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Conversando con Juan Carlos Rulfo sobre «Carrière, 250 metros»

julio 23, 2012 ENTREVISTAS

Estrenado en México el 2 de octubre de 2015
250 metros es la distancia que separa el lugar de nacimiento del escritor y cineasta francés Jean-Claude Carrière del que será su destino final, el panteón familiar en el cementerio.
En un trabajo documental encargado por la productora Natalia Gil Torner, Juan Carlos Rulfo refleja una especie de bitácora de viaje a partir de siete cartas que el protagonista dirige a sus hijas. Casa América Madrid le dedicó nada menos que cuatro días consecutivos de proyecciones y ya antes, en septiembre de 2011 fue presentado en San Sebastián.

En las cartas Carrière explica las experiencias y sensaciones vividas en su impresionante periplo repetitivo, idas y venidas que incluyen el acompañamiento de los guiones de los filmes de Luis Buñuel de la segunda parte de la década de los ’60 cuyo fruto hoy está presente en películas como «La vía láctea», «El discreto encanto de la burguesía», «Ese oscuro objeto de deseo» o «Bella de día».
Durante el documental lo vemos con importantes figuras que son pasado y presente en su vida como Peter Brook, Milos Forman y Mary Ellen Mark.

Transmitir sentimiento y emoción a los actores a través del guión para que éstos lo sepan interpretar ha sido siempre su mayor obsesión, también en las adaptaciones de novelas que ha hecho para el cine en filmes como «El tambor de hojalata» de Volker Schlöndorff, «Danton» de Andrzej Wajda, «La insoportable levedad del ser» de Philip Kaufman y la que Henning Carlsen hizo en 2011 de «Memorias de mis putas tristes» de Gabriel García Márquez.

En Cinestel hemos ido siguiendo los trabajos cinematográficos de Juan Carlos Rulfo y en esta ocasión comenzamos pidiéndole que nos hable sobre cómo se fraguó este proyecto:
«Fue muy bueno trabajar con Jean-Claude, fue una invitación de una mujer que se llama Natalia Gil que es muy amiga de él y que es una mujer llena de relaciones y de amistades muy particulares como es Raghu Rai o Suresh Jindal, el fotógrafo y el que fuera productor de la película «Gandhi» y, de repente, junto con otra persona que hace comerciales acá en México, fueron a visitarlo para platicarle de hacer otro proyecto y en ese camino, en varias cenas y pláticas sobre el proyecto, le propusieron hacer algo sobre sus memorias, algo así como Mi último suspiro pero sin que sonara a Mi último suspiro, el libro de Buñuel, y nació la idea de hacer una historia sobre siete cartas. Natalia le dijo a Jean-Claude que por qué no seleccionaba siete lugares y que fuera una especie de legado para sus hijas, una especie de instrucciones para viajar y encontrar estos lugares para cuando ellas crecieran. Una tenía 7 años y él tiene 80, ya ves, tuvo siete y ésta es muy chiquita. Tiene una nueva mujer, muy guapa, de 48 años. Él tiene otra hija de 48 años también y había como un espejo ahí muy curioso.

Se arma la idea y Jean-Claude se pone a escribir. Con el paso del tiempo a mí me invitan a trabajar porque Natalia anduvo buscando quien lo pudiera producir y Simón Bross, que es uno de los publicistas más fuertes de México, aceptó hacerla, tomó la batuta y conseguimos financiamiento.
Supuestamente somos co-directores Natalia y yo pero hubo ahí una mezcolanza de actividades por la que yo me dediqué a hacer la película y ella se dedicó más bien a ser parte de los traductores y coordinar las cosas junto con Simón.

Al principio, por falta de financiamiento, comenzamos por México (era más fácil traer a Jean-Claude a México que nosotros ir para allá) y poco a poco fue agarrando fuerza, tomando más confianza para que la película tuviera sentido porque eran unos textos muy largos, las siete cartas que escribió tenían un volumen como de sesenta páginas y era muy prosaico, muy bonito, pero había que volverlo película por eso tuvimos que seleccionar algunos fragmentos de esos textos por parte de mi mujer, que es la editora, Valentina Leduc, quien tuvo que hacer un trabajo muy particular de síntesis y fue más bien la idea de ir a esos lugares con una mediana guía de lo que las cartas decían de qué es lo importante y qué es lo que hay que ver y la voz off se fue convirtiendo en lo que era esa selección de las cartas. Hay una segunda línea narrativa que es lo que Jean-Claude decía en esos lugares como ocurrencia de lo que le sugerían y luego estaba la acción de lo que le pasaba a él en esos lugares.

Esos tres niveles fueron los que llevamos y lo bonito era que ya en el montaje, cuando te aburres de un lugar puedes ir a otro y cuando se agota ése puedes ir al otro y empiezas a construir como una bola de nieve que no se detiene y pudiéramos haber seguido viajando y podríamos haber hecho una serie de televisión, porque la vida es así y está llena de historias que contar aquí y allá sobre todo cuando tienes la edad de Jean-Claude con su adicción a buscar cuentos, a buscar historias, que a mí me fascinaba.

Fueron más o menos doce semanas de rodaje y ocho meses de edición. Buscamos entrar en Cannes pero fue cuando México se peleó con Francia por un caso muy particular de una tal Florence Cassez. Iba a ser el año de México en Francia y se cayó todo eso.
No pudimos estrenar allí, que hubiera sido lo ideal porque el protagonista es francés, y nos invitaron a San Sebastián. Y allí fue donde, en su 80 aniversario, se presentó la película. A partir de ahí ha tenido presentaciones muy especiales y yo me he seguido fascinando con esta idea de que es un guionista que está tratando de hablar, que está construyendo una película que no tiene guión y que, por un lado, ha sido como una clase para los dos de que él por primera vez esté tratando de participar como consejero para contar su propia historia y uno pues tratando de ver cómo jugar con todas estas piezas y tratando de que de repente si hay algún problema pedirle a Jean-Claude que juntos lo solucionemos en términos creativos.

Finalmente él no intervino tanto, fue al final de la película cuando nos reunimos, cuando ya estaba editada para decirle ¡oye, aquí está armado con el texto que tu nos diste, tal vez podemos cambiar algunas frases o cosas para que la película acabe de amarrar! tratándole de dar un final que tuviera relación con un texto sufí que tiene que ver con los siete valles, los pájaros que viajan por los siete valles y esos valles son como una metáfora de las cartas y que, al llegar al final de estos siete valles, te encuentras contigo mismo, y eso le quedaba un poco más claro.
Al final, tú recorres una serie de aventuras e historias para encontrarte contigo mismo y tratar de ver quién eres. Ése es un poco el mensaje.

– Imagino que el trabajo más arduo y complicado consistió en hacer una síntesis de todo lo que estuvisteis filmando.

Claro, sí. Muchas veces no había tanto que hacer. Un caso muy concreto fue lo que pasó en Toledo donde había la anécdota de ese viaje que hacían Buñuel, Lorca y Dalí y a partir de ahí, cuando Buñuel lo invitó a viajar a este ritual, era difícil porque era todo de memoria. No íbamos a poder hacer una puesta en escena de los tres caminando y Buñuel vomitando en la esquina.
Ése fue el ejemplo del lugar más duro, más difícil de poder sacar el cuento. Entonces intentamos inventar y ser simpáticos y al mismo tiempo solemnes y cuidar un poco la memoria, pero no hay mucho más que decir.
Lo mismo pasaba dentro del teatro donde él estaba con Peter Brook, un momento que fue muy pequeño.
París,… siempre uno que va a París se antoja tomarle fotos a todo porque es muy fantástica la ciudad y entonces yo ya por fin tenía un pretexto para poder tomar unas imágenes con alguien que le daba peso a esas historias. París es filmable por todas partes aunque siempre eliges las que te parecen mejores.

Recuerdo el momento allí en su casa, en el sur de Francia, con la montaña y las memorias. Hay mucho recorrido para llegar a saber qué es lo más sintético.
Me pasó por primera vez que sí que había algo que no te dejaba divagar, sí te decía que había que ir por tal o cual camino y luego se hizo bastante sencillo. Tal vez India era lo más tremendo porque allí nos estuvimos un mes, entonces pudo haber sido una sola película de la India, pero también si no tienes un pretexto para contar una historia, las piezas sueltas no tienen sentido.
Entonces, el que amarraba todo finalmente era Jean-Claude y la historia de Mahábharata y la de todos esos dioses, y yo lo que quería era que todo lo que se viera fuera un dios. Entonces todo pega ahí y puede ser utilizado siempre y cuando tenga ritmo y te dejes llevar a través de este pretexto que son los dioses que están en todas partes.

Esta unidad en la que todo eso convive fue distinta a mis anteriores películas, «Los que se quedan» y «En el hoyo», donde había muchísimo material, muy rico y muy poderoso y ahí sí que, como dicen en México «parimos chayotes» porque sí habían muchas posibilidades y muchos personajes, fueron dos años de rodaje, en un mismo lugar viendo pasar miles de aventuras y de historias y tener que elegir cuales son las mejores. Fue estar decantándose durante año y medio de edición.
Acá fue el tiempo reflexivo de estar sentado y montar unas piezas como de rompecabezas, pero estaba muy claro el camino. Fue, yo creo, la primera vez y eso me dio mucho gusto.
Por otro lado, una cosa muy importante es que los intelectuales, los escritores, todos los artistas son muy difíciles a veces. Es muy difícil trabajar con un francés si es famoso, por ejemplo, porque tienen un carácter un poco difícil, por no decir insoportable. Jean-Claude es muy amable y fue muy fácil salvar eso. De los 78 a los 80 años, que es cuando estuvimos con él, vimos que se cansa y había que darle sus tiempos pero el señor sigue andando y caminando, sigue su viaje a todas partes y no se cansa, entonces eso se agradece mucho y es lo que facilitó las cosas.

– Y él aparte de haber sido un viajero infatigable, dice que no se siente extranjero en ninguna parte. Es como si fuera un ciudadano del mundo.

Sí, porque su actitud es inmediatamente muy amigable con las cosas. No llega en plan déspota a decir ‘yo soy el que sabe aquí’. Él está bajo un epígrafe que dice en la película que es el de buscar historias que nos hagan mejores y eso es algo que yo siempre intento todo el tiempo que es tratar de buscar a mis amigos, tratar de encontrar relaciones que te ilustren, que te den más sobre la vida. A través de conocer otras culturas, te conoces mejor a ti. Es como el conocer muchos idiomas, poder hablar muchas lenguas, que te abre la cabeza o el entendimiento de las formas de pensar.
De la misma manera, viajar con esa perspectiva como es la que se plantea en Toledo, de viajar sin ver, estar, sentirte y saber dónde estás sin necesariamente dejarte apabullar por la belleza del mundo, eso es una gran cosa. Es más, yo creo que ya no se puede viajar igual, ya no se puede viajar como los japoneses que recorren miles de kilómetros para ir a tomarse la foto y regresar, sin haber sentido realmente lo que es ese lugar, sienten que no fueron si no tomaron esa fotografía.

Aquí el ejercicio es no ver, estar ahí, sentir que estuviste ahí pero sobretodo hacer un experimento contigo y tu acumulación de cosas en la vida como para poder decirle al porvenir, a tus hijos en ese sentido, que hay historias que hay que buscar y hay momentos de auto-conocimiento que hay que desarrollar. Yo creo que es uno de los grados más sabrosos de la literatura y del arte, poderte tocar, poderte sentir contigo mismo, trabajar eso mientras tu viajas y alguien esté contigo. Y gastarse un dineral para hacer un viaje a no sé donde, a India, Siberia o a donde sea, nada más para ver el templo de fulano de tal. Algo te debe pasar, seguramente no es el viaje, algo te está pasando y se trata de eso, se trata de ese auto-conocimiento y es muy bonito.

– Buñuel también es México y por eso te pregunto qué tan conocido es entre los mexicanos actualmente.

Mucho. Para la comunidad cinematográfica es único y representa toda una época. Es de una generación que hizo un tipo de cine muy particular sobre México, que tiene una lupa muy particular y lo supo ver de una forma muy especial.
Es un cine muy diferente el que hizo para México que el que hizo fuera de México. «Bella de día» y «El discreto encanto de la burguesía», toda esa serie de películas que hizo cuando estuvo Jean-Claude, por cierto, son películas muy diferentes porque son surrealistas, son difíciles para nuestra gente. En cambio, el cine que hizo él aquí, que es «Los olvidados», «Viridiana»,… pues habla mucho de la vida cotidiana y tú te reflejas porque la conoces, la entiendes. La otra parte de su cine, pues no. Entonces, es curioso, se divide como en dos y como la parte elitista de Buñuel es «Una bella de día» y la parte que toca a la gente y que toca a México, pues «La ilusión viaja en tranvía» o «Los olvidados».

Entonces sí tiene como dos públicos pero es muy conocido y mi manera de poderle decir a la gente que estoy haciendo una película con Jean-Claude Carrière y me preguntan ¿quén es ése? y les digo que fue el mayor guionista de Buñuel que hizo las películas fuera de México, y entonces me dicen ‘ah, ok’, el que hizo «El último suspiro»; ‘ahh, claro’; pero en ese sentido es la referencia y yo creo que a Jean-Claude no sabía si en cierta forma le pesaba que su vida fuera reconocida gracias a Buñuel, pero no, resulta que él lo acepta y está feliz y muy orgulloso de que finalmente Buñuel fue quien le abrió la puerta a todo este mundo.
Dice que le enseñó mucho y como él dice, el mejor maestro es el que recuerdas incluso cuando ya no está presente.

– Y del reencuentro con viejos amigos se plantea un poco la perspectiva de qué es lo que has conservado y en qué has cambiado también. ¿Carrière te hizo algún comentario fuera de cámara al respecto?

Sí, por supuesto e incluso están filmados también muchos de estos momentos, como por ejemplo el caso particular de Peter Brook que es la persona con la que más trabajó en unos 30 años. ¿Te imaginas esa cantidad de años con una sola persona haciendo teatro, con la intensidad que es el teatro y la cantidad de horas y de tiempo que pasaron juntos ahí?

Cuando terminamos de filmar y estábamos todavía ahí recogiendo el equipo, él estaba llorando. Por un lado, lo que sintió a lo largo del rodaje es que tal vez será como la despedida. Tal vez ya no volverá a Teotihuacán en México, tal vez ya no iba a volver a Oaxaca, tal vez ya no iba a volver a ver a Peter Brook, o volver a la India o a Toledo, porque él es consciente de que tiene una edad bastante avanzada pero ahora está muy bien.
Se operó la rodilla y por eso en todo el rodaje cojeaba un poco, teníamos un tiempo contado de andar caminando con él, unas tres horas al día y después había que descansar, estar sentados, platicar un poco de otras cosas pero bajo ese espíritu incansable de estar siempre buscando. Sí había como esta sensación de copiar también lo que le decía Buñuel de que siempre que sales de detrás de algún lugar, te despides, y hay despedidas que son para después y otras que son definitivas y entonces sentíamos que había momentos mucho más fuertes donde se presentía esa definitiva y quizá era en lugares donde había estado con Buñuel, como el caso de San José Purúa donde ya, por cierto, lo tiraron, ya no existe más y en donde en definitiva sí fue su despedida.

Tal vez venga a México. Queremos estrenarla en otro festival, el de Morelia hacia octubre, y bajo ese pretexto sabemos que le gusta, que se renueva esa posibilidad de que no haya sido la despedida definitiva. Por supuesto con Milos Forman, con Peter Brook, con gente del teatro porque está su vida ahí resumida, y los hijos,.. cuando estábamos en el panteón ante su padre y su madre y cuando ve a su hija, porque es una cosa muy extraña que solamente cuando te pasa sí lo puedes explicar, pensar que allí le van a enterrar. Parece como un cuento a veces frívolo, pero hoy sí extraña a su gente y ahí está,… ver a su hija corriendo y diciendo qué bueno que tuve la oportunidad de verla correr y crecer y cómo va conociendo la vida y qué bueno que yo estoy aquí para darle lo que desee.
Todo eso que son las situaciones más cotidianas y aparentemente poco intelectuales, es muy bonito y se ve constantemente.

– ¿Tienes ya en mente algún otro documental?

Sí, ahorita me entraron las ganas, de hecho yo entré a hacer esa película porque, siendo una película de encargo, por supuesto para conocer a Jean-Claude, por los viajes que son atractivos y por conocer otras latitudes que no fueran México que es donde había estado trabajando, pero tenía la curiosidad de imaginar qué es lo que hubiera sido si hubiera viajado con mi padre. Si mi padre hubiera vivido y me hubiera dado la oportunidad de conocer esos lugares por los que viajó y que él conoció, pues hubiera sido fantástico.
Al terminar este rodaje lo que se me antojó fue como recogerme, resguardarme y tratar de hacer una historia sobre, no digo sobre mí mismo, sino sobre las cosas que me interesan, que me han formado y que son tan universales, como son los hijos que son los pilares y las personas que más te mueven, en una especie de mezcla de todos los formatos, de todas las cosas que he aprendido, metiendo en la licuadora todo lo que sé, prender la licuadora y ver qué obtengo.
Donde haya ficción, documental, animación, donde hayan cosas que sean juguetonas pero cuidar la confección del asunto y esto después de haber hecho otra película que se llama «De Panzazo», una película sobre la educación que fue algo muy duro porque se hizo como rodaje paralelo, la de Carrière y ésta sobre educación que tiene mucho que ver con una película gringa en donde se hace referencia a lo que está pasando a nivel educativo en México y las cosas se pusieron pesadas en varios niveles. Todo eso fue un proceso y yo tengo ganas como de regresar a uno mismo y valorar lo que tiene.

– Escuché hablar a tu padre en una entrevista en la que aseguraba haber destruido aquellas obras literarias escritas por él que no le gustaban. ¿Esto fue así, tan contundente? ¿Es una manera de darle mucha importancia a lo que estás queriendo transmitir?

Pues tal vez. Lo que pasa que esa función de que alguien destruye algo pues es, quien sabe si ocurrió, quizás sí quizás no, pues es algo muy provocativo y muy evocativo.
Entonces, lo mismo que podrías recorrer los lugares que posiblemente él conoció y que, de alguna manera, son como fuentes de ideas. Entonces yo tengo una serie de cartas que le escribió a mi madre y que están publicadas y que hablan de lugares y de sensaciones que finalmente también son la creación de esta familia en la que estoy.
Eso es lo bonito. Finalmente es como hacerte dudar la memoria de las cosas que te construyen, como los trovadores que van cantando la canción por aquí y por allá porque lo que quiero es seguir permitiendo esa memoria y eso es lo que choca desde un principio.

Me motivaba muchísimo la historia de los viejos. Mis dos primeras películas hablan de eso; no de mi familia pero sí del contexto en el que crecieron y eso a mí siempre me ha gustado: escuchar hablar a la gente y que lo que dice esa gente tiene que ver con lo que a uno le interesa del desarrollo de uno mismo viendo cómo crecen los chicos y al verlo uno se recuerda de cómo creció y entonces uno se recuerda del padre que le vio crecer a uno. Hay toda una serie de espejos ahí que te regresa a las pequeñas cosas.
Hubo una vez en Casa América una conversación sobre eso, sobre las pequeñas cosas, y se me hacen fundamentales porque siempre está el rescate de lo más cotidiano, que se nos olvida porque siempre estamos buscándole la gran historia y tal vez la gran historia no existe sino hasta que tu tal vez te mueres o vives ese gran evento que te cambia totalmente el rumbo de la vida, pero merece transcurrir. Siempre hay ese tipo de cosas muy pequeñas, muy insignificantes que es esto que tal vez hizo Jean-Claude que es la insignificancia de los grandes momentos, y es muy interesante. De repente a mi hija le pregunto constantemente ¿te acuerdas de tu primer recuerdo? y bueno, todo lo que me dice de ese primer recuerdo que hace evocarle a uno, es interesante tratar de sacarle ese tipo de historias a la gente y cuando logran hablar de eso pues para mí es fascinante.

©José Luis García/Cinestel.com

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FILMOTECA DE CATALUNYA: GENER 2022

Retrospectiva Amos Gitai

El cineasta israelià serà a la Filmoteca de Catalunya per presentar un cicle que s’allargarà també el mes de febrer. Amb una filmografia entre el documental i la ficció que testimonia les contradiccions de la societat del seu país i la difícil convivència entre jueus i palestins, Amos Gitai va tenir com a primera vocació l’arquitectura, fet que també ha marcat la seva obra. El cicle es va obrir dimarts 11 de gener amb una xerrada online amb el director de la Filmoteca, Esteve Riambau. Gitai també presentarà i comentarà amb el públic alguns dels seus films del 21 al 23 de gener.

Imatges de perpetradors

Vicente Sánchez-Biosca, autor del llibre La muerte en los ojos (Alianza Ensayo), ha programat un cicle que reflexiona sobre les imatges dels autors de crims desplegant la seva violència. Crims de guerra, violència política i genocidis, com els del règim Khmer Roig que retrata Rithy Panh a “Bophana, una tragèdia cambodjana” (1996).

Nathaniel Dorsky i Jerome Hiler

El cicle Hores il·luminades: el cinema devocional de Nathaniel Dorsky i Jerome Hiler, programat per Francisco Algarín i Carlos Saldaña, ens descobreix l’obra d’aquesta parella de cineastes experimentals, que a més de compartir vida han establert profitosos intercanvis creatius. Particularment la selecció se centra en la seva obra realitzada en 16 mm entre Nova York, la casa de camp de Nova Jersey on van viure a finals dels seixanta i San Francisco, ciutat on resideixen des del 1971. Presentat conjuntament amb Xcèntric del CCCB i Zumzeig.

‘Stromboli’, entre el cinema i el teatre…

…o entre Rossellini i Víctor Català. Les grans similituds entre la novel·la Solitud i Stromboli, van portar la filòloga Rosa Delor a pensar en Víctor Català (Caterina Albert) com l’escriptora no reconeguda al darrere de la pel·lícula. L’estudi de Delor va inspirar la conferència teatral de Núria Casado Gual ‘Solitud a Stromboli. Somnis, signes i símbols’, que l’actriu i directora Imma Colomer ha dirigit en un espectacle interpretat per Fina Rius. Es podrà veure dijous 20 de gener a les 20.00 h a la Sala Laya, amb l’oportunitat d’haver vist en la sessió anterior, a les 17.00 h, l’obra mestra de Rossellini.

Dies curts

Nova edició d’aquest cicle dedicat al curtmetratge i a les cinematografies més properes que, de gener a juny, ens acosta autores i autors poc presents als circuits majoritaris d’exhibició, per presentar una selecció de la seva obra i compartir els processos de creació. El primer a mostrar el seu univers serà Stanley Sunday, figura clau de l’underground del país.

FilmoXica: nova etapa

La programació familiar dels caps de setmana enceta una nova oferta amb propostes temàtiques trimestrals lligades a les quatre estacions, amb sessions per a totes les edats, tallers, presentacions i concerts que faran de l’experiència d’anar al cinema quelcom especial. El programa d’hivern té com a tema “Contes, faules i poemes”, i inclou aquest mes de gener títols com “Matilda, Ernest et Célestine”, “Peter Rabbit” o “La revolta dels contes”.

I també

Acaba el cicle que celebra els centenaris de Luis García Berlanga i Fernando Fernán Gómez, i el que rescata el cinema iranià oblidat anterior al 1979, escombrat pel règim islamista.
Dos homenatges a figures recentment desaparegudes: l’actor francès Jean-Paul Belmondo i el compositor grec Mikis Theodorakis.
Com a complement de l’expocició de Perejaume, Donar cabuda, es podrà veure la pel·lícula Maniobra, que recull una visita guiada de l’autor per l’exposició Maniobra de Perejaume al Museu Nacional el 2014.
Una estrena, la veneçolana “Lunes o martes nunca domingo”, de Maruvi Leonett Villaquiran i Javier Martintereso Calvo, i un film programat pels 30 anys que s’han complert de la Guerra dels Balcans, “Teret (La carga)”, (Ognjen Glavonic, 2018).

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Reseña película Vendrá la muerte y tendrá tus ojos

Aquí hay dos mujeres que han pasado toda una vida juntas y que se ven enfrentadas a la enfermedad de una de ellas.
La situación que el film refleja es muy dolorosa, pues en él se juntan el miedo a la…

SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

Sylvette Baudrot 260

ALL ROADS LEAD TO BARCELONA

One of the best ways to follow what’s going on at the movie theaters area and what the next innovations are representing for the movies distribution industry, is taking a look at CineEurope coverage released on our site Cinestel.com

Una de les millors maneres de seguir tot el que està passant al voltant del àrea profesional de les sales de cinema i també d’allò que les següents innovacions representen per a la indústria de distribució de pel·lícules, és fent una ullada a la cobertura de CineEurope feta pel nostre lloc web Cinestel.com

This is a links’ summary (most of the reports and interviews are written in Spanish):

Aquest és un sumari en anglès dels enllaços a notícies i entrevistes:

FILMOTECA: AULA DE CINEMA

FILMOTECA PER A LES ESCOLES

FILM “CERDITA” SE MUESTRA EN SUNDANCE

22 enero 2022 – La ópera prima en largometraje de la realizadora madrileña Carlota Pereda se presenta en la edición de este año del Festival estadounidense de Sundance. Titulada “Cerdita”, Laura Galán protagoniza una historia sobre la justicia, la redención y la vulnerabilidad de una adolescente atormentada por el bullying que sufre y está desesperada por encajar en la sociedad.

La actriz Laura Galán interpreta a Sara, la hija de un carnicero de un pequeño pueblo, que es ridiculizada habitualmente debido a su gruesa apariencia por un grupo de chicas malas en su pueblo, ubicado en el ámbito rural español. Un día de verano, en la piscina comunitaria, las chicas llevan el acoso demasiado lejos y casi ahogan a Sara. Un extraño justiciero es testigo del suceso y responde secuestrando a las torturadoras de la chica. Mientras el pueblo busca a los acosadores, la protagonista, intrigada por las ambiguas intenciones del desconocido, guarda silencio. Más tarde se producen horribles brutalidades y la violencia no hace más que empeorar cuanto más se calla Sara.

El guion de la película se inspira en el corto homónimo que le valió a Pereda numerosos galardones nacionales e internacionales y la realizadora ha sido incluida por la prestigiosa publicación Variety en su TOP 10 de Cannes (ranking de 10 directoras y productoras a las que no perder de vista) y al rodaje de su primera película en el Spanish Spotlight de Cannes. El proyecto fue seleccionado por el Festival de Cannes dentro de la iniciativa Focus CoPro y fue ganador del Pop Up Residency para el desarrollo de largometrajes.

Este crudo thriller rural lleno de tensión, venganza, miedo, polvo y sudor, rodado íntegramente en Extremadura, está producido por Morena Films en coproducción con Backup Studio y Cerdita AIE en asociación con La Banque Postale 15, Indéfilms y Triodos Bank, y cuenta con la participación de RTVE y Movistar+ y el apoyo del Gobierno de España, ICAA; la Junta de Extremadura, Eurimages, Creative Europe – MEDIA Programme of the European Union y la Comunidad de Madrid.

PREMIADA “FAUNA” DE NICOLÁS PEREDA

19 enero 2022 – El largometraje mexicano “Fauna” de Nicolás Pereda fue la cinta ganadora del premio principal como Mejor Película Latinoamericana del año en la 12ª edición de los Premios Cinema Tropical, los cuales fueron anunciados a través de una ceremonia virtual.

El cineasta brasileño Madiano Marcheti fue el ganador del Premio Cinema Tropical al Mejor Director por su película “Madalena”, a la vez que la película mexicana “Toda la luz que podemos ver” de Pablo Escoto fue la ganadora del premio a la Mejor Ópera Prima de Ficción. El jurado otorgó el premio como Mejor Documental en empate a las películas “Como el cielo después de llover” de Mercedes Gaviria de Colombia y “Esquirlas” de Natalia Gayaralde de Argentina.

El jurado también decidió declarar el Premio a la Mejor Película Latina de Estados Unidos como empate, otorgando el premio a “Landfall” de Cecilia Aldarondo y “A través de la noche” (Through the Night) de Loira Limbal. Esta es la segunda vez que Aldarondo gana el Premio a la Mejor Película Latina de Estados Unidos después de que su ópera prima “Memorias de un corazón penitente” lo hiciera en 2018.

BERLINALE: COMPETIRÁN SIMÓN Y LACUESTA

19 enero 2022 – “Alcarràs”, la nueva película de Carla Simón y “Un año, una noche”, de Isaki Lacuesta participarán en la competencia internacional de la Berlinale de este año.

“Alcarràs” refleja una historia familiar. Los Solé se reúnen para realizar juntos la última cosecha tras haber estado ochenta años cultivando la misma tierra. El reparto está formado por actores no profesionales de la zona de Lleida y trabajadores de la tierra, tras un largo proceso de casting, que duró más de un año ya que se tuvo que paralizar y repetir por el inicio de la crisis de marzo de 2020.

En palabras de la directora: “Esta es una historia sobre la pertenencia a una tierra, a un lugar, pero también un drama sobre las perpetuas tensiones generacionales, la superación de antiguas tradiciones y la importancia de la unidad familiar en tiempos de crisis”.

El proyecto cuenta con un largo recorrido en festivales y premios, entre los que destacan el Premio CNC al Mejor Proyecto, otorgado en el marco del Torino Film Lab (2018), el Premio Eurimages al desarrollo obtenido en el mercado de coproducción de Berlín (2019) y la Mención Especial en el Pitch des Residents celebrado en el marco del Festival de Cannes 2019. Además, “Alcarràs” cuenta con el apoyo del ICAA, ICEC, MEDIA, EURIMAGES, MIBACT y la Diputació de Lleida y la participación de TVE, Movistar+ y TV3.

El cineasta Isaki Lakuesta presenta, por su parte, una historia basada en el libro «Paz, amor y Death Metal», de Ramón González, superviviente de los atentados de la sala de baile Bataclán de París en noviembre de 2015. Sus protagonistas son el argentino Nahuel Pérez Biscayart, Quim Gutiérrez y Alba Guilera; quienes están acompañados por Natalia de Molina y C. Tangana.

El guión de “Un año, una noche” desarrolla cómo sus dos protagonistas principales, la pareja formada por Ramón y Céline, lograr refugiarse durante horas en el camerino de los músicos tras el asalto terrorista. Gracias a ello consiguen salvarse, pero al salir ya no serán los mismos e intentarán volver a la normalidad anterior a ese trágico suceso.

En resumen, es un relato en el que emergen los cuestionamientos éticos, las relaciones personales y esos traumas a los cuales hay que hacerles frente, abarcando la película hasta un año después de tan horrible experiencia vivida por sus personajes.

“CINCO LOBITOS” SE VERÁ EN LA BERLINALE

18 enero 2022 – Surgida en la Incubadora de la ECAM y protagonizada por Laia Costa, Susi Sánchez, Ramón Barea y Mikel Bustamante, “Cinco Lobitos” es el debut en largometraje de la realizadora vasca Alauda Ruiz de Azúa y formará parte de la Sección Panorama de la Berlinale antes de su estreno en cines, previsto para el próximo 20 de mayo.

¿Cómo se aprende a ser madre? ¿Cómo cambia nuestra propia maternidad la forma en que vemos a nuestros padres? Estos son algunos de los interrogantes que se plantea la directora y sobre los que trata de profundizar en la película, combinando el retrato generacional de las madres actuales con el de esas otras madres, ahora abuelas, que se quedaron en casa, cuidaron de la familia y sin las cuales no se entiende la sociedad tal y como es actualmente.

La película desarrolla la historia de una joven madre que no sabe muy bien cómo serlo. Al ausentarse su pareja por trabajo unas semanas, decide volver a casa de sus padres, ubicada en un bonito pueblo costero del País Vasco, y así compartir la responsabilidad de cuidar a su bebé, viviendo la faceta de ser hija y madre el mismo tiempo.

En palabras de Alauda Ruiz de Azúa, “llegados a una edad, nos creemos adultos, a veces incluso tenemos hijos, y, sin embargo, hay momentos donde basta una mirada de nuestra madre para transportarnos al adolescente inseguro que fuimos o para que necesitemos su abrazo. “Cinco Lobitos” nos habla de esa sensación de ser hijos de ida y vuelta”.

Sobre la selección en la Berlinale, Alauda destaca que la película “es una apuesta por un cine que busca el viaje emocional en lo cotidiano y en la imperfección de nuestras relaciones familiares, y gracias a la visibilidad que da un festival como Berlinale, siento que encontrará su camino y su público”.

“Cinco Lobitos” es una coproducción de Encanta Films, Sayaka Producciones y BuenaPinta Media, con producción ejecutiva de Marisa Fdez. Armenteros, Nahikari Ipiña, Manu Calvo y Sandra Hermida. Cuenta con la participación de RTVE, EITB y Orange y con la financiación del ICAA, del Gobierno Vasco, de la Comunidad de Madrid y Crea SGR.

TOMÀS PLADEVALL, GAUDÍ D’HONOR 2022

13 gener 2022 – La Junta directiva de l’Acadèmia del Cinema Català ha acordat distingir el director de fotografia Tomàs Pladevall amb el Premi Gaudí d’Honor-Miquel Porter 2022, màxim reconeixement del cinema català. Rebrà el guardó honorífic en el marc de la gala de lliurament dels Premis Gaudí d’enguany, que tindrà lloc el diumenge 6 de març de 2022 a la Sala Oval del Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC).

En la cinquantena de llargmetratges de la seva filmografia, destaquen títols emblemàtics com “Tatuatge”, de Bigas Luna, ’L’orgia”, de Francesc Bellmunt, “Tren d’ombres”, de José Luis Guerín o “El silenci abans de Bach”, de Pere Portabella. Soci fundador i Membre d’Honor de l’Acadèmia, va ser el responsable de la il·luminació de les cerimònies d’inauguració i cloenda dels Jocs Olímpics de Barcelona 92.

La Junta de l’Acadèmia ha decidit atorgar el guardó d’honor a un director de fotografia per primera vegada en la història dels Premis Gaudí “perquè creiem que ja és hora de reconèixer les professions del cinema que comparteixen autoria i que contribueixen de manera determinant a la creació del llenguatge cinematogràfic. La direcció de fotografia és un dels oficis que més incideix en la construcció de l’univers únic i propi de cada cineasta i en Tomàs Pladevall, ARTISTA en majúscules, ha sigut capaç de crear un món propi de llum per a cadascun dels directors i directores amb qui ha treballat, tots ells grans noms de la història del cinema al nostre país”.

El reconeixement de l’Acadèmia del Cinema Català s’afegeix al Premi Sant Jordi de Cinematografia 1999, a dos Premis de la Generalitat de Catalunya al Millor Tècnic de l’Any (1986 i 1987) o al Prisma d’Honor 2013 de l’AEC, l’associació espanyola de directors de fotografia, entre altres guardons.

Fins avui, han estat reconeguts amb el Premi Gaudí d’Honor-Miquel Porter Jaime Camino (2009), Josep Maria Forn (2010), Jordi Dauder (2011), Pere Portabella (2012), Montserrat Carulla (2013), Julieta Serrano (2014), Ventura Pons (2015), Rosa Maria Sardà (2016), Josep Maria Pou (2017), Mercedes Sampietro (2018), Joan Pera (2019), Francesc Betriu (2020) i Carme Elías (2021).

“EL TRIUNFO” EN CINES EL 25 DE FEBRERO

8 enero 2022 – Producida por el reconocido director francés Robert Guédiguian, protagonizada por Kad Meran, ganador del Cesar y protagonista del ‘hit’ internacional ‘Bienvenidos al norte’, ‘El Triunfo’ , dirigida por Emmanuel Courcol, es una luminosa comedia inspirada en una historia real de superación sobre un pintoresco grupo de teatro de presidiarios en busca de su gran éxito que llegará a las salas de cine españolas el próximo 25 de febrero, tras haber sido declarada como mejor comedia por los más recientes Premios del Cine Europeo.

Bajo el trasfondo de la famosa obra de Samuel Beckett ‘Esperando a Godot’, el director y guionista reinventa toda esa historia “porque el ambiente de las prisiones suecas de los años 80 no tenía nada que ver con las cárceles francesas de hoy en día. Y me di cuenta de que, para escribir sobre este tema, tenía que pensar antes en el reparto y la dirección, imaginando una forma de trabajar para filmar los ensayos dejando cierto espacio a la improvisación…”, -asegura Courcol-.

Para el realizador, “es cierto que la obra tiene mucho sentido para los presos. El vacío, la ausencia, la espera, la vacuidad total y la ociosidad conforman su vida diaria y, en la historia real, a los presos les impresionaba mucho este texto universal. Además, es la obra de teatro contemporánea más conocida, cuyo título -mundialmente famoso- resume muy bien la trama. Eso me facilitó mostrar solo algunos fragmentos de la obra durante la película, en los ensayos o en las representaciones, sin perder al público”.

El reto que se propuso Courcol fue que actores profesionales hicieran de una especie de aspirantes a actores, teniendo en cuenta que para la película tenían que interpretar a unos presos que acuden a un taller de teatro. En ese sentido, el director señalaba: “La dificultad para los actores era averiguar cómo podían hacerlo: interpretar a actores aficionados resulta complicado. Deben conservar cierta espontaneidad, cierto nivel de inseguridad. Como dice Étienne: «No les importa Beckett». No están bajo ninguna presión en particular. Se limitan a vivir el momento”.

PREMIOS CÓNDOR DE PLATA 2020

28 diciembre 2021 – La Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina dio a conocer en el Día Mundial del Cine los ganadores correspondientes a la 69 edición de los Premios Cóndor de Plata que distinguen lo mejor de la producción nacional del año 2020 estrenada en cines o a través de las diversas plataformas disponibles en el país.

“Las siamesas” de Paula Hernández fue elegida como la mejor película del año, además se llevó los premios al mejor guion adaptado, mejor actriz para Valeria Lois y dirección para Paula Hernández, este último compartido con Clarisa Navas por Las Mil y una.

“Niña mamá” de Andrea Testa recibió el Cóndor de Plata al Mejor Largo Documental. Mientras que “La muerte no existe y el amor tampoco” de Fernando Salem fue premiada por su banda sonora a cargo de Santiago Motorizado, mejor fotografía, revelación femenina para Antonella Saldicco y actriz de reparto para Susana Pampín.

“Planta permanente” de Ezequiel Radusky y “La chancha” de Franco Verdoia obtuvieron los premios a la ópera prima. Mientras que Esteban Meloni, también por “La chancha”, y Diego Velázquez por “El maestro” fueron los mejores actores protagonistas. Por su parte, Gabriel Goity fue elegido mejor actor de reparto.

Por segundo año consecutivo, la Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina distinguió la Mejor Película en coproducción con Argentina. Las ganadoras en esta categoría fueron dos: “Lina de Lima” de María Paz González (Chile – Perú), y “Nasha Natasha” de Martín Sastre (Uruguay), película documental sobre Natalia Oreiro que también le dio a Ricardo Mollo el premio a la mejor canción original.
“Carmel ¿quién mató a María Marta?” (Netflix), dirigida por Alejandro Hartmann, fue premiada como la mejor serie del año. Además, “Manual de supervivencia” (Movistar+) recibió los premios a mejor actor para Esteban Bigliardi, actriz compartido entre Verónica Llinás y Pilar Gamboa y dirección para Victoria Galardi.

La Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina, integrada en la actualidad por 65 miembros de medios gráficos, audiovisuales, radiales y digitales, fue fundada en 1942 y, desde entonces, desarrolló una actividad constante en la difusión y fortalecimiento del cine nacional, ya que desde el mismo año de su fundación entrega los Premios Cóndor de Plata, el galardón con mayor continuidad dentro del cine argentino.

En la primera ceremonia de premiación resultó galardonada como Mejor Película “La guerra gaucha” de Lucas Demare, en tanto en la última entrega el Premio Cóndor de Plata coronó a “Los sonámbulos”.

Los premios correspondientes a la 68 y 69 edición serán entregados a sus ganadores durante un evento a realizarse los primeros meses de 2022.

ESTRENARÁ “EN UN MUELLE DE NORMANDÍA”

24 diciembre 2021 – El próximo 28 de enero llega a los cines en España la película “En un muelle de Normandía”, segundo largometraje de ficción del reconocido escritor y cineasta francés Emmanuel Carrère, recientemente galardonado con el Premio Princesa de Asturias de las Letras 2021.

Años después de su debut en 2005 con la película La Moustache, adaptación cinematográfica de uno de sus libros, Emmanuel Carrère regresa al cine llevando libremente a la gran pantalla la novela autobiográfica de la periodista francesa Florence Aubenas Le Quai de Ouistreham en el que una escritora se hace pasar por limpiadora para realizar una investigación sobre la inseguridad laboral.

Interpretada por una siempre magnífica Juliette Binoche acompañada de un elenco de actores y actrices no profesionales entre las que destacan Hélène Lambert, Léa Carne, Emily Madeleine, Patricia Prieur y Evelyne Porée, “En un muelle de Normandía” inauguró la pasada Quincena de Realizadores del Festival Internacional de Cine de Cannes recibiendo grandes críticas de la prensa especializada. Posteriormente participó en la Sección Perlak de la 69ª edición del Festival de San Sebastián donde recibió el premio del público Ciudad de Donostia a la Mejor Película Europea.

Marianne Winckler (Juliette Binoche) es una reconocida autora que decide escribir un libro sobre la precariedad laboral viviendo esta realidad de primera mano. Para ello, ocultando su identidad, consigue trabajo como limpiadora en un pueblo de Normandía y descubre una vida ignorada por el resto de la sociedad en la que cada euro ganado o gastado importa. Pero la dureza de la experiencia no impide crear fuertes lazos de amistad entre Marianne y sus compañeros. La ayuda mutua conduce a la amistad y la amistad a la confianza pero ¿qué pasa con esta confianza cuando la verdad sale a la luz?

BILLY WILDER Y LOS FRACASOS EN EL CINE

Billy WilderPor lo general, cuando una película no funciona, uno dice que se adelantó a su tiempo, o que se estrenó demasiado cerca de la Navidad, o que era justo después de la Navidad y la gente se había gastado el dinero en regalos, o que fue un fracaso porque hacía muy buen tiempo y la gente se fue a la playa, o porque llovía y la gente se quedó en casa.
*Billy Wilder, director y guionista austriaco.

POR QUÉ FILMA GARCÍA AGRAZ

José Luis García AgrazFilmo porque el cine, antes que nada, nos seduce al revelarnos lo más secreto de nosotros mismos; porque es el espacio donde podemos palpar nuestras inquietudes con mayor autenticidad, porque es el tiempo en el que esperamos que un milagro se produzca.
José Luis García Agraz, cineasta mexicano.