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Conversando con Juan Carlos Rulfo sobre «Carrière, 250 metros»

julio 23, 2012 ENTREVISTAS

Estrenado en México el 2 de octubre de 2015
250 metros es la distancia que separa el lugar de nacimiento del escritor y cineasta francés Jean-Claude Carrière del que será su destino final, el panteón familiar en el cementerio.
En un trabajo documental encargado por la productora Natalia Gil Torner, Juan Carlos Rulfo refleja una especie de bitácora de viaje a partir de siete cartas que el protagonista dirige a sus hijas. Casa América Madrid le dedicó nada menos que cuatro días consecutivos de proyecciones y ya antes, en septiembre de 2011 fue presentado en San Sebastián.

En las cartas Carrière explica las experiencias y sensaciones vividas en su impresionante periplo repetitivo, idas y venidas que incluyen el acompañamiento de los guiones de los filmes de Luis Buñuel de la segunda parte de la década de los ’60 cuyo fruto hoy está presente en películas como «La vía láctea», «El discreto encanto de la burguesía», «Ese oscuro objeto de deseo» o «Bella de día».
Durante el documental lo vemos con importantes figuras que son pasado y presente en su vida como Peter Brook, Milos Forman y Mary Ellen Mark.

Transmitir sentimiento y emoción a los actores a través del guión para que éstos lo sepan interpretar ha sido siempre su mayor obsesión, también en las adaptaciones de novelas que ha hecho para el cine en filmes como «El tambor de hojalata» de Volker Schlöndorff, «Danton» de Andrzej Wajda, «La insoportable levedad del ser» de Philip Kaufman y la que Henning Carlsen hizo en 2011 de «Memorias de mis putas tristes» de Gabriel García Márquez.

En Cinestel hemos ido siguiendo los trabajos cinematográficos de Juan Carlos Rulfo y en esta ocasión comenzamos pidiéndole que nos hable sobre cómo se fraguó este proyecto:
«Fue muy bueno trabajar con Jean-Claude, fue una invitación de una mujer que se llama Natalia Gil que es muy amiga de él y que es una mujer llena de relaciones y de amistades muy particulares como es Raghu Rai o Suresh Jindal, el fotógrafo y el que fuera productor de la película «Gandhi» y, de repente, junto con otra persona que hace comerciales acá en México, fueron a visitarlo para platicarle de hacer otro proyecto y en ese camino, en varias cenas y pláticas sobre el proyecto, le propusieron hacer algo sobre sus memorias, algo así como Mi último suspiro pero sin que sonara a Mi último suspiro, el libro de Buñuel, y nació la idea de hacer una historia sobre siete cartas. Natalia le dijo a Jean-Claude que por qué no seleccionaba siete lugares y que fuera una especie de legado para sus hijas, una especie de instrucciones para viajar y encontrar estos lugares para cuando ellas crecieran. Una tenía 7 años y él tiene 80, ya ves, tuvo siete y ésta es muy chiquita. Tiene una nueva mujer, muy guapa, de 48 años. Él tiene otra hija de 48 años también y había como un espejo ahí muy curioso.

Se arma la idea y Jean-Claude se pone a escribir. Con el paso del tiempo a mí me invitan a trabajar porque Natalia anduvo buscando quien lo pudiera producir y Simón Bross, que es uno de los publicistas más fuertes de México, aceptó hacerla, tomó la batuta y conseguimos financiamiento.
Supuestamente somos co-directores Natalia y yo pero hubo ahí una mezcolanza de actividades por la que yo me dediqué a hacer la película y ella se dedicó más bien a ser parte de los traductores y coordinar las cosas junto con Simón.

Al principio, por falta de financiamiento, comenzamos por México (era más fácil traer a Jean-Claude a México que nosotros ir para allá) y poco a poco fue agarrando fuerza, tomando más confianza para que la película tuviera sentido porque eran unos textos muy largos, las siete cartas que escribió tenían un volumen como de sesenta páginas y era muy prosaico, muy bonito, pero había que volverlo película por eso tuvimos que seleccionar algunos fragmentos de esos textos por parte de mi mujer, que es la editora, Valentina Leduc, quien tuvo que hacer un trabajo muy particular de síntesis y fue más bien la idea de ir a esos lugares con una mediana guía de lo que las cartas decían de qué es lo importante y qué es lo que hay que ver y la voz off se fue convirtiendo en lo que era esa selección de las cartas. Hay una segunda línea narrativa que es lo que Jean-Claude decía en esos lugares como ocurrencia de lo que le sugerían y luego estaba la acción de lo que le pasaba a él en esos lugares.

Esos tres niveles fueron los que llevamos y lo bonito era que ya en el montaje, cuando te aburres de un lugar puedes ir a otro y cuando se agota ése puedes ir al otro y empiezas a construir como una bola de nieve que no se detiene y pudiéramos haber seguido viajando y podríamos haber hecho una serie de televisión, porque la vida es así y está llena de historias que contar aquí y allá sobre todo cuando tienes la edad de Jean-Claude con su adicción a buscar cuentos, a buscar historias, que a mí me fascinaba.

Fueron más o menos doce semanas de rodaje y ocho meses de edición. Buscamos entrar en Cannes pero fue cuando México se peleó con Francia por un caso muy particular de una tal Florence Cassez. Iba a ser el año de México en Francia y se cayó todo eso.
No pudimos estrenar allí, que hubiera sido lo ideal porque el protagonista es francés, y nos invitaron a San Sebastián. Y allí fue donde, en su 80 aniversario, se presentó la película. A partir de ahí ha tenido presentaciones muy especiales y yo me he seguido fascinando con esta idea de que es un guionista que está tratando de hablar, que está construyendo una película que no tiene guión y que, por un lado, ha sido como una clase para los dos de que él por primera vez esté tratando de participar como consejero para contar su propia historia y uno pues tratando de ver cómo jugar con todas estas piezas y tratando de que de repente si hay algún problema pedirle a Jean-Claude que juntos lo solucionemos en términos creativos.

Finalmente él no intervino tanto, fue al final de la película cuando nos reunimos, cuando ya estaba editada para decirle ¡oye, aquí está armado con el texto que tu nos diste, tal vez podemos cambiar algunas frases o cosas para que la película acabe de amarrar! tratándole de dar un final que tuviera relación con un texto sufí que tiene que ver con los siete valles, los pájaros que viajan por los siete valles y esos valles son como una metáfora de las cartas y que, al llegar al final de estos siete valles, te encuentras contigo mismo, y eso le quedaba un poco más claro.
Al final, tú recorres una serie de aventuras e historias para encontrarte contigo mismo y tratar de ver quién eres. Ése es un poco el mensaje.

– Imagino que el trabajo más arduo y complicado consistió en hacer una síntesis de todo lo que estuvisteis filmando.

Claro, sí. Muchas veces no había tanto que hacer. Un caso muy concreto fue lo que pasó en Toledo donde había la anécdota de ese viaje que hacían Buñuel, Lorca y Dalí y a partir de ahí, cuando Buñuel lo invitó a viajar a este ritual, era difícil porque era todo de memoria. No íbamos a poder hacer una puesta en escena de los tres caminando y Buñuel vomitando en la esquina.
Ése fue el ejemplo del lugar más duro, más difícil de poder sacar el cuento. Entonces intentamos inventar y ser simpáticos y al mismo tiempo solemnes y cuidar un poco la memoria, pero no hay mucho más que decir.
Lo mismo pasaba dentro del teatro donde él estaba con Peter Brook, un momento que fue muy pequeño.
París,… siempre uno que va a París se antoja tomarle fotos a todo porque es muy fantástica la ciudad y entonces yo ya por fin tenía un pretexto para poder tomar unas imágenes con alguien que le daba peso a esas historias. París es filmable por todas partes aunque siempre eliges las que te parecen mejores.

Recuerdo el momento allí en su casa, en el sur de Francia, con la montaña y las memorias. Hay mucho recorrido para llegar a saber qué es lo más sintético.
Me pasó por primera vez que sí que había algo que no te dejaba divagar, sí te decía que había que ir por tal o cual camino y luego se hizo bastante sencillo. Tal vez India era lo más tremendo porque allí nos estuvimos un mes, entonces pudo haber sido una sola película de la India, pero también si no tienes un pretexto para contar una historia, las piezas sueltas no tienen sentido.
Entonces, el que amarraba todo finalmente era Jean-Claude y la historia de Mahábharata y la de todos esos dioses, y yo lo que quería era que todo lo que se viera fuera un dios. Entonces todo pega ahí y puede ser utilizado siempre y cuando tenga ritmo y te dejes llevar a través de este pretexto que son los dioses que están en todas partes.

Esta unidad en la que todo eso convive fue distinta a mis anteriores películas, «Los que se quedan» y «En el hoyo», donde había muchísimo material, muy rico y muy poderoso y ahí sí que, como dicen en México «parimos chayotes» porque sí habían muchas posibilidades y muchos personajes, fueron dos años de rodaje, en un mismo lugar viendo pasar miles de aventuras y de historias y tener que elegir cuales son las mejores. Fue estar decantándose durante año y medio de edición.
Acá fue el tiempo reflexivo de estar sentado y montar unas piezas como de rompecabezas, pero estaba muy claro el camino. Fue, yo creo, la primera vez y eso me dio mucho gusto.
Por otro lado, una cosa muy importante es que los intelectuales, los escritores, todos los artistas son muy difíciles a veces. Es muy difícil trabajar con un francés si es famoso, por ejemplo, porque tienen un carácter un poco difícil, por no decir insoportable. Jean-Claude es muy amable y fue muy fácil salvar eso. De los 78 a los 80 años, que es cuando estuvimos con él, vimos que se cansa y había que darle sus tiempos pero el señor sigue andando y caminando, sigue su viaje a todas partes y no se cansa, entonces eso se agradece mucho y es lo que facilitó las cosas.

– Y él aparte de haber sido un viajero infatigable, dice que no se siente extranjero en ninguna parte. Es como si fuera un ciudadano del mundo.

Sí, porque su actitud es inmediatamente muy amigable con las cosas. No llega en plan déspota a decir ‘yo soy el que sabe aquí’. Él está bajo un epígrafe que dice en la película que es el de buscar historias que nos hagan mejores y eso es algo que yo siempre intento todo el tiempo que es tratar de buscar a mis amigos, tratar de encontrar relaciones que te ilustren, que te den más sobre la vida. A través de conocer otras culturas, te conoces mejor a ti. Es como el conocer muchos idiomas, poder hablar muchas lenguas, que te abre la cabeza o el entendimiento de las formas de pensar.
De la misma manera, viajar con esa perspectiva como es la que se plantea en Toledo, de viajar sin ver, estar, sentirte y saber dónde estás sin necesariamente dejarte apabullar por la belleza del mundo, eso es una gran cosa. Es más, yo creo que ya no se puede viajar igual, ya no se puede viajar como los japoneses que recorren miles de kilómetros para ir a tomarse la foto y regresar, sin haber sentido realmente lo que es ese lugar, sienten que no fueron si no tomaron esa fotografía.

Aquí el ejercicio es no ver, estar ahí, sentir que estuviste ahí pero sobretodo hacer un experimento contigo y tu acumulación de cosas en la vida como para poder decirle al porvenir, a tus hijos en ese sentido, que hay historias que hay que buscar y hay momentos de auto-conocimiento que hay que desarrollar. Yo creo que es uno de los grados más sabrosos de la literatura y del arte, poderte tocar, poderte sentir contigo mismo, trabajar eso mientras tu viajas y alguien esté contigo. Y gastarse un dineral para hacer un viaje a no sé donde, a India, Siberia o a donde sea, nada más para ver el templo de fulano de tal. Algo te debe pasar, seguramente no es el viaje, algo te está pasando y se trata de eso, se trata de ese auto-conocimiento y es muy bonito.

– Buñuel también es México y por eso te pregunto qué tan conocido es entre los mexicanos actualmente.

Mucho. Para la comunidad cinematográfica es único y representa toda una época. Es de una generación que hizo un tipo de cine muy particular sobre México, que tiene una lupa muy particular y lo supo ver de una forma muy especial.
Es un cine muy diferente el que hizo para México que el que hizo fuera de México. «Bella de día» y «El discreto encanto de la burguesía», toda esa serie de películas que hizo cuando estuvo Jean-Claude, por cierto, son películas muy diferentes porque son surrealistas, son difíciles para nuestra gente. En cambio, el cine que hizo él aquí, que es «Los olvidados», «Viridiana»,… pues habla mucho de la vida cotidiana y tú te reflejas porque la conoces, la entiendes. La otra parte de su cine, pues no. Entonces, es curioso, se divide como en dos y como la parte elitista de Buñuel es «Una bella de día» y la parte que toca a la gente y que toca a México, pues «La ilusión viaja en tranvía» o «Los olvidados».

Entonces sí tiene como dos públicos pero es muy conocido y mi manera de poderle decir a la gente que estoy haciendo una película con Jean-Claude Carrière y me preguntan ¿quén es ése? y les digo que fue el mayor guionista de Buñuel que hizo las películas fuera de México, y entonces me dicen ‘ah, ok’, el que hizo «El último suspiro»; ‘ahh, claro’; pero en ese sentido es la referencia y yo creo que a Jean-Claude no sabía si en cierta forma le pesaba que su vida fuera reconocida gracias a Buñuel, pero no, resulta que él lo acepta y está feliz y muy orgulloso de que finalmente Buñuel fue quien le abrió la puerta a todo este mundo.
Dice que le enseñó mucho y como él dice, el mejor maestro es el que recuerdas incluso cuando ya no está presente.

– Y del reencuentro con viejos amigos se plantea un poco la perspectiva de qué es lo que has conservado y en qué has cambiado también. ¿Carrière te hizo algún comentario fuera de cámara al respecto?

Sí, por supuesto e incluso están filmados también muchos de estos momentos, como por ejemplo el caso particular de Peter Brook que es la persona con la que más trabajó en unos 30 años. ¿Te imaginas esa cantidad de años con una sola persona haciendo teatro, con la intensidad que es el teatro y la cantidad de horas y de tiempo que pasaron juntos ahí?

Cuando terminamos de filmar y estábamos todavía ahí recogiendo el equipo, él estaba llorando. Por un lado, lo que sintió a lo largo del rodaje es que tal vez será como la despedida. Tal vez ya no volverá a Teotihuacán en México, tal vez ya no iba a volver a Oaxaca, tal vez ya no iba a volver a ver a Peter Brook, o volver a la India o a Toledo, porque él es consciente de que tiene una edad bastante avanzada pero ahora está muy bien.
Se operó la rodilla y por eso en todo el rodaje cojeaba un poco, teníamos un tiempo contado de andar caminando con él, unas tres horas al día y después había que descansar, estar sentados, platicar un poco de otras cosas pero bajo ese espíritu incansable de estar siempre buscando. Sí había como esta sensación de copiar también lo que le decía Buñuel de que siempre que sales de detrás de algún lugar, te despides, y hay despedidas que son para después y otras que son definitivas y entonces sentíamos que había momentos mucho más fuertes donde se presentía esa definitiva y quizá era en lugares donde había estado con Buñuel, como el caso de San José Purúa donde ya, por cierto, lo tiraron, ya no existe más y en donde en definitiva sí fue su despedida.

Tal vez venga a México. Queremos estrenarla en otro festival, el de Morelia hacia octubre, y bajo ese pretexto sabemos que le gusta, que se renueva esa posibilidad de que no haya sido la despedida definitiva. Por supuesto con Milos Forman, con Peter Brook, con gente del teatro porque está su vida ahí resumida, y los hijos,.. cuando estábamos en el panteón ante su padre y su madre y cuando ve a su hija, porque es una cosa muy extraña que solamente cuando te pasa sí lo puedes explicar, pensar que allí le van a enterrar. Parece como un cuento a veces frívolo, pero hoy sí extraña a su gente y ahí está,… ver a su hija corriendo y diciendo qué bueno que tuve la oportunidad de verla correr y crecer y cómo va conociendo la vida y qué bueno que yo estoy aquí para darle lo que desee.
Todo eso que son las situaciones más cotidianas y aparentemente poco intelectuales, es muy bonito y se ve constantemente.

– ¿Tienes ya en mente algún otro documental?

Sí, ahorita me entraron las ganas, de hecho yo entré a hacer esa película porque, siendo una película de encargo, por supuesto para conocer a Jean-Claude, por los viajes que son atractivos y por conocer otras latitudes que no fueran México que es donde había estado trabajando, pero tenía la curiosidad de imaginar qué es lo que hubiera sido si hubiera viajado con mi padre. Si mi padre hubiera vivido y me hubiera dado la oportunidad de conocer esos lugares por los que viajó y que él conoció, pues hubiera sido fantástico.
Al terminar este rodaje lo que se me antojó fue como recogerme, resguardarme y tratar de hacer una historia sobre, no digo sobre mí mismo, sino sobre las cosas que me interesan, que me han formado y que son tan universales, como son los hijos que son los pilares y las personas que más te mueven, en una especie de mezcla de todos los formatos, de todas las cosas que he aprendido, metiendo en la licuadora todo lo que sé, prender la licuadora y ver qué obtengo.
Donde haya ficción, documental, animación, donde hayan cosas que sean juguetonas pero cuidar la confección del asunto y esto después de haber hecho otra película que se llama «De Panzazo», una película sobre la educación que fue algo muy duro porque se hizo como rodaje paralelo, la de Carrière y ésta sobre educación que tiene mucho que ver con una película gringa en donde se hace referencia a lo que está pasando a nivel educativo en México y las cosas se pusieron pesadas en varios niveles. Todo eso fue un proceso y yo tengo ganas como de regresar a uno mismo y valorar lo que tiene.

– Escuché hablar a tu padre en una entrevista en la que aseguraba haber destruido aquellas obras literarias escritas por él que no le gustaban. ¿Esto fue así, tan contundente? ¿Es una manera de darle mucha importancia a lo que estás queriendo transmitir?

Pues tal vez. Lo que pasa que esa función de que alguien destruye algo pues es, quien sabe si ocurrió, quizás sí quizás no, pues es algo muy provocativo y muy evocativo.
Entonces, lo mismo que podrías recorrer los lugares que posiblemente él conoció y que, de alguna manera, son como fuentes de ideas. Entonces yo tengo una serie de cartas que le escribió a mi madre y que están publicadas y que hablan de lugares y de sensaciones que finalmente también son la creación de esta familia en la que estoy.
Eso es lo bonito. Finalmente es como hacerte dudar la memoria de las cosas que te construyen, como los trovadores que van cantando la canción por aquí y por allá porque lo que quiero es seguir permitiendo esa memoria y eso es lo que choca desde un principio.

Me motivaba muchísimo la historia de los viejos. Mis dos primeras películas hablan de eso; no de mi familia pero sí del contexto en el que crecieron y eso a mí siempre me ha gustado: escuchar hablar a la gente y que lo que dice esa gente tiene que ver con lo que a uno le interesa del desarrollo de uno mismo viendo cómo crecen los chicos y al verlo uno se recuerda de cómo creció y entonces uno se recuerda del padre que le vio crecer a uno. Hay toda una serie de espejos ahí que te regresa a las pequeñas cosas.
Hubo una vez en Casa América una conversación sobre eso, sobre las pequeñas cosas, y se me hacen fundamentales porque siempre está el rescate de lo más cotidiano, que se nos olvida porque siempre estamos buscándole la gran historia y tal vez la gran historia no existe sino hasta que tu tal vez te mueres o vives ese gran evento que te cambia totalmente el rumbo de la vida, pero merece transcurrir. Siempre hay ese tipo de cosas muy pequeñas, muy insignificantes que es esto que tal vez hizo Jean-Claude que es la insignificancia de los grandes momentos, y es muy interesante. De repente a mi hija le pregunto constantemente ¿te acuerdas de tu primer recuerdo? y bueno, todo lo que me dice de ese primer recuerdo que hace evocarle a uno, es interesante tratar de sacarle ese tipo de historias a la gente y cuando logran hablar de eso pues para mí es fascinante.

©José Luis García/Cinestel.com

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL.COM/ FUNDADA EN JULIO 2005

Cinestel, más de 15 años

FESTIVAL CINEMA JUEU 2020


FILMOTECA AMB ÉRIC ROHMER

Filmoteca de Catalunya: El confinament va impedir programar un dels cicles més esperats de l’any, el que homenatja Éric Rohmer. El 21 de març va fer 100 anys del seu naixement, i el gener passat en va fer 10 de la seva mort, i la Filmoteca no podia renunciar a recordar-lo amb la retrospectiva Éric Rohmer: el cel·luloide i el marbre, vertebrada a partir de l’article del mateix títol que Rohmer va publicar el 1955 a Cahiers du Cinéma, on reflexionava sobre altres arts com la novel·la, la pintura, la poesia, la música i l’arquitectura. Aquesta visió transversal de les diverses disciplines la trasllada més endavant a una sèrie de documentals televisius i ficcions.

La Filmoteca ja va homenatjar Éric Rohmer fa deu anys, amb motiu de la seva desaparició, amb la projecció de tots els seus llargmetratges per a cinema. El cicle actual reuneix aquests materials televisius i els relaciona amb alguns films de ficció, que mostren com el gust per la bellesa del cineasta de la Nouvelle Vague va despertar el seu interès per la resta d’arts i la creença ferma que el cinema s’havia de nodrir de totes elles.
(més informació del cicle)

ALL ROADS LEAD TO BARCELONA

One of the best ways to follow what’s going on at the movie theaters area and what the next innovations are representing for the movies distribution industry, is taking a look at CineEurope coverage released on our site Cinestel.com

Una de les millors maneres de seguir tot el que està passant al voltant del àrea profesional de les sales de cinema i també d’allò que les següents innovacions representen per a la indústria de distribució de pel·lícules, és fent una ullada a la cobertura de CineEurope feta pel nostre lloc web Cinestel.com

This is a links’ summary (most of the reports and interviews are written in Spanish):

Aquest és un sumari en anglès dels enllaços a notícies i entrevistes:

FILMOTECA: AULA DE CINEMA

FILMOTECA PER A LES ESCOLES

SESSIONS FAMILIARS A LA FILMOTECA

Infantils Tortell Poltrona

Una de les missions de la Filmoteca de Catalunya és acostar el cinema als més petits, fer-los descobrir el plaer de veure cinema de qualitat a la pantalla gran i adonar-se’n de la riquesa de tots els seus detalls. Per aconseguir-ho, cada setmana ofereix dues sessions específicament adreçades als infants i les seves famílies. En concret, les sessions tenen lloc els dissabtes i diumenges a les 17:00h.

El programa proposa films de totes les èpoques i de tots els països, films adreçats als més petits i a les seves famílies, films que permetran als petits gaudir de l’espectacle fílmic i, als grans, redescobrir la il·lusió del cinema. Les pel·lícules que projecten en aquestes sessions infantils de caràcter familiar han estat escollides pel seu valor pedagògic i cinematogràfic.
(Vull saber-ne més)

Infantils Doraemon

SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

Sylvette Baudrot 260

ENTREVISTAS

“Giro de Ases”, una comedia romántica con toques fantásticos

Película Giro de Ases Entrevista a Sebastián Tabany

La magia es ilusión, la magia es sorpresa y siempre nos provoca buena vibra por la simpatía que nos transmite. Por eso, esta comedia romántica nos atrapa con su propuesta y con sus actores protagonistas…

FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

PRIMERA SALA 4DX EN CATALUNYA

Los Cines Filmax Gran Via ya ofrecen a sus espectadores la primera sala en Cataluña con tecnología 4DX. Y lo hacen de la mano de la compañía surcoreana CJ (www.CJ4DX.com), líder mundial en el sector.

El sistema 4DX incorpora en la proyección hasta un total de 21 efectos sincronizados. El espectador tiene la oportunidad de ver los principales estrenos de cartelera con efectos de movimiento, aire, agua, calor, aromas, vibraciones, además de elementos metereológicos como niebla, viento, rayos y burbujas.

Esta tecnología puntera consigue que los efectos se sincronicen con la acción y el sonido de la pantalla, de manera que los espectadores experimentan una inmersión 360 grados en la película.

Conoce más detalles sobre cómo funciona, en este artículo publicado en Cinestel en el año 2016.

PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL ARGENTINA

‘La producción audiovisual y su respaldo jurídico’ es el libro más reciente de Julio Raffo, un texto de lectura y de consulta imprescindible para los distintos profesionales de la industria del cine que deseen estar al tanto sobre cómo se regula en la Argentina la actividad productiva que conlleva la realización de películas, atendiendo no solamente a disposiciones legales y su marco regulatorio, sino que también a ejemplos prácticos y anécdotas. (saber más)

CRíTICAS CINE LATINOAMERICANO

“Los Fuertes”, de Omar Zúñiga; todo el amor contra viento y marea

Reseña de la película Los Fuertes de Omar Zúñiga

El relato ocurre desde que Lucas va a visitar a su hermana que vive en una localidad costera muy cercana a Valdivia. Allí conoce a Antonio, quien trabaja como contramaestre en un pequeño barco pesquero que sale a…

Camilo Restrepo sacude la Berlinale con su nuevo film “Los Conductos”

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El relato comienza con Pinky, su protagonista, huyendo de noche en moto en el medio de esos ambientes marginales que para unos son incompresibles y para otros, lo más normal del mundo.

“Los Lobos”, de Samuel Kishi Leopo; niños migrantes a EE.UU.

Berlinale Reseña de Los Lobos de Samuel Kishi Leopo

Proyectada en la sección Generation K-plus de la 70 Berlinale, donde “Los Lobos” recibió el Gran Premio del Jurado, la película se centra en el sacrificio que Lucía tiene que hacer para mantener a sus…

“Nuestras Madres”; víctimas quieren acabar con el silencio histórico

Reseña de la película Nuestras Madres dirigida por César Díaz

Con una mezcla de actores profesionales con otros naturales, el film aborda por un lado las afectaciones a nivel íntimo y por el otro los lentos pasos que la justicia va dando para resolver este tema.

“Monos”, de Alejandro Landes; violencia y alienación humana

Reseña de la película Monos de Alejandro Landes

La acción se desarrolla en un campamento de verano donde un sargento paramilitar vigila a los ocho niños que lo componen. Allí tienen como rehén a una doctora estadounidense que ha sido secuestrada.

JULIA SOLOMONOFF, RODAJE A LA VISTA

24 septiembre 2020 – En una exclusiva de John Hopewell de la Revista Variety se dio a conocer que la directora argentina radicada en Nueva York, Julia Solomonoff, va a filmar un nuevo proyecto titulado “Sed” que estará protagonizado por el actor Rafael Ferro encarnando a un camionero de Ushuaia que a punto de jubilarse pierde su empleo y decide ir en busca de su hijo desaparecido en la frontera de Argentina y el Paraguay.

Una road movie que traza un viaje físico e interior en el que los secretos, las mentiras y la culpa se mezclarán con ilusiones ópticas. Más información en el artículo de Variety (en inglés), aquí.

“PULLMAN”, POR FIN YA EN LOS CINES

23 septiembre 2020 – A consecuencia de la actual crisis generada, la más reciente película del realizador mallorquín Toni Bestard no pudo estrenarse en los espacios de exhibición habituales, siendo ofrecida primero con un notable éxito a través de la plataforma Filmin, y su gran labor para paliar esta absurda situación en la que nos encontramos, y que en cierta forma seguimos padeciendo.

“Pullman” ya se va a proyectar por fin en los cines y a partir de este viernes 25 puede ser vista por los espectadores en cualesquiera de las grandes pantallas que la exhiben, precisamente el lugar principal al que este proyecto cinematográfico (al igual que muchos otros) estaba dirigido.

Según Bestard, “la película traspasa la cuarta pared para repercutir directamente en las vidas de los personajes que el propio film retrata, y de esta forma cerramos un círculo que se inició con la escritura de un guion, a cuatro manos entre Arturo Ruiz Serrano y yo, donde no solo quisimos contar esta pequeña aventura de dos niños en su verano de iniciación hacia la adolescencia, sino también elaborar un retrato de la trastienda del paraíso. Una trastienda que nuestros queridos visitantes venidos de otros lugares del mundo no suelen ver, deslumbrados por las bellas postales veraniegas”.

Concretamente, el largometraje permanecerá en las carteleras de las salas Ocimax de Palma de Mallorca, Equis en Madrid, y los Cinemes Maldà de Barcelona. El filme participará además en el Malmö BUFF Festival (Suecia), a finales de septiembre y en el festival Filem’On (Bruselas), en octubre. Ambos están destinados al público infantil y juvenil.

Lee la entrevista completa que mantuvimos con su director el pasado mes de abril, aquí.

SIGUE EL RODAJE DE “COMPETENCIA OFICIAL”

22 septiembre 2020 – Tras una larga pausa a consecuencia de la crisis sanitaria, los argentinos Mariano Cohn y Gastón Duprat acaban de reanudar el rodaje de su nueva producción “Competencia Oficial”. Penélope Cruz, Antonio Banderas y Oscar Martínez son los protagonistas del film.

Durante el confinamiento, los directores han continuado trabajando en el proceso creativo de la película, y así nos lo explican:

Gastón Duprat: “Dentro de todo lo negativo que significa interrumpir un rodaje, hubo algo positivo: hemos tenido un tiempo inusual para estudiar el material ya rodado, y trabajar con microscopio el guion que nos resta filmar. El material que ya tenemos está en un punto muy alto: Penélope, Antonio y Oscar están extraordinarios. Las escenas tienen lo que queríamos: un incómodo mix de tensión y sarcasmo, en un marco estético de mucha fuerza conceptual. Reiniciamos el rodaje con la certeza de que tenemos entre las manos algo realmente poderoso.”

Mariano Cohn: “En este filme están las experiencias y aprendizajes que fuimos guardando después de tantos años de rodajes, como en un cuaderno de bitácora. La película tiene nuestro ADN como directores, pero también el de Penélope, Antonio y Oscar, ya que hicieron un generoso aporte de experiencias propias. En este film van a ver un intenso destilado del universo que mejor conocemos: el de los directores y los actores tratando de hacer una de las cosas, para mí, más antinaturales y complejas del mundo: filmar una película.”

DE QUÉ TRATA LA GANADORA “NORMADLAND”

14 septiembre 2020 – Recién ganó el León de Oro en el Festival de cine de Venecia. “Normadland” es una película dirigida por la directora y productora estadounidense Chloé Zhao, y está protagonizada por la actriz Frances McDormand, quien igualmente coproduce la cinta.

“Nomadland” sigue a Fern (McDormand), una mujer que, tras el colapso económico de una ciudad empresarial en la Nevada rural, carga su camioneta y se pone en camino explorando una vida fuera de la sociedad convencional como nómada de hoy en día. La película presenta a los verdaderos nómadas Linda May, Swankie y Bob Wells como mentores y compañeros de Fern en su exploración por el vasto paisaje del Oeste americano.

“La carretera americana me fascina. Es desgarradoramente hermosa y profundamente complicada. La he recorrido durante muchos años y siempre he esperado capturar un reflejo de ella. Estoy agradecida de haber podido hacer “Nomadland” y emocionada de que el público se una a Fern en su aventura”, dice Chloé Zhao.

Y añade: “En el otoño de 2018, mientras filmaba “Nomadland” en Scottsbluff, Nebraska, cerca del campo congelado de una cosecha de remolacha, hojeé el Desert Solitaire de Edward Abbey, un libro que me regaló alguien que conocí en la carretera. Me encontré con esta cita: «Los hombres van y vienen, las ciudades se levantan y caen, civilizaciones enteras aparecen y desaparecen – la tierra permanece, ligeramente modificada. La tierra permanece, y la belleza desgarradora donde no hay corazones que romper… A veces elijo pensar, sin duda perversamente, que el hombre es un sueño, el pensamiento una ilusión, y que sólo la roca es real. La roca y el sol»”.

“Durante los siguientes cuatro meses, los nómadas iban y venían a medida que viajábamos y filmábamos, muchos guardaron las rocas de sus andanzas, su hogar sobre ruedas impulsado por el sol. Dejaron historias y sabiduría delante y detrás de la cámara. Habiendo crecido en ciudades de China e Inglaterra, siempre me sentí profundamente atraída por el camino abierto, una idea que considero quintaesencialmente americana, la búsqueda interminable de lo que hay más allá del horizonte. Traté de capturar un vistazo de esto en esta película, sabiendo que no es posible describir realmente el mundo de América a otra persona. Uno tiene que descubrirlo por sí mismo” -concluye Chloé Zhao-.

“EL BUEN PATRÓN”, FILM DE LEÓN DE ARANOA

10 setembre 2020 – Reposado PC y MediaPro Studio van anunciar que “El Buen Patrón” serà la nova pel·lícula de Fernando León de Aranoa, protagonitzada per Javier Bardem, la qual cosa suposa la cinquena col·laboració entre el cineasta i la gran productora catalana. Es tracta d’una feroç i divertida sàtira del món de les relacions laborals, que tindrà a Bardem com a protagonista principal, com el “bon patró” al qual al·ludeix el títol.

Básculas Blanco, una empresa de producció de balances industrials en una ciutat de províncies, espera la imminent visita d’una comissió de la qual depèn l’obtenció d’un premi local a l’Excel·lència Empresarial: les coses han de ser perfectes per a aquest moment. No obstant això, tot sembla confabular-se en contra seva. Un antic treballador acomiadat acampa davant l’entrada de la fàbrica, comprometent la imatge de l’empresa; el responsable de producció, sumit en una profunda crisi sentimental, comença a cometre errors que comprometen la productivitat; l’arribada de Liliana posa en perill el precari equilibri sentimental de l’empresa. En el poc temps del qual disposa, Blanco (Bardem) intenta resoldre els problemes dels seus empleats, creuant totes les línies imaginables, la qual cosa dona lloc a una inesperada i explosiva successió d’esdeveniments de conseqüències imprevisibles.

‘El Buen Patrón’ és una comèdia àcida que ofereix una visió corrosiva de les relacions personals i laborals dins d’una empresa familiar, amb el personatge de Javier Bardem com a catalitzador dels esdeveniments”, comenta el director Fernando León de Aranoa.

“És especialment estimulant tornar a treballar els tres junts, Fernando, Javier i Mediapro, després de ‘Los lunes al sol’, una pel·lícula que va significar molt per als tres. Ara, 18 anys després, les nostres trajectòries tornen a coincidir en un projecte que aborda l’entorn soci-laboral des d’una altra perspectiva”, afirma Jaume Roures, copresident de The Mediapro Studio.

OSCARS 2025: INCLUSIÓ I DIVERSITAT RACIAL

10 setembre 2020 – Els Premis Oscar modificaran substancialment el reglament per exigir que les pel·lícules candidates compleixin uns requisits mínims d’inclusió i de diversitat racial. La normativa no s’aplicarà de manera estricta fins a l’edició del 2025.

Els nous requisits, que es van anunciar al marge del cinquè aniversari de la controvèrsia #OscarsSoWhite, i tres mesos després que l’Acadèmia anunciés la seva iniciativa Academy Aperture 25, van ser determinats per un grup de treball encapçalat pels governadors de l’acadèmia DeVon Franklin i Jim Gianopulos i es van modelar segons una plantilla inspirada en les normes de diversitat del British Film Institute (BFI), que s’utilitzen per determinar els requisits de finançament de les pel·lícules al Regne Unit i la elegibilitat en algunes categories dels premis British Academy of Film and Television (BAFTA).

A partir del 2024 totes les produccions que vulguin optar a Millor Pel·lícula hauran de complir un dels tres requisits següents: que al menys un dels protagonistes principals o secundaris importants repressentin minories, que un 30% de secundaris també siguin minories, dones o membres del col·lectiu LGTB, o que el argument se centri en un de aquests grups.

L’ALTERNATIVA 2020, UN FESTIVAL HÍBRID

9 setembre 2020 – El Festival de Cinema Independent de Barcelona, l’Alternativa, arriba enguany a la seva 27a edició. L’Alternativa 2020 estrenarà format híbrid, presencial i online, i se celebrarà del 16 al 29 de novembre en diferents espais de Barcelona i a la plataforma Filmin. Serà una nova oportunitat de descobrir i gaudir de projeccions i activitats que defensen la independència creativa de l’autor, la diversitat, la innovació, la llibertat, el compromís i la reflexió.

En la seva 27a edició el festival presentarà El cinema sobre art. Un segle d’experimentació, un cicle de cinema-assaig organitzat pel Museu Reina Sofia i comissariat per Guillermo G. Peydró, que l’Alternativa presenta en col·laboració amb el MACBA. Aquest cicle acompanyarà al seminari El cinema sobre art, impartit també per Guillermo G. Peydró, i la presentació del seu llibre El cine sobre arte. De la dramatización de la pintura al cine-ensayo (Shangrila, 2019).

GOYAS: TRUEBA COMPETIRÁ POR COLOMBIA

2 septiembre 2020 – La Academia Colombiana de Artes y Ciencias Cinematográficas dio a conocer que “El olvido que seremos”, película dirigida por el madrileño Fernando Trueba, representará a Colombia en las nominaciones a los próximos Premios Goya 2021.

Se trata de un relato íntimo visto desde los ojos del único hijo varón del protagonista que se representa en el filme, Héctor Abad Facilionce, uno de los escritores más destacados de la Colombia contemporánea.

Basada en su libro homónimo, “El olvido que seremos” es una película sobre un hombre bueno, Héctor Abad Gómez (Javier Cámara), destacado médico y activista por los derechos humanos en el Medellín polarizado y violento de los años 70. La historia relata la vida del doctor, padre de familia preocupado tanto por sus hijos como por los niños de clases menos favorecidas, el escenario: la casa, allí donde se respira la vitalidad y la creatividad características de una educación fundamentada en la tolerancia y el amor.

Nada hace prever que una terrible enfermedad terminará con la vida de un ser querido. La tristeza y la rabia por la pérdida de un ser excepcional, llevará a Héctor a entregarse, con toda su alma, a la causa de abrir los ojos a una sociedad intolerante que no solo no lo escucha, sino que lo perseguirá́ hasta acallarlo.

El film es un proyecto liderado por Caracol Televisión, producido por Dago Garcia Producciones (DGP) y distribuido internacionalmente por Film Factory. Actualmente la película cuenta ya con acuerdos de distribución internacional con Cohen Media Group para USA y Reino Unido, Nour films en Francia y Lucky Red para Italia.

ESTRENA “EL GLORIOSO CAOS DE LA VIDA”

21 agosto 2020 – Llegó a las salas de cine “El Glorioso Caos de la Vida”, una película australiana sobre una adolescente que sufre una grave enfermedad y se convierte en la peor pesadilla de sus padres cuando se enamora locamente de Moses (Toby Wallace), un traficante de drogas. Pero, cuando Moses se convierte en la única razón para vivir de Milla, la moral tradicional de sus padres comienza a desaparecer. La joven aprende a vivir como si no tuviera nada que perder y a disfrutar de cada minuto como si fuera el último y, con ella, su familia también aprende a disfrutar de esa forma.

Según Shannon Murphy, la directora: “Con esta historia quería encontrar un lenguaje cinematográfico que lograse plasmar el peculiar tono irreverente y emotivo del guion que tan ingeniosamente escribió Rita Kalnejais. El reto de equilibrar esa dualidad de humor y dolor en cada fotograma me motivó muchísimo. No podía dejar nada al azar para representar genuinamente a nuestra protagonista, Milla, quien, con 15 años, está a punto de sentirse más viva que nunca y, a la vez, se enfrenta súbitamente con su propia mortalidad”.

“El lenguaje de la película cuenta con modernas interrupciones en forma de texto, música y roturas de la cuarta pared que nos permitirán adaptarnos y movernos al ritmo acelerado de Milla. Ella se enamora de Moses, al cual ve como una oportunidad para llevar el límite al extremo. A medida que profundizamos en la vida de los padres de Milla, descubrimos la disfuncionalidad y las complejas tensiones que surgen cuando esta familia se enfrenta a su peor pesadilla: quedan reducidos a la versión más cruda de ellos mismos. Espero que el público tenga una experiencia visceral viendo “El Glorioso Caos de la Vida”, que la sientan en lo más profundo de sus huesos y les haga sentir dolor y alegría por sus propias relaciones”.

XIII PREMIS GAUDÍ: OBREN LES INSCRIPCIONS

29 juny 2020 – L’Acadèmia del Cinema Català ha acordat flexibilitzar temporalment els criteris per concórrer als Premis Gaudí, atès el tancament obligat de sales comercials per la crisi sanitària i la cancel·lació d’algunes de les estrenes cinematogràfiques previstes el primer semestre de l’any. Avui dilluns, 29 de juny, comença el període d’inscripcions als seus guardons, que romandrà obert fins al 6 d’octubre a les 14 hores. Les Bases d’aquesta tretzena edició recullen que podran participar-hi aquelles produccions catalanes (llargmetratges de ficció, documentals i d’animació) estrenades a sales durant el 2020 (amb una permanència en pantalla de, com a mínim, 7 dies no consecutius), i de forma excepcional per a aquesta edició, les produccions audiovisuals estrenades entre el 14 de març i el 31 d’agost a canals de televisió i catàlegs de programes operants a Catalunya, tal i com preveu el Decret 17/2020 del Ministeri de Cultura del passat 5 de maig.

Als efectes dels Premis Gaudí, es considera ‘pel·lícula catalana’ la que està participada en un mínim del 20% per una productora domiciliada a Catalunya i acredita la participació de talent català almenys amb sis punts, segons els criteris recollits a les Bases.

Degut a la situació actual d’incertesa en relació a l’evolució de la pandèmia, la data de la gala es manté oberta a partir del 23 de gener de 2021, i el calendari de la cursa es farà públic més endavant.

Curtmetratges i pel·lícules europees

Pel que fa als curtmetratges, podran participar-hi tots els curts qualificats entre l’1 d’abril de 2019 i el 30 de setembre de 2020, i que no s’hagin presentat a l’anterior edició dels Premis Gaudí. Tots els curtmetratges inscrits seran valorats per una comissió de selecció externa designada per la Junta directiva de l’Acadèmia, que seleccionarà la desena de curts (màxim 15) que passaran a ser candidats als Premis en la categoria de Millor curtmetratge.

De la mateixa manera, una comissió de selecció s’encarregarà d’escollir les sis pel·lícules europees candidates a Millor pel·lícula europea i que passaran a la primera ronda de votacions, entre aquelles estrenades a Catalunya entre el 26 d’octubre de 2019 i el 23 d’octubre de 2020.

Les Bases que regeixen la XIII edició dels Premis Gaudí van ser aprovades per la Junta directiva de l’Acadèmia el 25 de juny de 2020 i s’han registrat a la Notaria Andújar & Roselló & Martínez de Salinas de Barcelona, amb data 29 de juny de 2020. Es poden consultar aquí. (fmr/acc)