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«El fantástico mundo de Juan Orol», ¿el peor cineasta del cine mexicano?

septiembre 12, 2012 ENTREVISTAS

Premio a la Mejor Ópera Prima en el 27 Festival Internacional de Cine de Guadalajara, el filme con el que Sebastián del Amo se acerca al controvertido y desigual cineasta de ascendencia gallega Juan Orol es una obra divertida que muestra con gracia y soltura la historia poco conocida de este personaje del cine mexicano idolatrado por el público y odiado hasta la extenuación por toda la crítica.

Y es que ‘El Rey del churro’, como era llamado, acostumbraba a mezclar gángsters con rumberas. Él mismo actuaba en sus películas representando al malvado y seductor Johnny Carmenta.
Sus orígenes en el cine se los debe al director cubano Ramón Peón García, considerado uno de los mejores de la primera mitad del siglo XX, quien compaginó sus trabajos en los dos países en distintos periodos de su carrera profesional.

Contaba el investigador Eduardo de la Vega que en un momento dado le preguntó al realizador gallego «Don Juan, ¿cómo es posible que en una escena usted ametralle a todos sus enemigos, que están sentados ante una mesa y de espaldas a un amplio ventanal, y no se rompa un solo vidrio por el impacto de las balas? Se me quedó mirando el cineasta y respondió: ¿Y qué? ¿Me iba usted a pagar los vidrios rotos? Y además, ¿cree usted que el público va a ver vidrios rotos al cine?»
Su austeridad era tan extrema que los efectos especiales están ausentes en su cinematografía. De los muertos de sus películas jamás salió una sola gota de sangre.

El director de «El fantástico mundo de Juan Orol», Sebastián del Amo, cuenta para Cinestel cómo se le ocurrió abordar la figura de este pintoresco personaje:

«Siempre que se hace una retrospectiva, una investigación o un homenaje a la época de oro del cine mexicano a Juan Orol se le omite porque sus películas eran consideradas malas por la crítica, pero su figura es absolutamente fundamental para entender la evolución del cine mexicano puesto que aunque él no se lo propusiera fue un innovador absoluto de géneros. Por ejemplo inventó el cine de las rumberas que de alguna manera fue el que trajo la música cubana al cine mexicano y fue el género que también define la estética del cabaret, que es un elemento fundamental en toda la temática de nuestro cine.

Orol tenía un discurso personal que estaba muy en boga en aquel momento y que se correspondía con películas de charros cantantes, Pedros Infantes, Jorges Negretes y todo eso, que ya era un retrato de todo un México que no existía porque ese México de la hacienda que él retrataba ya para 1940-50 se había evaporado.

Juan estaba obsesionado con el tema de los gángsters por una cuestión personal porque él había sido policía secreto y su rollo era así como gángsters italianos en cabarets con rumberas de fondo».

– Curiosamente se le tildaba de surrealista pero no sé si ese componente de humor que casi todo el mundo ve en sus películas él se lo proponía ex profeso o es algo que le sobrepasaba.

No, él no. Más bien todo este planteamiento intelectual de que si era surrealista el cine de Orol correspondió a la crítica posterior incluso, no a la de su época.
Carlos Monsiváis redescubre a Orol en los años sesenta cuando él era director de la Dirección de Actividades Cinematográficas de la UNAM y es quien le da esta pátina intelectual a la figura de Orol porque éste realmente no tenía ningún cuestionamiento artístico para hacer cine puesto que lo encaraba como un fabricante de chorizos encara hacer chorizos: dar de comer al cerdo, engordarlo, matarlo, hacer el chorizo y venderlo y luego sacar lo suficiente como para comprarse otro cerdo y volver a alimentarlo.

Un poco ese era su rollo y él gracias a este empuje que tenía pudo filmar cincuenta y siete películas en un periodo de más de treinta años que es en esencia lo que yo establezco como una diferencia vital con Ed Wood que es un comparativo que se le hace como cine que es muy común y que a mí me parece un tanto odioso.
Respecto al mote de surrealista vino dado porque Orol era considerado «el otro español que hacía películas en México» al tiempo que Luis Buñuel que sí que era verdaderamente surrealista y por eso a Orol se le llama el surrealista involuntario.

Como él no tenía una educación formal para hacer cine, entró en el espectro cinematográfico un poco de rebote. Todo lo que aprendió del oficio fue en el plató.
Tiene una escena muy famosa en la que él llega vestido de negro a matar al villano y cuando sale de matarlo aparece vestido de blanco. Entonces los críticos de los años ’60s decían que se había purificado en el proceso de asesinar al malo y tal y él en realidad contó que se había manchado de mostaza el traje y lo había mandado a la tintorería el día anterior. Había filmado la entrada y la salida en días diferentes.

Eso era muy común en el cine oroliano y terminó siendo una estética que a lo largo de los años se impuso en sus películas lo que ayudó al tema del surrealismo involuntario que fue un género del cine mexicano después.

– Orol nació en Galicia y se fue muy pronto a América. Casi se puede decir que fue más mexicano que gallego.

Sí, en realidad en España lo conocen muy poco. Yo el guión lo escribí en España y el coguionista es un chico vasco. La intención original que teníamos era vender el guión en España pensando en que por ahí algún productor se iba a interesar en redescubrir este personaje realmente fantástico.
Lo que me decían es que estaba interesante el personaje pero que era demasiado oscuro para el público español, muy poco conocido a pesar de que él llegó a filmar un par de películas en España.

Orol dejó Galicia a los trece años. Llegó a Cuba primero, luego vino a México, regresó a Cuba en donde empezó a probar diferentes oficios como beisbolista, corredor de coches, torero y boxeador y más adelante terminó de rebote otra vez siendo policía secreta en la ciudad de México en plena guerra cristera.
La inquietud de entrar en el cine básicamente es porque le gustan las actrices, el cine está lleno de tías buenas y él se acercó al tema por eso. En realidad era un tipo que no se cuestionaba ni reflexionaba mucho sobre los actos que hacía y estaba un poco como el espontáneo saliendo al ruedo.

– Sin lugar a dudas él veía el cine como un medio para ligar y los personajes que interpretaba eran machistas; pero es que el machismo era algo muy normal y común en esa época.

Sí era normal pero Orol tenía este rollo hasta con moralina. Por decirte que las rumberas eran para él como el inicio del estereotipo de la mujer fatal del cine mexicano, más o menos.
Él iba y se casaba con ellas, las hacía estrellas, las encumbraba, empezaba a cortejar otras, las chicas lo mandaban al demonio y el tipo se iba a Cuba y se traía a otra porque tenía este rollo de tanto moralismo que no se las follaba, se casaba con ellas primero.

Y luego era un tipo muy gracioso porque tenía unas relaciones con ellas completamente disfuncionales. A su segunda esposa, María Antonieta Pons, Orol ya le llevaba unos buenos treinta añitos de diferencia. Ya la última, resulta que la chica tendría 18 o 19 años y Orol unos 72.
Y era un tipo que tampoco es que tuviera dinero ni que fuera alguien realmente importante. Era un tipo como muy encantador que les vendía este cuento de hacerlas estrellas. En un momento María Antonieta Pons y Rosa Carmina son dos divas de segundo nivel comparadas con Dolores del Río y María Félix pero divas al fin y al cabo del cine mexicano y al final con sus dos últimas esposas él ya no era tan importante.

Lo que me pareció interesante del homenaje visto desde la perspectiva de este perdedor de la historia del cine mexicano es que igual es considerado el peor director del cine mexicano por lo tanto eso ya como que lo envuelve de un morbo especial y luego lo que vi que me pareció muy destacable es que los momentos álgidos de la vida de este señor coinciden casi en paralelo con los momentos importantes de la historia y la evolución de la industria del cine mexicano.

Él empieza su carrera en el inicio del cine sonoro, en la época preindustrial, tiene su momento de mayor productividad durante la época de oro en la que llegó a filmar hasta siete películas en un año y luego ya los años ’60s-’70s coinciden con su edad madura y ya se nota su vejez y su consiguiente evolución temática e incluso físicamente empieza a decaer muy de la mano de la industria que llega también a una decadencia total en los años ’70s-’80s.

– Tu película parte de 1982, cuando Juan Orol ya es viejo y haces como una especie de retrospectiva que él va contando. ¿Qué te decidió a versionar la historia de esta manera?

Es que mira, la poca información que se tiene de Orol es realmente eso, son historias que él contaba en entrevistas que él dio a poquísimas personas, una de El País, otra de un investigador de la Universidad de Guadalajara y de unos cuantos historiadores del cine y son historias que él contaba ya de viejo. Entonces, entre que confundía cosas y se inventaba otras se creó un mito alrededor de su persona.

Orol se preocupó siempre por crear ese mito. Por decirte, él había dicho que nació en El Ferrol porque, como no conoció a su padre, le gustaba decir que su padre había sido almirante de la marina y que había peleado en la guerra de Cuba y no sé que, cuando en realidad los historiadores del cine descubrieron que nació en Lalín que es un pueblo en Pontevedra, en la Galicia profunda, y si no conoció a su padre es porque su padre era un viajero que se ligó a la madre y la embarazó. Pero él se murió repitiendo y afirmando que había nacido en El Ferrol.

Por eso se preocupó mucho de crear un mito en torno a su persona y lo que empecé yo a ver cuando hice la investigación es que mucha de la información que había no es verificable.
Por ejemplo, había dicho que era torero que se llamaba Esparterito y que había toreado en la plaza de México. En los anales de la plaza de México no aparece ningún Esparterito pero parece que había en el momento otra plaza por ahí que se llamaba Plaza Nuevo México.

Entonces, como que era poco verificable, poco formal, la idea fue que en lugar de hacer una biografía formal más bien como andar en el mito y ponerse un poco el formato de empezar él de viejo y como que va para atrás empezando a contar su historia.

– ¿Qué nos puedes contar del elenco que participa en la película?

Está protagonizada por Roberto Sosa que sin duda es uno de los mejores actores de México, tiene 42 años de vida y algo así como 37 años de carrera, un todoterreno, y luego él está acompañado por unas chicas muy guapas, las cinco esposas de Orol, que son Gabriela de la Garza, Ximena González-Rubio, Marisa Saavedra, Karin Burnnet y Fernanda Romero y en la película había como muchos papeles muy pequeños, incluso vips, que entonces la intención que tuvimos fue, como estábamos haciendo un homenaje a un icono del cine mexicano pues en la medida de lo posible tener gentes que fueran en sí mismas icónicas del cine mexicano de hoy, de ayer y de siempre. Entonces tenemos a Jesús Ochoa, a Tongolele, a Zamorita a Julio Bracho,… son muchos, hay más de cuarenta actores.

Lo que fue muy mágico realmente fue que yo con mucho morro les fui a esos primeros actores a ofrecerles papelitos así de unos cameos y un poco por las características del proyecto me aceptaban, como que tiene mucho ángel el personaje, cae como muy simpático y tuve la suerte de tener primerísimos actores.

– ¿Y la selección musical proviene de películas de Juan Orol?

Algunas, no todas. Tuvimos la suerte de trabajar con Orfeón que es una disquera que firmó realmente a todos los artistas cubanos en el 59 cuando llegaron a México y tiene una firme biblioteca impresionante y la idea era contar un poco la historia de la música. Orol siempre fue un personaje muy musical, incluso él fue compositor y era bailarín y coreógrafo y les montaba los bailes a las chicas y tal. Entonces era muy importante el tema de la música y la idea era contar la historia desde la selección musical y desde luego que sirviera para terminar de vestir la sensación de época, sin duda.

©José Luis García/Cinestel.com

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL.COM/ FUNDADA EN JULIO 2005

FILMOTECA: JULIOL / AGOST 2021

Michel Piccoli, rostre d’autors

Setanta anys de carrera ininterrompuda en teatre, televisió i, sobretot, cinema van portar Piccoli a esdevenir un dels cims del seu ofici. La seva filmografia està lligada especialment a Buñuel, Ferreri i Sautet, als quals el va unir una estreta amistat i plantejaments creatius subversius i activistes, però va ser Godard qui el va llançar a la fama internacional en brindar-li el paper del seu alter ego a “Le mépris” (1963). La llista de cineastes a qui va oferir el seu talent és una de les més llargues i envejables que es pugui imaginar: Berlanga, Hitchcock, Melville, Chabrol, Resnais, Demy, Costa-Gavras, Varda, Malle, Tavernier, Varda, Oliveira, Chahine, Carax, Bellocchio, Angelopoulos… La filmografia de Michel Piccoli és amplíssima, abasta més de 200 títols, dels quals aquesta retrospectiva en selecciona vint-i-sis dels més representatius. (Programació)

Chris Marker: retrospectiva i exposició

La Filmoteca de Catalunya commemora el centenari del cineasta francès amb una extensa retrospectiva i una exposició. És difícil definir amb precisió qui és Chris Marker, atesa la seva personalitat polifacètica. És escriptor, novel·lista, poeta, filòsof, resistent francès, editor, fotògraf, viatger, explorador, cineasta, videògraf, infògraf, artista plàstic, músic, investigador, arxivista, apassionat dels gats. Un experimentador i pensador increïble en el camp de la imatge, sigui fotogràfica, cinematogràfica, videogràfica o dibuixada.

L’efemèride del centenari se celebra concretament el 29 de juliol, però a partir del dimecres 7 de juliol ja es pot visitar l’exposició Chris Marker. Són les sis a tota la Terra…, que estableix correspondències amb les primeres fotografies de viatges, les guies de viatge de la col·lecció Petite Planète, de la qual era redactor en cap, els seus films de fotografies, fotografies fetes durant els esdeveniments mundials dels inoblidables anys 1967, 1968 i 1969, així com també cartells. A més, completen aquesta selecció extractes d’algunes de les seves pel·lícules, així com la presentació del CD-ROM autobiogràfic Immemory.

El complement imprescindible de la mostra és la completa retrospectiva Chris Marker, un electró lliure, testimoni de l’obra d’aquest artista total que ens ha fet descobrir continents llunyans, illes inexplorades, territoris desconeguts, a través de diverses formes d’expressió com ara la fotografia, el cinema, el vídeo, la poesia o el grafisme, que naveguen per un univers en mutació perpètua, a través de països en revolució o paisatges serens, en cerca d’homes i dones, actors d’altres cultures. (Programació) (Exposició)

Melodrames creuats

La Filmoteca planteja durant tot l’estiu el joc de traçar paral·lelismes i convergències en un dels gèneres més consolidats del llenguatge cinematogràfic. El viatge proposa anar dels plantejaments clàssics de mestres com Douglas Sirk o John M. Stahl, a revisitacions més lliures com les de Fassbinder, Todd Haynes o Pedro Almodóvar, sempre amb els sentiments com a matèria primera i les grans passions i baixeses humanes com a nexe comú. La diversitat i riquesa de la tria queda ben palesa amb els cineastes programats: Murnau, Erich Von Stroheim, Charles Chaplin, Agnes Varda, Woody Allen, Paul Thomas Anderson, Terrence Malick o Lars Von Trier. (Programació)

Grec 2021: Peter Brook

Coincidint amb la presentació al Festival d’estiu de Barcelona de l’espectacle Tempest project, dirigit per Peter Brook, la Filmoteca dedica un petit cicle als projectes cinematogràfics d’aquest gran home de teatre, especialista a actualitzar els clàssics amb una mirada minimalista, despullada i inconfusible. Brook ha traslladat la immensa saviesa escènica a la pantalla en projectes com Marat/Sade o la monumental The Mahabharata. (Programació)

La mirada de Tavernier al cinema francès

El març passat va morir Bertrand Tavernier, gran amic de la Filmoteca, que el 2016 li va dedicar una Carta blanca. El cicle Bertrand Tavernier, en el record recupera la seva darrera obra, la sèrie televisiva “Voyages à travers le cinéma français” (2017), narrada en primera persona, on ampliava el documental del mateix títol i aprofundia en les pel·lícules franceses que van marcar la seva vida. (Programació)

I també

La projecció de “Gidon Kremer: Back to Bach”, com a part de la programació del Festival Bachcelona. (Diumenge 4 Juliol 2021 · 20:00h.)

Estrena de “Gustau. La transició al descobert”, documental que pren el cas de l’assassinat del jove Gustau Muñoz com a punt de partida per qüestionar la Transició espanyola, de la qual s’han silenciat, des dels seus inicis fins al present, els crims comesos pel règim. El presentaran el director Jaume Domènech i Marc Muñoz, germà de Gustau.

Les sessions familiars del cap de setmana amb la FilmoXica s’afegeixen a la festa d’estiu del Raval amb el clàssic de Charles Chaplin The Kid. Sessió gratuïta diumenge 11 de juliol a les 17.00 h.

ALL ROADS LEAD TO BARCELONA

One of the best ways to follow what’s going on at the movie theaters area and what the next innovations are representing for the movies distribution industry, is taking a look at CineEurope coverage released on our site Cinestel.com

Una de les millors maneres de seguir tot el que està passant al voltant del àrea profesional de les sales de cinema i també d’allò que les següents innovacions representen per a la indústria de distribució de pel·lícules, és fent una ullada a la cobertura de CineEurope feta pel nostre lloc web Cinestel.com

This is a links’ summary (most of the reports and interviews are written in Spanish):

Aquest és un sumari en anglès dels enllaços a notícies i entrevistes:

FILMOTECA: AULA DE CINEMA

FILMOTECA PER A LES ESCOLES

PRIMERA SALA 4DX EN CATALUNYA

Los Cines Filmax Gran Via ya ofrecen a sus espectadores la primera sala en Cataluña con tecnología 4DX. Y lo hacen de la mano de la compañía surcoreana CJ (www.CJ4DX.com), líder mundial en el sector.

El sistema 4DX incorpora en la proyección hasta un total de 21 efectos sincronizados. El espectador tiene la oportunidad de ver los principales estrenos de cartelera con efectos de movimiento, aire, agua, calor, aromas, vibraciones, además de elementos metereológicos como niebla, viento, rayos y burbujas.

Esta tecnología puntera consigue que los efectos se sincronicen con la acción y el sonido de la pantalla, de manera que los espectadores experimentan una inmersión 360 grados en la película.

Conoce más detalles sobre cómo funciona, en este artículo publicado en Cinestel en el año 2016.

ENTREVISTAS

“Ojos de Arena” se basa en dramas reales para desarrollar un thriller

Película Ojos de Arena Entrevista a Alejandra Marino

Junto a Marcela Marcolini, la realizadora hace recaer el peso principal del relato en la actriz Paula Carruega, quien construye un personaje ligado al territorio de la Justicia que ha acabado padeciendo en primera persona…

Entrevista a Martín Desalvo por su película “El Silencio del Cazador”

El Silencio del Cazador Entrevista a Martin Desalvo

En cierta forma, la película sigue apostando por algunas doctrinas que le han aportado solidez a estos géneros cinematográficos, y lo hace a través de actores como Pablo Echarri, Mora Recalde, Alberto Ammann y…

“Bahía Blanca”, de Rodrigo Caprotti; espinosos secretos inconfesables

Película Bahía Blanca Entrevista al director Rodrigo Caprotti

La película muestra cómo un docente universitario utiliza una investigación sobre el escritor Ezequiel Martínez Estrada para escapar de un pasado que lo atormenta y establecerse en Bahía Blanca a 688…

FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

CRíTICAS CINE LATINOAMERICANO

“Cuando el Olimpo choca con la Pampa” retrata a Ricardo Cinalli

Ricardo Cinalli en Cuando el Olimpo choca con la Pampa

Tiene un comienzo imponente a través del cual se destaca que el protagonista es una persona a la que siempre le ha gustado nadar a contracorriente, o sea, ser uno mismo, lo cual supone ya una excelente…

“COMPETENCIA OFICIAL” EN VENECIA

26 julio 2021 – La Sección Oficial a concurso de la 78 edición del Festival Internacional de Cine de Venecia acogerá el estreno mundial de “Competencia Oficial”, la nueva película dirigida por Mariano Cohn y Gastón Duprat (“El ciudadano ilustre”, “Mi obra maestra”, “4×4”, “El hombre de al lado”) escrita por los reconocidos realizadores argentinos junto a Andrés Duprat y producida por The Mediapro Studio.

Esta será la tercera vez que Cohn y Duprat participen en el prestigioso certamen tras estrenar “Mi obra maestra” y “El ciudadano ilustre”, filme por el que su protagonista, Oscar Martínez, recibió la Copa Volpi al Mejor Actor.

“Penélope Cruz, Antonio Banderas y Oscar Martínez han asumido un enorme riesgo artístico en nuestra película, yendo por caminos absolutamente nuevos e inexplorados. Nunca hemos visto a estos geniales actores haciendo una performance tan jugada como la que hacen en Competencia Oficial. Y el resultado artístico que logran es francamente extraordinario y sorprendente. Dinamita pura. Estamos ansiosos por compartir esta clase magistral de actuación en el Palazzo del Cinema”, han comentado ambos directores tras anunciarse la participación de su nueva película en el certamen.

“Agradecemos a Alberto Barbera y al Festival de Venecia que hayan incluido “Competencia Oficial” en la selección de este año para su presentación mundial”, ha dicho Laura Fernández Espeso, Directora General de The Mediapro Studio y productora ejecutiva de la película. “La habilidad de Gaston Duprat y Mariano Cohn, junto con el guionista Andrés Duprat, por diseccionar el alma humana y exponer todas sus aristas queda patente en esta película, donde nos proponen un juego tan divertido como perverso, con la complicidad de unos intérpretes entusiasmados por el proyecto desde sus inicios. Con “Competecia Oficial”, The Mediapro Studio reafirma su interés por la producción de cine de calidad y consolida su posición internacional”.

VENECIA: ‘ELES TRANSPORTAN A MORTE’

22 julio 2021 – El estreno mundial de la ópera prima de Helena Girón y Samuel M. Delgado, “Eles Transportan a Morte”, tendrá lugar en la 36ª edición de la Semana de la Crítica de la Mostra de Venecia, certamen que este año celebra su 78ª edición. Los dos cineastas, cuyos cortometrajes han participado en un circuito selecto de festivales internacionales de cine como los de Toronto, Locarno o el New York Film Festival, combinan en su primer largometraje el relato clásico de aventuras con un discurso crítico sobre la colonización.

Según Helena Girón y Samuel M. Delgado, “la película se sitúa en 1492, año que representa el inicio del proyecto de dominación occidental, y que supone lo que algunos teóricos señalan como el inicio de una nueva era geológica: el llamado antropoceno. A partir de esta fecha, la caza de brujas, la trata de esclavos y la conquista de América, fueron imprescindibles para instaurar y articular el sistema capitalista moderno del que somos descendientes”.

La película parte de la premisa de que entre la tripulación de Cristóbal Colón viajan tres hombres que ya deberían haber muerto. Han conseguido evitar sus condenas participando en el incierto viaje, pero al llegar a las Islas Canarias, huyen cargados con una de las velas de la embarcación. Mientras, en “El Viejo Mundo”, una mujer trata de salvar a su hermana moribunda, con la esperanza de que una curandera pueda ayudarla. Ambos viajes tratan de burlar a la muerte y ambos viajes están a merced del tiempo y de la Historia.

SE FUE UNA GRAN ACTRIZ: PILAR BARDEM

18 julio 2021 – Los hermanos Carlos, Mónica y Javier Bardem difundieron una nota a modo de comunicado público: “Queremos compartir la noticia de que nuestra madre, nuestro ejemplo, ha fallecido. Se ha ido en paz, sin sufrir y rodeada del amor de los suyos”.

Ha muerto Pilar Bardem, una mujer, actriz y activista que llegó a participar en más de 80 películas y otras tantas series de televisión y obras de teatro. Además, fue presidenta de la entidad de gestión de derechos de artistas e intérpretes, AISGE, entre los años 2002 y 2018; y hermana del excelente director de cine Juan Antonio Bardem, un cineasta extraordinario que fue vilipendiado continuamente por el establishment español por el simple y mero hecho de que era comunista.

Pilar Bardem comenzó su actividad artística en los años 60, trabajando en películas de directores como Fernando Fernán Gómez o Pedro Masó. Ya en los 70 participó en otros papeles en “La Regenta”, de Gonzalo Suárez; “La joven casada”, de Mario Camus; “Carne apaleada”, de Javier Aguirre o “Cinco tenedores”, de Fernando Fernán Gómez.

En los 80 sólo participó en tres películas de Mariano Ozores ya que se dedicó de lleno trabajos en series de televisión como “Los gozos y las sombras”, “Tristeza de amor”, “Lorca, muerte de un poeta” y “Cómicos”.

En la década de los 90, tras encarnar a una prostituta en “Las edades de Lulú”, de Bigas Luna, Pilar Bardem participó como secundaria en “Todo por la pasta”, de Enrique Urbizu; “Vacas”, de Julio Médem; “Siete mil días juntos”, de Fernando Fernán Gómez; “Cachito”, de Enrique Urbizu; y “Boca a boca”, de Manuel Gómez Pereira. También Agustín Díaz Yanes le ofreció un papel en la película “Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto”, junto a Victoria Abril y Federico Luppi.

Asimismo, también en los 90 participó en otros films como son “Airbag”, de Juanma Bajo Ulloa; “Carne trémula”, de Pedro Almodóvar; y “Pantaleón y las visitadoras”, de Francisco Lombardi. Y ya en este siglo XXI siguió trabajando con Agustín Díaz Yanes, José Luis García Sánchez y en innumerables series de televisión. En 2003 fue expulsada del Congreso de los Diputados de Madrid por protagonizar una protesta contra la guerra de Irak junto a sus compañeros de profesión María Barranco, Amparo Larrañaga, Ana Belén, Juan Echanove, Jordi Dauder y Juan Luis Galiardo.

Siendo una fumadora compulsiva, Pilar Bardem aquejó problemas respiratorios durante varias décadas, lo cual lamentablemente ha terminado con su vida este 17 de julio de 2021 a los 82 años de edad.

CANNES: “TITANE” GANÓ LA PALMA DE ORO

18 julio 2021 – El tercer largometraje de la directora francesa Julia Docornau se alzó con la Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes de este año. “Titane” es un propuesta transgresora y sorprendente por el despliegue que hace de la violencia, algo que parece que entusiasmó tanto al jurado encargado de dar su punto de vista eligiéndola, que su presidente, Spike Lee, se aventuró inclusive a anunciarla como ganadora antes de tiempo.

Ya el título del film se refiere al titanio: metal altamente resistente al calor y a la corrosión, que ofrece aleaciones muy duras. Y en él, tras una serie de crímenes sin explicación, un padre encuentra a su hijo desaparecido hace 10 años.

El mejor director, en opinión de los miembros del jurado, fue Leos Carax por “Annette”, cuya trama se desarrolla en la ciudad de Los Ángeles de nuestros días, y cuenta la historia de Henry, monologuista cómico de humor incisivo, y de Ann, cantante de renombre internacional. Centro de todas las miradas, ambos forman una pareja feliz rodeada de glamur. El nacimiento de su primogénita, Annette, una niña misteriosa con un destino excepcional, les cambiará la vida a lo largo del film.

El resto de premiados fueron:

Gran Premio del Jurado ex aequo: “A Hero”, de Asghar Farhadi y “Compartment N6”, de Juho Kuosmanen

Mejor actor: Caleb Landry Jones, por “Nitram”

Mejor actriz: Renate Reinsve, por “The Worst Person in the World”

Mejor guión: Ryûsuke Hamaguchi y Takamasa Oe por “Drive My Car”

Premio del Jurado ex aequo: “Ahed’s Knee”, de Nadav Lapid y “Memoria”, de Apichatpong Weerasethakul

Cámara de Oro (mejor ópera prima): “Murina”, de Antoneta Alamat Kusijanovic

Mejor cortometraje: “All the Crows in the World”, de Tang Yi

Mención especial mejor cortometraje: “Céu de Agosto”, de Jasmin Tenuccis

CANNES: RUMANA QUE RODÓ EN MÉXICO

17 julio 2021 – Protagonizada por la carismática actriz mexicana Arcelia Ramírez“La Civil” es una película que caló muy hondo en el jurado de Un Certain Regard del 74 Festival de Cannes, quienes la galardonaron con el Premio al Coraje.

El filme está dirigido por la rumana-belga Teodora Ana Mihai y fue escrito junto con el co-guionista estadounidense radicado en México, Habacuc Antonio de Rosario. Se trata de la historia muy dura de una madre, Cielo, que está buscando a su hijita secuestrada por un cartel del norte del país.

En este relato inspirado en hechos reales, las autoridades se niegan a venir en su ayuda, por lo que Cielo decide hacerse cargo de la situación. Comienza su investigación y se gana la confianza de Lamarque, un militar poco convencional desplegado en la región. Este acepta ayudarla en su búsqueda, porque la información de Cielo puede servirle en sus propias operaciones. Su colaboración arrastrará a la madre a una terrible espiral de violencia.

También en Un Certain Regard hubo una mención especial para la película “Noche de Fuego”, de la directora mexicana Tatiana Huezo.

PATIÑO Y PIÑEIRO PRESENTAN “SYCORAX”

15 julio 2021 – Lois Patiño (Lúa Vermella; Costa da morte) y Matías Piñeiro (Isabella; La Princesa de Francia) presentaron la première internacional de “Sycorax” en la 53ª edición de Quincena de Realizadores del Festival de Cannes.
Este acto precede al rodaje de un largometraje que se titulará “Ariel”, con el que comparte su inspiración: los enigmáticos personajes de ‘La Tempestad’ de William Shakespeare.

“Sycorax” supone la primera colaboración entre los directores y tendrá continuidad con el largometraje que rodarán en 2022-. Ambas son adaptaciones libres de La Tempestad de William Shakespeare. Ambientado en las islas Azores y con el ganador del Premio Goya Mauro Herce en la dirección de fotografía, el cortometraje se centra en el personaje de la bruja Sycorax y en él se funden teatro y paisaje.

Según los dos cineastas, en ‘La Tempestad’ “hemos encontrado un cruce de caminos entre nuestras visiones, que nos ha ayudado a fundir texto y silencio, movimiento y quietud, en una propuesta que nos ayudará a definir el tipo de películas que rodaremos en el futuro. Con “Sycorax” recuperamos este texto clásico con un toque contemporáneo, que diluye los límites de la representación permitiéndonos poner en cuestión la visión patriarcal de un personaje femenino sin voz, la madre de Calibán, recordado como la primera bruja que pisó la isla.

“Sycorax” es una coproducción entre España (Beli Martínez – Filmika Galaika) y Portugal (Rodrigo Areias – Bando à Parte). Las actrices Agustina Muñoz, Diana Diegues & Susana Abreu interpretan a sus personajes principales.

“BETWEEN TWO WORLDS” (OUISTREHAM)

12 julio 2021 – Catorce años después de dirigir “La Moustache” Emmanuel Carrère regresa al cine con la adaptación de la novela autobiográfica de la periodista francesa Florence Aubenas, “Between Two Worlds” (Ouistreham), presentada en la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes.
Juliette Binoche encarna a esta inquieta reportera que se propone investigar la realidad social de los más desfavorecidos por la crisis económica actual en una ciudad de tamaño medio como la portuaria Caen, en Normandía.

Marianne Winckler es una conocida autora que decide escribir sobre el trabajo precario viviendo la experiencia de cerca. Para ello se hace pasar por limpiadora, para descubrir en primera persona lo que significa vivir contando cada euro y siendo invisible para la sociedad. Además de vivir una dura experiencia, Marianne conseguirá durante su inmersión establecer verdaderos lazos de amistad con algunos de sus compañeros de infortunio. La solidaridad dará paso a la amistad y la amistad a la confianza pero ¿donde queda todo esto cuando estalla la verdad?

En cierto modo, el conocido escritor y ahora cineasta reconoce que la película tiene un aspecto social, pero también un elemento hitchcockiano que no estaba en absoluto presente en el libro y que constituye la base dramática de la película.
El trabajo de las limpiadoras es directamente analizado a través de su personaje principal, sobre el que el director concluye que es explotador y agotador.

FRAN TORRES ESTÁ RODANDO “LA JEFA”

8 julio 2021 – Aitana Sánchez-Gijón y la argentina Cumelén Sanz (“No te olvides de mí”) ruedan la ópera prima del realizador Fran Torres, cuyo guion firma Laura Sarmiento.

“La Jefa” es la historia de la relación envenenada entre dos mujeres fuertes, independientes y conscientes de estar solas en el mundo: Beatriz, la jefa, que aparentemente ha conseguido en la vida todo lo que se ha propuesto; y Sofía, su empleada, que cree estar dispuesta a hacer lo que haga falta por ganarse la vida que cree merecer.

Lo primero que le sedujo al director Fran Torres “fue la riqueza y la precisión del retrato de las dos protagonistas, Beatriz – la jefa española- y Sofía- la empleada inmigrante- y cómo su relació́n condensa muchas de las tensiones presentes hoy en día en nuestra sociedad: el clasismo, el ultra liberalismo, el feminismo, los vientres de alquiler… están presentes en la película desde el primer minuto.
“La Jefa” consigue condensar todas estas tensiones presentes en la actualidad del debate público en la relación entre estas dos mujeres sin caer en lugares comunes. Ésa es otra de las grandes virtudes del guión: ambas protagonistas son imprevisibles, no encajan en ninguno de patrones predefinidos en los que la ficción encapsula a menudo a los personajes femeninos”, -señala el realizador debutante-.

La actriz argentina interpreta el papel de una emigrante colombiana que se queda embarazada en España sin haberlo planeado.
Sin familia en España e incapaz de abortar, dadas sus convicciones católicas, Sofía parece abocada a volver a Colombia y abandonar la prometedora carrera profesional por la que tanto ha luchado.
Sin embargo, su jefa, una mujer hecha a sí misma a la que Sofía admira por encima de todo le hace una inusual proposición: Darle el hijo en adopción a ella, y a cambio poder continuar con su promoción dentro de la empresa.
Sofía acepta la oferta, sin saber que no todo es como su jefa le ha contado.

ESTRENARÁ EN CINES “COMPETENCIA OFICIAL”

28 junio 2021 – La película “Competencia Oficial”, una producción de The Mediapro Studio dirigida por Mariano Cohn y Gastón Duprat (“El ciudadano ilustre”, “Mi obra maestra”, “4×4”, “El hombre de al lado”) y escrita por los reconocidos realizadores argentinos junto a Andrés Duprat, llegará a los cines de España distribuida por Buena Vista International. En Latinoamérica se estrenará bajo el sello Star Distribution. El film cuenta con la presencia estelar de Penélope Cruz, Antonio Banderas y Oscar Martínez.

El argumento de la película versa alrededor de un empresario multimillonario que en busca de trascendencia y prestigio social, decide hacer una película que deje huella. Para ello, contrata a los mejores: un equipo estelar formado por la celebérrima cineasta Lola Cuevas (Penélope Cruz) y dos reconocidos actores, dueños de un talento enorme, pero con un ego aún más grande: el actor de Hollywood Félix Rivero (Antonio Banderas) y el actor radical de teatro Iván Torres (Oscar Martínez). Ambos son leyendas, pero no exactamente los mejores amigos. A través de una serie de pruebas cada vez más excéntricas establecidas por Lola, Félix e Iván deben enfrentarse no solo entre sí, sino también con sus propios legados.

Esta es la tercera película que The Mediapro Studio produce con los reconocidos directores argentinos Cohn y Duprat tras “Mi Obra Maestra” y “4×4”.
Protagonist Pictures es la compañía responsable de las ventas internacionales.