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Entrevista a Menene Gras, directora del Asian Film Festival de Barcelona

noviembre 7, 2019 ZONA INDUSTRIA
Asian Film Festival Barcelona Entrevista a Menene Gras Balaguer

Por la enorme geografía que abarca, el Asian Film Festival Barcelona es una de las muestras de cine más dificultosas de preparar que existen en Catalunya. Su directora es Menene Gras Balaguer, con quien hasta el año 2003 estuvimos compartiendo la experiencia del cine latinoamericano -ella fue la creadora del premio al mejor guion de la Mostra de Lleida-, una época en la que, por ejemplo, “Nueve Reinas” se presentaba en aquel certamen a nivel europeo.
Pero Menene es desde tiempos anteriores a ello una profunda conocedora de la idiosincrasia del continente más extenso y poblado del planeta, Asia.
Crítica de arte, fue profesora de Filosofía en la Universidad y sigue siendo una investigadora especializada en arte contemporáneo europeo y asiático. Con la creación de Casa Asia, también asumió su dirección de cultura y exposiciones. Y asimismo, el cine asiático está entre sus prioridades.

El Festival de Cine Asiático de Barcelona es una muestra poco común por el inmenso mosaico de nacionalidades que puede llegar a abarcar en una sola edición, con lo cual sus organizadores se tienen que tomar ciertas precauciones a la hora de confeccionar la grilla de programación.

A su directora le apasiona la geografía y el estudio del giro cultural que muchos de esos países han dado en los últimos 30 años. Y aunque ella intenta contenerse, la realidad es que cada año hay un ligero incremento de películas a exhibir que no se produce porque sí, sino porque las obras cinematográficas que llegan son en una gran parte de muy buena calidad y hacer descartes entre filmes tan interesantes es extremadamente complejo.

También esta muestra de cine es una oportunidad para que Asia esté más presente en nuestra ciudad, a la que se suma, entre otras cosas, una programación de cine que abarca el resto del año en los Cinemes Girona de Barcelona, además de los CaixaForums de Madrid y de la capital de Catalunya, pues aunque Casa Asia tiene su sede en Barcelona, también posee una delegación en la comunidad madrileña y es un organismo de diplomacia pública que recibe el apoyo directo del Ministerio de Asuntos Exteriores, Unión Europea y Cooperación, la Generalitat de Catalunya y los Ayuntamientos de Barcelona y de Madrid.

Menene Gras Balaguer responde las preguntas de Cinestel:

“Entre las películas que habitualmente presentamos se encuentran las premiadas por la Asian Awards Academy, que tiene sede en Hong Kong, y que son obras seleccionadas por un jurado asiático internacional compuesto por críticos y otros profesionales del cine que cada año reconocen filmes de ese cine hecho en sus respectivas geografías”.

“Entre esos títulos de este año están “Ayka” por un lado, y también “Still Human”, que es la película con la cual hemos inaugurado el Festival, que continuará más allá de sus fechas de celebración con una retrospectiva de las películas de Yasujiro Ozu en la Filmoteca de Catalunya”.

Asian Film Festival Barcelona Entrevista a Menene Gras Balaguer

“Still Human”, de Oliver Siu Kuen Chan

– ¿Y cómo hacéis para llegar a tantas películas y cinematografías geográficas?

Abarcamos 25 países y no todas las cinematografías son iguales ni todas sus industrias de cine son iguales. Sabemos que hay países que son conocidos por su producción y que tienen un público importante, como es el caso de Japón, por ejemplo, o el caso de Corea que es un país que en pocos años ha conquistado la escena y sobre el que se acaba de estrenar “Parasite” (Parásitos), de Joon-ho Bong, que es una historia excelente y que nosotros la pedimos inmediatamente, pero la distribuidora nos dijo que la estrenaban justo tres días antes del Festival y no pudimos tenerla. Pero es una película que va a fomentar el interés por el cine asiático.

China también ha hecho un avance magnífico. Produce mucho cine y tiene una industria importante. Una de las películas suyas que exhibimos es “Dying to survive”, un filme que ha sido el más taquillero, ha hecho muchísimo dinero en un país de casi 1500 millones de habitantes. Me fue muy difícil localizar al distribuidor y cuando lo hice, me pidieron 7500 euros por un pase, pero logré hacerles ver que estaban muy equivocados y que esto no funcionaba así, porque el Festival es para que la película se vea y se dé a conocer. Tuvimos muchas conversaciones, muchas llamadas telefónicas, y al final conseguí un precio razonable para poderla exhibir.

A mí me interesa investigar el fenómeno de que haya sido la película más taquillera. Es decir, ¿por qué ha sido la película con mayor número de espectadores? Eso es lo que tiene que descubrir el público del Festival que vea el film. Más allá de lo que esta historia significa. Pero ya es un argumento a tener en cuenta.

También tenemos mucho cine de Irán, que es uno de los países más avanzados en este tema y, de hecho, estamos trabajando con la Farabi Foundation y por primera vez con el Iranian Independence. Ambos trabajan mucho porque las escuelas de cine iraníes funcionan muy bien, ya que la docencia dedica mucho interés a la enseñanza de todo lo que es el guion, y por lo tanto son siempre arquitecturas muy sólidas.

Añado que el traductor que tenemos para las películas iraníes está especializado, porque son historias que contienen muchísimo diálogo y exigen mucha atención, debido a que lo que se dice son expresiones y modismos con una gran cantidad de matices, y ahí es donde tú puedes ver que en conversaciones coloquiales muy populares hay una construcción que te permite entender muchas cosas que a lo mejor la imagen en movimiento no te dejaría ver.

Afganistán es un país que tiene mucho cine también y nosotros lo vemos con gran interés. Este año proyectamos cinco películas y tienen su público. Entre ellas destacaría “A letter to the President” (2017), que por fin la tenemos aquí porque la distribuidora se negó el año pasado a que la exhibiéramos; y otras dos películas que son excelentes, una es “A thousand girl like me” (Mil mujeres como yo), basada en un hecho real sobre la violación y el abuso de un padre hacia su hija; y después “Rockabul”, casi un documental sobre una banda de rock en Kabul y todo lo que pasó allí con ellos.

– El cine de Bollywood, con sus finales felices, no encaja mucho con los Festivales. Pero, ¿hay películas en la India más allá de Bollywood?

Sí las hay. Hay un cine que es el que cuelga de los clásicos, el de Satyajit Ray por ejemplo, que es uno de los directores que yo conocí cuando hacía críticas en el London Film Festival cuando estaba estudiando allí. Aquellos eran los clásicos realistas, que de alguna manera se pueden relacionar con todo lo que fue el realismo italiano.

A mí solo me interesa el cine auténtico, el cine que habla de la vida normal y corriente, que explica lo que está pasando, lo que está sucediendo; pero Bollywood no me ha interesado nunca para el Festival. Como fenómeno ha tenido mucho éxito en la India porque es un punto de fuga, es como un escape que permite que la gente sueñe en que el mundo puede cambiar, les da esperanzas, los saca momentáneamente de la miseria para que puedan soñar que a ellos también les puede pasar lo que le pasa al que está en la película. Y su mensaje siempre es ése: que tu destino puede cambiar, que puedes llegar a ser muy rico o tener una mujer guapísima o un novio más que guapo.

Realmente ese cine crea una ilusión colectiva en una sala de cine, lo cual es importante, y también es una necesidad para determinado público. Pero nosotros tenemos otro amplio cine de la India, y éste es un cine realista, más marginal y que no tiene nada que ver con Bollywood.

– ¿Y crees que el Festival de Busan en un revulsivo para buscar nuevos talentos?

Busan es un gran Festival, es de los más antiguos de Asia, e intenta por lo menos reunir todo tipo de producciones del sudeste asiático que a su vez es una zona muy amplia. Ahí no está incluida Asia Central, Pakistán, Bangladesh o la India, pero básicamente es un Festival de una geografía muy específica y muy próxima, con lo cual a mí me parece que ése es un certamen fundamental a tener en cuenta siempre.

Lo que nos ocurre a nosotros es que su celebración coincide demasiado con las fechas del nuestro, pero intentamos siempre conocer la programación. También hemos tenido aquí, en ediciones anteriores, a un programador y una programadora del Festival de Busan. Y este año tenemos asimismo a un crítico coreano que viene desde esa misma ciudad para ver nuestro Festival.

Intentamos que Corea tenga una presencia importante, como la tiene Japón, Irán, China,… que poseen muchas películas. Pero me gusta también tener en cuenta a países como Singapur, Malasia, Tailandia, o Indonesia, una nación que ahora está haciendo una escalada bastante importante de cara a las próximas ediciones, con todas las dificultades que suele tener el país, que ahora es un territorio totalmente ingobernable con casi 20.000 islas, en el que por tanto, es muy difícil llegar a todo.

En indonesia vive y escribe el García Márquez de Asia, que es Eka Kurniawan, quien tiene a su agente aquí en Barcelona, que es Pontas. Y si algo pasa en Indonesia, también a través del cine vemos qué es lo que está ocurriendo.

– ¿Cómo es que vuestro Festival también incluye producciones procedentes de Australia y Nueva Zelanda?

Porque abarcamos la geografía que empieza en las ex-Repúblicas soviéticas y acaba en Nueva Zelanda. Es decir que proyectamos cine de Asia Central, Meridional, Sudeste Asiático, y llegamos hasta Australia y Nueva Zelanda porque forman parte de las Cinco Asias, en este contexto de ser otra parte del mundo con una globalización diferente.

También hay que decir que nosotros no nos ocupamos de países árabes como pueden ser los Emiratos o Qatar, ya que ellos quedan fuera de nuestra geografía.

– ¿Y por qué Japón posee una cinematografía tan potente?

Japón tiene la cinematografía “más”, y ese más aquí equivale a explicar que es un país que después de la guerra desea cambiar su imagen y quiere mostrar historias en el cine sobre todos los japoneses, no solo una parte de Japón, que es aquella que fue más castigada o por la que se castiga al país.

Ellos quieren mostrar esa cultura tan importante y que su identidad sea más conocida. Y es que Japón destina una gran parte de su presupuesto nacional para exportar su cultura y, después de los Estados Unidos, es el país que más dinero dedica para la proyección de su imagen cultural. Por lo tanto hace ya muchísimos años que ha podido sacar a un Kurosawa y a otros directores, y darlos a conocer.

Esta disponibilidad anterior ha hecho que Japón haya sido el país de la zona que representaba toda Asia. Y ahora mismo esto ya no se puede decir, porque hay otros países como Corea que realmente están muy fuertes, a pesar de todos los problemas que genera su separación en dos territorios. También podríamos añadir a China, India y algunos más.

– ¿Y te cuesta encontrar películas en países como Mongolia?

Mongolia está creciendo mucho y de hecho ya no es tan difícil. En un momento dado sí lo fue, pero hace unos años conocí en Amsterdam a una ministra de cultura de Mongolia, y nos pusimos en contacto.
Luego ya las cosas fueron viniendo y realmente ellos están teniendo un cine muy importante, porque todos los sitios que han estado bajo la dominación soviética son países que han sido conscientes de la importancia del cine y de la atracción que tenía. Por lo tanto han sido capaces de ir desarrollando otros cines, como en el caso de Kajastán o Kirguistán.

– ¿Entonces es quizá esa amplia diversidad geográfica la que os ha obligado a programar un Off-Festival?

Tal vez podríamos reducir el Festival, apurar toda la selección una y otra vez, pero está claro que cuando estás haciendo la selección y ves una película y ves otra película, a veces has tenido que tomar decisiones sin haber podido terminar de ver todo, porque sino te puedes quedar sin algunas películas para el Festival.

Eso hace que muchas veces hayas optado a priori por una película y después te encuentres otra que realmente te interesa, pero entonces ya no puedes dejar aquella sobre la que ya has hablado con el distribuidor.

Por otro lado, también es cierto que hay películas que te parece interesante que se vean, mejores o peores, pero que tienen su razón de ser. Y me doy cuenta que por ejemplo, la gente que suele venir todos los sábados a los Cinemes Girona, muchas veces cuando voy a presentar la película y me dicen al salir que les ha encantado, han alcanzado una mayor aproximación a las realidades de esos países.

El cine es un libro y es también un viaje y todo ello se hace en una hora y media o dos horas. Por eso no se puede competir con esto y evidentemente, cuando tienes la posibilidad de poder abarcar una geografía que no es la de los cinco países de siempre y que tiene una industria cinematográfica interesante, son realmente muchos los países que pueden mostrase y te vienen muchas ganas de poder mostrar las películas, aunque a veces pienso que me gustaría poder acortar un poco, porque siempre surgen problemas, se necesita dinero y hay que traducir y subtitular. Yo las exhibiría con subtítulos en inglés, pero hoy por hoy no se puede.Síguenos en Twitter color

 

©José Luis García/Cinestel.com

Asian Film Festival Barcelona Entrevista a Menene Gras Balaguer

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL.COM/ FUNDADA EN JULIO 2005

FILMOTECA: JULIOL / AGOST 2021

Michel Piccoli, rostre d’autors

Setanta anys de carrera ininterrompuda en teatre, televisió i, sobretot, cinema van portar Piccoli a esdevenir un dels cims del seu ofici. La seva filmografia està lligada especialment a Buñuel, Ferreri i Sautet, als quals el va unir una estreta amistat i plantejaments creatius subversius i activistes, però va ser Godard qui el va llançar a la fama internacional en brindar-li el paper del seu alter ego a “Le mépris” (1963). La llista de cineastes a qui va oferir el seu talent és una de les més llargues i envejables que es pugui imaginar: Berlanga, Hitchcock, Melville, Chabrol, Resnais, Demy, Costa-Gavras, Varda, Malle, Tavernier, Varda, Oliveira, Chahine, Carax, Bellocchio, Angelopoulos… La filmografia de Michel Piccoli és amplíssima, abasta més de 200 títols, dels quals aquesta retrospectiva en selecciona vint-i-sis dels més representatius. (Programació)

Chris Marker: retrospectiva i exposició

La Filmoteca de Catalunya commemora el centenari del cineasta francès amb una extensa retrospectiva i una exposició. És difícil definir amb precisió qui és Chris Marker, atesa la seva personalitat polifacètica. És escriptor, novel·lista, poeta, filòsof, resistent francès, editor, fotògraf, viatger, explorador, cineasta, videògraf, infògraf, artista plàstic, músic, investigador, arxivista, apassionat dels gats. Un experimentador i pensador increïble en el camp de la imatge, sigui fotogràfica, cinematogràfica, videogràfica o dibuixada.

L’efemèride del centenari se celebra concretament el 29 de juliol, però a partir del dimecres 7 de juliol ja es pot visitar l’exposició Chris Marker. Són les sis a tota la Terra…, que estableix correspondències amb les primeres fotografies de viatges, les guies de viatge de la col·lecció Petite Planète, de la qual era redactor en cap, els seus films de fotografies, fotografies fetes durant els esdeveniments mundials dels inoblidables anys 1967, 1968 i 1969, així com també cartells. A més, completen aquesta selecció extractes d’algunes de les seves pel·lícules, així com la presentació del CD-ROM autobiogràfic Immemory.

El complement imprescindible de la mostra és la completa retrospectiva Chris Marker, un electró lliure, testimoni de l’obra d’aquest artista total que ens ha fet descobrir continents llunyans, illes inexplorades, territoris desconeguts, a través de diverses formes d’expressió com ara la fotografia, el cinema, el vídeo, la poesia o el grafisme, que naveguen per un univers en mutació perpètua, a través de països en revolució o paisatges serens, en cerca d’homes i dones, actors d’altres cultures. (Programació) (Exposició)

Melodrames creuats

La Filmoteca planteja durant tot l’estiu el joc de traçar paral·lelismes i convergències en un dels gèneres més consolidats del llenguatge cinematogràfic. El viatge proposa anar dels plantejaments clàssics de mestres com Douglas Sirk o John M. Stahl, a revisitacions més lliures com les de Fassbinder, Todd Haynes o Pedro Almodóvar, sempre amb els sentiments com a matèria primera i les grans passions i baixeses humanes com a nexe comú. La diversitat i riquesa de la tria queda ben palesa amb els cineastes programats: Murnau, Erich Von Stroheim, Charles Chaplin, Agnes Varda, Woody Allen, Paul Thomas Anderson, Terrence Malick o Lars Von Trier. (Programació)

Grec 2021: Peter Brook

Coincidint amb la presentació al Festival d’estiu de Barcelona de l’espectacle Tempest project, dirigit per Peter Brook, la Filmoteca dedica un petit cicle als projectes cinematogràfics d’aquest gran home de teatre, especialista a actualitzar els clàssics amb una mirada minimalista, despullada i inconfusible. Brook ha traslladat la immensa saviesa escènica a la pantalla en projectes com Marat/Sade o la monumental The Mahabharata. (Programació)

La mirada de Tavernier al cinema francès

El març passat va morir Bertrand Tavernier, gran amic de la Filmoteca, que el 2016 li va dedicar una Carta blanca. El cicle Bertrand Tavernier, en el record recupera la seva darrera obra, la sèrie televisiva “Voyages à travers le cinéma français” (2017), narrada en primera persona, on ampliava el documental del mateix títol i aprofundia en les pel·lícules franceses que van marcar la seva vida. (Programació)

I també

La projecció de “Gidon Kremer: Back to Bach”, com a part de la programació del Festival Bachcelona. (Diumenge 4 Juliol 2021 · 20:00h.)

Estrena de “Gustau. La transició al descobert”, documental que pren el cas de l’assassinat del jove Gustau Muñoz com a punt de partida per qüestionar la Transició espanyola, de la qual s’han silenciat, des dels seus inicis fins al present, els crims comesos pel règim. El presentaran el director Jaume Domènech i Marc Muñoz, germà de Gustau.

Les sessions familiars del cap de setmana amb la FilmoXica s’afegeixen a la festa d’estiu del Raval amb el clàssic de Charles Chaplin The Kid. Sessió gratuïta diumenge 11 de juliol a les 17.00 h.

ALL ROADS LEAD TO BARCELONA

One of the best ways to follow what’s going on at the movie theaters area and what the next innovations are representing for the movies distribution industry, is taking a look at CineEurope coverage released on our site Cinestel.com

Una de les millors maneres de seguir tot el que està passant al voltant del àrea profesional de les sales de cinema i també d’allò que les següents innovacions representen per a la indústria de distribució de pel·lícules, és fent una ullada a la cobertura de CineEurope feta pel nostre lloc web Cinestel.com

This is a links’ summary (most of the reports and interviews are written in Spanish):

Aquest és un sumari en anglès dels enllaços a notícies i entrevistes:

FILMOTECA: AULA DE CINEMA

FILMOTECA PER A LES ESCOLES

PRIMERA SALA 4DX EN CATALUNYA

Los Cines Filmax Gran Via ya ofrecen a sus espectadores la primera sala en Cataluña con tecnología 4DX. Y lo hacen de la mano de la compañía surcoreana CJ (www.CJ4DX.com), líder mundial en el sector.

El sistema 4DX incorpora en la proyección hasta un total de 21 efectos sincronizados. El espectador tiene la oportunidad de ver los principales estrenos de cartelera con efectos de movimiento, aire, agua, calor, aromas, vibraciones, además de elementos metereológicos como niebla, viento, rayos y burbujas.

Esta tecnología puntera consigue que los efectos se sincronicen con la acción y el sonido de la pantalla, de manera que los espectadores experimentan una inmersión 360 grados en la película.

Conoce más detalles sobre cómo funciona, en este artículo publicado en Cinestel en el año 2016.

ENTREVISTAS

“Ojos de Arena” se basa en dramas reales para desarrollar un thriller

Película Ojos de Arena Entrevista a Alejandra Marino

Junto a Marcela Marcolini, la realizadora hace recaer el peso principal del relato en la actriz Paula Carruega, quien construye un personaje ligado al territorio de la Justicia que ha acabado padeciendo en primera persona…

Entrevista a Martín Desalvo por su película “El Silencio del Cazador”

El Silencio del Cazador Entrevista a Martin Desalvo

En cierta forma, la película sigue apostando por algunas doctrinas que le han aportado solidez a estos géneros cinematográficos, y lo hace a través de actores como Pablo Echarri, Mora Recalde, Alberto Ammann y…

“Bahía Blanca”, de Rodrigo Caprotti; espinosos secretos inconfesables

Película Bahía Blanca Entrevista al director Rodrigo Caprotti

La película muestra cómo un docente universitario utiliza una investigación sobre el escritor Ezequiel Martínez Estrada para escapar de un pasado que lo atormenta y establecerse en Bahía Blanca a 688…

FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

CRíTICAS CINE LATINOAMERICANO

“Cuando el Olimpo choca con la Pampa” retrata a Ricardo Cinalli

Ricardo Cinalli en Cuando el Olimpo choca con la Pampa

Tiene un comienzo imponente a través del cual se destaca que el protagonista es una persona a la que siempre le ha gustado nadar a contracorriente, o sea, ser uno mismo, lo cual supone ya una excelente…

VENECIA: ‘ELES TRANSPORTAN A MORTE’

22 julio 2021 – El estreno mundial de la ópera prima de Helena Girón y Samuel M. Delgado, “Eles Transportan a Morte”, tendrá lugar en la 36ª edición de la Semana de la Crítica de la Mostra de Venecia, certamen que este año celebra su 78ª edición. Los dos cineastas, cuyos cortometrajes han participado en un circuito selecto de festivales internacionales de cine como los de Toronto, Locarno o el New York Film Festival, combinan en su primer largometraje el relato clásico de aventuras con un discurso crítico sobre la colonización.

Según Helena Girón y Samuel M. Delgado, “la película se sitúa en 1492, año que representa el inicio del proyecto de dominación occidental, y que supone lo que algunos teóricos señalan como el inicio de una nueva era geológica: el llamado antropoceno. A partir de esta fecha, la caza de brujas, la trata de esclavos y la conquista de América, fueron imprescindibles para instaurar y articular el sistema capitalista moderno del que somos descendientes”.

La película parte de la premisa de que entre la tripulación de Cristóbal Colón viajan tres hombres que ya deberían haber muerto. Han conseguido evitar sus condenas participando en el incierto viaje, pero al llegar a las Islas Canarias, huyen cargados con una de las velas de la embarcación. Mientras, en “El Viejo Mundo”, una mujer trata de salvar a su hermana moribunda, con la esperanza de que una curandera pueda ayudarla. Ambos viajes tratan de burlar a la muerte y ambos viajes están a merced del tiempo y de la Historia.

SE FUE UNA GRAN ACTRIZ: PILAR BARDEM

18 julio 2021 – Los hermanos Carlos, Mónica y Javier Bardem difundieron una nota a modo de comunicado público: “Queremos compartir la noticia de que nuestra madre, nuestro ejemplo, ha fallecido. Se ha ido en paz, sin sufrir y rodeada del amor de los suyos”.

Ha muerto Pilar Bardem, una mujer, actriz y activista que llegó a participar en más de 80 películas y otras tantas series de televisión y obras de teatro. Además, fue presidenta de la entidad de gestión de derechos de artistas e intérpretes, AISGE, entre los años 2002 y 2018; y hermana del excelente director de cine Juan Antonio Bardem, un cineasta extraordinario que fue vilipendiado continuamente por el establishment español por el simple y mero hecho de que era comunista.

Pilar Bardem comenzó su actividad artística en los años 60, trabajando en películas de directores como Fernando Fernán Gómez o Pedro Masó. Ya en los 70 participó en otros papeles en “La Regenta”, de Gonzalo Suárez; “La joven casada”, de Mario Camus; “Carne apaleada”, de Javier Aguirre o “Cinco tenedores”, de Fernando Fernán Gómez.

En los 80 sólo participó en tres películas de Mariano Ozores ya que se dedicó de lleno trabajos en series de televisión como “Los gozos y las sombras”, “Tristeza de amor”, “Lorca, muerte de un poeta” y “Cómicos”.

En la década de los 90, tras encarnar a una prostituta en “Las edades de Lulú”, de Bigas Luna, Pilar Bardem participó como secundaria en “Todo por la pasta”, de Enrique Urbizu; “Vacas”, de Julio Médem; “Siete mil días juntos”, de Fernando Fernán Gómez; “Cachito”, de Enrique Urbizu; y “Boca a boca”, de Manuel Gómez Pereira. También Agustín Díaz Yanes le ofreció un papel en la película “Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto”, junto a Victoria Abril y Federico Luppi.

Asimismo, también en los 90 participó en otros films como son “Airbag”, de Juanma Bajo Ulloa; “Carne trémula”, de Pedro Almodóvar; y “Pantaleón y las visitadoras”, de Francisco Lombardi. Y ya en este siglo XXI siguió trabajando con Agustín Díaz Yanes, José Luis García Sánchez y en innumerables series de televisión. En 2003 fue expulsada del Congreso de los Diputados de Madrid por protagonizar una protesta contra la guerra de Irak junto a sus compañeros de profesión María Barranco, Amparo Larrañaga, Ana Belén, Juan Echanove, Jordi Dauder y Juan Luis Galiardo.

Siendo una fumadora compulsiva, Pilar Bardem aquejó problemas respiratorios durante varias décadas, lo cual lamentablemente ha terminado con su vida este 17 de julio de 2021 a los 82 años de edad.

CANNES: “TITANE” GANÓ LA PALMA DE ORO

18 julio 2021 – El tercer largometraje de la directora francesa Julia Docornau se alzó con la Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes de este año. “Titane” es un propuesta transgresora y sorprendente por el despliegue que hace de la violencia, algo que parece que entusiasmó tanto al jurado encargado de dar su punto de vista eligiéndola, que su presidente, Spike Lee, se aventuró inclusive a anunciarla como ganadora antes de tiempo.

Ya el título del film se refiere al titanio: metal altamente resistente al calor y a la corrosión, que ofrece aleaciones muy duras. Y en él, tras una serie de crímenes sin explicación, un padre encuentra a su hijo desaparecido hace 10 años.

El mejor director, en opinión de los miembros del jurado, fue Leos Carax por “Annette”, cuya trama se desarrolla en la ciudad de Los Ángeles de nuestros días, y cuenta la historia de Henry, monologuista cómico de humor incisivo, y de Ann, cantante de renombre internacional. Centro de todas las miradas, ambos forman una pareja feliz rodeada de glamur. El nacimiento de su primogénita, Annette, una niña misteriosa con un destino excepcional, les cambiará la vida a lo largo del film.

El resto de premiados fueron:

Gran Premio del Jurado ex aequo: “A Hero”, de Asghar Farhadi y “Compartment N6”, de Juho Kuosmanen

Mejor actor: Caleb Landry Jones, por “Nitram”

Mejor actriz: Renate Reinsve, por “The Worst Person in the World”

Mejor guión: Ryûsuke Hamaguchi y Takamasa Oe por “Drive My Car”

Premio del Jurado ex aequo: “Ahed’s Knee”, de Nadav Lapid y “Memoria”, de Apichatpong Weerasethakul

Cámara de Oro (mejor ópera prima): “Murina”, de Antoneta Alamat Kusijanovic

Mejor cortometraje: “All the Crows in the World”, de Tang Yi

Mención especial mejor cortometraje: “Céu de Agosto”, de Jasmin Tenuccis

CANNES: RUMANA QUE RODÓ EN MÉXICO

17 julio 2021 – Protagonizada por la carismática actriz mexicana Arcelia Ramírez“La Civil” es una película que caló muy hondo en el jurado de Un Certain Regard del 74 Festival de Cannes, quienes la galardonaron con el Premio al Coraje.

El filme está dirigido por la rumana-belga Teodora Ana Mihai y fue escrito junto con el co-guionista estadounidense radicado en México, Habacuc Antonio de Rosario. Se trata de la historia muy dura de una madre, Cielo, que está buscando a su hijita secuestrada por un cartel del norte del país.

En este relato inspirado en hechos reales, las autoridades se niegan a venir en su ayuda, por lo que Cielo decide hacerse cargo de la situación. Comienza su investigación y se gana la confianza de Lamarque, un militar poco convencional desplegado en la región. Este acepta ayudarla en su búsqueda, porque la información de Cielo puede servirle en sus propias operaciones. Su colaboración arrastrará a la madre a una terrible espiral de violencia.

También en Un Certain Regard hubo una mención especial para la película “Noche de Fuego”, de la directora mexicana Tatiana Huezo.

PATIÑO Y PIÑEIRO PRESENTAN “SYCORAX”

15 julio 2021 – Lois Patiño (Lúa Vermella; Costa da morte) y Matías Piñeiro (Isabella; La Princesa de Francia) presentaron la première internacional de “Sycorax” en la 53ª edición de Quincena de Realizadores del Festival de Cannes.
Este acto precede al rodaje de un largometraje que se titulará “Ariel”, con el que comparte su inspiración: los enigmáticos personajes de ‘La Tempestad’ de William Shakespeare.

“Sycorax” supone la primera colaboración entre los directores y tendrá continuidad con el largometraje que rodarán en 2022-. Ambas son adaptaciones libres de La Tempestad de William Shakespeare. Ambientado en las islas Azores y con el ganador del Premio Goya Mauro Herce en la dirección de fotografía, el cortometraje se centra en el personaje de la bruja Sycorax y en él se funden teatro y paisaje.

Según los dos cineastas, en ‘La Tempestad’ “hemos encontrado un cruce de caminos entre nuestras visiones, que nos ha ayudado a fundir texto y silencio, movimiento y quietud, en una propuesta que nos ayudará a definir el tipo de películas que rodaremos en el futuro. Con “Sycorax” recuperamos este texto clásico con un toque contemporáneo, que diluye los límites de la representación permitiéndonos poner en cuestión la visión patriarcal de un personaje femenino sin voz, la madre de Calibán, recordado como la primera bruja que pisó la isla.

“Sycorax” es una coproducción entre España (Beli Martínez – Filmika Galaika) y Portugal (Rodrigo Areias – Bando à Parte). Las actrices Agustina Muñoz, Diana Diegues & Susana Abreu interpretan a sus personajes principales.

“BETWEEN TWO WORLDS” (OUISTREHAM)

12 julio 2021 – Catorce años después de dirigir “La Moustache” Emmanuel Carrère regresa al cine con la adaptación de la novela autobiográfica de la periodista francesa Florence Aubenas, “Between Two Worlds” (Ouistreham), presentada en la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes.
Juliette Binoche encarna a esta inquieta reportera que se propone investigar la realidad social de los más desfavorecidos por la crisis económica actual en una ciudad de tamaño medio como la portuaria Caen, en Normandía.

Marianne Winckler es una conocida autora que decide escribir sobre el trabajo precario viviendo la experiencia de cerca. Para ello se hace pasar por limpiadora, para descubrir en primera persona lo que significa vivir contando cada euro y siendo invisible para la sociedad. Además de vivir una dura experiencia, Marianne conseguirá durante su inmersión establecer verdaderos lazos de amistad con algunos de sus compañeros de infortunio. La solidaridad dará paso a la amistad y la amistad a la confianza pero ¿donde queda todo esto cuando estalla la verdad?

En cierto modo, el conocido escritor y ahora cineasta reconoce que la película tiene un aspecto social, pero también un elemento hitchcockiano que no estaba en absoluto presente en el libro y que constituye la base dramática de la película.
El trabajo de las limpiadoras es directamente analizado a través de su personaje principal, sobre el que el director concluye que es explotador y agotador.

FRAN TORRES ESTÁ RODANDO “LA JEFA”

8 julio 2021 – Aitana Sánchez-Gijón y la argentina Cumelén Sanz (“No te olvides de mí”) ruedan la ópera prima del realizador Fran Torres, cuyo guion firma Laura Sarmiento.

“La Jefa” es la historia de la relación envenenada entre dos mujeres fuertes, independientes y conscientes de estar solas en el mundo: Beatriz, la jefa, que aparentemente ha conseguido en la vida todo lo que se ha propuesto; y Sofía, su empleada, que cree estar dispuesta a hacer lo que haga falta por ganarse la vida que cree merecer.

Lo primero que le sedujo al director Fran Torres “fue la riqueza y la precisión del retrato de las dos protagonistas, Beatriz – la jefa española- y Sofía- la empleada inmigrante- y cómo su relació́n condensa muchas de las tensiones presentes hoy en día en nuestra sociedad: el clasismo, el ultra liberalismo, el feminismo, los vientres de alquiler… están presentes en la película desde el primer minuto.
“La Jefa” consigue condensar todas estas tensiones presentes en la actualidad del debate público en la relación entre estas dos mujeres sin caer en lugares comunes. Ésa es otra de las grandes virtudes del guión: ambas protagonistas son imprevisibles, no encajan en ninguno de patrones predefinidos en los que la ficción encapsula a menudo a los personajes femeninos”, -señala el realizador debutante-.

La actriz argentina interpreta el papel de una emigrante colombiana que se queda embarazada en España sin haberlo planeado.
Sin familia en España e incapaz de abortar, dadas sus convicciones católicas, Sofía parece abocada a volver a Colombia y abandonar la prometedora carrera profesional por la que tanto ha luchado.
Sin embargo, su jefa, una mujer hecha a sí misma a la que Sofía admira por encima de todo le hace una inusual proposición: Darle el hijo en adopción a ella, y a cambio poder continuar con su promoción dentro de la empresa.
Sofía acepta la oferta, sin saber que no todo es como su jefa le ha contado.

ESTRENARÁ EN CINES “COMPETENCIA OFICIAL”

28 junio 2021 – La película “Competencia Oficial”, una producción de The Mediapro Studio dirigida por Mariano Cohn y Gastón Duprat (“El ciudadano ilustre”, “Mi obra maestra”, “4×4”, “El hombre de al lado”) y escrita por los reconocidos realizadores argentinos junto a Andrés Duprat, llegará a los cines de España distribuida por Buena Vista International. En Latinoamérica se estrenará bajo el sello Star Distribution. El film cuenta con la presencia estelar de Penélope Cruz, Antonio Banderas y Oscar Martínez.

El argumento de la película versa alrededor de un empresario multimillonario que en busca de trascendencia y prestigio social, decide hacer una película que deje huella. Para ello, contrata a los mejores: un equipo estelar formado por la celebérrima cineasta Lola Cuevas (Penélope Cruz) y dos reconocidos actores, dueños de un talento enorme, pero con un ego aún más grande: el actor de Hollywood Félix Rivero (Antonio Banderas) y el actor radical de teatro Iván Torres (Oscar Martínez). Ambos son leyendas, pero no exactamente los mejores amigos. A través de una serie de pruebas cada vez más excéntricas establecidas por Lola, Félix e Iván deben enfrentarse no solo entre sí, sino también con sus propios legados.

Esta es la tercera película que The Mediapro Studio produce con los reconocidos directores argentinos Cohn y Duprat tras “Mi Obra Maestra” y “4×4”.
Protagonist Pictures es la compañía responsable de las ventas internacionales.

“LA SALA DE CRISTAL” LLEGA EN SEPTIEMBRE

17 junio 2021 – La película ganadora del Premio del Público en la edición de este año del Festival de Cine Alemán de Madrid, llegará a las salas de cine españolas durante el próximo mes de septiembre.

“La Sala de Cristal” es una fábula humanista dirigida al público familiar cuya trama gira en torno a la toma de conciencia civil. La habitación a la que alude el título es el ático donde Felix, el pequeño protagonista, descubre un misterioso espacio en el que poder evadirse con sus juegos, lejos del horror cotidiano causado por la II Guerra Mundial en Alemania.

El veterano realizador alemán Christian Lerch dirige a un inspirado reparto encabezado por joven actor Xari Wimbauer y secundado por intérpretes como Lisa Wagner (la serie En el lugar del crimen) Hans Löw (Bye, Bye Germany; Toni Erdmann) y Philipp Hochmair (las series Freud y Charité).

“La Sala de Cristal” está ambientada en el año 1945, justo antes del final de la Segunda Guerra Mundial: Anna y su hijo Felix, de 11 años, tienen que huir de la bombardeada Múnich hacia el campo. Mientras que Anna sufre interpretando a una nacionalsocialista convencida, Felix se siente cada vez más seducido por la propaganda nazi y sus partidarios. La película está basada en los recuerdos de la infancia del guionista Josef Einwanger.

BILLY WILDER Y LOS FRACASOS EN EL CINE

Billy WilderPor lo general, cuando una película no funciona, uno dice que se adelantó a su tiempo, o que se estrenó demasiado cerca de la Navidad, o que era justo después de la Navidad y la gente se había gastado el dinero en regalos, o que fue un fracaso porque hacía muy buen tiempo y la gente se fue a la playa, o porque llovía y la gente se quedó en casa.
*Billy Wilder, director y guionista austriaco.