudad de Epecuén había sido destruida, mientras que Carhué y Guaminí estaban sitiadas. El alud bajaba de la sierra y con las compuertas del canal Ameghino cerradas, el agua avanzaba sobre Bolívar. El pueblo tomó una decisión drástica, dinamitar la ruta nacional 226. Mientras la vida estallaba en el agua, los pobladores se hundían en la ruina y la depresión. Una vez más los intereses del hombre entraban en conflicto con los de la naturaleza. El realizador cuenta a Cinestel la génesis de este estremecedor documental cuyo relato poco a poco avanza hacia un final violento pero catártico al mismo tiempo:

– ¿A qué fuentes acudió para rescatar las imágenes de archivo que empleó?

La fuente fue el Museo Histórico Municipal de San Carlos de Bolívar y material en VHS que había conservado mi padre y María Lahourcade. En los tres casos el material llegó muy deteriorado y más allá de que incorporamos ese deterioro como parte de la estética de la película, hubiéramos preferido tenerlo en mejores condiciones. Una de las razones de la pérdida tiene que ver con la compra masiva de los canales del interior por los grandes monopolios mediáticos. Cuando Cablevisión compró la mayoría de los canales comunitarios, utilizó el material de archivo para filmar sobre ellos otros eventos. Esto causó a mi modo de ver un daño incalculable de nuestra memoria audiovisual. Por otro lado había olvidado mencionar que hay un pequeño fragmento de la película «El Viaje» de Pino Solanas y que tiene partes filmadas en Villa Epecuén.

– Existen unos relatos paralelos durante la película que están ficcionados. ¿Se basó en testimonios reales para crearlos?

Los relatos están basados en testimonios reales. Fue una manera de narrar distintos casos que se dieron en general en la zona, optando por particularizar los hechos en historias de ficción para proteger las identidades de las personas y evitar reabrir heridas en casos muy sensibles y escabrosos a la hora de abordarlos. Las historias se fueron conformando por relatos de los pobladores, recuerdos de mi padre, y tomando detalles de historias y acontecimientos que les habían pasado a distintas personas para asimilarlos a cada personaje, es decir que cada personaje es la síntesis de lo que le ocurrió a diversas personas.
En el caso particular de los cazadores, la historia fue levantada por mí de una noticia publicada en la época en un periódico de la zona. Las historias provienen originalmente de una novela en proceso que fue anterior al inicio del proyecto audiovisual y tenían un desarrollo más complejo, pero al estar construyendo el relato audiovisual, el lenguaje poético de algunos pasajes de la obra literaria me pareció óptimo para hacer llegar al espectador el estado anímico que atravesaba a los pobladores en esos tiempos.

– ¿Por qué se decidió por poner algunos intertítulos?

Cuerpos_de_agua_documentalLos intertítulos en la película marcan conceptos que de algún modo me parecían relevantes o atractivos en la construcción del documental, así como quiebres y respiros en el relato. Tanto el título del documental «Cuerpos de Agua» como el intertítulo «Las obras de arte», son tomados del vocabulario técnico de la hidrología.
Me pasó realizando la investigación para este proyecto, que esos conceptos que aparecían mientras leía distintos informes y estudios sobre la problemática del agua en la provincia de Buenos Aires, tenían para mí, como lego en la materia, resonancias que trascendían el vocabulario científico. Cuerpos de agua, por ejemplo: qué somos si no cuerpos de agua, o en gran parte conformados por el agua, y sin embargo me encontraba en un conflicto de lo humano con ese elemento esencial para la vida. El agua podía matar. Algo que nosotros somos, o en parte nos constituye, tenía también la capacidad de destruirnos.
En el caso de las obras de arte, la expectativa que genera el concepto, uno espera ver cuadros en una galería, me llamó la atención que llamaran obras de arte a esos puentes de concreto, a esas pasadas de agua, a esos canales que de algún modo habían generado el desastre por la intervención de la mano del hombre.
El Chimango que sirve como presentación del personaje del acopiador de granos, es como se llama en mi país a la herramienta que vemos en el plano y que se usa para levantar los granos y pasarlos de un lado a otro, metáfora del robo. Y por otro lado, así se le llama a un ave carroñera que habita en nuestro territorio, atributo que comparte con Juan José Campo y que le hizo ganarse su apodo.
El quiebre generado por el intertítulo «Era todo agua», indica de algún modo el pasaje a la resolución del conflicto, la respuesta del pueblo a un gobierno que les decía que Bolívar se iba a inundar, que no había salida. La frase, además, nos la encontramos durante todo el tiempo, en las entrevistas, en boca de la gente. Parecía que era la frase que caracterizaba lo que había ocurrido, la perfecta síntesis para graficar el estado de las cosas.

– Los dos pilares fundamentales del documental parecen ser cómo se asume una catástrofe y la rebeldía popular posterior para solucionarla. ¿Lo pensó bajo esa perspectiva?

Es verdad, aunque el tema también es porqué se insiste en llamar desastres naturales a catástrofes que tienen mucho que ver con tres factores que parecen permanecer en la historia de nuestro país y que han generado y generan cuantiosas pérdidas materiales y lo que es peor, humanas. Estos tres factores son corrupción, negligencia e ignorancia. El canal Ameghino es un ejemplo, una de las causas principales de este desastre, y causante entre otras cosas de la pérdida de Villa Epecuén, ciudad que permaneció 27 años bajo el agua. Fue hecho por la Dirección de hidráulica en épocas de sequía, porque las lagunas encadenadas, que forman una cuenca sin salida al mar, se estaban secando. Esto traía perjuicios al negocio turístico y pesquero de la zona. Entonces se construyó dicho canal para recoger el agua de todos los arroyos que bajaban de la sierras y llevarlos a las lagunas. Funcionó bien hasta que vino el alud y destruyó una ciudad entera, anegando toda la zona y dejando a otras ciudades en riesgo.
Irónicamente Florentino Ameghino había escrito en el siglo XIX en su libro las «Sequías y las inundaciones», que estos dos fenómenos recurrentes en la provincia de Buenos Aires eran como dos caras de una misma moneda, y que quien quisiera solucionar uno de estos problemas sin atender al otro, haría desastres.

Volviendo a la perspectiva en que fue pensada la película, los dos pilares que mencionas coinciden con dos perspectivas: lo general y lo particular. Cómo lo asume cada hombre, en lo particular. Las consecuencias continúan activas por años y años. La pérdida de todo genera en los hombres enfermedades y traumas que sobreviven el paso del tiempo. En lo general deja dos aprendizajes y es que cuando el estado no da respuesta a problemáticas que él mismo ha generado y se niega a asumir, provoca la reacción del pueblo.
La segunda lección para mí tiene que ver con que esa reacción fue ordenada, responsable y acompañada por los representantes inmediatos de la gente. El intendente, por ejemplo, era del mismo signo político que el gobernador de la provincia. Si él hubiera pensado sólo en su carrera política, hubiera intentado calmar los ánimos impidiendo que se dinamitara la ruta y habría desnaturalizado su mandato: proteger a quienes lo eligieron. No sólo no lo impidió sino que desde la comisión de aguas trabajó para llevar a cabo los cortes. En esta misma línea se da la cooperación y la unión de todos, ya que gran parte de la tarea operativa de los cortes estuvo a cargo de concejales del partido opositor. Esto es un ejemplo de trabajo democrático que pocas veces vemos por estas tierras.

– Una pregunta que puede rondar la cabeza del espectador mientras ve la película sería cuál es el papel de las aseguradoras en todos estos asuntos. ¿Cumplen una función para la sociedad o son meros instrumentos especulativos?

Yo creo que hoy día el productor agropecuario está más cubierto que en aquel entonces, sobre todo siendo una actividad económica que depende de un factor inmanejable como es el clima y en ese sentido las aseguradoras de riesgo juegan un papel importante para que alguien que pierde una cosecha no quede destruido económicamente. Por supuesto son un negocio y van a intentar hacer todo lo que esté a su alcance por no pagarle al damnificado. Antes, el granizo, las grandes lluvias o las sequías te podían llevar a la ruina, y hoy al menos estás cubierto.
En el terreno de la película, es una manera de tocar el tema del sacrificio, un tema que es central en la historia de nuestra sociedad de fuerte raigambre cristiana. Agüero, uno de los personajes, decide acabar con su vida para que la familia cobre el seguro de vida y no quede en la calle. ¿Es éste un acto encomiable? No lo sé, habría que estar en su piel, en su circunstancia. Desde mi perspectiva pienso que tenía otros caminos. Sincerar la situación con su mujer y capear codo a codo el temporal con ella y sus hijos hubiera sido una salida más digna y hubiera demostrado más coraje. Pero Agüero se arrepiente al verse a un paso de la muerte. Lo perturban recuerdos del futuro, el jugar con su hijos, su mujer,… Estamos educados para pensar que el sacrificio es el acto más noble que existe; eso en la teoría está muy bien, hasta que te llega el momento.

– Y otra duda más para quienes no vivimos en la zona sería si se conocía alguna otra alternativa por parte de las autoridades que no fuera la de cortar la ruta.

Cuerpos de Agua_Juan Felipe ChorénNo había otra alternativa. La decisión se tomó basándose en cuestiones meramente técnicas, no fue una decisión irresponsable. De hecho, en el informe de la comisión municipal de agua dice que para esa fecha se esperaba un pico en la crecida y que si no se cortaba ese día, el corte podía no ser eficiente y se podían generar consecuencias graves aguas abajo, cosa que no sucedió finalmente.
El lugar elegido fue el lugar de mayor velocidad y mayor incidencia del agua. La situación era acuciante y las razones como ya dije antes no eran del todo naturales. El agua que venía del canal Ameghino de la zona de Epecuén pasaba por las pasadas de agua del ferrocarril y chocaban contra la ruta a la altura del Arroyo Vallimanca, que estaba a su vez a una cota de 10 metros por sobre la altura de la ciudad. La ruta no tenía suficientes pasadas de agua. Las pasadas de agua sí estaban en los planos, entre 6 y 4 por kilómetro, pero en la realidad había sólo una por kilómetro. Como dice uno de los entrevistados: «no estaban, se las… no las pusieron». Esos puntos suspensivos, son un eufemismo para decir que no construyeron las cosas como debían, pero se quedaron con el dinero para hacerlo, como se dice vulgarmente en mi país, se morfaron (comieron) la plata, o más sencillamente, robaron. Uno de los tres factores que te mencionaba antes: la corrupción.
El puente que habían puesto era un puente chico de 60 metros y alto, pensado para zonas de montaña, no cumplía ninguna función en una llanura. Esto es ignorancia. Y la gente que mandaron para resolver el problema, Ingenieros de la Dirección de hidráulica, decían que Bolívar no tenía salvación, que se iba a inundar, y demostraban no saber nada del problema y mucho menos de una posible solución. Esto es negligencia.
Entonces la situación era la siguiente: la ruta hacía de dique y el agua encajonada entre el terraplén de la ruta y las vías del ferrocarril hacían un perfecto embudo cuyo pico terminaba en la ciudad de Bolívar. La única solución viable era dinamitar la ruta. Lo que genera el conflicto posterior con la gente, es en realidad la reacción del gobierno, que en lugar de poner un puente bailey, como hicieron posteriormente para reestablecer el tránsito, mandaron al ejercito con camiones de toscas a tapar los cortes, conflicto que como viste en la película terminó con un muerto.
Para terminar, otro hecho que marca a las claras que la gente de Bolívar tenía razón, es que luego de pasada la crisis, se hicieron puentes en los lugares exactos donde se dinamitó la ruta, se amplió el puente del Vallimanca y en las crecidas posteriores al 85 el agua ya no amenazó con llegar al casco urbano.

– De su experiencia personal respecto a lo que ocurrió más recientemente en La Plata tengo que preguntarle: ¿Hemos aprendido algo de todo esto? ¿Tenemos memoria?

Me gustaría responder esta pregunta con frases esclarecedoras de algunos de los entrevistados: «El problema más grande es que pasa esto y la gente se olvida… entonces acá ya no se trata de si esto va a volver a ocurrir; esto va a volver a ocurrir. Vos fijate que en enero de 2012, que nosotros decíamos que se tuviera cuidado con los cultivos porque se esperaba un invierno y una primavera muy lluviosa, había intendentes que estaban pidiendo agua para las lagunas que tienen relación con esas intendencias, para fomentar la pesca y el turismo. Es todo un desorden, es todo un desorden.» Y sigue diciendo Alfredo Carretero, intendente de Bolívar en el 85: «Lo que pasa, es que la obras hídricas llevan tiempo y esos tiempos son mayores que los tiempos políticos de los que gobiernan, entonces a nadie le interesa hacer una obra que después no la va inaugurar y que no le dé un rédito político. No hay una política hidráulica en el país y durante todo este tiempo y a pesar de todas las inundaciones y de los perjuicios que han ocasionado, nadie se ha preocupado por tener una política». Y amplía Hugo Moran: «Porque esto trasciende a cualquier gobierno, o sea, debería ser una metodología que trascienda las banderías políticas y los partidos.» y continua Víctor Cabreros: «Pero bueno, no dejemos de centrar el objetivo en lo que pasó que fue un acontecimiento muy duro, muy cruento, muy cruel, y que creo que también tiene responsabilidades. Me parece que también hay responsables de que estas cosas sucedan, en este maravilloso país y en esta maravillosa provincia. Obras que no se hacen, obras mal hechas, algunas mal hechas porque el interés particular de las personas priva sobre el interés general. Algún día vamos a tener que dejar de acercar ayuda al inundado y evitar que se inunde.»

Todas estas reflexiones hablan de Bolívar, del año 85, y fueron hechas antes de que ocurriera lo de La Plata. Todas estas declaraciones son absolutamente aplicables a lo que pasó en La Plata. En La Plata un informe pedido hace varios años por el mismo municipio a la facultad de ingeniería preveía que esto iba a pasar y aconsejaba cuáles eran las obras que podían aliviar el problema. El estudio juntó polvo en un escritorio hasta que el agua se llevó el polvo y las palabras. No sé si hemos aprendido algo, pero creo que al menos tenemos un diagnóstico.

©José Luis García/Cinestel.comCuerpos de Agua Juan Felipe Chorén

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Vera Chytilová

Vera Chytilová (1929-2014) ocupa un lloc d’honor entre les figures més iconoclastes, transgressores i proteiques del setè art. Figura clau del Nou Cinema Txec dels anys seixanta, va ser l’única dona d’aquest corrent cinematogràfic que va estudiar a l’Acadèmia de Cinema de Praga (FAMU). Coneguda per Les margarides (1966), la seva obra més emblemàtica, Chytilová va desafiar tant les convencions expressives del cinema com les imposicions ideològiques mitjançant un estil únic que combinava humor àcid, poesia visual i un insolent esperit de rebel·lia. Creadora de personatges femenins ingovernables, amb un domini magistral del muntatge i una llibertat creativa intolerable per la censura i les mirades més reaccionàries, el cinema de Chytilová és alhora sàtira moral, revolta feminista i un exercici constant de reinvenció formal.
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François Truffaut

François Truffaut (1932-1984) va convertir el seu amor pel cinema en una manera de mirar i entendre la vida. En els seus inicis com a crític a Cahiers du Cinéma, va ser un dels artífexs de la «teoria de l’autor», la qual considera el director el responsable total del film. El 1959 irromp amb força amb Les 400 coups, un film inspirat en la seva dolorosa infància i amb el qual esdevé un dels principals impulsors de la Nouvelle Vague, el corrent que enceta el cinema de la modernitat i del qual esdevé el cineasta més cèlebre gràcies a una obra farcida d’humanisme i romanticisme i encarada al gust del públic. Les dones, els llibres, la infància i la mort són els eixos bàsics d’una filmografia caracteritzada per una sinceritat absoluta i en què l’element autobiogràfic és sempre present, especialment a través del personatge d’Antoine Doinel, el seu alter ego a la pantalla. (més informació)

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Amb la complicitat del Grec Festival d’Estiu de Barcelona, proposem un viatge fascinant pel món del circ, que ha temptat a cineastes de totes les èpoques, estils i procedències. Univers d’equilibris impossibles, màgia, humor i risc, el circ ha convocat imatges poderoses i emocions intenses. Proposem un recorregut deliberadament heterogeni que ens convida a descobrir-lo com un espai comunitari de dissidència, creació, gaudi i memòria col·lectiva. El cicle s’estén també a les sessions familias de FilmoXica a l’estiu, i s’inaugura dimecres 2 de juliol amb una sessió molt especial que combinarà peces de Segundo de Chomón amb l’actuació en viu del grup d’acròbates Eunoia Kolectiva, amb acompanyament musical del pianista Francesc Mora.
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George Cukor

George Cukor (1899-1983) es va establir a Hollywood a inicis del sonor i va aprofitar el seu bagatge teatral per desenvolupar una concepció del cinema basada en la importància dels diàlegs i la direcció actoral. En els més de cinquanta films que va dirigir, repartits en tota mena de gèneres, va saber imposar el seu sentit de l’espectacle. Amb l’equilibri perfecte que establia entre sofisticació, elegància i sentit de l’humor i la seva capacitat per transmetre la subtilesa de certes situacions, va excel·lir en el melodrama i l’alta comèdia. Va definir la carrera de grans actrius de Hollywood -amb Katharine Hepburn al capdavant- oferint-los personatges que defugien els estereotips imperants, plens de matisos, contradiccions i humanitat.
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L’oportunitat de repescar un bon grapat d’estrenes de 2024 triades per l’equip de la Filmoteca. Grans èxits de l’any, pel·lícules amb una trajectòria fugaç a sales, obres que mereixen ser vistes de nou. En la millor tradició de les reestrenes dels cinemes d’estiu: en pantalla gran i sense interrupcions, compartint l’experiència en comunitat!
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‘La producción audiovisual y su respaldo jurídico’ es el libro más reciente de Julio Raffo, un texto de lectura y de consulta imprescindible para los distintos profesionales de la industria del cine que deseen estar al tanto sobre cómo se regula en la Argentina la actividad productiva que conlleva la realización de películas, atendiendo no solamente a disposiciones legales y su marco regulatorio, sino que también a ejemplos prácticos y anécdotas. (saber más)

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Nuestro invento no es para venderlo. Puede ser explotado algún tiempo como curiosidad científica, pero no tiene ningún interés comercial. *Antoine Lumière

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VENECIA: “FATHER MOTHER SISTER BROTHER”

9 septiembre 2025 – “Todos los que hacemos películas aquí no estamos motivados por la competencia”, dijo el cineasta estadounidense Jim Jarmusch nada más recibir el León de Oro en la Mostra de Venecia por su más reciente película, “Father Mother Sister Brother”, que en el territorio español será distribuida en cines por Avalon, donde tiene previsto su estreno para el próximo día 24 de diciembre de este año.

Jarmusch dijo durante su visita al Festival italiano que su nueva creación “es una especie de película anti-acción, con un estilo sutil y tranquilo construido para permitir que se acumulen pequeños detalles, casi como flores cuidadosamente colocadas en tres delicados ornamentos. Las colaboraciones con los magistrales directores de fotografía Frederick Elmes y Yorick Le Saux, el brillante editor Affonso Gonçalves y otros colaboradores frecuentes, elevan lo que comenzó como palabras en una página a una forma de cine puro”.

“Father Mother Sister Brother”, aunque sea un largometraje, posee la particularidad de que está esmeradamente presentado en forma de tríptico. Las tres historias se refieren a las relaciones entre los hijos adultos con unos progenitores algo distantes, tanto con sus propios vástagos como entre sí mismos. Cada uno de los tres capítulos tiene lugar en el presente, y cada uno de ellos ocurre en un país diferente.

‘Father’ está ambientado en el noreste de los Estados Unidos, ‘Mother’ en Dublín, Irlanda, y ‘Sister Brother’ en París, Francia. La película es una serie de estudios de personajes: tranquila, observacional y sin prejuicios; una comedia, pero entretejida con hilos de melancolía. Y entre los intérpretes del film encontramos a Tom Waits, Adam Driver, Mayim Bialik, Charlotte Rampling y Cate Blanchett.

Este cineasta de gran estatura se mostró agradecido al Festival por “apreciar nuestra película tranquila”. De hecho, Jim Jarmusch siempre se ha declarado como un firme admirador del cine de Michelangelo Antonioni, Kenji Mizoguchi y Yasujiro Ozu. Obviamente su lista de películas estrenadas es muy larga y prolífica, pero por citar sólo algunas, podríamos destacar su experimento exitoso con “Coffee and Cigarettes”, donde desarrolló la idea de repetir el título en distintas entregas, y algunos otros filmes como por ejemplo “Extraños en el paraíso”,  “Mystery Train”, el western “Dead Man”, “Flores rotas” o “Paterson”.

LOCARNO CON CECILIA KANG (“HIJO MAYOR”)

18 agosto 2025 – La realizadora argentina Cecilia Kang recibió en Locarno el Premio a la Mejor Dirección Emergente por su nueva película, “Hijo Mayor”, un relato coral que cuenta varias historias que confluyen en un denominador común: Lila, una joven coreano-argentina, navega por las contradicciones de su identidad y trata de encontrar su lugar en el mundo. Su papá, Antonio, llega a Latinoamérica 18 años antes y decide apostarlo todo por la promesa del sueño de un joven inmigrante. El filme es una epopeya familiar que busca volver al pasado para reinventar el presente.

En el Festival de Locarno, donde participaba en la Sección Concurso Cineastas del Presente, Cecilia Kang declaraba: «Hijo mayor nace de los recuerdos, o de lo que uno decide recordar. Es el rastro romántico de un hombre que decidió elegir un camino diferente al que se esperaba de él, y cómo ese camino se convirtió inevitablemente en el comienzo del mío».

“Hijo Mayor” toma varias perspectivas. La primera se desarrolla en Buenos Aires, donde Lila, una adolescente hija de coreanos acompaña a su padre a un viaje de pesca con sus amigos coreanos.

La segunda tiene lugar en el frío invierno de Seúl (Corea del Sur): So Young, una niña coreana de ocho años mira hacia la ventana, ensimismada en sus pensamientos. La niña espera a su madre en la oficina donde trabaja.

La tercera ocurre en un verano de Asunción (Paraguay): Antonio intenta entrar a un nuevo negocio. Lo llaman Antonio, aunque su documento diga un nombre distinto, más difícil de pronunciar. Es un hombre coreano de 37 años, de rostro felino y delgado.

Y por último, pero no menos importante, la cuarta perspectiva es una entrevista a un hombre. Es el padre de la directora. Tiene frente a él álbumes con fotos viejas. Habla sobre su pasado y mira fijo a su hija a través de la cámara.

Cecilia Kang explicaba al respecto del film que “Hijo Mayor” es una película que “nace de mi necesidad de ver plasmados en imágenes y sonidos aquellos recuerdos que mi padre me cuenta desde que soy muy chica. Son imágenes que se repiten constantemente, en la pantalla de mi memoria, ese plano tan abstracto como personal. Es por ello que la propuesta estética del film parte de mi deseo de ensayar, de forma lúdica y personal, un ejercicio sobre la memoria. Cómo cristalizar el recuerdo propio y volverlo en imagen y sonido, en una obra para compartir”.

CONMEMORAN 25 AÑOS DE “NUEVE REINAS”

21 julio 2025 – A Contracorriente Films anuncia la reposición en salas de NUEVE REINAS el próximo viernes 29 de agosto. Una de las estafas más icónicas del cine vuelve a la gran pantalla precisamente en la misma fecha en que se estrenó hace 25 años.

Con una versión remasterizada en 4K, presentada en la sección Cannes Classics del Festival de Cannes, las salas de cine españolas se suman a la celebración que conmemora el 25 aniversario de la ópera prima de Fabián Bielinsky.

Desde su estreno, la película protagonizada por Ricardo Darín (“Relatos salvajes”, “El secreto de sus ojos”, “Argentina, 1985”), Gastón Pauls (“Che: Guerrilla”, “Fuga”, serie de TV “Todos contra Juan”) y Leticia Brédice (“Almejas y mejillones”, “El fracaso”, serie de TV “Mujeres asesinas”) se convirtió rápidamente en un fenómeno cinematográfico internacional y un éxito global, posicionándose como la película argentina más taquillera del 2000.

Entre sus galardones destacan siete Premios Cóndor de Plata a Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Actor, para Ricardo Darín, Mejor Actriz, Mejor Guion, Mejor Fotografía y Mejor Montaje. También fue reconocida con el Premio del Público y el galardón a Mejor Guion en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, además de ganar el premio a Mejor Película Internacional Independiente en Lengua No Inglesa en los British Independent Film Awards.

En España tuvo su premier en Lleida y cautivó a medio millón de espectadores. Fue nominada a Mejor Película Extranjera de Habla Hispana en los Premios Goya, y Ricardo Darín, entonces en pleno ascenso internacional, recibió el Premio Sant Jordi a Mejor Actor Extranjero.

Años después, el legado de la película sigue más vivo que nunca. Las nuevas generaciones la han redescubierto y la han reconocido como una obra que permite transportarse a la Argentina del año 2000, sirviendo como una radiografía de su época.

Lo que aparentemente comienza como un simple golpe, pronto se convierte en una lección magistral sobre cómo desconcertar al espectador.

Sinopsis

Buenos Aires. Juan y Marcos son dos estafadores de poca monta, uno joven y el otro veterano en el arte del timo. Se conocen de forma fortuita una madrugada y casualmente se ven envueltos en un asunto que les puede hacer millonarios: tienen menos de un día para hacer una estafa que no puede fallar. Ambos están dispuestos a aprovechar la única gran oportunidad que la vida les presenta.

PEPÓN COROMINA: “THE HUMAN HIBERNATION”

5 juliol 2025 – En el marc de la Festa d’Estiu de l’Acadèmia del Cinema Català, es va fer públic el veredicte del 12è Premi Pepón Coromina, un guardó que distingeix anualment el risc, la innovació i la creativitat en la producció cinematogràfica catalana, en record del productor Pepón Coromina.

El jurat d’aquesta edició, format pels cineastes Juan Sebastián Vásquez, Andrés Duque, Júlia de Paz, Jordi Sanz i l’actriu i directora Mireia Vilapuig, va reconèixer “The Human Hibernation”, d’Anna Cornudella (foto), “una obra de rara bellesa, on la ciència-ficció especulativa es fon amb la melancolia dels paisatges rurals per oferir-nos una meditació poètica sobre l’espera, la transformació i el desig de desaparèixer”, recull el veredicte.

La proposta estètica i filosòfica interpel·la l’espectador des d’una temporalitat alternativa, i esdevé un acte de resistència silenciosa i transformadora, “amb una direcció sensible i una aposta formal valenta, que planteja un descentrament del jo per obrir la mirada cap a l’ecosistema sencer i els vincles que el conformen”, destaca el jurat.

Amb aquest guardó, “The Human Hibernation” ha estat reconeguda per primer cop a Catalunya, després de rebre el premi FIPRESCI de la crítica al Festival de Berlín i el Feroz Arrebato de No Ficció.

El jurat també va voler donar una Menció especial a la sala de cinema cooperativa Zumzeig, per la seva trajectòria valenta i la seva aposta decidida per una altra manera de fer, veure i compartir el cinema. “Zumzeig és l’espai on es poden veure obres com The Human Hibernation; un projecte autogestionat que manté viva la flama del pensament crític i el risc creatiu en els circuits de distribució”, assenyalen.

NEIX EL SOM CINEMA LAB/PRO

4 juliol 2025 – El Festival Som Cinema serà el marc de la primera edició del Som Cinema Lab/Pro, una iniciativa formativa i professionalitzadora destinada a guionistes i directors/es de les Terres de Ponent. Aquesta nova branca del festival neix amb la voluntat d’acompanyar el desenvolupament de curtmetratges en català en fase de guió, i de facilitar eines i espais per defensar-los davant de productores i professionals del sector.

L’objectiu principal del Lab/Pro és oferir espais de treball per millorar i reescriure els guions presentats; i fomentar una experiència col·lectiva d’aprenentatge, intercanvi i xarxa entre creadors/es que es trobin en moments similars del procés creatiu.

La convocatòria del Som Cinema Lab/Pro s’ha obert el 13 de juny i estarà activa fins a les 23.59 h del 5 de setembre. Els projectes seleccionats participaran activament en diverses sessions de treball durant els dies centrals del Festival Som Cinema, que enguany se celebrarà del 22 al 26 d’octubre a la ciutat de Lleida.

El jurat del Lab/Pro escollirà un projecte guanyador que serà premiat amb la participació directa a la Trobada de Talents del Festival Galacticat 2026, on podrà entrar en contacte amb productores destacades del sector audiovisual. El curtmetratge resultant també es projectarà a la següent edició del Som Cinema, sigui dins o fora de competició, i el finalista rebrà un passi complet per al Festival Animac 2026. Aquesta primera edició del Som Cinema Lab/Pro estarà coordinada per la cooperativa audiovisual Octubre Cinema.

Les inscripcions es poden fer a través del formulari en línia https://forms.gle/UVEmPmKPg3twRtYN8.

CANNES PREMIÓ A “SIRAT”, DE OLIVER LAXE

25 mayo 2025 – El director Oliver Laxe recibió en Cannes el Premio del Jurado por su más reciente película.
“Sirat” está protagonizada por el actor catalán Sergi López, quien junto al niño Bruno Núñez desarrolla una historia mística y de trance en pleno desierto.

Un hombre y su hijo llegan a una rave perdida en medio de las montañas del sur de Marruecos. Buscan a Mar, su hija y hermana, desaparecida hace meses en una de esas fiestas sin amanecer. Reparten su foto una y otra vez rodeados de música electrónica y un tipo de libertad que desconocen. Allí deciden seguir a un grupo de raveros en la búsqueda de una última fiesta que se celebrará en el desierto, donde esperan encontrar a la joven desaparecida.

El cineasta gallego había participado antes en Cannes, pero aún no lo había hecho en la Sección Oficial. Esta vez continúa dando muestra del estilo heredado de sus anteriores trabajos, transformando el film en una historia introspectiva, con pocos diálogos e inspirada en el Puente Sirāt, que en la tradición islámica separa el infierno del cielo donde el alma se enfrenta a su verdadera naturaleza.

Pero lo que más llamó la atención en el prestigioso festival francés de cine es que esta nueva propuesta de Laxe es algo más radical que las anteriores y que, asimismo, a diferencia de sus anteriores filmes, en este caso sí que se le puede encontrar a la historia algunos matices que señalan a ciertos comportamientos ocurridos a nivel político, sobre todo en lo que afecta a ese escenario desértico y su conexión tanto con las tradiciones como con los personajes que padre e hijo se van encontrando a lo largo de la película.

Oliver Laxe es un fanático del formato y la textura del fílmico, así que no ha desaprovechado la ocasión para rodar “Sirat” en 16 mm, una calidad de color que los más avezados cinéfilos apreciarán, aun cuando en la mayoría de salas de cine la película se proyecta en el sistema más común y aceptado actualmente, que es el digital.

DOCSBARCELONA 2025: EL PALMARÈS OFICIAL

19 maig 2025 – “La memoria de las mariposas”, una pel·lícula que fa un tribut a les víctimes indígenes del comerç del cautxú peruà, i que la cineasta Tatiana Fuentes (foto) connecta amb la seva pròpia família, corona el palmarès de la edició d’enguany del DocsBarcelona amb el Premi Docs a la Millor Pel·lícula. El Jurat Oficial, integrat per Montse Triola, Ana Pfaff, Fito Castillo i Joost Daamen, va reconèixer “la resignificació de les imatges, tant en el context contemporani com dins del propi metratge, per tal d’apel·lar a la reparació i la memoria històrica”. El Premi Docs a la Millor Pel·lícula Catalana va ser per “Grup natural”, mirada empàtica i constructiva a l’adolescència de Nina Solà. “El que en un principi sembla el retrat d’una institució molt concreta acaba esdevenint una pel·lícula universal, divertida i fresca, amb una mirada que en cap moment infatilitza els protagonistes”, recull el veredicte del Jurat Docs&Cat, integrat per Adrià Lahuerta, Elena Molina i Adrián Silvestre. Van optar al premi, patrocinat per La Xarxa Audiovisual Local (XAL), les produccions catalanes del festival. També el Premi Docs del Públic – Moritz va reconèixer un documental català, en aquest cas “Mares”, d’Ariadna Seuba, el camí cap a la maternitat de dues dones, ple d’il·lusions i frustracions.

El Jurat Oficial va atorgar tres premis més del palmarès. El Premi Docs Nou Talent – Filmin, reservat a les òperes primes, va valorar “la mirada vital a una relació madura i complexa en el crepuscle de l’existència d’ambdós personatges” de “Two strangers trying not to kill each other”, de Jacob Perlmutter i Manon Ouimet. El Premi Docs Antaviana va ser per a “la mirada insistent a les futures generacions d’un país en guerra i la seva normalització en el sistema educatiu” de “Timestamp”, de Kateryna Gornostai, homenatge a la lluita quotidiana d’estudiants i professors per mantenir les escoles obertes en plena guerra d’Ucraïna. “Always”, el bell debut de Deming Chen, va rebre un dels nous guardons del festival, el Premi Docs al Millor Muntatge – AMMAC, “per una mirada precisa i observacional en l’ordinari que permet emergir a un relat poètic extraordinari”.

BCN FILM FEST PREMIÓ A “THE QUIET SON”

5 mayo 2025 – “The Quiet Son”, una película de las realizadoras francesas Delphine y Muriel Coulin, con un reparto encabezado por el veterano actor Vincent Lindon (foto), recibió el Premio a la Mejor Película en el festival de cine BCN FILM FEST 2025, celebrado en la ciudad de Barcelona.

El relato nos acerca a Pierre, un trabajador ferroviario de cincuenta años, que cría solo a sus dos hijos. Los tres están muy unidos. Cuando Louis, el más joven, deja su casa para estudiar en la Sorbona de París, Fus, el mayor y con peores resultados en los estudios, se vuelve cada vez más reservado, lo cual le lleva a involucrarse cada vez más con grupos de extrema derecha.

La película documenta el increíble esfuerzo realizado por los tres miembros de esta familia para permanecer juntos. Una de las directoras, Muriel, explicaba que esta historia de ficción “es como una mesa de billar de tres jugadores. Tres hombres unidos por algo muy duro, la desaparición de su madre. Y que intentan continuar como una familia a pesar de todo. Nunca se resignan a perderse el uno al otro”.

Delphine profundiza en el tema añadiendo que “es una familia que intenta seguir adelante. Se dice que el sentido de la historia es el del progreso: cada generación vive mejor que la anterior. Pero hoy las cosas van al revés. El voto extremista está ligado a este sentimiento muy fuerte de injusticia”.

Para Delphine, “Pierre intenta ser un buen padre, por eso no deja de preguntarse qué se ha perdido con Fus. ¿Somos responsables de lo que hacen nuestros hijos? Es una pregunta universal, dado el auge de la extrema derecha que se está produciendo en todas partes en el mundo occidental. Cualquiera puede identificarse con la historia” -concluye la co-directora-.