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«El fantástico mundo de Juan Orol», ¿el peor cineasta del cine mexicano?

septiembre 12, 2012 ENTREVISTAS

Premio a la Mejor Ópera Prima en el 27 Festival Internacional de Cine de Guadalajara, el filme con el que Sebastián del Amo se acerca al controvertido y desigual cineasta de ascendencia gallega Juan Orol es una obra divertida que muestra con gracia y soltura la historia poco conocida de este personaje del cine mexicano idolatrado por el público y odiado hasta la extenuación por toda la crítica.

Y es que ‘El Rey del churro’, como era llamado, acostumbraba a mezclar gángsters con rumberas. Él mismo actuaba en sus películas representando al malvado y seductor Johnny Carmenta.
Sus orígenes en el cine se los debe al director cubano Ramón Peón García, considerado uno de los mejores de la primera mitad del siglo XX, quien compaginó sus trabajos en los dos países en distintos periodos de su carrera profesional.

Contaba el investigador Eduardo de la Vega que en un momento dado le preguntó al realizador gallego «Don Juan, ¿cómo es posible que en una escena usted ametralle a todos sus enemigos, que están sentados ante una mesa y de espaldas a un amplio ventanal, y no se rompa un solo vidrio por el impacto de las balas? Se me quedó mirando el cineasta y respondió: ¿Y qué? ¿Me iba usted a pagar los vidrios rotos? Y además, ¿cree usted que el público va a ver vidrios rotos al cine?»
Su austeridad era tan extrema que los efectos especiales están ausentes en su cinematografía. De los muertos de sus películas jamás salió una sola gota de sangre.

El director de «El fantástico mundo de Juan Orol», Sebastián del Amo, cuenta para Cinestel cómo se le ocurrió abordar la figura de este pintoresco personaje:

«Siempre que se hace una retrospectiva, una investigación o un homenaje a la época de oro del cine mexicano a Juan Orol se le omite porque sus películas eran consideradas malas por la crítica, pero su figura es absolutamente fundamental para entender la evolución del cine mexicano puesto que aunque él no se lo propusiera fue un innovador absoluto de géneros. Por ejemplo inventó el cine de las rumberas que de alguna manera fue el que trajo la música cubana al cine mexicano y fue el género que también define la estética del cabaret, que es un elemento fundamental en toda la temática de nuestro cine.

Orol tenía un discurso personal que estaba muy en boga en aquel momento y que se correspondía con películas de charros cantantes, Pedros Infantes, Jorges Negretes y todo eso, que ya era un retrato de todo un México que no existía porque ese México de la hacienda que él retrataba ya para 1940-50 se había evaporado.

Juan estaba obsesionado con el tema de los gángsters por una cuestión personal porque él había sido policía secreto y su rollo era así como gángsters italianos en cabarets con rumberas de fondo».

– Curiosamente se le tildaba de surrealista pero no sé si ese componente de humor que casi todo el mundo ve en sus películas él se lo proponía ex profeso o es algo que le sobrepasaba.

No, él no. Más bien todo este planteamiento intelectual de que si era surrealista el cine de Orol correspondió a la crítica posterior incluso, no a la de su época.
Carlos Monsiváis redescubre a Orol en los años sesenta cuando él era director de la Dirección de Actividades Cinematográficas de la UNAM y es quien le da esta pátina intelectual a la figura de Orol porque éste realmente no tenía ningún cuestionamiento artístico para hacer cine puesto que lo encaraba como un fabricante de chorizos encara hacer chorizos: dar de comer al cerdo, engordarlo, matarlo, hacer el chorizo y venderlo y luego sacar lo suficiente como para comprarse otro cerdo y volver a alimentarlo.

Un poco ese era su rollo y él gracias a este empuje que tenía pudo filmar cincuenta y siete películas en un periodo de más de treinta años que es en esencia lo que yo establezco como una diferencia vital con Ed Wood que es un comparativo que se le hace como cine que es muy común y que a mí me parece un tanto odioso.
Respecto al mote de surrealista vino dado porque Orol era considerado «el otro español que hacía películas en México» al tiempo que Luis Buñuel que sí que era verdaderamente surrealista y por eso a Orol se le llama el surrealista involuntario.

Como él no tenía una educación formal para hacer cine, entró en el espectro cinematográfico un poco de rebote. Todo lo que aprendió del oficio fue en el plató.
Tiene una escena muy famosa en la que él llega vestido de negro a matar al villano y cuando sale de matarlo aparece vestido de blanco. Entonces los críticos de los años ’60s decían que se había purificado en el proceso de asesinar al malo y tal y él en realidad contó que se había manchado de mostaza el traje y lo había mandado a la tintorería el día anterior. Había filmado la entrada y la salida en días diferentes.

Eso era muy común en el cine oroliano y terminó siendo una estética que a lo largo de los años se impuso en sus películas lo que ayudó al tema del surrealismo involuntario que fue un género del cine mexicano después.

– Orol nació en Galicia y se fue muy pronto a América. Casi se puede decir que fue más mexicano que gallego.

Sí, en realidad en España lo conocen muy poco. Yo el guión lo escribí en España y el coguionista es un chico vasco. La intención original que teníamos era vender el guión en España pensando en que por ahí algún productor se iba a interesar en redescubrir este personaje realmente fantástico.
Lo que me decían es que estaba interesante el personaje pero que era demasiado oscuro para el público español, muy poco conocido a pesar de que él llegó a filmar un par de películas en España.

Orol dejó Galicia a los trece años. Llegó a Cuba primero, luego vino a México, regresó a Cuba en donde empezó a probar diferentes oficios como beisbolista, corredor de coches, torero y boxeador y más adelante terminó de rebote otra vez siendo policía secreta en la ciudad de México en plena guerra cristera.
La inquietud de entrar en el cine básicamente es porque le gustan las actrices, el cine está lleno de tías buenas y él se acercó al tema por eso. En realidad era un tipo que no se cuestionaba ni reflexionaba mucho sobre los actos que hacía y estaba un poco como el espontáneo saliendo al ruedo.

– Sin lugar a dudas él veía el cine como un medio para ligar y los personajes que interpretaba eran machistas; pero es que el machismo era algo muy normal y común en esa época.

Sí era normal pero Orol tenía este rollo hasta con moralina. Por decirte que las rumberas eran para él como el inicio del estereotipo de la mujer fatal del cine mexicano, más o menos.
Él iba y se casaba con ellas, las hacía estrellas, las encumbraba, empezaba a cortejar otras, las chicas lo mandaban al demonio y el tipo se iba a Cuba y se traía a otra porque tenía este rollo de tanto moralismo que no se las follaba, se casaba con ellas primero.

Y luego era un tipo muy gracioso porque tenía unas relaciones con ellas completamente disfuncionales. A su segunda esposa, María Antonieta Pons, Orol ya le llevaba unos buenos treinta añitos de diferencia. Ya la última, resulta que la chica tendría 18 o 19 años y Orol unos 72.
Y era un tipo que tampoco es que tuviera dinero ni que fuera alguien realmente importante. Era un tipo como muy encantador que les vendía este cuento de hacerlas estrellas. En un momento María Antonieta Pons y Rosa Carmina son dos divas de segundo nivel comparadas con Dolores del Río y María Félix pero divas al fin y al cabo del cine mexicano y al final con sus dos últimas esposas él ya no era tan importante.

Lo que me pareció interesante del homenaje visto desde la perspectiva de este perdedor de la historia del cine mexicano es que igual es considerado el peor director del cine mexicano por lo tanto eso ya como que lo envuelve de un morbo especial y luego lo que vi que me pareció muy destacable es que los momentos álgidos de la vida de este señor coinciden casi en paralelo con los momentos importantes de la historia y la evolución de la industria del cine mexicano.

Él empieza su carrera en el inicio del cine sonoro, en la época preindustrial, tiene su momento de mayor productividad durante la época de oro en la que llegó a filmar hasta siete películas en un año y luego ya los años ’60s-’70s coinciden con su edad madura y ya se nota su vejez y su consiguiente evolución temática e incluso físicamente empieza a decaer muy de la mano de la industria que llega también a una decadencia total en los años ’70s-’80s.

– Tu película parte de 1982, cuando Juan Orol ya es viejo y haces como una especie de retrospectiva que él va contando. ¿Qué te decidió a versionar la historia de esta manera?

Es que mira, la poca información que se tiene de Orol es realmente eso, son historias que él contaba en entrevistas que él dio a poquísimas personas, una de El País, otra de un investigador de la Universidad de Guadalajara y de unos cuantos historiadores del cine y son historias que él contaba ya de viejo. Entonces, entre que confundía cosas y se inventaba otras se creó un mito alrededor de su persona.

Orol se preocupó siempre por crear ese mito. Por decirte, él había dicho que nació en El Ferrol porque, como no conoció a su padre, le gustaba decir que su padre había sido almirante de la marina y que había peleado en la guerra de Cuba y no sé que, cuando en realidad los historiadores del cine descubrieron que nació en Lalín que es un pueblo en Pontevedra, en la Galicia profunda, y si no conoció a su padre es porque su padre era un viajero que se ligó a la madre y la embarazó. Pero él se murió repitiendo y afirmando que había nacido en El Ferrol.

Por eso se preocupó mucho de crear un mito en torno a su persona y lo que empecé yo a ver cuando hice la investigación es que mucha de la información que había no es verificable.
Por ejemplo, había dicho que era torero que se llamaba Esparterito y que había toreado en la plaza de México. En los anales de la plaza de México no aparece ningún Esparterito pero parece que había en el momento otra plaza por ahí que se llamaba Plaza Nuevo México.

Entonces, como que era poco verificable, poco formal, la idea fue que en lugar de hacer una biografía formal más bien como andar en el mito y ponerse un poco el formato de empezar él de viejo y como que va para atrás empezando a contar su historia.

– ¿Qué nos puedes contar del elenco que participa en la película?

Está protagonizada por Roberto Sosa que sin duda es uno de los mejores actores de México, tiene 42 años de vida y algo así como 37 años de carrera, un todoterreno, y luego él está acompañado por unas chicas muy guapas, las cinco esposas de Orol, que son Gabriela de la Garza, Ximena González-Rubio, Marisa Saavedra, Karin Burnnet y Fernanda Romero y en la película había como muchos papeles muy pequeños, incluso vips, que entonces la intención que tuvimos fue, como estábamos haciendo un homenaje a un icono del cine mexicano pues en la medida de lo posible tener gentes que fueran en sí mismas icónicas del cine mexicano de hoy, de ayer y de siempre. Entonces tenemos a Jesús Ochoa, a Tongolele, a Zamorita a Julio Bracho,… son muchos, hay más de cuarenta actores.

Lo que fue muy mágico realmente fue que yo con mucho morro les fui a esos primeros actores a ofrecerles papelitos así de unos cameos y un poco por las características del proyecto me aceptaban, como que tiene mucho ángel el personaje, cae como muy simpático y tuve la suerte de tener primerísimos actores.

– ¿Y la selección musical proviene de películas de Juan Orol?

Algunas, no todas. Tuvimos la suerte de trabajar con Orfeón que es una disquera que firmó realmente a todos los artistas cubanos en el 59 cuando llegaron a México y tiene una firme biblioteca impresionante y la idea era contar un poco la historia de la música. Orol siempre fue un personaje muy musical, incluso él fue compositor y era bailarín y coreógrafo y les montaba los bailes a las chicas y tal. Entonces era muy importante el tema de la música y la idea era contar la historia desde la selección musical y desde luego que sirviera para terminar de vestir la sensación de época, sin duda.

©José Luis García/Cinestel.com

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CINESTEL.COM/ FUNDADA EN JULIO 2005

FILMOTECA DE CATALUNYA: GENER 2023

Pedro Costa, cineasta i espectador

El director portuguès, bon amic de la Filmoteca de Catalunya, on va preestrenar fa poc el seu darrer film “Vitalina Varela”, és protagonista per partida doble aquest mes de gener. D’una banda, amb una retrospectiva completa de la seva obra, un cinema personal, compromès i minimalista que posa en primer pla els oblidats, els més desfavorits de la societat. També ha dissenyat una Carta blanca que ens acosta als seus gustos com a espectador i influències com a autor, des d’Huillet-Straub fins a Tourneur passant pel seu gran mestre i referent, António Reis. La visita de Costa coincideix amb l’exposició Cançó de Pedro Costa que es pot visitar a La Virreina. Centre de la imatge fins el 23 d’abril de 2023. (més informació)

Oliveira vist per Costa

La desconeguda faceta fotogràfica de Manoel de Oliveira continua ocupant l’espai de la sala d’exposicions. Una oportunitat d’aprofundir en un talent inèdit del mestre i una mirada nova per entendre el seu univers i el seu estil i manera de filmar. La presència de Pedro Costa propicia una interessant visita comentada a la mostra d’Oliveira, dijous 18 de gener a les 18.30 h.
(més informació)

Un mestre japonès: Masaki Kobayashi

Un altre nom imprescindible en la revisió que porta a terme la Filmoteca dels grans autors nipons, amb la complicitat de la Japan Foundation. Deixeble de Mizoguchi, Ozu i Kurosawa, Kobayashi era un pacifista radical que va ser mobilitzat per l’exèrcit japonès durant la Segona Guerra Mundial i capturat com a presoner. Aquesta colpidora experiència la va traslladar a la monumental trilogia La condició humana, molt crítica amb el seu país. Més endavant la seva filmografia evoluciona cap a reinterpretacions del cinema de samurais o un clàssic de terror sobrenatural guardonat amb el Premi Especial del Jurat del Festival de Cannes com “Kaidan”. (més informació)

L’etapa alemanya de Douglas Sirk

Abans d’arribar als Estats Units fugint del nazisme, Douglas Sirk va realitzar nou llargmetratges entre el 1935 i el 1937 per a la gran productora alemanya UFA. Allà ja hi eren les constants i les bases d’un estil que el va convertir en el gran mestre del melodrama del Hollywood clàssic, que va tenir el seu protagonisme en el cicle dedicat al gènere de fa dos estius a la Filmoteca. Sirk va abocar la seva exquisida educació i la seva experiència teatral en aquesta breu i intensa etapa ben poc coneguda. (més informació)

Fantasmagories del desig

Arriba la vuitena temporada d’aquest cicle de cinema i psicoanàlisi proposat per La casa de la paraula. Una cita mensual al llarg del primer semestre de 2023, sis sessions amb sis presentadors i presentadores convidades que exposaran la seva lectura de l’obra escollida per obrir un espai de reflexió sobre el que ens interpel·la en una obra de creació i obrir el debat amb el públic. Fantasmagories del desig com les que inclou “Cosmopolis” de David Cronenberg, que inaugura el cicle aquest gener a proposta del psicòleg clínic especialitzat en psicoanàlisi lacaniana José Carlos Palma. (més informació)

Dies curts amb Zaida Carmona

Espai de trobada per descobrir i conversar amb cineastes properes, posant el focus en el format curt i les propostes arriscades i emocionants, encara allunyades dels circuits majoritaris d’exhibició. El cicle té la seva cita un divendres al mes, de gener a juny, i inaugura aquesta tercera edició amb Zaida Carmona, que viu i somia Barcelona des de fa quasi 20 anys, amb vídeos, podcasts, col·laboracions musicals, curtmetratges de ficció i d’autoficció, i amb el seu darrer i celebrat llargmetratge “La amiga de mi amiga” (2022). La sessió inclourà peces diarístiques mai vistes que suposen els primers jocs amb l’autoficció i dos curts més recents que il·lustren l’univers de la cineasta. (més informació)

I també…

Continua el cicle inaugurat al desembre Cinema dins el cinema, una selecció de pel·lícules ben diverses amb el món del cinema com a marc de referència (programa); sessió de presentació del primer número de la nova publicació Outskirts, una revista de cinema semestral, en anglès, d’assajos originals, entrevistes, crítiques, traduccions i un gran dossier (programa); projecció de “Cartas de Akyab”, d’Eugenia Balcells, coincidint amb l’exposició Ella una i altra vegada, que es pot veure a Can Framis de la Fundació Vila Casas (programa); estrena del documental de Rafael Toba Juan Mariné, entre luz y sombra, dedicat al degà dels directors de fotografia espanyols, Juan Mariné; i al Teatre Goya es representarà Plátanos, cacahuetes y Lo que el viento se llevó, una peça de Ron Hutchinson sobre les circumstàncies que van envoltar el rodatge de la mítica pel·lícula i les diferències entre el productor David O. Selznick i el director Victor Fleming. Una ocasió immillorable per tornar a gaudir en pantalla gran de “Gone with the Wind” (programa).

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SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

Sylvette Baudrot 260

ALL ROADS LEAD TO BARCELONA

One of the best ways to follow what’s going on at the movie theaters area and what the next innovations are representing for the movies distribution industry, is taking a look at CineEurope coverage released on our site Cinestel.com

Una de les millors maneres de seguir tot el que està passant al voltant del àrea profesional de les sales de cinema i també d’allò que les següents innovacions representen per a la indústria de distribució de pel·lícules, és fent una ullada a la cobertura de CineEurope feta pel nostre lloc web Cinestel.com

This is a links’ summary (most of the reports and interviews are written in Spanish):

Aquest és un sumari en anglès dels enllaços a notícies i entrevistes:

ELS GAUDÍ D’“ALCARRÀS” I “PACIFICTION”

23 gener 2023 – “Alcarràs”, de Carla Simón, i “Pacifiction”, d’Albert Serra, van guanyar els Gaudí a Millor pel·lícula i a Millor pel·lícula en llengua no catalana, respectivament, en una edició, la quinzena, d’uns Premis Gaudí molt repartits que també van reconèixer els mèrits de “Suro”, amb els guardons a Millor direcció novella per a Mikel Gurrea i millors interpretacions protagonistes, i d’“Un año, una noche”, d’Isaki Lacuesta, que es va endur fins a cinc estatuetes.

La cerimònia d’entrega dels XV Premis Gaudí no va deixar pràcticament cap dels títols més nominats sense recompensa: als ja citats cal afegir els dos guardons que es van endur “La maternal”, de Pilar Palomero, i “Los renglones torcidos de Dios”, d’Oriol Paulo.

L’emocionat record a Agustí Villaronga, traspassat el mateix dia de la cerimònia, va travessar una gala que va homenatjar l’estimat cineasta amb sentides paraules al llarg de tota la nit. Referent clau del nostre cinema, deixa un extens llegat de més d’una vintena d’obres reconegudes nacional i internacionalment.

PALMARÈS XV PREMIS GAUDÍ

Millor pel·lícula: ALCARRÀS. Dirigida per Carla Simón, escrita per Carla Simón i Arnau Vilaró i produïda per María Zamora, Stefan Schmitz, Tono Folguera, Sergi Moreno i Oriol Sala-Patau

Millor pel·lícula en llengua no catalana: PACIFICTION. Dirigida i escrita per Albert Serra i produïda per Albert Serra, Montse Triola, Pierre-Olivier Bardet, Dirk Decker, Andrea Schütte, Joaquim Sapinho, Marta Alves i Laurent Jacquemin

Millor pel·lícula documental: EL SOSTRE GROC. Dirigida per Isabel Coixet, escrita per Isabel Coixet i Laura Ferrero i produïda per Isabel Coixet

Millor pel·lícula d’animació: TADEU JONES 3. LA TAULA MARAGDA. Dirigida per Enrique Gato, escrita per Manuel Burque i Josep Gatell i produïda per Edmon Roch, Ghislain Barrois, Alvaro Augustin, Marc Sabé, Nicolas Matji i Javier Ugarte

Millor direcció: Carla Simón, per ALCARRÀS

Millor direcció novella: Mikel Gurrea, per SURO

Millor guió original: Carla Simón i Arnau Vilaró, per ALCARRÀS

Millor guió adaptat: Isa Campo, Isaki Lacuesta i Fran Araújo, per UN AÑO, UNA NOCHE

Millor protagonista femenina: Vicky Luengo, per SURO

Millor protagonista masculí: Pol López, per SURO

Millor direcció de producció: Elisa Sirvent, per ALCARRÀS

Millor curtmetratge: HARTA. Dirigit per Júlia de Paz, escrit per Júlia de Paz i Núria Dunjó i produït per Sergio Grobas

Millor pel·lícula per a televisió: SIS NITS D’AGOST. Dirigida per Ventura Durall, escrita per Jordi Lara i Ventura Durall i produïda per Ventura Durall i Paco Poch

Millor direcció artística: Sebastian Vogler, per PACIFICTION

Millor muntatge: Sergi Dies i Fernando Franco, per UN AÑO, UNA NOCHE

Millor actriu secundària: Ángela Cervantes, per LA MATERNAL

Millor actor secundari: Alex Brendemühl, per HISTORIAS PARA NO CONTAR

Millor interpretació revelació: Carla Quilez, per LA MATERNAL

Millor música original: Raül Refree, per UN AÑO, UNA NOCHE

Millor fotografia: Artur Tort, per PACIFICTION

Millor vestuari: Alberto Valcárcel, per LOS RENGLONES TORCIDOS DE DIOS

Millor so: Amanda Villavieja, Eva Valiño, Alejandro Castillo i Marc Orts, per UN AÑO, UNA NOCHE

Millors efectes visuals: Laura Pedro, per UN AÑO, UNA NOCHE

Millor maquillatge i perruqueria: Montse Sanfeliu i Carolina Atxukarro, per LOS RENGLONES TORCIDOS DE DIOS

Millor pel·lícula europea: CINCO LOBITOS (Espanya)

Premi Especial del Públic: ALCARRÀS. Dirigida per Carla Simón, escrita per Carla Simón i Arnau Vilaró i produïda per María Zamora, Stefan Schmitz, Tono Folguera, Sergi Moreno i Oriol Sala-Pataus

HA MORT EL CINEASTA AGUSTÍ VILLARONGA

22 gener 2023 – Ha mort el cineasta mallorquí Agustí Villaronga, qui anava a complir 70 anys el pròxim dia 3 de març. Entre les nombroses obres cinematogràfiques que formen part del seu llegat destaquen “El Mar” (2000); “Aro Tolbukhin, dins la ment de l’assassí” (2002); “Pa Negre” (2010) i “El ventre del mar” (2021).
En el moment de la seva defunció, encara roman inèdita a les sales la seva última pel·lícula, “Loli Tormenta”, que va ser l’única incursió que va fer en el gènere de la comèdia.

GOYA: “ALCARRÀS” REP ONZE NOMINACIONS

1 desembre 2022 – La pel·lícula de Carla Simón, “Alcarràs”, ha rebut onze nominacions i per la 37ª edició dels Premis Goya 2023 competirà a les màximes categories, entre les quals millor pel·lícula, millor direcció i millor guió original, a més de millor actor revelació (Albert Bosch i Jordi Pujol Dolcet), millor actriu revelació (Ana Otín), millor guió original (Arnau Vilaró i Carla Simón), millor fotografía, millor muntatge, millor direcció de producció, millor direcció d’art i millor so.

“Suro”, del director Mikel Gurrea, ha estat nominada en la categoria de millor direcció novella, mentre que “El Sostre Groc”, d’Isabel Coixet, també té l’opció d’endur-se el premi al millor documental. “As Bestas” (17), de Rodrigo Sorogoyen i “Modelo 77” (16), d’Alberto Rodríguez, són els films que tenen més nominacions.

De les produccions de llargmetratge presentades, 94 són obres de ficció, 63 són documentals i també hi ha 8 cintes d’animació. També concorren al certamen 10 films europeus i 16 produccions iberoamericanes.

En l’apartat de curtmetratges, 55 són de ficció, 23, i 26, propostes d’animació. Pel que fa als guions, de les 165 propostes candidates, 130 són originals i 32 adaptats.

RAMÓN TÉRMENS RUEDA “SOCIETAT NEGRA”

16 noviembre 2022 – Ramón Térmens es un cineasta que gusta de incorporar en sus historias de ficción toda una variedad de personajes que forman parte de muy diversas procedencias. Y eso es precisamente lo que ha hecho en su más reciente película, que ahora está en pleno proceso de rodaje.

“Societat Negra” cuenta la historia de un confidente de la policía y sus dos colegas del barrio, que se atreven a dar un golpe a la mafia china de Barcelona. Las fatales consecuencias no tardarán en perseguirles, pero cual perros callejeros, venderán cara su piel.

Además de Barcelona, la película está siendo rodada en Badalona, Santa Coloma de Gramenet y Sant Adrià del Besòs y con escenarios como el puerto, las Tres Chimeneas donde precisamente Catalunya tendrá próximamente un hub audiovisual, el cementerio de Montjuic o el Chinatown de Badalona.

Rodada en catalán, castellano y mandarín durante seis semanas, la película está producida por Segarra Films y Societat Oculta AIE y cuenta con la participación del ICEC y de TV3. En el reparto están los actores Alberto Jo Lee, Chacha Huang, Daniel Faraldo, Marcos Zan, Montse German, Abel Folk, y María Galiana, entre otros.

MARIO CASAS DEBUTA EN LA DIRECCIÓN

16 noviembre 2022 – El actor Mario Casas comenzó entre Barcelona y Madrid el rodaje de su primer largometraje como director, “Mi soledad tiene alas”, que además coescribe el guion junto a la también actriz Deborah François. Ambientada en los mismos barrios donde Casas pasó su infancia, ‘la película sigue de un modo único a un grupo de chavales que viven la vida al límite y se dedican a robar joyerías hasta que algo se tuerce y tienen que huir del mundo que conocen’.

En palabras del propio Mario: ‘Después de casi tres meses intensos de ensayos, Óscar, Farid y Candela, han conseguido superar todas mis expectativas. Se han convertido en los personajes con una confianza ciega, sensibilidad y una verdad arrolladora. Es lo que siempre había imaginado en los 3 protagonistas. Me siento un privilegiado de poder darle la oportunidad a unos jóvenes, que solo desprenden talento y entrega. Ojalá pueda guiarlos y darles todo lo que ellos me están regalando a mí. Está siendo uno de los viajes de mi vida’.

El proyecto, que se vino cociendo a fuego lento, contó con un larguísimo proceso de cásting de más de un año para rodear a su protagonista (Óscar Casas), de un reparto no profesional con los debutantes Candela González y Farid Bechara acompañándole al frente del título.

PRÓRROGA DE ASIGNACIONES ESPECÍFICAS

30 octubre 2022 – Por fin el Senado de la República Argentina aprobó el proyecto de ley que prorroga hasta el 31 de diciembre de 2072 las asignaciones específicas para industrias e instituciones culturales, con 57 votos afirmativos, 2 negativos y 9 abstenciones. La iniciativa salió adelante gracias a los votos del Frente de todos y de un sector del radicalismo, pues la mayoría de senadores del macrista PRO se abstuvieron, a excepción de dos de ellos que votaron en contra.

El proyecto extiende hasta esa fecha (justo por 50 años) la vigencia de las asignaciones específicas previstas en los incisos b), e) e i) del artículo 4 de la ley 27.432: gravamen de emergencia a los premios de determinados juegos de sorteo y concursos deportivos previsto en la ley 20.630; impuesto a las entradas de espectáculos cinematográficos e impuesto sobre los videogramas grabados previstos en la ley 17.741; e impuesto a los servicios de comunicación audiovisual previsto en la ley 26.522.

De acuerdo con el proyecto, el beneficio continuará “durante la vigencia de los impuestos respectivos, o hasta el 31 de diciembre de 2072, lo que ocurra primero”.

El beneficio servirá para financiar actividades como el cine, los servicios de comunicación audiovisual y las bibliotecas populares.

Además, será distribuido teniendo en cuenta a las diferentes jurisdicciones provinciales, priorizando a “las regiones geográficas de menor desarrollo relativo en materia de producciones culturales”.

Bajo las consignas: «Senadores, voten a favor del pueblo» y «Evitemos el apagón cultural», el Colectivo Unidxs por la cultura se congratuló por el resultado de la votación. Y en un comunicado titulado «Son #50años y es Ley!», entre otras cosas, escribieron: “Luchar sirve, coordinar sirve, hacer asambleas sirve, pensar colectivamente sirve. Contra todos los engaños y las promesas, contra todos los que dijeron que había que conformarse. Frenamos el apagón cultural por 50 años. Con la lucha y la organización de artistas, comunicadores y trabajadores de la cultura en todo el país”.

MILLOR PEL·LÍCULA PER “MI VACÍO Y YO”

23 octubre 2022 – El Festival de l’Audiovisual Català Som Cinema de Lleida confirma el brillant recorregut de la pel·lícula “Mi vacío y yo” per prestigiosos certàmens nacionals i internacionals. El director de la cinta, Adrián Silvestre, i la seva actriu protagonista, Raphaëlle Pérez, van recollir el guardó com a millor llargmetratge de ficció a Som Cinema, de mans del paer en cap de Lleida, Miquel Pueyo. L’alcalde va presidir la cloenda acompanyat de la vicepresidenta 2a de la Diputació de Lleida, Estefania Rufach, de la directora artística del festival, Judith Vives, i del regidor Jaume Rutllant.

“La maternal”, una altra de les pel·lícules catalanes del moment, que s’està presentant en festivals d’arreu del món, va rebre el Premi del Jurat que, a més, va concedir una menció especial per al film “Aftersun”, de Lluís Galter.
Pel que fa als curtmetratges de ficció, el treball guanyador fou “Crisàlides”, dirigit per Marc Camardons i produït per ESCAC Films. Així mateix, es va concedir una menció d’honor al curt “Zama”, de Miguel Àngel Marqués.

Guardons als documentals

“Francesca i l’amor”, el retrat íntim de l’artista plàstica barcelonina Francesca Llopis en el moment que la seva filla deixa el niu i ella s’introdueix en Tinder, va rebre el guardó al millor llargmetratge documental. La seva directora és Alba Sotorra.
En aquest apartat el millor curtmetratge ha estat “S’altra banda”, produït per Escac Films, i dirigit per Sònia Buj. És una història al voltant de Pepe el Malo, un personatge de l’imaginari menorquí.
Durant el festival es va estrenar fora de concurs el documental “El sostre groc”, d’Isabel Coixet, dedicat als abusos comesos en l’Aula de Teatre de Lleida.

En el seu parlament per tancar el festival, Miquel Pueyo va agrair als cineastes la seva aportació amb obres reivindicatives i de denúncia, com “El sostre groc”, i altres de memòria històrica, especialment importants en un context com l’actual que demostra que el feixisme és viu.
Durant la mostra el públic va poder veure prop de 60 treballs arribats de Catalunya, País Valencià i les Illes Balears.

CÓNDOR: “EL PERRO QUE NO CALLA”

4 octubre 2022 – El perro que no calla de Ana Katz fue elegida como la mejor película de ficción del año que pasó, mientras que Esquirlas de Natalia Garayalde y Una casa sin cortinas de Julían Troksberg, compartieron el premio al mejor documental. Leonardo Sbaraglia y Érica Rivas fueron las mejores actuaciones protagónicas para la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina.

El CC25 de Mayo fue sede de la 70 edición de los Premios Cóndor de Plata que distinguieron lo mejor de la producción nacional del año 2021 estrenada en cines o a través de las diversas plataformas digitales disponibles en el país.

“La Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina quiere manifestar su preocupación ante la demora en el tratamiento a la ley que prorroga las asignaciones específicas para las industrias culturales entre las cuales está la cinematografía nacional. La cultura está en peligro porque en diciembre caduca la ley que financia el cine, el teatro, las bibliotecas populares y la música. Por eso, se insta a los senadores y senadoras de nuestro país a que reviertan esta situación aprobando ya la ley que las prorroga por 50 años más. La cúltura es un derecho que los gobernantes deben garantizar”, manifestó en el comienzo de la ceremonia el presidente de la entidad Juan Pablo Russo.

El perro que no calla fue elegida como la mejor película del año, además de llevarse los galardones a Mejor Dirección (Ana Katz), Guion Original (Ana Katz y Gonzalo Delgado), Revelación Masculina (Daniel Katz) y Actor de Reparto (Carlos Portaluppi).

Una casa sin cortinas, de Julían Troksberg y Esquirlas, de Natalia Garayalde recibieron el Cóndor de Plata al Mejor Largo Documental. Por su parte, Karnawal de Juan Pablo Félix fue premiada como la Mejor Ópera Prima, por las actuaciones de reparto del chileno Alfredo Castro y Mónica Lairana y por su diseño de vestuario.

La relación completa de premios fue la siguiente:

Ganadores
Película de Ficción: El perro que no calla de Ana Katz
Película Documental: Esquirlas de Natalia Garayalde y Una casa sin cortinas de Julían Troksberg
Ópera Prima: Karnawal de Juan Pablo Félix
Película en Coproducción con Argentina: Akelarre de Pablo Agüero (España, Francia y Argentina)
Película Iberoamericana: El agente topo de Maite Alberdi (Chile)
Corto de ficción: Sycorax de Matías Piñeiro y Lois Patiño
Corto documental: Terminal norte de Lucrecia Martel
Dirección: Ana Katz por El perro que no calla
Actriz Protagónica: Érica Rivas por El prófugo
Actor Protagónico: Leonardo Sbaraglia por Errante corazón
Actriz de Reparto: Mónica Lairana por Karnawal
Actor de Reparto: Alfredo Castro por Karnawal y Carlos Portaluppi por El perro que no calla
Revelación Femenina: Nina Vera Suárez Bléfari por Implosión
Revelación Masculina: Daniel Katz por El perro que no calla
Guion Original: Gonzalo Delgado y Ana Katz por El perro que no calla
Guion Adaptado: Natalia Meta y Leonel D’Agostino por El prófugo, basado en el libro “El mal menor” de C.E. Feiling
Dirección de Fotografía: Bárbara Álvarez por El prófugo
Montaje: Martin Sappia y Julieta Secco por Esquirlas
Diseño de sonido: Guido Berenblum por El prófugo
Música Original: Luciano Azzigotti por El prófugo
Canción Original: “Volveré” de Diego Bravo y Osvaldo Laport para Bandido
Diseño de Vestuario: Regina Calvo y Gabriela Varela Laciar por Karnawal
Dirección de Arte: Ailí Chen por El prófugo y Federico Mayol por El apego
Maquillaje y Peluquería: Néstor Burgos por El apego
Premio María Luisa Bemberg: Vanessa Ragone
Premio Leonardo Favio: Adolfo Aristarain
Premio Salvador Sammaritano: Fernando Martín Peña
Premio al Mérito Periodístico: Guillermo Courau, Catalina Dlugi, Javier Luzi, María Fernanda Mugica y Juan Pablo Russo.
Premio del público BA Audiovisual: Implosión, de Javier van de Couters

BILLY WILDER Y LOS FRACASOS EN EL CINE

Billy WilderPor lo general, cuando una película no funciona, uno dice que se adelantó a su tiempo, o que se estrenó demasiado cerca de la Navidad, o que era justo después de la Navidad y la gente se había gastado el dinero en regalos, o que fue un fracaso porque hacía muy buen tiempo y la gente se fue a la playa, o porque llovía y la gente se quedó en casa.
*Billy Wilder, director y guionista austriaco.