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«El fantástico mundo de Juan Orol», ¿el peor cineasta del cine mexicano?

septiembre 12, 2012 ENTREVISTAS

Premio a la Mejor Ópera Prima en el 27 Festival Internacional de Cine de Guadalajara, el filme con el que Sebastián del Amo se acerca al controvertido y desigual cineasta de ascendencia gallega Juan Orol es una obra divertida que muestra con gracia y soltura la historia poco conocida de este personaje del cine mexicano idolatrado por el público y odiado hasta la extenuación por toda la crítica.

Y es que ‘El Rey del churro’, como era llamado, acostumbraba a mezclar gángsters con rumberas. Él mismo actuaba en sus películas representando al malvado y seductor Johnny Carmenta.
Sus orígenes en el cine se los debe al director cubano Ramón Peón García, considerado uno de los mejores de la primera mitad del siglo XX, quien compaginó sus trabajos en los dos países en distintos periodos de su carrera profesional.

Contaba el investigador Eduardo de la Vega que en un momento dado le preguntó al realizador gallego «Don Juan, ¿cómo es posible que en una escena usted ametralle a todos sus enemigos, que están sentados ante una mesa y de espaldas a un amplio ventanal, y no se rompa un solo vidrio por el impacto de las balas? Se me quedó mirando el cineasta y respondió: ¿Y qué? ¿Me iba usted a pagar los vidrios rotos? Y además, ¿cree usted que el público va a ver vidrios rotos al cine?»
Su austeridad era tan extrema que los efectos especiales están ausentes en su cinematografía. De los muertos de sus películas jamás salió una sola gota de sangre.

El director de «El fantástico mundo de Juan Orol», Sebastián del Amo, cuenta para Cinestel cómo se le ocurrió abordar la figura de este pintoresco personaje:

«Siempre que se hace una retrospectiva, una investigación o un homenaje a la época de oro del cine mexicano a Juan Orol se le omite porque sus películas eran consideradas malas por la crítica, pero su figura es absolutamente fundamental para entender la evolución del cine mexicano puesto que aunque él no se lo propusiera fue un innovador absoluto de géneros. Por ejemplo inventó el cine de las rumberas que de alguna manera fue el que trajo la música cubana al cine mexicano y fue el género que también define la estética del cabaret, que es un elemento fundamental en toda la temática de nuestro cine.

Orol tenía un discurso personal que estaba muy en boga en aquel momento y que se correspondía con películas de charros cantantes, Pedros Infantes, Jorges Negretes y todo eso, que ya era un retrato de todo un México que no existía porque ese México de la hacienda que él retrataba ya para 1940-50 se había evaporado.

Juan estaba obsesionado con el tema de los gángsters por una cuestión personal porque él había sido policía secreto y su rollo era así como gángsters italianos en cabarets con rumberas de fondo».

– Curiosamente se le tildaba de surrealista pero no sé si ese componente de humor que casi todo el mundo ve en sus películas él se lo proponía ex profeso o es algo que le sobrepasaba.

No, él no. Más bien todo este planteamiento intelectual de que si era surrealista el cine de Orol correspondió a la crítica posterior incluso, no a la de su época.
Carlos Monsiváis redescubre a Orol en los años sesenta cuando él era director de la Dirección de Actividades Cinematográficas de la UNAM y es quien le da esta pátina intelectual a la figura de Orol porque éste realmente no tenía ningún cuestionamiento artístico para hacer cine puesto que lo encaraba como un fabricante de chorizos encara hacer chorizos: dar de comer al cerdo, engordarlo, matarlo, hacer el chorizo y venderlo y luego sacar lo suficiente como para comprarse otro cerdo y volver a alimentarlo.

Un poco ese era su rollo y él gracias a este empuje que tenía pudo filmar cincuenta y siete películas en un periodo de más de treinta años que es en esencia lo que yo establezco como una diferencia vital con Ed Wood que es un comparativo que se le hace como cine que es muy común y que a mí me parece un tanto odioso.
Respecto al mote de surrealista vino dado porque Orol era considerado «el otro español que hacía películas en México» al tiempo que Luis Buñuel que sí que era verdaderamente surrealista y por eso a Orol se le llama el surrealista involuntario.

Como él no tenía una educación formal para hacer cine, entró en el espectro cinematográfico un poco de rebote. Todo lo que aprendió del oficio fue en el plató.
Tiene una escena muy famosa en la que él llega vestido de negro a matar al villano y cuando sale de matarlo aparece vestido de blanco. Entonces los críticos de los años ’60s decían que se había purificado en el proceso de asesinar al malo y tal y él en realidad contó que se había manchado de mostaza el traje y lo había mandado a la tintorería el día anterior. Había filmado la entrada y la salida en días diferentes.

Eso era muy común en el cine oroliano y terminó siendo una estética que a lo largo de los años se impuso en sus películas lo que ayudó al tema del surrealismo involuntario que fue un género del cine mexicano después.

– Orol nació en Galicia y se fue muy pronto a América. Casi se puede decir que fue más mexicano que gallego.

Sí, en realidad en España lo conocen muy poco. Yo el guión lo escribí en España y el coguionista es un chico vasco. La intención original que teníamos era vender el guión en España pensando en que por ahí algún productor se iba a interesar en redescubrir este personaje realmente fantástico.
Lo que me decían es que estaba interesante el personaje pero que era demasiado oscuro para el público español, muy poco conocido a pesar de que él llegó a filmar un par de películas en España.

Orol dejó Galicia a los trece años. Llegó a Cuba primero, luego vino a México, regresó a Cuba en donde empezó a probar diferentes oficios como beisbolista, corredor de coches, torero y boxeador y más adelante terminó de rebote otra vez siendo policía secreta en la ciudad de México en plena guerra cristera.
La inquietud de entrar en el cine básicamente es porque le gustan las actrices, el cine está lleno de tías buenas y él se acercó al tema por eso. En realidad era un tipo que no se cuestionaba ni reflexionaba mucho sobre los actos que hacía y estaba un poco como el espontáneo saliendo al ruedo.

– Sin lugar a dudas él veía el cine como un medio para ligar y los personajes que interpretaba eran machistas; pero es que el machismo era algo muy normal y común en esa época.

Sí era normal pero Orol tenía este rollo hasta con moralina. Por decirte que las rumberas eran para él como el inicio del estereotipo de la mujer fatal del cine mexicano, más o menos.
Él iba y se casaba con ellas, las hacía estrellas, las encumbraba, empezaba a cortejar otras, las chicas lo mandaban al demonio y el tipo se iba a Cuba y se traía a otra porque tenía este rollo de tanto moralismo que no se las follaba, se casaba con ellas primero.

Y luego era un tipo muy gracioso porque tenía unas relaciones con ellas completamente disfuncionales. A su segunda esposa, María Antonieta Pons, Orol ya le llevaba unos buenos treinta añitos de diferencia. Ya la última, resulta que la chica tendría 18 o 19 años y Orol unos 72.
Y era un tipo que tampoco es que tuviera dinero ni que fuera alguien realmente importante. Era un tipo como muy encantador que les vendía este cuento de hacerlas estrellas. En un momento María Antonieta Pons y Rosa Carmina son dos divas de segundo nivel comparadas con Dolores del Río y María Félix pero divas al fin y al cabo del cine mexicano y al final con sus dos últimas esposas él ya no era tan importante.

Lo que me pareció interesante del homenaje visto desde la perspectiva de este perdedor de la historia del cine mexicano es que igual es considerado el peor director del cine mexicano por lo tanto eso ya como que lo envuelve de un morbo especial y luego lo que vi que me pareció muy destacable es que los momentos álgidos de la vida de este señor coinciden casi en paralelo con los momentos importantes de la historia y la evolución de la industria del cine mexicano.

Él empieza su carrera en el inicio del cine sonoro, en la época preindustrial, tiene su momento de mayor productividad durante la época de oro en la que llegó a filmar hasta siete películas en un año y luego ya los años ’60s-’70s coinciden con su edad madura y ya se nota su vejez y su consiguiente evolución temática e incluso físicamente empieza a decaer muy de la mano de la industria que llega también a una decadencia total en los años ’70s-’80s.

– Tu película parte de 1982, cuando Juan Orol ya es viejo y haces como una especie de retrospectiva que él va contando. ¿Qué te decidió a versionar la historia de esta manera?

Es que mira, la poca información que se tiene de Orol es realmente eso, son historias que él contaba en entrevistas que él dio a poquísimas personas, una de El País, otra de un investigador de la Universidad de Guadalajara y de unos cuantos historiadores del cine y son historias que él contaba ya de viejo. Entonces, entre que confundía cosas y se inventaba otras se creó un mito alrededor de su persona.

Orol se preocupó siempre por crear ese mito. Por decirte, él había dicho que nació en El Ferrol porque, como no conoció a su padre, le gustaba decir que su padre había sido almirante de la marina y que había peleado en la guerra de Cuba y no sé que, cuando en realidad los historiadores del cine descubrieron que nació en Lalín que es un pueblo en Pontevedra, en la Galicia profunda, y si no conoció a su padre es porque su padre era un viajero que se ligó a la madre y la embarazó. Pero él se murió repitiendo y afirmando que había nacido en El Ferrol.

Por eso se preocupó mucho de crear un mito en torno a su persona y lo que empecé yo a ver cuando hice la investigación es que mucha de la información que había no es verificable.
Por ejemplo, había dicho que era torero que se llamaba Esparterito y que había toreado en la plaza de México. En los anales de la plaza de México no aparece ningún Esparterito pero parece que había en el momento otra plaza por ahí que se llamaba Plaza Nuevo México.

Entonces, como que era poco verificable, poco formal, la idea fue que en lugar de hacer una biografía formal más bien como andar en el mito y ponerse un poco el formato de empezar él de viejo y como que va para atrás empezando a contar su historia.

– ¿Qué nos puedes contar del elenco que participa en la película?

Está protagonizada por Roberto Sosa que sin duda es uno de los mejores actores de México, tiene 42 años de vida y algo así como 37 años de carrera, un todoterreno, y luego él está acompañado por unas chicas muy guapas, las cinco esposas de Orol, que son Gabriela de la Garza, Ximena González-Rubio, Marisa Saavedra, Karin Burnnet y Fernanda Romero y en la película había como muchos papeles muy pequeños, incluso vips, que entonces la intención que tuvimos fue, como estábamos haciendo un homenaje a un icono del cine mexicano pues en la medida de lo posible tener gentes que fueran en sí mismas icónicas del cine mexicano de hoy, de ayer y de siempre. Entonces tenemos a Jesús Ochoa, a Tongolele, a Zamorita a Julio Bracho,… son muchos, hay más de cuarenta actores.

Lo que fue muy mágico realmente fue que yo con mucho morro les fui a esos primeros actores a ofrecerles papelitos así de unos cameos y un poco por las características del proyecto me aceptaban, como que tiene mucho ángel el personaje, cae como muy simpático y tuve la suerte de tener primerísimos actores.

– ¿Y la selección musical proviene de películas de Juan Orol?

Algunas, no todas. Tuvimos la suerte de trabajar con Orfeón que es una disquera que firmó realmente a todos los artistas cubanos en el 59 cuando llegaron a México y tiene una firme biblioteca impresionante y la idea era contar un poco la historia de la música. Orol siempre fue un personaje muy musical, incluso él fue compositor y era bailarín y coreógrafo y les montaba los bailes a las chicas y tal. Entonces era muy importante el tema de la música y la idea era contar la historia desde la selección musical y desde luego que sirviera para terminar de vestir la sensación de época, sin duda.

©José Luis García/Cinestel.com

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL.COM/ FUNDADA EN JULIO 2005

FILMOTECA DE CATALUNYA – JUNY 2024

Es compleixen 100 anys del naixement d’un dels grans artesans del Hollywood de la segona meitat del segle XX. Foguejat en els escenaris de Broadway i com a realitzador en la primera generació del mitjà televisiu, on dirigeix en directe més de 200 emissions, Lumet debuta en el cinema el 1957 amb 12 Angry Men (12 homes sense pietat), i es converteix en un dels pares del cinema social urbà, amb el qual dissecciona, amb mirada lúcida i coherent, la violència i la corrupció del sistema policial, judicial i polític del seu país. Director clau de la consciència lliberal de la societat nord-americana, Woody Allen el va definir com «el cineasta per excel·lència de Nova York».
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Un ‘Memento’ dedicat a Lumet a la Filmoteca

El programa Memento d’iCat, realitzat per Josep Maria Bunyol, enregistra la seva edició número 300 en una sessió especial oberta al públic a la Filmoteca, dimecres 19 de juny a les 16.00 h a la Sala Laya. El periodista cinematogràfic Eduard de Vicente ens aproximarà al director de films com Antes de que el diablo sepa que has muerto (2007), Network (1976), Veredicte final (1982), Assassinat a l’Orient Express (1974) Tarde de perros (1975) o Serpico (1973). (més informació)

Visita d’Annie Ernaux

La guanyadora del Premi Nobel de Literatura 2022 visita la Filmoteca de Catalunya per presentar el documental que va realitzar amb el seu fill, David Ernaux-Briot, i en el qual descriu i narra en pròpia veu les seves gravacions familiars filmades entre el 1972 i el 1981. Les années Super-8 transporta al cinema el que Ernaux ha fet en la literatura: elevar la vida íntima a experiència universal i trenar-la amb el context social i històric. El film s’ha incorporat al nou catàleg de FilmoXarxa. La sessió, en col·laboració amb Biblioteques de Barcelona, Angle Editorial i Cabaret Voltaire, tindrà lloc el dimecres 12 de juny a les 20.00 h a la Sala Chomón, amb presentació a càrrec d’Annie Ernaux i David Ernaux-Briot i una conversa després de la projecció moderada per Anna Pacheco.
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Wallay!

El Festival de Cinema Africà de Barcelona, Wallay! és un viatge a la diversitat i creativitat del continent africà a través del seu llenguatge cinematogràfic i de les seves expressions culturals, amb les mirades i veus dels seus propis realitzadors. Enguany se celebra del 6 al 16 de juny, amb la Filmoteca com una de les seus de les seves projeccions com és habitual. S’hi veuran produccions de Kenya, Maurici, la República del Congo, Senegal o Nigéria, com Tots els colors del món estan entre el blanc i el negre, guardonada amb el Premi Teddy del Festival de Berlín amb la història de dos homes de Lagos que se senten atrets en una societat en què les relacions homosexuals són il·legals.
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Cinema i jardí

La botànica i l’horticultura esdevenen la taula de salvament d’un home turmentat pel seu passat a Master Gardener (2022), film que tanca la trilogia noir de Paul Schrader sobre la redempció dels pecats més abjectes dels estatunidencs. És una de les propostes del cicle programat per Ignacio Somovilla i l’Associació d’Amics del Jardí Botànic de Barcelona, amb el jardí com a paisatge imaginari i heterotopia. També s’hi projectaran diversos documentals com Agitadors: la història del land art, de James Crump, dedicat a l’art natura en els tumultuosos finals dels anys seixanta i principis dels setanta. (més informació)

Esteve Riambau, un comiat

Després de 14 anys al capdavant de la Filmoteca, el 30 de juny acaba la seva tasca com a director. Dues sessions especials marcaran aquest comiat.

Llibre ‘Cineastxs’

Centenars de cineastes han passat per la nova seu de la Filmoteca des que es va inaugurar ara fa mes de dotze anys. Noranta-set d’ells han estat recollits en un llibre editat per Lunwerg, amb fotografies d’Oscar Fernández Orengo, un text d’Esteve Riambau que recorda el seu pas per la Filmoteca i la seva empremta en el llibre de signatures. Cada fotografia captura una mirada acostumada a veure el món des de darrera una càmera. La sessió de presentació del llibre, divendres 7 de juny a les 20.00 h, anirà acompanyada del film Chambre 999 (2023) de Lubna Payoust que, a la manera de Wim Wenders a Room 666 (1982), demana l’opinió sobre el futur del cinema a col·legues que han assistit al Festival de Cannes, com Olivier Assayas, Claire Denis, David Cronenberg, Paolo Sorrentino, Cristian Mungiu, Pietro Marcello, Lynne Ramsay, Agnès Jaoui, Albert Serra, Ruben Östlund o Alice Rohrwacher. (més informació)

Obediently yours: Esteve Riambau

Director de la Filmoteca de Catalunya des del 2010, Esteve Riambau deixa el càrrec després de catorze anys plens de reptes i de grans canvis. En aquest període, iniciat poc abans d’inaugurar les seus del Centre de Conservació i Recuperació (2CR), a Terrassa, i la del Raval, a Barcelona, s’han materialitzat molts projectes relatius a la difusió del cinema com a fet cultural i a la preservació del patrimoni audiovisual del nostre país. Un viatge compartit ple de moments inoblidables impossibles de condensar en una sola sessió. Per al seu comiat, l’Esteve ha escollit quatre curtmetratges molt significatius de la seva direcció: Escamillo a le ver solitaire / El gusano solitario (Segundo de Chomón, 1912) en record de la commemoració del 150è aniversari del cineasta aragonès, The Hearts of Age (Orson Welles i William Vance, 1934) en representació del gran homenatge tributat a Welles en l’any del seu centenari, i de qui Riambau n’és un expert; Transfusions de sang (Laya films, 1937) un documental de Laya films i Vidres de colors (Esteve Riambau, 2022), que il·lustra la seva faceta de cineasta. Una sessió acompanyada d’una conversa entre Octavi Martí, Rosa Vergés i Esteve Riambau, amb acompanyament musical de Maurici Villavecchia (acordió) i Horacio Fumero (baix). (més informació)

Dami Sainz Edwards a ‘Dies curts’

Cineasta, artista visual i docent, va néixer a l’Havana, Cuba, el 1986. Dami Sainz Edwards explora en el seu cinema de diverses maneres les relacions interseccionals entre raça, gènere, família i nació. Compta com a influències l’obra de Belkis Ayón, Marlon Riggs, Essex Hemphill, José Esteban Muñoz o Sara Gómez, de qui coincideix que la Filmoteca estarà presentant també aquest mes una retrospectiva. (més informació)

Aula B

L’Aula B és una extensió de l’Aula de Cinema, un projecte educatiu en què els i les estudiants, acompanyats per l’equip de la Filmoteca i el professorat de les universitats i els centres col·laboradors, reflexionen sobre la història del cinema, la crítica cinematogràfica i el fet de programar. En aquesta tercera edició, l’alumnat de Comunicació Audiovisual de la Universitat Pompeu Fabra ha programat dues sessions en diàleg amb la programació del curs 2023-2024. Les escollides han estat As I Was Moving Ahead Occasionally I Saw Brief Glimpses of Beauty (Jonas Mekas, 2000) i la sessió doble Dyketactics (Barbara Hammer, 1974) i Tongues Untied (Marlon Riggs, 1989). (més informació)

I també…

Fins al 15 de juny continua la retrospectiva Integral Agustí Villaronga amb els darrers films del director mallorquí com Incerta glòria, El rey de La Habana, El testament de la Rosa, El ventre del mar o l’obra pòstuma Loli Tormenta, així com treballs per a televisió com Cartas a Eva i alguns dels seus curts digitalitzats dins del projecte Visibilitzem el cinema català (Anta mujer, Laberint, Al-Mayurka i Mallorca). (enllaç)

Història permanent del cinema català programa el mes de juny la digitalització del film d’Isabel Coixet Things I Never Told You (1995), que es va presentar al darrer Festival de Málaga. La mateixa realitzadora i el productor Lluís Miñarro acompanyaran, respectivament, les dues projeccions del film. (enllaç)

El cicle Els millors films de l’any 2023 acaba amb The Fabelmans d’Steven Spielberg, Creatura d’Elena Martín Gimeno o Anatomía de una caída de Justine Triet, entre d’altres, i incorpora els Inèdits, films vistos en festivals o plataformes però no estrenats comercialment, com el documental de Claire Simon Notre corps, la comèdia de Kelly Reichardt Showing Up o El árbol de las mariposas doradas del vietnamita Pham Thien An, premiat amb la Càmera d’Or del Festival de Cannes. (enllaç)

També finalitza el cicle dedicat a la primera cineasta cubana de la història, Sara Gómez, amb la col·laboració de la Mostra Internacional de Films de Dones, amb diverses sessions de curts i el seu únic llarg, De cierta manera. (enllaç)

El cinema de Sarah Moon arriba amb motiu de l’exposició «Sarah Moon. El tiempo se detiene» (Fundació Foto Colectania, del 19 de juny al 20 de desembre), en una sessió presentada per l’artista en què es projectaran dos films que mostren la seva sensibilitat i visió úniques a l’hora d’explorar la intersecció entre la realitat i la fantasia. (enllaç)

Sessió d’homenatge al darrer Premi Goya d’Honor, el director de fotografia més que centenari Joan Mariné, amb la projecció del del documental dirigit per María Luisa Pujol Juan Mariné. Un siglo de cine. (enllaç)

El cicle transversal dedicat a Victor Sjöström, amb la col·laboració de: Svenska Filminstitutet, inclou El monestir de Sendomir (1920) The Scarlet Letter (1927), adaptació de la novel·la de Nathaniel Hawthorne protagonitzada per la seva musa Lillian Gish. (enllaç)

En la programació vinculada al Centenari del Cinema Amateur a Catalunya, una sessió dedicada al documentalista Eusebi Ferrer, amb materials restaurats pel 2CR, i dos títols més del cicle L’arxiu subterrani: Found footage: Cuatreros de l’argentina Albertina Carri i Tres minutos: una exploración de Bianca Stigter. (enllaç)

Les estrenes de la Filmoteca presenten el darrer film de l’artista italià Moreno Bernardi sobre el procés de creació de la seva versió teatral de Macbeth, i el documental sobre la figura oblidada de Rafael Cárdenas, un projecte d’investigació del Colegio de Humanidades y Ciencias Sociales de la Universidad Autónoma de la Ciudad de México a partir d’una idea original de Carlos Fazio. (enllaç)

En la setmana del Dia Internacional de l’Orgull LGBTQI+, la Filmoteca proposa una nova FilmoRuta dinamitzada per Joan Miquel Gual, membre de Memòria en moviment i autor de la tesi De la picota a la piqueta. El Raval a la imatge de no ficció 1893-2015. (enllaç)

CIRCUIT ESTABLE DE CINEMA CATALÀ

Cicle Gaudí 2016 - Circuit estable de cinema català
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SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

Sylvette Baudrot 260

FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL ARGENTINA

‘La producción audiovisual y su respaldo jurídico’ es el libro más reciente de Julio Raffo, un texto de lectura y de consulta imprescindible para los distintos profesionales de la industria del cine que deseen estar al tanto sobre cómo se regula en la Argentina la actividad productiva que conlleva la realización de películas, atendiendo no solamente a disposiciones legales y su marco regulatorio, sino que también a ejemplos prácticos y anécdotas. (saber más)

LOS INVENTORES DEL CINEMATÓGRAFO

Cinematógrafo LumièreEl cine es una invención sin ningún futuro. (…)
Nuestro invento no es para venderlo. Puede ser explotado algún tiempo como curiosidad científica, pero no tiene ningún interés comercial. *Antoine Lumière

ZONA INDUSTRIA

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PROTOCOL ANTI-VIOLÈNCIES MASCLISTES

22 juny 2024 – Tània Verge, consellera d’Igualtat i Feminismes de la Generalitat de Catalunya, Judith Colell, presidenta de l’Acadèmia del Cinema Català, i Carla Vall, advocada especialitzada en violències masclistes, van presentar el Protocol guia per la prevenció i abordatge de les violències masclistes i LGTBI-fòbiques en el sector audiovisual, un text pioner a l’Estat i acordat amb el sector que ofereix un model d’actuació i d’abordatge amb garanties de no repetició per assegurar la reparació integral de les persones afectades per violència física, psicològica, sexual o digital. L’adhesió a aquest protocol per part de les empreses productores catalanes simplificarà els procediments per activar la investigació, alhora que implicarà un compromís de transparència i garantia d’aplicació de les mesures preventives establertes.

Judith Colell va declarar que “per poder aconseguir un audiovisual segur per a totes, la prevenció havia de ser un objectiu des del principi del projecte. Així que un grup motor format per diverses entitats del sector (com l’Associació d’Actors i Directors Profesionals de Catalunya, i Dones Visuals), diverses professionals i membres de l’Acadèmia van començar a treballar el 2022 per tal d’agafar models. En aquell moment hi havia molt pocs protocols específics per al sector, la major part concentrats a Amèrica llatina, amb algunes iniciatives molt interessants al Regne Unit i a Finlàndia.” La presidenta de l’Acadèmia del Cinema Català també va destacar la implicació de professionals del sector en tot el procés. “Una diagnosi inicial va comptar amb la participació de més de 300 professionals del sector i una comissió participativa formada per una vintena d’entitats, incloent les televisions públiques (TV3 i Betevé) que han participat en la fase prèvia i han també revisat i esmenat el document final. Per nosaltres la implicació del sector era condició sine qua non per treballar, ja que es tractava de fer una eina realment útil. Esperem haver-ho aconseguit,” va dir.

Carla Vall, per la seva banda, va subratllar que “hem adaptat la norma als moviments que ja s’estaven donant al sector. No estem pensant només en les conductes més greus, sinó que estem parlant de les conductes simbòliques que tot just comencen. L’eix de la prevenció estructural és començar a generar un canvi de consciència. I això no depèn exclusivament de la víctima, ni significa necessàriament activar una denúncia penal.”

DOCUMENTAL “ODRADEK”, YA EN FILMIN

22 junio 2024 – Ya se puede visionar en la plataforma Filmin el documental “Odradek”, del director gironí Juli Suàrez; una historia que es un homenaje a la sencillez, los objetos y los inicios del cine; un símbolo y el pretexto porque, a través de unos aparatos inventados por el profesor Macaya, se crea un espectáculo de magia, emulando los espectáculos feriales de calle que se realizaban a finales del siglo XIX. (reseña)

Sobre la película, el director declaró: “Desde el primer momento que vi su espectáculo y me adentré en el mundo fantasioso de Artil·luxis, supe que tenía una historia. En el mundo digital y super avanzado que vivimos, que todo es posible y fácil, Jordi y Genisa me enseñaron que con sencillez y humildad se puede crear un espectáculo de lujo en el que te quedas como sumergido.
Los hermanos Lumière, George Mèlies y Segundo de Chomón entre varios más, iniciaron el recorrido del mundo del cine. Mèlies y Chomón creaban un cine fantástico. Sus películas estaban llenas de trucos, manuales o fotográficos, que después se incorporaron al lenguaje cinematográfico. Por eso quise crear un paralelismo entre el espectáculo del profesor Macaya y la señorita Carricondo con las creaciones de Georges Mèlies y Segundo de Chomón, espectáculos sencillos y llenos de imaginación”.

SEAN BAKER GANÓ EL FESTIVAL DE CANNES

26 mayo 2024 – El estadounidense Sean Baker logró la Palma de Oro en el Festival de Cannes por su película “Anora”, una comedia dramática que se aleja de los escenarios marginados que este cineasta ama y localiza a sus personajes en su ciudad natal de Nueva York.

En la película, una joven stripper de Brooklyn cuyo nombre le da el título a la película, se enamora del hijo de un oligarca ruso. Al principio parece que se está desarrollando un cuento de hadas y el matrimonio está en el horizonte, pero en realidad eso sucede antes de que los padres de su amante se involucren, estando decididos a dañar la relación.

“Anora” marca un alejamiento de sus películas anteriores. Si bien el personaje epónimo, una stripper, permanece en el género habitual de Baker, el universo por el que se mueve la protagonista expresa el deseo declarado del director de hacer esta vez una película sobre gente adinerada.

Del resto de premios destacan los del jurado para “The seed of the sacred fig”, de Mohammad Rasoulof y “Emilia Pérez”, de Jacques Audiard, así como el Gran Premio para “All we imagine as light”, de Payal Kapadia y el Premio a la Mejor Dirección para Miguel Gomes por “Grand Tour”.

Por su parte, fuera de la competición oficial Jonás Trueba logró el Premio Europa Cinemas Label a la Mejor Película Europea por “Volveréis”, una comedia antirromántica sobre una pareja que decide celebrar su ruptura organizando una fiesta.

UN DOCSBARCELONA AMB “MEXICAN DREAM”

12 maig 2024 – “Mexican Dream”, de la directora mexicana Laura Plancarte, va ser reconegut en el DocsBarcelona amb el Docs a la millor pel·lícula del certamen. Hibridant ficció i documental, la cineasta mexicana revisa l’estereotip d’abnegada dona llatinoamericana, tradicional patidora de la violència masclista a través de la vida de Malena, una dona que, com tantes a Mèxic, deixa el seu lloc d’origen després de sortir d’una relació violenta per a treballar en cases alienes i construir, a comptagotes, un patrimoni que oferir als seus fills i en el qual resguardar-se. El resultat és una oda als nous principis, les xarxes de suport i l’amor propi que corona el palmarès de DocsBarcelona 2024.

“Our Land, Our Freedom”, de Meena Nanji i Zippy Kimundu, va rebre del jurat una Menció especial Docs&Pearls i també el Premi Amnistia Internacional Catalunya, dedicat als documentals de la Secció Oficial que per la seva temàtica s’impliquen en la defensa dels drets humans. Amb aquest retrat de Wanjugu Kimathi, filla de Dedan Kimathi, llegendari líder de les revoltes Mau Mau executat pels anglesos l’any 1957, les directores alimenten el debat sobre el passat colonial britànic, la propietat de terres mai retornades als seus propietaris després de la independència de Kènia i el genocidi del poble Mau Mau.

El jurat de la nova secció Docs&Cat va premiar amb el Docs a la millor pel·lícula catalana, patrocinat per La Xarxa Audiovisual Local (XAL), el documental “Casa Reynal”, de Laia Manresa (Morir de día), sobre la transmissió familiar i el llegat de la seva memòria. “Un estel fugaç”, d’Arturo Méndiz i Ignasi Guerrero, que posa el focus en el dol perinatal des del punt de vista del pare, ha rebut del jurat una Menció especial Docs&Cat, i també el Premi del públic.

El Docs Nou Talent – Filmin, destinat als directors debutants de la Secció Oficial Panorama, va ser rebut per “Daughter of Genghis”, dels cineastes i fotoperiodistes danesos Kristoffer Juel Poulsen i Christian Als. La protagonista del documental Gerel Byamba, lidera una violenta banda feminista que lluita contra el colonialisme xinès i l’explotació estrangera a Ulan Bator.

El Docs del Jurat Antaviana, patrocinat per Antaviana Films, va premiar la producció catalana “Hágase tu voluntad”, on el cineasta Adrián Silvestre (Sedimentos, Mi vacío y yo) es converteix en protagonista, explicant el seu retrobament, després de més de vint anys sense parlar-hi, amb el pare, un home que reivindica el dret a morir dignament.

Jurats joves

DocsBarcelona dedica la seva secció Doc-U als treballs de centres d’estudis superiors d’arreu de l’estat espanyol. El seu jurat oficial va atorgar el Doc-U 16nou al curtmetratge “Still, Life”, de Priya Woods. El premi Doc Around Europe, al qual opten els curtmetratges documentals internacionals que participen en aquesta secció universitària, va anar a parar a Nos Îles, d’Aliha Thalien.

“Pelikan Blue”, de László Csáki, s’endugué el Premi del Jurat Jove DocsBarcelona – Reteena, atorgat per joves d’entre 16 i 21 anys, i la producció “Artificial Immortality”, d’Ann Shin, el Premi Docs & Teens, atorgat pels alumnes d’ESO i Batxillerat del DocsBarcelona.

Finalment, el Premi Docs del Mes, decidit pel públic assistent a les projeccions de la xarxa formada per més de 70 sales d’arreu d’Espanya del Docs del Mes de l’any 2023, ha estat per “Zimbàbue. La lluita per la democràcia”, de Camilla Nielsson.

Així mateix, la 27a edició del DocsBarcelona també ve retre homenatge al prestigiós tàndem format pels cineastes francesos Raymond Depardon i Claudine Nougaret, que van recollir el Premi Docs d’Honor d’enguany a la cerimònia d’inauguració del certamen.

LA SRF, EN DEFENSA DEL CINE ARGENTINO



4 abril 2024 – (Comunicado de Prensa) El jueves 14 de marzo, miles de cineastas argentinos, profesionales del cine y cinéfilos se concentraron frente la legendaria sala Gaumont de Buenos Aires para expresar su angustia ante la voluntad deliberada del nuevo gobierno populista y ultraliberal de Javier Milei de destruir una de las industrias cinematográficas más vibrantes, célebres y apasionantes del mundo. Esta histórica y pacífica movilización fue violentamente reprimida por la policía, en la continuación de una política liberticida que parece sumir de nuevo a Argentina en sus horas más oscuras. Una vez más, el autoritarismo y la violencia de las medidas ultraliberales se ven acompañados por el autoritarismo y la violencia de la represión policial, resultando en una grave amenaza a la libertad de expresión, manifestación y creación.

En una ceguera puramente ideológica, el gobierno de Milei pretende destruir un modelo económico virtuoso borrando de un plumazo el Instituto de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), sustento del cine argentino, que no le cuesta un centavo al contribuyente porque, siguiendo el modelo del CNC francés, se financia con los impuestos a las entradas de cine y los ingresos de radio y televisión.

En términos muy concretos, los enormes recortes presupuestarios y el plan de despidos que está sufriendo el INCAA están poniendo en peligro una industria que mantiene a más de 600.000 familias. Se ha puesto en peligro o simplemente se ha hecho imposible el estreno de 200 películas al año, y la influencia de Argentina en el mundo se ha visto gravemente mermada. Cada año, películas argentinas son seleccionadas y premiadas en los mayores festivales internacionales (Cannes, Venecia, Berlín, etc.) y se exportan a todos los rincones del mundo.

Los recortes presupuestarios del INCAA también podrían llevar a la desaparición de dos eventos clave para el cine argentino: Ventana Sur, el mayor mercado de contenidos de América Latina, organizado conjuntamente con el Mercado de Cine de Cannes, y el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, el mayor festival de cine de Argentina, que atrae a más de 130.000 espectadores cada año. Si no se levantan las nuevas restricciones, estos eventos, que atraen la atención internacional, ya no podrán celebrarse.

Igualmente preocupante es la eliminación de la financiación de la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC), la principal escuela de cine de Argentina, que ha formado a cineastas de renombre mundial como Lucrecia Martel y Fabián Belinsky. La escuela, que forma a los profesionales del mañana en todo el país, se ve en la imposibilidad de seguir funcionando, dejando a su suerte a la nueva generación del cine argentino.

Como ocurre siempre que los derechos de los ciudadanos se ven amenazados, la cultura es vista por los gobernantes como un peligro que hay que destruir urgentemente. Porque un pueblo sin arte y sin cultura es un pueblo más fácilmente esclavizado y deshumanizado. Nosotros, cineastas, actores y profesionales del cine, queremos decir a todos aquellos que mantienen vivo el cine argentino y que se oponen a las medidas liberticidas del gobierno de Milei, que estamos firmemente a su lado y reafirmamos nuestro compromiso con una Argentina inspiradora, libre y creativa.

Firmantes:

Jean Achache, Steve Achiepo, Fleur Albert, Swann Arlaud, Anne Alix, Jacques Audiard, Mathilde Applincourt, Barbara Balestas Kazazian, Jeanne Balibar, Antoine Barraud, Nicolas Bary, Bérénice Béjo, Lucas Belvaux, Saïd Ben Saïd, Julie Bertuccelli, Thomas Bidegain, Bertrand Bonello, Chloé Borgella, Guillaume Brac, Mikael Buch, Claire Burger, Dominique Cabrera, Thomas Cailley, Laure Calamy, Robin Campillo, Laurent Cantet, Christian Carion, Malik Chibane, Hélier Cisterne, Jérémy Clapin, Clément Cogitore, Romain Cogitore, Christophe Cognet, Catherine Corsini, Didier D’Abreu, Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne, Camille de Casabianca, Lucas Delangle, Anaïs Demoustier, Claire Denis, Caroline Deruas, Sylvain Desclous, Arnaud Desplechin, Pascal Deux, Lukas Dhont, Jérôme Diamant-Berger, Claire Diao, Alice Diop, Mati Diop, Audrey Diwan, Evelyne Dress, Julia Ducournau, Jean-Baptiste Durand, Chloé Duval, Nadia El Fani, Jérôme Enrico, Frédéric Farrucci, Philippe Faucon, Pascale Ferran, Pierre Filmon, Emmanuel Finkiel, Aline Fischer, Marina Fois, Marine Francen, David Frenkel, Denis Freyd, Jean-Raymond Garcia, Louis Garrel, Dyana Gaye, Myriam Gharbi, Lisa Giacchero, Pauline Ginot, Delphine Gleize, Yann Gonzalez, Emmanuel Gras, Anouk Grinberg, Arlène Groffe, Robert Guédigian, Alain Guiraudie, Rachid Hami, Ted Hardy-Carnac, Arthur Harari, Mahamat-Saleh Haroun, Michel Hazanavicius, Christophe Honoré, Armel Hostiou, Cédric Ido, Isabelle Ingold, Irène Jacob, Agnès Jaoui, Gaelle Jones, Elisabeth Jonniaux, Sébastien Jousse, Baya Kasmi, Vergine Keaton, Cédric Klapisch, Nicolas Klotz, Gérard Krawczyk, Ariane Labed, Thomas Lacoste, Vincent Lacoste, Jean-Marie Larrieu, Sébastien Laudenbach, Pierre Le Gall, Erwan Le Duc, Julian Lessi, Marie-Ange Luciani, Vincent Macaigne, Dominique Marchais, Léna Mardi, Philippe Martin, Valérie Massadian, Chiara Mastroianni, Patricia Mazuy, Radu Mihaileanu, Hélène Milano, Félix Moati, Dominik Moll, Viggo Mortensen, Emmanuel Mouret, Elvire Muñoz, Olivier Nakache, Nathan Nicolovitch, David Oelhoffen, Emmanuel Olivier, Valerie Osouf, Mariana Otero, François Ozon, Agnès Patron, Cyril Pedrosa, Vivianne Perelmuter, Nicolas Philibert, Just Philippot, Bruno Podalydès, Mathieu Ponchel, Vimala Pons, Katell Quillévéré, Antoine Reinartz, João Pedro Rodrigues, Jane Roger, Axelle Ropert, Brigitte Roüan, João Rui Guerra da Mata, Latifa Saïd, Thomas Salvador, Pierre Salvadori, Clément Schneider, Pierre Schoeller, Kathy Sebbah, Claire Simon, Patrick Sobelman, Charles Tesson, David Thion, Bénédicte Thomas, Éric Toledano, Gilles Trinques, Marion Truchaud, Pamela Varela, Aurélien Vernhes-Lermusiaux, Caroline Vignal, Axelle Vinassac, Elie Wajeman, Denis Walgenwitz, Eléonore Weber, Alice Winocour, Zoe Wittock, Maud Wyler, Yolande Zauberman, Rebecca Zlotowski.

OSCARS 2024: GANÓ EL FILM “OPPENHEIMER”

11 marzo 2024 – El film “Oppenheimer”, de Christopher Nolan conquistó el Oscar a la Mejor Película, además de los premios a Mejor Director, Actor (Cillian Murphy), Actor de Reparto (Robert Downey Jr.), Banda Sonora, Fotografía y Montaje.
“Barbie”, la otra película protagonista del denominado fenómeno comercial “Barbenheimer”, solamente recibió el Oscar a la Mejor Canción Original por «What I was made for?». Igualmente se destacó el notable trabajo de la actriz Emma Stone en el filme “Pobres Criaturas”, de Yorgos Lanthimos, obra fílmica que recibió otros tres galardones (Diseño de Vestuario, de Producción y Maquillaje y Peluquería). “La zona de interés”, de Jonathan Glazer, se alzó con el Oscar a Mejor Película Internacional.

Leer nuestra reseña sobre “Oppenheimer” y “Barbie”, aquí.