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“Cinensangre”, de Eduardo Spagnuolo, comedia y western

Estreno en Buenos Aires
Las posibilidades de ver comedia en este tipo de cine suelen ser más bien escasas, pero Eduardo Spagnolo consigue dar ese toque de humor a una película documental, “Cinensangre”, que tiene que ver con otro trabajo de un director distinto, Fabián Arévalo, que está rodando en San Luis un western de acción sobre la montonera Martina Chapanay.
El contraste entre ambos realizadores es notable, pues Eduardo sufre todo tipo de presiones a la hora de hacer el planteo de una nueva película, mientras que Fabián aparece como más sereno y haciendo gala de una superior libertad artística.
Aquí vemos a dos directores con dos realidades distintas, pero que al mismo tiempo padecen la misma “enfermedad”: como consecuencia de su amor por la profesión, tienen cine en sangre.

Un pueblo en el desierto llamado Zonda y la ciudad de Buenos Aires son los escenarios perfectos para hablar sobre lo que son las tareas de producción y ejecución de un proyecto cinematográfico, con toda una carrera de obstáculos que hay que salvar para llegar a la meta final. El INCAA, los sindicatos, los bancos y sus representantes o el productor Hugo Castro Fau, presionan a Spagnuolo mientras que él intenta desarrollar este proyecto que probablemente exigirá, frente a un presupuesto inasumible, la búsqueda de soluciones imaginativas. Obviamente, el rodaje de Fabián es real, pero el de Eduardo no lo es, convirtiendo así esta película en un falso documental para nada narcisista, pues de lo que definitivamente está hablando es acerca de las dificultades que entraña la idea de hacer cine.

En la memoria de muchos espectadores a quienes les gusta rememorar los antiguos westerns figura la -hasta ahora- inigualable textura de color que impregnaba cada fotograma de aquellas películas en celuloide. Con la llegada del digital, el audiovisual, no sólo el cine, se democratizó y ahora es más fácil acumular gran cantidad de material filmado para luego hacer una selección apropiada y coherente. Sin embargo, Spagnuolo no es partidario de forzar la calidad de color que ofrece el digital hacia lo fílmico, sino que más bien defiende la idea de poner en valor la textura intrínseca del digital como algo único y no conectado a lo que es la del filme emulsivo. Pero él, si económicamente pudiera elegir se decantaría por rodar en fílmico y hacer la posproducción en formato digital.

Para comenzar esta entrevista, Eduardo nos cuenta que su película “trata de poner el foco en algo que va en contra de aquello que dijo Orson Welles sobre que si a los cinco minutos de hablar de cine no se habla de plata, no se habla de cine -nos dice-, así que lo que yo trato de plantear es una comparación entre Fabián, que filma sin nada un western de acción en medio del desierto, y yo en Capital Federal, teniendo que soportar todas las tensiones del cine profesional. Y en realidad lo que nos pasa a él y a mí, como a cualquier otro director, es que no tenemos más remedio que hacer películas porque tenemos como una especie de adicción. Por eso, no tenemos ni alcohol ni azúcar en sangre; lo que tenemos es ‘cine en sangre’, de ahí el título del film”.

“No hay una gran diferencia entre Fabián Arévalo, que filma con siete personas un western en medio del desierto, y Francis Ford Coppola que perdió su estudio para poder filmar “Apocalipsis Now”. En el medio estamos todos y en esos dos casos lo que hay es una decisión, casi una pulsión, de llevar adelante el sueño que uno tiene”.

– No sólo está la parte técnica, sino que también en la película se insinúa que toda la labor se combina con la plata necesaria para hacer el film y, sobre todo, con la parte artística. ¿No es así?

Exactamente. Por lo menos lo que planteo yo desde la película es que el centro es la parte artística y todo lo demás puede estar o no. Puede haber mayor o menor cantidad, puede haber mejor técnica o peor, pero sin la parte artística, sin ese centro motor, no existe nada más.

– El cine argentino tiene toda una lista de westerns, desde “Pampa Salvaje”, de Hugo Fregonese -que por cierto, se rodó en España-, pasando por “Los Irrompibles”, de Emilio Vieira, e inclusive llegando hasta “Aballay”, de Fernando Spiner. ¿En cierta forma, tanto Fabíán como vos, quisieron hacer una suerte de homenaje a aquellas películas?

Yo quise hacer un homenaje a la gente que decide en la Argentina, -que somos un país sin una tradición de western, donde los FX no llegan a tener el nivel de los de Hollywood o algunos casos de los europeos-, a personas como Fabián o Fernando Spiner, que se ponen a encarar una película de acción, donde incluye el tema vestuario y no hay una tradición con este tipo de filmes, salvo en la época de Fregonese, en los años 30 o 40 del siglo pasado, una tradición de películas policiales con un relato de aquel director que se llama “Apenas un delincuente”, que creo que si la proyectás hoy es tan moderna como la de cualquier otra película policial, pero eso con los años y con la debacle económica argentina -y el cine no es una isla-, se ha ido perdiendo y hemos estado yendo más hacia un cine de autor, a un cine más intimista o, como a veces le decimos, un cine de departamento (apartamento).

Para mí, no hubiera originado el mismo efecto si Fabián hubiera producido una película de departamento, pero animarse a tirarse a un western con caballos, rodadas, disparos, sangre, traje de época,… sin apoyo, es algo que la mayor parte de los productores argentinos no harían y te dirían que estás loco. Así que yo pienso que Fabián Arévalo la está sacando adelante de una manera insólita.

Cinensangre de Eduardo Spagnuolo Comedia y Western

Eduardo Spagnuolo, director de “Cinensangre”

– Básicamente “Cinensangre” habla sobre esa carrera para hacer una película y entonces has tenido que incluir al productor como un actor más, que en este caso es Hugo Castro Fau, quien paradójicamente ha comenzado a parecerse un poco al recordado Pascual Condito, el cual también solía aparecer en pantalla algunas veces.

(Risas) Lo que sucede es que Hugo, que es productor en la vida real, ya había aparecido en un par de películas muy brevemente, apenas casi la imagen y haciendo de cura, porque él tiene una impronta muy particular. En este caso, Castro Fau y yo somos amigos de hace mucho tiempo en la realidad, -él inclusive produjo una película mía que estrenaremos ahora en tres o cuatro meses más-, y se prestó a hacer de productor en el film, asumiendo un rol ligado al estereotipo de esa profesión, con su sombrero Panamá, con su pileta,… y lo que a mí me resultó interesante del personaje que construimos con él es que aunque todo el tiempo está diciendo que el director no puede hacer tal o cual cosa porque no hay plata, o que tenés que sacar alguna cosa que tenías prevista, igual en él hay un afecto por el realizador y por el proyecto, al tiempo que al final le termina diciendo: “¡Festejá, vamos a hacer la película!”. O sea, aunque es un negocio para él, porque es el que maneja el dinero, no está afuera del cine en sangre, sino que claramente en eso es el segundo, después del director.

– Mi impresión es que los actores del film de Fabián parecen profesionales. ¿Es así o yo me equivoco?

En realidad ninguno de los que aparece en la filmación de Fabián Arévalo es actor o actriz, son todos vecinos del pueblo. El secreto -y yo creo que es otra parte que lo conseguí reflejar-, es que este otro director puede hacer esa locura porque tiene el acompañamiento de su comunidad. Él sólo trabaja con gente de ese pueblito diminuto que es Zonda y la gente le da su tiempo, le presta su caballo, pone su ropa, se dedica a ayudarlo a hacer la película, porque ellos se sienten reflejados en esa historia. Esa es “su” historia y ellos quieren que se cuente, porque cuando ellos se ponen a actuar hacen de ellos mismos.

Concretamente hay un momento en el que yo le pregunto a Nilda, la actriz, que cómo hace ella para transformarse en Martina Chapanay, quien andaba a caballo perfectamente bien, cuando ella apenas puede hacerlo, y Nilda así, muy suelta de cuerpo, me mira y me dice que ella no se tenía que preparar para nada. ¡Yo soy Martina Chapanay!, me dijo. Y no hay más discusión. Se acabaron todas las teorías de actuación teatral, han muerto todas las escuelas para actores y actrices. Además los vecinos también se sienten gauchos y así se definen a sí mismos.

– Otra cosa que me pareció muy interesante es que en los tiempos que corren, y esto es una casualidad, hayas estrenado una película sobre cómo hacer cine cuando en el gobierno hay gente que no quiere que se haga cine autóctono.

En este momento en Argentina los directores tomamos todo estreno como una actitud militante de resistencia frente al desguace que este gobierno quiere hacer del cine y de la cultura argentina en general. Ahora mismo el cine argentino está mal, pero cuando en general más se va a ver será dentro de uno o dos años, porque en la presente edición el BAFICI estrena arriba de cien películas argentinas, pero que se hicieron en los últimos dos años, que es el tiempo que te lleva hacer una película. La pregunta que nos hacemos muchísimos es qué va a estrenar el BAFICI dentro de un año cuando se encuentre que en este periodo no se hacen películas.

Ya no se pueden presentar nuevos proyectos hasta dentro de 90 días. Hay mil quinientas producciones que ya estaban aprobadas y habían iniciado la preproducción y rodaje, pero los nuevos gestores decidieron que no les van a dar la plata que les tienen que dar, con lo cual quedaron todas paradas. Es terrible lo que está pasando, pero frente a esto, más allá de ir a manifestaciones, firmar solicitadas y todo eso, la gente de cine decidimos que hay que estrenar, porque el cine Gaumont también está siendo cerrado, aunque a veces no tengamos el dinero para apoyar un lanzamiento importante.

– Lo más triste de todo son los técnicos, que están trabajando constantemente y que con esta situación se van a quedar sin trabajo inevitablemente, ¿no es así?

Es cierto lo que decís, pero ahí hay un punto intermedio cuando vemos que los técnicos no trabajaran en cine, pero lo que el gobierno quiere es que venga Netflix o Warner a filmar a la Argentina y que nosotros demos servicios de producción, con lo cual los técnicos tendrían trabajo, pero el cine no es solamente ni trabajo ni dinero, sino que también es esto de llevarlo en la sangre, de contar historias que son nuestras, -las contaremos mejor o peor, más divertidas o menos, no importa-, pero esto es como decir, yendo a ustedes en España, las series españolas tienen una impronta que es española, aunque traten temas internacionales y tengan una narrativa audiovisual internacional, son españolas.

Las series de narcotraficantes o policiales españolas, tienen una relación entre la parte delictiva y la afectiva familiar que no la consiguen ni las películas ni las series francesas, ni norteamericanas, ni alemanas. Hay una impronta latina entre la unión de esos dos mundos que sólo la podemos hacer quienes somos así. Si hubiera una receta de éxito ya estaría en manos de los norteamericanos y habría que pagar royalties para poder usarla, pero no existe.

– Justamente la gente de este gobierno no debe saber o no se acuerda de los problemas que hubo en el año 2006 cuando Francis Ford Coppola estuvo rodando “Tetro” en Buenos Aires, en el barrio de Palermo, y hubo muchos problemas con los técnicos y con el equipo. Y qué mejor que priorizar los rodajes de películas de la gente del país, ¿verdad?

Es lo mismo que ya empezó a pasar ahora con películas que tocan temas argentinos, como “Argentina, 1985”; hay cosas que cualquier director del país hubiera puesto y yo sé que Santiago Mitre lo hubiera puesto, pero se lo recortó la plataforma esponsorial que bancaba la película: la ausencia casi total de las Madres de Plaza de Mayo es un claro indicio. O la omisión total del tema de la Conadep, que no fue un problema de archivo. Fue una revolución cultural pensar que se podía primero investigar a los militares y después juzgarlos. Eso fue una maravilla. Pero cuando los de afuera, -y esto suena muy chovinista-, te imponen una mirada, no es la nuestra.

Inclusive con el tema de los desaparecidos, yo no me acuerdo de cuál fue el nombre, pero hay una película estadounidense que habló de un desaparecido que había estado en un campo de concentración y lo ve a quien lo torturaba y lo quiere matar y lo ataca. Eso no pasó entre nosotros.

– Y en esta tesitura tan grave en la que nos encontramos, creo que para cualquier realizador hablar ahora de proyectos futuros en cine debe de ser bastante complicado.

Estás hablando con un director de cine. Hubo una hermosa película de Carlos Sorín que se llamó “La película del rey”, cuyo final es perfecto; cuando todo se derrumbó, el productor está desesperado y el director está pensando en otro proyecto, sí. Yo estoy pensando en la posibilidad de estar estrenando una nueva película en julio, una ficción, que también fue filmada hace un par de años y la produjo Hugo Castro Fau, y en este momento estoy intentando que avancen dos proyectos a futuro, pero lamentablemente uno en Brasil y otro en México, porque acá en la Argentina no vamos a tener posibilidad alguna de hacer películas durante un tiempo. Acá no hay futuro para el cine. Quizás se pueda hacer algo el año que viene 2025, pero no lo sabemos.Síguenos en Twitter color

 

©José Luis García/Cinestel.com

Cinensangre de Eduardo Spagnuolo Comedia y Western

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL.COM/ FUNDADA EN JULIO 2005

FILMOTECA CATALUNYA_NOVEMBRE 2024

Retrospectiva Jancsó

Miklós Jancsó (1921-2014) va donar a conèixer internacionalment el cinema hongarès gràcies als seus films èpics i històrics, tota una meditació apassionada sobre el poder i l’opressió del poble. El 2021, amb motiu del centenari del cineasta, el National Film Institute Hungary-Film Archive & Film Lab va restaurar els seus 13 llargmetratges, que ara aquesta retrospectiva permet recuperar. Les digitalitzacions en 4K es van realitzar a partir dels negatius originals. Els materials conservats presentaven poques deficiències i totes les gradacions d’imatges dels films van ser supervisades pel director de fotografia János Kende, col·laborador habitual de Jancsó. (més informació)

Ermanno Olmi

La retrospectiva d’enguany de la Mostra de Cinema Espiritual de Catalunya que acull la Filmoteca està dedicada al cineasta italià Ermanno Olmi (1931-2018). En una trajectòria de més de seixanta anys va alternar el documental i la ficció, el realisme d’època i la faula moderna, i l’ús d’actors no professionals amb la direcció d’estrelles del setè art. Poeta de la senzillesa, la mirada humanista d’arrels cristianes d’Olmi destaca per la capacitat de destriar allò que és superflu d’allò que és essencial. Els seus primers treballs reflecteixen l’enorme èxode del camp a la ciutat i el procés accelerat d’industrialització a la Itàlia dels seixanta, i els efectes que provoquen en una burgesia incipient. A partir de L’albero degli zoccoli, segurament el seu film més emblemàtic premiat amb la Palma d’or a Cannes el1977, recorre sovint a l’al·legoria per seguir explorant la relació de l’ésser humà amb la naturalesa, la dignitat del treball i l’espiritualitat.
(més informació)

Camille Billops i James Hatch

L’obra d’aquesta parella és un bastió cultural de la comunitat afroamericana que va molt més enllà del cinema. Tots dos van fundar la Col·lecció Hatch-Billops (un arxiu impressionant amb milers d’històries orals afroamericanes, llibres, fotografies, etc.), van organitzar salons amb artistes, intèrprets i músics negres, i van publicar la revista Artists and Influence. Les seves pel·lícules són eines de reflexió crítica entorn de la raça, el gènere, la família i la memòria històrica, a més de peces d’art que desafien els espectadors a confrontar les seves pròpies percepcions i prejudicis. (més informació)

Mostra de Cinema Àrab i Mediterrani de Catalunya amb la presència de Mohammad Bakri

Palestina, Líban, i el llegat de Frantz Fanon protagonitzen la Mostra d’enguany. El certamen obre amb Dancing on the edge of a volcano de Cyril Edge, que proposa reflexionar sobre com es pot seguir fent cinema en un món al caire del precipici i encaminat al col·lapse. En el context d’un genocidi a Palestina, es manté el compromís amb la seva cinematografia perquè a Palestina, més que enlloc, “filmar és existir”. Rebrem la visita de Mohammad Bakri, cineasta i actor palestí, que presentarà dos dels seus documentals, 1948 i Jenin, Jenin, entre d’altres clàssics proposats per ell mateix. To a land unknown de Mahdi Fleifel i Notes on displacement de Khaled Jarrar completen aquesta immersió en el cinema palestí actual, amb una crua mirada del camí cap a l’exili de dos joves palestins procedents del Líban, i el d’una família refugiada a Damasc. (més informació)

Nicolás Pereda

En el marc de la 31a edició de l’Alternativa. Festival de Cinema Independent de Barcelona, retrospectiva dedicada al cineasta mexicà Nicolás Pereda (Ciutat de Mèxic, 1982), autor d’una quinzena de títols i cineasta habitual del festival. El realisme present de Pereda qüestiona la narrativa convencional i es defineix per la fusió de la ficció amb la vida real, utilitzant sempre els mateixos actors que interpreten diferents versions de si mateixos. Pereda presentarà el seu darrer treball, Lázaro de noche (2024), i, al CCCB, impartirà una classe magistral i el taller pràctic Cinema epistolar.

Altres sessions especials de l’Alternativa seran l’estrena a Catalunya de la nova pel·lícula de Serguei Loznitsa, The Invasion, on continua amb la seva crònica ucraïnesa, mostrant la vida diària i la resistència del seu poble, i dos films de Nicolas Philibert, Averroès & Rosa Parks i La machine à écrire et autres sources de traces, que tanquen el seu tríptic sobre el Grup Psiquiàtric Central de París.
(més informació)

Centenari Cinema Amateur a Catalunya

En el marc d’aquesta commemoració, la Filmoteca organitza el congrés internacional Cinema amateur: una història global els dies 11, 12 i 13 de novembre. S’hi presentarà l’edició digital i la traducció a l’anglès del llibre El cinema amateur a Catalunya (Jordi Tomàs i Freixa, Albert Beorlegui i Tous) i el DCP Documentals amateur, amb pel·lícules de Francesc Gibert, Eusebi Ferré, Joan Serra Oller, Claudi Gómez Grau i Ramon Biadiu. (més informació)

Continua el cicle Amateurs Versus Professionals, amb una sessió dedicada a la Guerra Civil amb una peça de Henri Cartier-Bresson, i una altra que descobreix la missió cultural i educativa del cinema en els anys de la Segona República, quan la frontera entre professionalisme i amateurisme no estava tan clara. I L’arxiu subterrani. Found footage inclou Daughter Rite, de Michelle Citron, i La doble vida del faquir, d’Elisabet Cabeza i Esteve Riambau. (més informació)

I també…

La sessió mensual del cicle Història permanent del cinema català recupera Entre la esperanza y el fraude (Mercè Conesa, Bartomeu Vilà, Rosa Babi, Joan Simó, 1976), en la digitalització realitzada en el marc del projecte Visibilitzem el cinema català. Producció de la Cooperativa de Cinema Alternatiu, és una anàlisi històrica sobre els esdeveniments a Espanya, des del 14 d’abril de 1931 (proclamació de la Segona República Espanyola) fins a l’1 d’abril de 1939 (fi de la Guerra Civil Espanyola) amb la participació dels vells militants del PC, PSOE-UGT, CNT, POUM i integrants de les Brigades Internacionals. (enllaç)

Precursores: feminismes, càmera en mà i arxiu a l’espatlla, l’exposició que estarà oberta fins al 17 de novembre, ofereix activitats paral·leles: la sessió presentada per Mariona Bruzzo i Rosa Cardona, del 2CR, El cinema d’Helena Lumbreras i Emma Cohen, dues cares de cinema polític realitzat per dues dones que compartien una natural tendència a qüestionar i desobeir les normes i la moral del moment (enllaç), i la sessió de lectura Mari Chordà i LaSal Edicions, que aprofundirà en la important tasca de difusió de textos feministes duta a terme per La Sal a finals dels anys 70, a la Biblioteca del Cinema. (enllaç)

El Most. Festival Internacional de Cinema del Vi presenta un avançament de la seva programació, del 7 al 17 de novembre al Penedès i del 27 de novembre a l’1 de desembre al Priorat, amb la projecció d’O auto das ánimas (Pablo Lago, 2023). (enllaç)

El Festival Panoràmic, que explora la relació entre el cinema, la fotografia i les noves formes d’imatges, presenta la projecció d’Aggro Dr1ft (Harmony Korine, 2023), filmada íntegrament a través de càmeres infraroges i amb un exhaustiu treball de postproducció amb efectes visuals i intel·ligència artificial. La presentarà el seu protagonista, l’actor Jordi Mollà. (enllaç)

La sessió Cultura Film (Revista filmada): filmar la lletjor, s’emmarca en el darrer número especial d’aquesta revista de cinema, art i política, dedicat al tema “Filmar la lletjor”. S’hi presentaran algunes obres acompanyades d’un col·loqui amb l’impulsor de la iniciativa, Javier Guerra. (enllaç)

La FilmoXica de tardor continua amb el cicle Cinema, quin invent! Un viatge en el temps amb històries plenes de màgia, il·lusions, trucatges i misteris que ens ajudaran a entendre la fascinació pel cinema, amb films com Cinema Paradiso, a més de les propostes d’El meu primer festival. (enllaç)

CIRCUIT ESTABLE DE CINEMA CATALÀ

Cicle Gaudí 2016 - Circuit estable de cinema català
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SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

Sylvette Baudrot 260

FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL ARGENTINA

‘La producción audiovisual y su respaldo jurídico’ es el libro más reciente de Julio Raffo, un texto de lectura y de consulta imprescindible para los distintos profesionales de la industria del cine que deseen estar al tanto sobre cómo se regula en la Argentina la actividad productiva que conlleva la realización de películas, atendiendo no solamente a disposiciones legales y su marco regulatorio, sino que también a ejemplos prácticos y anécdotas. (saber más)

LOS INVENTORES DEL CINEMATÓGRAFO

Cinematógrafo LumièreEl cine es una invención sin ningún futuro. (…)
Nuestro invento no es para venderlo. Puede ser explotado algún tiempo como curiosidad científica, pero no tiene ningún interés comercial. *Antoine Lumière

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La serie webinar CineSparks de Christie llega a su ecuador

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El interés de los autores de esta biografía fue, obviamente, el de recopilar la mayor cantidad de información posible: “Queríamos saber cómo había llegado a dirigir y por qué tantas otras no pudieron”…

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El INCAA canceló la cuota de pantalla, a través de una nueva reglamentación de la Ley 11.741 de Fomento para la Actividad Cinematográfica Nacional que a su vez, también deroga el decreto de apoyo a la producción.

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Pablo La Parra Pérez es el nuevo director de la Filmoteca de Catalunya desde el 1 de julio de 2024, tras haber resultado ganador de un concurso público al que se presentaron 27 candidaturas diferentes, y…

CRíTICAS CINE LATINOAMERICANO

“Crónicas de una santa errante”, película de Tomás Gómez Bustillo

Cronicas de una santa errante pelicula de Tomas Gomez Bustillo

Gómez Bustillo aseguró haber trasladado al guion de “Crónicas de una santa errante” sus propias vivencias de cuando era más joven y observaba a señoras mayores hablando con los misioneros.

“Oíd Mortales”, un film de Verónica Velásquez con Andrea Digorado

Oid Mortales un film de Veronica Velasquez con Andrea Digorado

La directora ya había trabajado con anterioridad en un centro similar como docente de talleres de mural, que justamente es el papel que encarna de manera formidable en este filme la actriz Andrea Digorado.

“Historias Invisibles”, de Guillermo Navarro, con Eleonora Wexler

Historias Invisibles de Guillermo Navarro con Eleonora Wexler

Es un thriller inspirado en hechos reales. “Historias Invisibles” es una película cuyo guion profundiza en el complejo y horroroso tema de la trata de personas. Y Guillermo Navarro, su director, es…

“El Viento que Arrasa”, de Paula Hernández, con Sergi López

El actor catalán Sergi López forma parte del elenco de “El Viento que Arrasa” (A Ravaging Wind), una película de la cineasta argentina Paula Hernández, a quien recordamos especialmente por…

SOM CINEMA: “LES VACANCES DE MARA”

21 octubre 2024 – “Les vacances de Mara”, dirigit per Elena Escura i produït per Tarannà Films i à Punt Media, va obtenir el premi al Millor Llargmetratge de Ficció en la 15a edició del festival Som Cinema de Lleida, mentre que “Blava Terra”, dirigit per Marine Auclair i produït per ESCAC Films, va ser guardonat com a Millor Curtmetratge de Ficció. El llargmetratge “Societat Negra”, dirigit per Ramon Térmens i produït per Segarra Films, es va dur el Premi del Jurat, mentre que el curtmetratge “Cura Sana”, dirigit per Lucía G. Romero i produït per ESCAC Films, va rebre una Menció Especial per part del Jurat.

Pel que fa als documentals, “Hágase tu voluntad”, dirigit per Adrián Silvestre i produït per Producciones del Barrio, Nanouk Films i Atresmedia Cine, s’ha endut el Premi al Millor Llargmetratge, i “El Temi”, dirigit per Jesús Minchón, Marta Aguilella i Arnau Belloc, i produït per UAB, ha estat reconegut com a Millor Curtmetratge. El Jurat ha distingit amb una Menció Especial el curtmetratge “Dorothea on the rocks”, dirigit per Núria Abad i Marta Hierro i produït per MOM Works i IB3.

Els guardons del festival Som Cinema es van atorgar al ScreenBox de Lleida en presència de directors, actors i productors dels films premiats, autoritats i públic en general, en una cerimònia en la qual van alternar moments emotius (com quan Ramon Térmens ha dedicat Societat Negra al seu germà Josep Maria, mort fa un any en un accident de tractor) i moments d’humor. L’acte ha posat punt i final a cinc dies de sessions cinematogràfiques i activitats paral·leles al voltant del Setè Art.

Un total de 1.123 persones van passar per les diverses activitats organitzades en el marc de la 15a edició del Som Cinema, festival celebrat del 16 al 20 d’octubre a la ciutat de Lleida. A més de les projeccions, el festival va incloure tallers, el rodatge de curtmetratges, presentacions i una sessió musical. D’altra banda, l’esdeveniment va aplegar 43 convidats, entre directors, actors, productors i altres tècnics relacionat amb les pel·lícules projectades. La nombrosa presència de professionals del món cinematogràfic ha estat precisament un dels trets destacats d’aquesta edició.

Una de les activitats paral·leles destacades del festival ha estat la presentació de CLAC (Col·lectiu Lleidatà d’Audiovisuals i Cinema), entitat destinada a fomentar la indústria cinematogràfica lleidatana i enfortir el teixit cultural de la ciutat i del territori, un acte celebrat a la Seu Vella que va aplegar una setantena de professionals.

En el decurs d’aquesta edició de Som Cinema (Festival de l’Audiovisual Català) s’han projectat 57 pel·lícules (14 llargmetratges i 43 curts) de Catalunya, Balears i València. Cal recordar que el festival està organitzat per Suggeriments, amb el suport de l’Ajuntament de Lleida, l’Institut d’Estudis Ilerdencs de la Diputació de Lleida, la Universitat de Lleida i la Fundació Horitzons 2050.

SITGES PREMIA EL FILM “EL BAÑO DEL DIABLO”

14 octubre 2024 – El drama de terror psicològic “El baño del diablo”, dels austriacs Veronika Franz i Severin Fiala, es va alçar amb el premi a la millor pel·lícula del 57è Festival de Cinema Sitges i amb el premi de la crítica José Luis Guarner al millor llargmetratge de la secció oficial fantàstic competició.

Ambientat a mitjans del segle XVIII, Agnes, una dona noucasada, descobreix les opressives obligacions que comporta la seva vida matrimonial. Quan cau en una depressió, un pensament inefable comença a formar-se a la seva ment. En aquest film pacient però angoixant, el duo responsable de “Buenas noches, mamá” s’inspira en fets reals per elaborar un punyent retrat psicològic del malestar femení.

BIARRITZ PREMIÓ EL FILM DE CELINA MURGA

29 septiembre 2024 – La más reciente película de la cineasta argentina Celina Murga logró en Biarritz el Premio del Jurado de Ficción. “El Aroma del Pasto Recién Cortado” es una coproducción entre Argentina, México, Uruguay, Alemania y los Estados Unidos, además de que ha sido apoyada por el director Martin Scorsese. Sus intérpretes principales son Joaquín Furriel, Marina de Tavira, Alfonso Tort y Romina Peluffo.

Precisamente, el film ha obtenido este año el premio al mejor guion en la competición internacional del Festival de Tribeca.

El Abrazo al Mejor Filme de Ficción fue para “Baby”, de Marcelo Caetano (Brasil, Francia), mientras que el Premio al Mejor Documental recayó en “Oasis”, una película de los chilenos Tamara Uribe y Felipe Morgado.

Por su parte, el film documental argentino “Una canción para mi tierra”, de Mauricio Albornoz Iniesta (Argentina, Alemania y Colombia), recibió una Mención Especial por parte del jurado.

En Biarritz, los Rencontres de l’IHEAL celebraron sus jornadas, según ellos dijeron para tratar de “comprender qué significa el «mileísmo» y tomar la medida de las brutales transformaciones que afectan actualmente a la sociedad argentina”. Y es por ello que coincidiendo con el acto, se proyectó la película “Memoria del saqueo – Argentina, el atraco del siglo”, dirigida en 2004 por Fernando «Pino» Solanas, que desentraña, uno a uno, los mecanismos que condujeron al desastre económico de Argentina ocurrido en diciembre del año 2001.

Los Rencontres de l’IHEAL son organizados y moderados por Olivier Compagnon, Profesor de Historia en la Universidad de la Sorbonne Nouvelle (Instituto de Altos Estudios de América Latina) y miembro del Instituto Universitario de Francia, para quien la llegada de Javier Milei a la presidencia de la República en diciembre de 2023 marcó un punto de inflexión en la historia de la Argentina contemporánea. “En pocos meses, Milei, que se proclama a la vez libertario y anarcocapitalista, comenzó a aplicar un programa que redujo drásticamente el gasto público y puso patas arriba todos los sectores de la sociedad” -constataba Compagnon-.

Asimismo, el Festival francés dedicó un ciclo de cine especial de ocho películas argentinas, con motivo de la situación excepcional que el país padece. Esos films fueron: “El Ángel”, de Luis Ortega (2019), “Carancho”, de Pablo Trapero (2010), “El Estudiante”, de Santiago Mitre (2011), “El Hombre que Amaba los Platos Voladores”, de Diego Lerman (2024), “Nueve Reinas”, de Fabián Bielinsky (2000); “Puan”, de María Alché y Sebastián Naishtat (2023), “Que sea ley”, de Juan Solanas (2019) y “Relatos Salvajes”, de Damián Szifron (2014).

SAN SEBASTIÁN PREMIÓ A “EL JOCKEY”

29 septiembre 2024 – El jurado de Horizontes Latinos del Festival de cine de Donostia (Zinemaldia) concedió su premio anual a la película de suspenso y comedia “El Jockey”, dirigida por al argentino Luis Ortega y protagonizada por el actor Nahuel Pérez Biscayart y la actriz de origen español Úrsula Corberó.

La película desarrolla una trama en la que un jockey legendario tiene un comportamiento autodestructivo, amenazando así la relación con su novia, Abril, pero el día de la carrera más importante de su vida deportiva, que lo liberará de sus deudas con su jefe mafioso Sirena, sufre un grave accidente, desaparece del hospital y deambula por las calles de Buenos Aires. Libre de su identidad, comienza a descubrir quién está destinado a ser en realidad. Entretanto, Sirena quiere encontrarlo, vivo o muerto.

Como suele ocurrir cada año, la participación de películas argentinas en San Sebastián fue muy numerosa, pero la delegación argentina alertó sobre la situación actual en un comunicado en el que, entre otras cosas, se señalaba: “En la próxima edición no habrá 26 películas. Probablemente haya 5, 2, ninguna. Imaginemos lo que eso significa en los cines de la Argentina, sin películas nacionales que proyectar, en las que nuestro público pueda verse, pensarse”.

Y contra todo pronóstico, la película ganadora de la Concha de Oro fue el documental de Albert Serra, “Tardes de Soledad”, que desarrolla la vida del torero Andrés Roca Rey durante un día de corrida, desde que se viste de luces hasta que se desviste. El director catalán competía por primera vez en este certamen cinematográfico y quiso poner el énfasis en que no pretendía juzgar a su personaje ni a la tauromaquia, añadiendo que cada espectador saque sus propias conclusiones.

VENECIA PREMIÓ “LA HABITACIÓN DE AL LADO”

8 septiembre 2024 – Pedro Almodóvar consiguió por fin lo que perseguía desde hace muchos años: ganar el premio principal en algún festival de cine de prestigio internacional. Y eso ocurrió al término de la 81 edición de la Mostra de Venecia, cuando el jurado presidido por Isabelle Huppert anunció los galardones encabezados por el León de Oro para su “La habitación de al lado”.

En la película, las actrices Julianne Moore y Tilda Swinton encarnan, respectivamente, a Ingrid y Martha, quienes fueron amigas íntimas en su juventud, cuando trabajaban juntas en la misma revista. Ingrid se convirtió en novelista de autoficción y Martha es reportera de guerra. Con el tiempo, las circunstancias de la vida las separaron. Tras años sin contacto, se reencuentran en una situación extrema, pero extrañamente agradable.

Sobre este proyecto ahora premiado, Almodóvar ha dicho: “The room next door” es mi primer largometraje en inglés. Mi inseguridad desapareció tras mi primera lectura de mesa con las actrices, con el intercambio de las primeras indicaciones. El idioma no iba a ser un problema, y no porque yo domine el inglés, sino por la total disposición de todo el reparto a entenderme y a facilitarme que los entendiera”.

“La gente habla mucho en mis películas. Entre todos los elementos narrativos (todos ellos importantes y en los que me implico sin reservas), son los actores los que realmente cuentan la historia. En “La habitación del al lado”, Tilda Swinton y Julianne Moore llevan el peso de toda la película sobre sus hombros, y son un espectáculo. He tenido la suerte de que ambas den un verdadero recital. En algunos momentos del rodaje, tanto el equipo como yo estuvimos al borde de las lágrimas viéndolas. Fue un trabajo muy conmovedor y, en cierto modo, bendecido”.

BIARRITZ ACOGE FILMES ARGENTINOS

5 septiembre 2024 – El Festival de Cines y Culturas de América Latina de Biarritz (Francia) proyecta del 21 al 27 de septiembre unas cuantas películas argentinas repartidas en las distintas competiciones que componen la edición correspondiente a este año 2024.

FICCIÓN A CONCURSO

— EL AROMA DEL PASTO RECIÉN CORTADO
Dirigida por Celina Murga
Argentina – Uruguay – Alemania – México – Estados Unidos – 112′
Estreno en Francia

Pablo es un profesor universitario casado y con dos hijos. Comienza una relación secreta con una alumna, sin prever las repercusiones. Al mismo tiempo, Natalia, también profesora universitaria, casada y con dos hijas, inicia un romance secreto con un estudiante. Dos historias que se entrecruzan y se reflejan: una centrada en un hombre, la otra en una mujer.

DOCUMENTALES A CONCURSO

— IMPRENTEROS
Dirigido por Lorena Vega
y Gonzalo Javier Zapico
Argentina – 72′
Estreno Internacional

Lorena, Federico y Sergio son hermanos. Están preparando una obra de teatro sobre la imprenta de su difunto padre, un lugar al que ya no tienen acceso. Cuando se desata la pandemia, ya no pueden actuar en el escenario y deben encontrar una nueva forma de seguir contando su historia familiar.

— SAPOS – MOMENTOS DE INFANCIA EN DICTADURA
Dirigida por Lucas Brunetto
Argentina – 64 minutos
Estreno europeo

Cuarenta años después del retorno de la democracia a Argentina, Lucas, Sonia, Tália, Iván, Nadia, Damián y Bruno se reúnen para compartir sus recuerdos de infancia bajo la dictadura. Sus testimonios se combinan con los archivos familiares para crear un relato colectivo.

— UNA CANCIÓN PARA MI TIERRA
Dirigida por Mauricio Albornoz Iniesta
Argentina – Alemania – Colombia, 93′
Estreno mundial

Ramiro Lezcano, un profesor de música de una zona rural de Argentina, se sorprende al descubrir que los aviones están fumigando con pesticidas cerca de las escuelas, poniendo en peligro la salud de sus alumnos. En respuesta, él y los niños componen canciones para denunciar el problema, pero su iniciativa se topa con la feroz resistencia de la comunidad local. Para hacer oír su protesta, Ramiro decide organizar un concierto en un descampado: un «Woodstock medioambiental».

CORTOMETRAJE A CONCURSO

— ALGO NUEVO
Dirigido por Emilia Mark
Argentina – 2023
Estreno mundial

Dos hermanos, separados por una gran diferencia de edad, se encuentran gracias a unos objetos robados y a un proyecto literario.

AVANT-PREMIERES

— LOS DOMINGOS MUEREN MAS PERSONAS (Yo, mi madre y los demás)
Dirigida por Iair Said
Argentina – Italia – España – 75′
Cannes 2024 (ACID)

David, un treintañero gay con sobrepeso y un miedo enfermizo a volar, regresa a regañadientes a su Argentina natal para asistir al funeral de su tío. Allí se reencuentra con su madre y su familia judía, mientras emprende una búsqueda por Buenos Aires para aliviar su ansiedad.

— SIMÓN DE LA MONTAÑA
Dirigida por Federico Luis
Argentina – Chile – Uruguay – México – 97′
Gran Premio de la Semana de la Crítica – Cannes 2024

Simón tiene 21 años. Se presenta como mozo de mudanzas. Dice que no sabe cocinar ni limpiar un baño, pero sí hacer una cama. Desde hace algún tiempo, parece estar convirtiéndose en otra persona…

Cine-concierto: MOSAICO DE ARGENTINA

Más de 100 años después de la invención del cinematógrafo, la preservación de nuestro patrimonio audiovisual sigue siendo esencial. En Argentina, a pesar de la pérdida del 90% de las películas mudas, se han tomado iniciativas para recuperar y restaurar algunos filmes, entre ellos los 5 cortometrajes que se presentarán durante el cine-concierto. Estas obras estarán acompañadas por Hubert Plessis (bandoneón) y Louise Grevin (violonchelo), con música de Bach, Haendel, Gardel, Piazzolla y composiciones originales.
El acto tiene lugar el domingo 22 de septiembre a las 18:00h en el Village del Festival (Teatro del Casino Municipal).

CINE ARGENTINO: COMUNICADO DE CAIC

28 julio 2024 – (Comunicado de la Cámara Argentina de la Industria Cinematográfica – CAIC) **Lamentamos profundamente confirmar en la lectura del decreto 662/2024, la decisión del ejecutivo de provocar, -ya sea por ignorancia o por decisión consciente-, un daño irreparable al tejido productivo cinematográfico.

Lamentamos también constatar que las promesas de diálogo de las autoridades del INCAA y legisladores de LLA hayan resultado ser solo una maniobra dilatoria para instaurar, a través de un decreto que traiciona el espíritu y la letra de la Ley de Cine, lo que no lograron a través de los canales democráticos.

El decreto confunde conceptos, desconoce las herramientas de fomento utilizadas en todo el mundo y declara querer incentivar un semillero de talentos al mismo tiempo que desalienta las coproducciones internacionales y decreta, en forma autoritaria, la cantidad de películas e inversiones que una productora nacional puede generar, poniendo así en riesgo, no solo la continuidad de dichas empresas productoras sino también el ingreso de capitales y la generación de puestos de trabajo.

Como siempre, quedamos abiertos al diálogo constructivo que permita desarrollar las herramientas adecuadas para el crecimiento de nuestra industria. (fin del comunicado)