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Conversando con Juan Carlos Rulfo sobre «Carrière, 250 metros»

julio 23, 2012 ENTREVISTAS

Estrenado en México el 2 de octubre de 2015
250 metros es la distancia que separa el lugar de nacimiento del escritor y cineasta francés Jean-Claude Carrière del que será su destino final, el panteón familiar en el cementerio.
En un trabajo documental encargado por la productora Natalia Gil Torner, Juan Carlos Rulfo refleja una especie de bitácora de viaje a partir de siete cartas que el protagonista dirige a sus hijas. Casa América Madrid le dedicó nada menos que cuatro días consecutivos de proyecciones y ya antes, en septiembre de 2011 fue presentado en San Sebastián.

En las cartas Carrière explica las experiencias y sensaciones vividas en su impresionante periplo repetitivo, idas y venidas que incluyen el acompañamiento de los guiones de los filmes de Luis Buñuel de la segunda parte de la década de los ’60 cuyo fruto hoy está presente en películas como «La vía láctea», «El discreto encanto de la burguesía», «Ese oscuro objeto de deseo» o «Bella de día».
Durante el documental lo vemos con importantes figuras que son pasado y presente en su vida como Peter Brook, Milos Forman y Mary Ellen Mark.

Transmitir sentimiento y emoción a los actores a través del guión para que éstos lo sepan interpretar ha sido siempre su mayor obsesión, también en las adaptaciones de novelas que ha hecho para el cine en filmes como «El tambor de hojalata» de Volker Schlöndorff, «Danton» de Andrzej Wajda, «La insoportable levedad del ser» de Philip Kaufman y la que Henning Carlsen hizo en 2011 de «Memorias de mis putas tristes» de Gabriel García Márquez.

En Cinestel hemos ido siguiendo los trabajos cinematográficos de Juan Carlos Rulfo y en esta ocasión comenzamos pidiéndole que nos hable sobre cómo se fraguó este proyecto:
«Fue muy bueno trabajar con Jean-Claude, fue una invitación de una mujer que se llama Natalia Gil que es muy amiga de él y que es una mujer llena de relaciones y de amistades muy particulares como es Raghu Rai o Suresh Jindal, el fotógrafo y el que fuera productor de la película «Gandhi» y, de repente, junto con otra persona que hace comerciales acá en México, fueron a visitarlo para platicarle de hacer otro proyecto y en ese camino, en varias cenas y pláticas sobre el proyecto, le propusieron hacer algo sobre sus memorias, algo así como Mi último suspiro pero sin que sonara a Mi último suspiro, el libro de Buñuel, y nació la idea de hacer una historia sobre siete cartas. Natalia le dijo a Jean-Claude que por qué no seleccionaba siete lugares y que fuera una especie de legado para sus hijas, una especie de instrucciones para viajar y encontrar estos lugares para cuando ellas crecieran. Una tenía 7 años y él tiene 80, ya ves, tuvo siete y ésta es muy chiquita. Tiene una nueva mujer, muy guapa, de 48 años. Él tiene otra hija de 48 años también y había como un espejo ahí muy curioso.

Se arma la idea y Jean-Claude se pone a escribir. Con el paso del tiempo a mí me invitan a trabajar porque Natalia anduvo buscando quien lo pudiera producir y Simón Bross, que es uno de los publicistas más fuertes de México, aceptó hacerla, tomó la batuta y conseguimos financiamiento.
Supuestamente somos co-directores Natalia y yo pero hubo ahí una mezcolanza de actividades por la que yo me dediqué a hacer la película y ella se dedicó más bien a ser parte de los traductores y coordinar las cosas junto con Simón.

Al principio, por falta de financiamiento, comenzamos por México (era más fácil traer a Jean-Claude a México que nosotros ir para allá) y poco a poco fue agarrando fuerza, tomando más confianza para que la película tuviera sentido porque eran unos textos muy largos, las siete cartas que escribió tenían un volumen como de sesenta páginas y era muy prosaico, muy bonito, pero había que volverlo película por eso tuvimos que seleccionar algunos fragmentos de esos textos por parte de mi mujer, que es la editora, Valentina Leduc, quien tuvo que hacer un trabajo muy particular de síntesis y fue más bien la idea de ir a esos lugares con una mediana guía de lo que las cartas decían de qué es lo importante y qué es lo que hay que ver y la voz off se fue convirtiendo en lo que era esa selección de las cartas. Hay una segunda línea narrativa que es lo que Jean-Claude decía en esos lugares como ocurrencia de lo que le sugerían y luego estaba la acción de lo que le pasaba a él en esos lugares.

Esos tres niveles fueron los que llevamos y lo bonito era que ya en el montaje, cuando te aburres de un lugar puedes ir a otro y cuando se agota ése puedes ir al otro y empiezas a construir como una bola de nieve que no se detiene y pudiéramos haber seguido viajando y podríamos haber hecho una serie de televisión, porque la vida es así y está llena de historias que contar aquí y allá sobre todo cuando tienes la edad de Jean-Claude con su adicción a buscar cuentos, a buscar historias, que a mí me fascinaba.

Fueron más o menos doce semanas de rodaje y ocho meses de edición. Buscamos entrar en Cannes pero fue cuando México se peleó con Francia por un caso muy particular de una tal Florence Cassez. Iba a ser el año de México en Francia y se cayó todo eso.
No pudimos estrenar allí, que hubiera sido lo ideal porque el protagonista es francés, y nos invitaron a San Sebastián. Y allí fue donde, en su 80 aniversario, se presentó la película. A partir de ahí ha tenido presentaciones muy especiales y yo me he seguido fascinando con esta idea de que es un guionista que está tratando de hablar, que está construyendo una película que no tiene guión y que, por un lado, ha sido como una clase para los dos de que él por primera vez esté tratando de participar como consejero para contar su propia historia y uno pues tratando de ver cómo jugar con todas estas piezas y tratando de que de repente si hay algún problema pedirle a Jean-Claude que juntos lo solucionemos en términos creativos.

Finalmente él no intervino tanto, fue al final de la película cuando nos reunimos, cuando ya estaba editada para decirle ¡oye, aquí está armado con el texto que tu nos diste, tal vez podemos cambiar algunas frases o cosas para que la película acabe de amarrar! tratándole de dar un final que tuviera relación con un texto sufí que tiene que ver con los siete valles, los pájaros que viajan por los siete valles y esos valles son como una metáfora de las cartas y que, al llegar al final de estos siete valles, te encuentras contigo mismo, y eso le quedaba un poco más claro.
Al final, tú recorres una serie de aventuras e historias para encontrarte contigo mismo y tratar de ver quién eres. Ése es un poco el mensaje.

– Imagino que el trabajo más arduo y complicado consistió en hacer una síntesis de todo lo que estuvisteis filmando.

Claro, sí. Muchas veces no había tanto que hacer. Un caso muy concreto fue lo que pasó en Toledo donde había la anécdota de ese viaje que hacían Buñuel, Lorca y Dalí y a partir de ahí, cuando Buñuel lo invitó a viajar a este ritual, era difícil porque era todo de memoria. No íbamos a poder hacer una puesta en escena de los tres caminando y Buñuel vomitando en la esquina.
Ése fue el ejemplo del lugar más duro, más difícil de poder sacar el cuento. Entonces intentamos inventar y ser simpáticos y al mismo tiempo solemnes y cuidar un poco la memoria, pero no hay mucho más que decir.
Lo mismo pasaba dentro del teatro donde él estaba con Peter Brook, un momento que fue muy pequeño.
París,… siempre uno que va a París se antoja tomarle fotos a todo porque es muy fantástica la ciudad y entonces yo ya por fin tenía un pretexto para poder tomar unas imágenes con alguien que le daba peso a esas historias. París es filmable por todas partes aunque siempre eliges las que te parecen mejores.

Recuerdo el momento allí en su casa, en el sur de Francia, con la montaña y las memorias. Hay mucho recorrido para llegar a saber qué es lo más sintético.
Me pasó por primera vez que sí que había algo que no te dejaba divagar, sí te decía que había que ir por tal o cual camino y luego se hizo bastante sencillo. Tal vez India era lo más tremendo porque allí nos estuvimos un mes, entonces pudo haber sido una sola película de la India, pero también si no tienes un pretexto para contar una historia, las piezas sueltas no tienen sentido.
Entonces, el que amarraba todo finalmente era Jean-Claude y la historia de Mahábharata y la de todos esos dioses, y yo lo que quería era que todo lo que se viera fuera un dios. Entonces todo pega ahí y puede ser utilizado siempre y cuando tenga ritmo y te dejes llevar a través de este pretexto que son los dioses que están en todas partes.

Esta unidad en la que todo eso convive fue distinta a mis anteriores películas, «Los que se quedan» y «En el hoyo», donde había muchísimo material, muy rico y muy poderoso y ahí sí que, como dicen en México «parimos chayotes» porque sí habían muchas posibilidades y muchos personajes, fueron dos años de rodaje, en un mismo lugar viendo pasar miles de aventuras y de historias y tener que elegir cuales son las mejores. Fue estar decantándose durante año y medio de edición.
Acá fue el tiempo reflexivo de estar sentado y montar unas piezas como de rompecabezas, pero estaba muy claro el camino. Fue, yo creo, la primera vez y eso me dio mucho gusto.
Por otro lado, una cosa muy importante es que los intelectuales, los escritores, todos los artistas son muy difíciles a veces. Es muy difícil trabajar con un francés si es famoso, por ejemplo, porque tienen un carácter un poco difícil, por no decir insoportable. Jean-Claude es muy amable y fue muy fácil salvar eso. De los 78 a los 80 años, que es cuando estuvimos con él, vimos que se cansa y había que darle sus tiempos pero el señor sigue andando y caminando, sigue su viaje a todas partes y no se cansa, entonces eso se agradece mucho y es lo que facilitó las cosas.

– Y él aparte de haber sido un viajero infatigable, dice que no se siente extranjero en ninguna parte. Es como si fuera un ciudadano del mundo.

Sí, porque su actitud es inmediatamente muy amigable con las cosas. No llega en plan déspota a decir ‘yo soy el que sabe aquí’. Él está bajo un epígrafe que dice en la película que es el de buscar historias que nos hagan mejores y eso es algo que yo siempre intento todo el tiempo que es tratar de buscar a mis amigos, tratar de encontrar relaciones que te ilustren, que te den más sobre la vida. A través de conocer otras culturas, te conoces mejor a ti. Es como el conocer muchos idiomas, poder hablar muchas lenguas, que te abre la cabeza o el entendimiento de las formas de pensar.
De la misma manera, viajar con esa perspectiva como es la que se plantea en Toledo, de viajar sin ver, estar, sentirte y saber dónde estás sin necesariamente dejarte apabullar por la belleza del mundo, eso es una gran cosa. Es más, yo creo que ya no se puede viajar igual, ya no se puede viajar como los japoneses que recorren miles de kilómetros para ir a tomarse la foto y regresar, sin haber sentido realmente lo que es ese lugar, sienten que no fueron si no tomaron esa fotografía.

Aquí el ejercicio es no ver, estar ahí, sentir que estuviste ahí pero sobretodo hacer un experimento contigo y tu acumulación de cosas en la vida como para poder decirle al porvenir, a tus hijos en ese sentido, que hay historias que hay que buscar y hay momentos de auto-conocimiento que hay que desarrollar. Yo creo que es uno de los grados más sabrosos de la literatura y del arte, poderte tocar, poderte sentir contigo mismo, trabajar eso mientras tu viajas y alguien esté contigo. Y gastarse un dineral para hacer un viaje a no sé donde, a India, Siberia o a donde sea, nada más para ver el templo de fulano de tal. Algo te debe pasar, seguramente no es el viaje, algo te está pasando y se trata de eso, se trata de ese auto-conocimiento y es muy bonito.

– Buñuel también es México y por eso te pregunto qué tan conocido es entre los mexicanos actualmente.

Mucho. Para la comunidad cinematográfica es único y representa toda una época. Es de una generación que hizo un tipo de cine muy particular sobre México, que tiene una lupa muy particular y lo supo ver de una forma muy especial.
Es un cine muy diferente el que hizo para México que el que hizo fuera de México. «Bella de día» y «El discreto encanto de la burguesía», toda esa serie de películas que hizo cuando estuvo Jean-Claude, por cierto, son películas muy diferentes porque son surrealistas, son difíciles para nuestra gente. En cambio, el cine que hizo él aquí, que es «Los olvidados», «Viridiana»,… pues habla mucho de la vida cotidiana y tú te reflejas porque la conoces, la entiendes. La otra parte de su cine, pues no. Entonces, es curioso, se divide como en dos y como la parte elitista de Buñuel es «Una bella de día» y la parte que toca a la gente y que toca a México, pues «La ilusión viaja en tranvía» o «Los olvidados».

Entonces sí tiene como dos públicos pero es muy conocido y mi manera de poderle decir a la gente que estoy haciendo una película con Jean-Claude Carrière y me preguntan ¿quén es ése? y les digo que fue el mayor guionista de Buñuel que hizo las películas fuera de México, y entonces me dicen ‘ah, ok’, el que hizo «El último suspiro»; ‘ahh, claro’; pero en ese sentido es la referencia y yo creo que a Jean-Claude no sabía si en cierta forma le pesaba que su vida fuera reconocida gracias a Buñuel, pero no, resulta que él lo acepta y está feliz y muy orgulloso de que finalmente Buñuel fue quien le abrió la puerta a todo este mundo.
Dice que le enseñó mucho y como él dice, el mejor maestro es el que recuerdas incluso cuando ya no está presente.

– Y del reencuentro con viejos amigos se plantea un poco la perspectiva de qué es lo que has conservado y en qué has cambiado también. ¿Carrière te hizo algún comentario fuera de cámara al respecto?

Sí, por supuesto e incluso están filmados también muchos de estos momentos, como por ejemplo el caso particular de Peter Brook que es la persona con la que más trabajó en unos 30 años. ¿Te imaginas esa cantidad de años con una sola persona haciendo teatro, con la intensidad que es el teatro y la cantidad de horas y de tiempo que pasaron juntos ahí?

Cuando terminamos de filmar y estábamos todavía ahí recogiendo el equipo, él estaba llorando. Por un lado, lo que sintió a lo largo del rodaje es que tal vez será como la despedida. Tal vez ya no volverá a Teotihuacán en México, tal vez ya no iba a volver a Oaxaca, tal vez ya no iba a volver a ver a Peter Brook, o volver a la India o a Toledo, porque él es consciente de que tiene una edad bastante avanzada pero ahora está muy bien.
Se operó la rodilla y por eso en todo el rodaje cojeaba un poco, teníamos un tiempo contado de andar caminando con él, unas tres horas al día y después había que descansar, estar sentados, platicar un poco de otras cosas pero bajo ese espíritu incansable de estar siempre buscando. Sí había como esta sensación de copiar también lo que le decía Buñuel de que siempre que sales de detrás de algún lugar, te despides, y hay despedidas que son para después y otras que son definitivas y entonces sentíamos que había momentos mucho más fuertes donde se presentía esa definitiva y quizá era en lugares donde había estado con Buñuel, como el caso de San José Purúa donde ya, por cierto, lo tiraron, ya no existe más y en donde en definitiva sí fue su despedida.

Tal vez venga a México. Queremos estrenarla en otro festival, el de Morelia hacia octubre, y bajo ese pretexto sabemos que le gusta, que se renueva esa posibilidad de que no haya sido la despedida definitiva. Por supuesto con Milos Forman, con Peter Brook, con gente del teatro porque está su vida ahí resumida, y los hijos,.. cuando estábamos en el panteón ante su padre y su madre y cuando ve a su hija, porque es una cosa muy extraña que solamente cuando te pasa sí lo puedes explicar, pensar que allí le van a enterrar. Parece como un cuento a veces frívolo, pero hoy sí extraña a su gente y ahí está,… ver a su hija corriendo y diciendo qué bueno que tuve la oportunidad de verla correr y crecer y cómo va conociendo la vida y qué bueno que yo estoy aquí para darle lo que desee.
Todo eso que son las situaciones más cotidianas y aparentemente poco intelectuales, es muy bonito y se ve constantemente.

– ¿Tienes ya en mente algún otro documental?

Sí, ahorita me entraron las ganas, de hecho yo entré a hacer esa película porque, siendo una película de encargo, por supuesto para conocer a Jean-Claude, por los viajes que son atractivos y por conocer otras latitudes que no fueran México que es donde había estado trabajando, pero tenía la curiosidad de imaginar qué es lo que hubiera sido si hubiera viajado con mi padre. Si mi padre hubiera vivido y me hubiera dado la oportunidad de conocer esos lugares por los que viajó y que él conoció, pues hubiera sido fantástico.
Al terminar este rodaje lo que se me antojó fue como recogerme, resguardarme y tratar de hacer una historia sobre, no digo sobre mí mismo, sino sobre las cosas que me interesan, que me han formado y que son tan universales, como son los hijos que son los pilares y las personas que más te mueven, en una especie de mezcla de todos los formatos, de todas las cosas que he aprendido, metiendo en la licuadora todo lo que sé, prender la licuadora y ver qué obtengo.
Donde haya ficción, documental, animación, donde hayan cosas que sean juguetonas pero cuidar la confección del asunto y esto después de haber hecho otra película que se llama «De Panzazo», una película sobre la educación que fue algo muy duro porque se hizo como rodaje paralelo, la de Carrière y ésta sobre educación que tiene mucho que ver con una película gringa en donde se hace referencia a lo que está pasando a nivel educativo en México y las cosas se pusieron pesadas en varios niveles. Todo eso fue un proceso y yo tengo ganas como de regresar a uno mismo y valorar lo que tiene.

– Escuché hablar a tu padre en una entrevista en la que aseguraba haber destruido aquellas obras literarias escritas por él que no le gustaban. ¿Esto fue así, tan contundente? ¿Es una manera de darle mucha importancia a lo que estás queriendo transmitir?

Pues tal vez. Lo que pasa que esa función de que alguien destruye algo pues es, quien sabe si ocurrió, quizás sí quizás no, pues es algo muy provocativo y muy evocativo.
Entonces, lo mismo que podrías recorrer los lugares que posiblemente él conoció y que, de alguna manera, son como fuentes de ideas. Entonces yo tengo una serie de cartas que le escribió a mi madre y que están publicadas y que hablan de lugares y de sensaciones que finalmente también son la creación de esta familia en la que estoy.
Eso es lo bonito. Finalmente es como hacerte dudar la memoria de las cosas que te construyen, como los trovadores que van cantando la canción por aquí y por allá porque lo que quiero es seguir permitiendo esa memoria y eso es lo que choca desde un principio.

Me motivaba muchísimo la historia de los viejos. Mis dos primeras películas hablan de eso; no de mi familia pero sí del contexto en el que crecieron y eso a mí siempre me ha gustado: escuchar hablar a la gente y que lo que dice esa gente tiene que ver con lo que a uno le interesa del desarrollo de uno mismo viendo cómo crecen los chicos y al verlo uno se recuerda de cómo creció y entonces uno se recuerda del padre que le vio crecer a uno. Hay toda una serie de espejos ahí que te regresa a las pequeñas cosas.
Hubo una vez en Casa América una conversación sobre eso, sobre las pequeñas cosas, y se me hacen fundamentales porque siempre está el rescate de lo más cotidiano, que se nos olvida porque siempre estamos buscándole la gran historia y tal vez la gran historia no existe sino hasta que tu tal vez te mueres o vives ese gran evento que te cambia totalmente el rumbo de la vida, pero merece transcurrir. Siempre hay ese tipo de cosas muy pequeñas, muy insignificantes que es esto que tal vez hizo Jean-Claude que es la insignificancia de los grandes momentos, y es muy interesante. De repente a mi hija le pregunto constantemente ¿te acuerdas de tu primer recuerdo? y bueno, todo lo que me dice de ese primer recuerdo que hace evocarle a uno, es interesante tratar de sacarle ese tipo de historias a la gente y cuando logran hablar de eso pues para mí es fascinante.

©José Luis García/Cinestel.com

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL.COM/ FUNDADA EN JULIO 2005

FILMOTECA CATALUNYA: FEBRER 2023

Història permanent del cinema català

Finestra oberta a la visibilització del patrimoni audiovisual que preserva la Filmoteca, gràcies al pla de sistemàtic de digitalització dels fons fotoquímics que es duu a terme amb la col·laboració de l’Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya, l’ESCAC. Aquest nou cicle presentarà un cop al mes els títols que es vagin digitalitzant. L’obre, aquest mes de febrer, “A tiro limpio” (1964), un clàssic del cinema policíac barceloní realitzat per Paco Pérez-Dolz, també autor del curtmetratge didàctic “Lecciones de cinematografía”, que completa una sessió presentada per Ferran Alberich, recent Premi Nacional de Patrimoni Cinematogràfic del ministeri de Cultura i responsable del pla de digitalització.
(més informació)

Elles tenen la paraula. Dones guionistes al Hollywood silent

Cicle que al llarg de tot l’any reivindicarà les guionistes que la jove indústria cinematogràfica del Hollywood dels anys 20 va contractar per adaptar les seves produccions als gustos d’un públic majoritàriament femení. Hi seran presents vuit de les més significatives i prolífiques, que, en alguns casos, també eren directores: Lenore J. Coffee, Lois Weber, June Mathis (Ben Hur), Agnes Christine Johnston (Show People) o Clara Beranger (Dr. Jekyll and Mr. Hyde). L’encarregada d’obrir la programació és la professora de la Universitat de Pàdua i autora d’un assaig revelador sobre aquest aspecte poc reconegut de les cineastes pioneres, Giuliana Muscio, que presenta tres sessions dedicades a Frances Marion (Love, adaptació d’Anna Karénina), Anita Loos (The Half-Breed, vehicle de lluïment per a Douglas Fairbanks) i Jeanie MacPherson (Joan the Woman, recreació històrica de Joana d’Arc dirigida per Cecil B. DeMille). (més informació)

Lindsay Anderson

El centenari del naixement d’un dels fundadors del Free Cinema anglès propicia aquesta retrospectiva. Primer com a escriptor i teòric cinematogràfic destacat i després com a director de documentals i llargmetratges, Anderson va contribuir a la introducció d’una nova generació d’actors, a la normalització dels rodatges en exteriors i al desenvolupament dels recursos narratius i les temàtiques polèmiques característics de la modernitat. Una filmografia que aposta pel realisme social, amb voluntat de trencar amb el cinema conformista i Malcolm McDowell com a actor fetitxe. (més informació)

Carta blanca a Marta Esteban

La productora catalana ha fet la tria de títols per a un cicle fet a la seva mida. Entre els seus gustos cinèfils hi trobem Peter Greenaway, Mike Leigh, Lars Von Trier, Patrice Chéreau, Coppola o Alain Tanner: no és casual que un dels films del cineasta suís, “Messidor” (1978), donés nom a una de les seves empreses de producció. De la seva faceta professional ha seleccionat l’aventura internacional amb Ken Loach a “Land and Freedom”, o la fidel complicitat amb el director Cesc Gay, de qui es podrà veure un dels seus frescos corals, “En la ciudad”.
(
més informació)

Barcelona Negra

La Filmoteca reprèn la col·laboració amb el festival de literatura policíaca BCNegra amb la complicitat de tres dels autors homenatjats en l’edició d’enguany: l’italià Leonardo Sciascia, adaptat per Francesco Rosi a “Cadaveri eccellenti”; el cubà Leonardo Padura, i la marsellesa Dominique Manotti. Aquests dos novel·listes presentaran personalment les seves adaptacions de “Vientos de La Habana” i d’“Un affaire d’état”.
(més informació)

Dies curts: Xacio Baño

Associat al Novo Cinema Galego, el seu és un cinema fet a foc lent, d’atmosferes íntimes, que juga amb les diverses formes de la ficció i el documental. Cinema com a memòria, com a lluita contra l’oblit i cerca de la identitat. Podrem veure una selecció de quatre curts del cineasta gallec, imatges descartades de la seva obra i un avançament del seu nou curt en postproducció, “Non te vexo”, assaig fílmic sobre la imatge negada. Com a complement, el 10 de febrer es podrà veure el seu primer llarg de ficció, “Trote”. (més informació)

I també…

Todd Solondz és el protagonista de la retrospectiva del festival Americana que acull la Filmoteca. El seu darrer despietat retrat de la societat nord-americana, “Wiener-Dog” (2016), inaugura el cicle amb la presència del director el darrer dia de febrer, com a prèvia del festival, i continuarà amb les projeccions el mes de març. (programa)

La presència de Giuliana Muscio, especialista en les relacions entre el cinema italià i el nord-americà, per presentar el cicle dedicat a les guionistes del Hollywood mut, ens ofereix l’oportunitat de presentar un documental seu dedicat a Enrico Caruso. Realitzat el 2021 amb motiu del centenari de la seva mort, es centra en l’experiència americana d’aquest divo que va contribuir com ningú a popularitzar l’òpera.

Darreres projeccions de la retrospectiva i la Carta blanca dedicades a Pedro Costa, encetades al gener en paral·lel a l’exposició Cançó de Pedro Costa de La Virreina. Centre de la imatge. Entre d’altres s’hi podran veure el seu darrer film, “Vitalina Varela”, i “Trás-os-Montes”, de Margarida Cordeiro i António Reis, que reconeix com una de les grans influències de la seva obra. (programa)

L’impuls nòmada de Jordi Esteva és un petit cicle que ens acosta l’obra d’aquest escriptor, fotògraf i cineasta especialitzat en el documental antropològic. Són tres films rodats en blanc i negre, seguint l’estètica dels seus treballs fotogràfics, a zones remotes de la Costa d’Ivori, l’illa de Socotra i al Chocó colombià, amb la recerca d’uns mons que desapareixen com a nexe comú. (programa)

Fundador i principal impulsor de la Cinemateca de Toulouse durant uns trenta anys, Raymond Borde va ser un intel·lectual compromès amb l’esquerra, membre del Partit Comunista Francès fins el 1958, proper a André Breton, crític cinematogràfic important de la revista Positif durant els anys cinquanta, i especialment de “Les Temps modernes” dirigida per Jean-Paul Sartre. Ara el llibre Raymond Borde, une autre histoire du cinéma, el reivindica i es presentarà a la Filmoteca en una sessió de peces relacionades amb la seva trajectòria i una altra en què es projectarà un film que admirava, “Gilda”. (programa)

L’artista Javier Codesal, especialitzat en les representacions no canòniques dels cossos i el tractament renovat d’algunes tradicions socials i culturals, presenta el seu documental “Evangelio Mayor”, sobre l’envelliment en el context de les persones LGTBIQ+. (programa)

La sessió d’aquest mes de Fantasmagories del desig ofereix “La niña santa”, on Lucrecia Martel explora els laberints del desig. La presentarà la psicoanalista i membre de l’Associació Mundial de Psicoanàlisi (AMP) i de l’Escola Lacanina de Psicoanàlisi (ELP), Irene Domínguez. (programa)

ENTREVISTAS

“Natalia, Natalia”, rompedor filme policial con Sofía Gala Castiglione

Película Natalia Natalia Entrevista a Juan Bautista Stagnaro

La película renueva el propósito que siempre ha tenido su director de conjugar el arte con la convocatoria, intentando hacer el mejor cine que uno pueda hacer, y ofreciendo historias de ficción que vayan en búsqueda de su público.

CRíTICAS CINE LATINOAMERICANO

“Mato Seco em Chamas” traspasa los límites de la ficción y documental

Reseña de Mato Seco em Chamas Adirley Queiros Joana Pimenta

El sonido del filme es espectacular y envolvente, y la película incluye también en sus más de dos horas y media de metraje distintas piezas musicales a cuyas letras de las canciones será interesante prestarles atención y…

SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

Sylvette Baudrot 260

ALL ROADS LEAD TO BARCELONA

One of the best ways to follow what’s going on at the movie theaters area and what the next innovations are representing for the movies distribution industry, is taking a look at CineEurope coverage released on our site Cinestel.com

Una de les millors maneres de seguir tot el que està passant al voltant del àrea profesional de les sales de cinema i també d’allò que les següents innovacions representen per a la indústria de distribució de pel·lícules, és fent una ullada a la cobertura de CineEurope feta pel nostre lloc web Cinestel.com

This is a links’ summary (most of the reports and interviews are written in Spanish):

Aquest és un sumari en anglès dels enllaços a notícies i entrevistes:

SE ESTÁ CELEBRANDO ISE 2023

1 febrero 2023 – Una vez más está teniendo lugar estos días la celebración en Barcelona de una nueva edición de la feria y congreso audiovisual más importante a nivel mundial.

ISE (Integrated Systems Europe) integra todas los sectores ligados a la comunicación a través de la imagen y el sonido, y entre ellos se encuentra el cine. Dirigido exclusivamente a profesionales, la organización ambiciona crear las oportunidades necesarias para crear un mercado en el cual reunir a compradores y vendedores, así como un foro que regularmente implique un intercambio de ideas entre todas las partes implicadas en el proceso de su desarrollo en el terreno creativo.

PREMIOS FEROZ 2023: FILMS DESTACADOS

29 enero 2023 – ‘As bestas’, mejor película; ‘Alcarràs’, mejor dirección; y ‘Cinco lobitos’, mejor guion, dominaron las categorías de cine de los Premios Feroz de este año, al igual que ocurrió con ‘Competencia Oficial’ como comedia, mientras que ‘La ruta’ y ‘No me gusta conducir’ se alzaron con tres premios cada una, entre ellos los de mejor serie dramática y mejor serie de comedia.

Carla Simón por ‘Alcarràs’ logró el Feroz a mejor dirección, en el año en el que estaban nominadas cuatro mujeres cineastas de cinco candidaturas por primera vez en la historia este tipo de certámenes a nivel internacional.

‘Mantícora’ consiguió dos Lobos de Oro, el de mejor actor protagonista de una película para Nacho Sánchez y el de mejor cartel para el propio director de la cinta, Carlos Vermut. Laia Costa y Susi Sánchez recibieron las estatuillas como mejor actriz protagonista y de reparto en cine, y Alauda Ruiz de Azúa se llevó el Premio Feroz DAMA al mejor guión de una película por ‘Cinco Lobitos’.

Para los miembros de la AICE, el mejor tráiler es la versión final del realizado para ‘Cerdita’ por Marta Longás.
Además, ‘La piedad’ de Eduardo Casanova y ‘La visita y un jardín secreto’ de Irene M. Borrego recibieron los Premios Arrebato, de ficción y de no ficción respectivamente.

Pedro Almodóvar fue el receptor del Premio Feroz de Honor de manos de seis de sus actrices: Julieta Serrano, Rossy de Palma, Bibiana Fernández, Aitana Sánchez-Gijón, Leonor Watling y Milena Smit.

ELS GAUDÍ D’“ALCARRÀS” I “PACIFICTION”

23 gener 2023 – “Alcarràs”, de Carla Simón, i “Pacifiction”, d’Albert Serra, van guanyar els Gaudí a Millor pel·lícula i a Millor pel·lícula en llengua no catalana, respectivament, en una edició, la quinzena, d’uns Premis Gaudí molt repartits que també van reconèixer els mèrits de “Suro”, amb els guardons a Millor direcció novella per a Mikel Gurrea i millors interpretacions protagonistes, i d’“Un año, una noche”, d’Isaki Lacuesta, que es va endur fins a cinc estatuetes.

La cerimònia d’entrega dels XV Premis Gaudí no va deixar pràcticament cap dels títols més nominats sense recompensa: als ja citats cal afegir els dos guardons que es van endur “La maternal”, de Pilar Palomero, i “Los renglones torcidos de Dios”, d’Oriol Paulo.

L’emocionat record a Agustí Villaronga, traspassat el mateix dia de la cerimònia, va travessar una gala que va homenatjar l’estimat cineasta amb sentides paraules al llarg de tota la nit. Referent clau del nostre cinema, deixa un extens llegat de més d’una vintena d’obres reconegudes nacional i internacionalment.

PALMARÈS XV PREMIS GAUDÍ

Millor pel·lícula: ALCARRÀS. Dirigida per Carla Simón, escrita per Carla Simón i Arnau Vilaró i produïda per María Zamora, Stefan Schmitz, Tono Folguera, Sergi Moreno i Oriol Sala-Patau

Millor pel·lícula en llengua no catalana: PACIFICTION. Dirigida i escrita per Albert Serra i produïda per Albert Serra, Montse Triola, Pierre-Olivier Bardet, Dirk Decker, Andrea Schütte, Joaquim Sapinho, Marta Alves i Laurent Jacquemin

Millor pel·lícula documental: EL SOSTRE GROC. Dirigida per Isabel Coixet, escrita per Isabel Coixet i Laura Ferrero i produïda per Isabel Coixet

Millor pel·lícula d’animació: TADEU JONES 3. LA TAULA MARAGDA. Dirigida per Enrique Gato, escrita per Manuel Burque i Josep Gatell i produïda per Edmon Roch, Ghislain Barrois, Alvaro Augustin, Marc Sabé, Nicolas Matji i Javier Ugarte

Millor direcció: Carla Simón, per ALCARRÀS

Millor direcció novella: Mikel Gurrea, per SURO

Millor guió original: Carla Simón i Arnau Vilaró, per ALCARRÀS

Millor guió adaptat: Isa Campo, Isaki Lacuesta i Fran Araújo, per UN AÑO, UNA NOCHE

Millor protagonista femenina: Vicky Luengo, per SURO

Millor protagonista masculí: Pol López, per SURO

Millor direcció de producció: Elisa Sirvent, per ALCARRÀS

Millor curtmetratge: HARTA. Dirigit per Júlia de Paz, escrit per Júlia de Paz i Núria Dunjó i produït per Sergio Grobas

Millor pel·lícula per a televisió: SIS NITS D’AGOST. Dirigida per Ventura Durall, escrita per Jordi Lara i Ventura Durall i produïda per Ventura Durall i Paco Poch

Millor direcció artística: Sebastian Vogler, per PACIFICTION

Millor muntatge: Sergi Dies i Fernando Franco, per UN AÑO, UNA NOCHE

Millor actriu secundària: Ángela Cervantes, per LA MATERNAL

Millor actor secundari: Alex Brendemühl, per HISTORIAS PARA NO CONTAR

Millor interpretació revelació: Carla Quilez, per LA MATERNAL

Millor música original: Raül Refree, per UN AÑO, UNA NOCHE

Millor fotografia: Artur Tort, per PACIFICTION

Millor vestuari: Alberto Valcárcel, per LOS RENGLONES TORCIDOS DE DIOS

Millor so: Amanda Villavieja, Eva Valiño, Alejandro Castillo i Marc Orts, per UN AÑO, UNA NOCHE

Millors efectes visuals: Laura Pedro, per UN AÑO, UNA NOCHE

Millor maquillatge i perruqueria: Montse Sanfeliu i Carolina Atxukarro, per LOS RENGLONES TORCIDOS DE DIOS

Millor pel·lícula europea: CINCO LOBITOS (Espanya)

Premi Especial del Públic: ALCARRÀS. Dirigida per Carla Simón, escrita per Carla Simón i Arnau Vilaró i produïda per María Zamora, Stefan Schmitz, Tono Folguera, Sergi Moreno i Oriol Sala-Pataus

HA MORT EL CINEASTA AGUSTÍ VILLARONGA

22 gener 2023 – Ha mort el cineasta mallorquí Agustí Villaronga, qui anava a complir 70 anys el pròxim dia 3 de març. Entre les nombroses obres cinematogràfiques que formen part del seu llegat destaquen “El Mar” (2000); “Aro Tolbukhin, dins la ment de l’assassí” (2002); “Pa Negre” (2010) i “El ventre del mar” (2021).
En el moment de la seva defunció, encara roman inèdita a les sales la seva última pel·lícula, “Loli Tormenta”, que va ser l’única incursió que va fer en el gènere de la comèdia.

GOYA: “ALCARRÀS” REP ONZE NOMINACIONS

1 desembre 2022 – La pel·lícula de Carla Simón, “Alcarràs”, ha rebut onze nominacions i per la 37ª edició dels Premis Goya 2023 competirà a les màximes categories, entre les quals millor pel·lícula, millor direcció i millor guió original, a més de millor actor revelació (Albert Bosch i Jordi Pujol Dolcet), millor actriu revelació (Ana Otín), millor guió original (Arnau Vilaró i Carla Simón), millor fotografía, millor muntatge, millor direcció de producció, millor direcció d’art i millor so.

“Suro”, del director Mikel Gurrea, ha estat nominada en la categoria de millor direcció novella, mentre que “El Sostre Groc”, d’Isabel Coixet, també té l’opció d’endur-se el premi al millor documental. “As Bestas” (17), de Rodrigo Sorogoyen i “Modelo 77” (16), d’Alberto Rodríguez, són els films que tenen més nominacions.

De les produccions de llargmetratge presentades, 94 són obres de ficció, 63 són documentals i també hi ha 8 cintes d’animació. També concorren al certamen 10 films europeus i 16 produccions iberoamericanes.

En l’apartat de curtmetratges, 55 són de ficció, 23, i 26, propostes d’animació. Pel que fa als guions, de les 165 propostes candidates, 130 són originals i 32 adaptats.

RAMÓN TÉRMENS RUEDA “SOCIETAT NEGRA”

16 noviembre 2022 – Ramón Térmens es un cineasta que gusta de incorporar en sus historias de ficción toda una variedad de personajes que forman parte de muy diversas procedencias. Y eso es precisamente lo que ha hecho en su más reciente película, que ahora está en pleno proceso de rodaje.

“Societat Negra” cuenta la historia de un confidente de la policía y sus dos colegas del barrio, que se atreven a dar un golpe a la mafia china de Barcelona. Las fatales consecuencias no tardarán en perseguirles, pero cual perros callejeros, venderán cara su piel.

Además de Barcelona, la película está siendo rodada en Badalona, Santa Coloma de Gramenet y Sant Adrià del Besòs y con escenarios como el puerto, las Tres Chimeneas donde precisamente Catalunya tendrá próximamente un hub audiovisual, el cementerio de Montjuic o el Chinatown de Badalona.

Rodada en catalán, castellano y mandarín durante seis semanas, la película está producida por Segarra Films y Societat Oculta AIE y cuenta con la participación del ICEC y de TV3. En el reparto están los actores Alberto Jo Lee, Chacha Huang, Daniel Faraldo, Marcos Zan, Montse German, Abel Folk, y María Galiana, entre otros.

MARIO CASAS DEBUTA EN LA DIRECCIÓN

16 noviembre 2022 – El actor Mario Casas comenzó entre Barcelona y Madrid el rodaje de su primer largometraje como director, “Mi soledad tiene alas”, que además coescribe el guion junto a la también actriz Deborah François. Ambientada en los mismos barrios donde Casas pasó su infancia, ‘la película sigue de un modo único a un grupo de chavales que viven la vida al límite y se dedican a robar joyerías hasta que algo se tuerce y tienen que huir del mundo que conocen’.

En palabras del propio Mario: ‘Después de casi tres meses intensos de ensayos, Óscar, Farid y Candela, han conseguido superar todas mis expectativas. Se han convertido en los personajes con una confianza ciega, sensibilidad y una verdad arrolladora. Es lo que siempre había imaginado en los 3 protagonistas. Me siento un privilegiado de poder darle la oportunidad a unos jóvenes, que solo desprenden talento y entrega. Ojalá pueda guiarlos y darles todo lo que ellos me están regalando a mí. Está siendo uno de los viajes de mi vida’.

El proyecto, que se vino cociendo a fuego lento, contó con un larguísimo proceso de cásting de más de un año para rodear a su protagonista (Óscar Casas), de un reparto no profesional con los debutantes Candela González y Farid Bechara acompañándole al frente del título.

PRÓRROGA DE ASIGNACIONES ESPECÍFICAS

30 octubre 2022 – Por fin el Senado de la República Argentina aprobó el proyecto de ley que prorroga hasta el 31 de diciembre de 2072 las asignaciones específicas para industrias e instituciones culturales, con 57 votos afirmativos, 2 negativos y 9 abstenciones. La iniciativa salió adelante gracias a los votos del Frente de todos y de un sector del radicalismo, pues la mayoría de senadores del macrista PRO se abstuvieron, a excepción de dos de ellos que votaron en contra.

El proyecto extiende hasta esa fecha (justo por 50 años) la vigencia de las asignaciones específicas previstas en los incisos b), e) e i) del artículo 4 de la ley 27.432: gravamen de emergencia a los premios de determinados juegos de sorteo y concursos deportivos previsto en la ley 20.630; impuesto a las entradas de espectáculos cinematográficos e impuesto sobre los videogramas grabados previstos en la ley 17.741; e impuesto a los servicios de comunicación audiovisual previsto en la ley 26.522.

De acuerdo con el proyecto, el beneficio continuará “durante la vigencia de los impuestos respectivos, o hasta el 31 de diciembre de 2072, lo que ocurra primero”.

El beneficio servirá para financiar actividades como el cine, los servicios de comunicación audiovisual y las bibliotecas populares.

Además, será distribuido teniendo en cuenta a las diferentes jurisdicciones provinciales, priorizando a “las regiones geográficas de menor desarrollo relativo en materia de producciones culturales”.

Bajo las consignas: «Senadores, voten a favor del pueblo» y «Evitemos el apagón cultural», el Colectivo Unidxs por la cultura se congratuló por el resultado de la votación. Y en un comunicado titulado «Son #50años y es Ley!», entre otras cosas, escribieron: “Luchar sirve, coordinar sirve, hacer asambleas sirve, pensar colectivamente sirve. Contra todos los engaños y las promesas, contra todos los que dijeron que había que conformarse. Frenamos el apagón cultural por 50 años. Con la lucha y la organización de artistas, comunicadores y trabajadores de la cultura en todo el país”.

MILLOR PEL·LÍCULA PER “MI VACÍO Y YO”

23 octubre 2022 – El Festival de l’Audiovisual Català Som Cinema de Lleida confirma el brillant recorregut de la pel·lícula “Mi vacío y yo” per prestigiosos certàmens nacionals i internacionals. El director de la cinta, Adrián Silvestre, i la seva actriu protagonista, Raphaëlle Pérez, van recollir el guardó com a millor llargmetratge de ficció a Som Cinema, de mans del paer en cap de Lleida, Miquel Pueyo. L’alcalde va presidir la cloenda acompanyat de la vicepresidenta 2a de la Diputació de Lleida, Estefania Rufach, de la directora artística del festival, Judith Vives, i del regidor Jaume Rutllant.

“La maternal”, una altra de les pel·lícules catalanes del moment, que s’està presentant en festivals d’arreu del món, va rebre el Premi del Jurat que, a més, va concedir una menció especial per al film “Aftersun”, de Lluís Galter.
Pel que fa als curtmetratges de ficció, el treball guanyador fou “Crisàlides”, dirigit per Marc Camardons i produït per ESCAC Films. Així mateix, es va concedir una menció d’honor al curt “Zama”, de Miguel Àngel Marqués.

Guardons als documentals

“Francesca i l’amor”, el retrat íntim de l’artista plàstica barcelonina Francesca Llopis en el moment que la seva filla deixa el niu i ella s’introdueix en Tinder, va rebre el guardó al millor llargmetratge documental. La seva directora és Alba Sotorra.
En aquest apartat el millor curtmetratge ha estat “S’altra banda”, produït per Escac Films, i dirigit per Sònia Buj. És una història al voltant de Pepe el Malo, un personatge de l’imaginari menorquí.
Durant el festival es va estrenar fora de concurs el documental “El sostre groc”, d’Isabel Coixet, dedicat als abusos comesos en l’Aula de Teatre de Lleida.

En el seu parlament per tancar el festival, Miquel Pueyo va agrair als cineastes la seva aportació amb obres reivindicatives i de denúncia, com “El sostre groc”, i altres de memòria històrica, especialment importants en un context com l’actual que demostra que el feixisme és viu.
Durant la mostra el públic va poder veure prop de 60 treballs arribats de Catalunya, País Valencià i les Illes Balears.