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Malek Bensmaïl documenta los detalles de «La Batalla de Argel»

noviembre 24, 2018 ENTREVISTAS, VISION DOCUMENTAL
Entrevista a Malek Bensmail sobre Una película en la Historia

12ª Mostra de Cinema Àrab i Mediterrani
«La Batalla de Argel» (1966) es un célebre largo de ficción que fue llevado a la gran pantalla por el cineasta italiano Gillo Pontecorvo, tras haber obtenido el León de Oro en Venecia por aquella película en blanco y negro que de una manera cercana y realista mostraba los avatares del movimiento de liberación nacional argelino en su lucha por alcanzar la independencia, frente al temible y represivo ejército francés.
La Mostra de Cine Árabe y Mediterráneo de Barcelona programó este año tanto la conocida película como un nuevo trabajo documental titulado «Una película en la Historia», que ofrece al espectador interesado una espléndida revisión sobre una obra original apasionante, ya que fue pensada por Pontecorvo para ser lo más intuitiva posible con los sentimientos de ambos bandos en confrontación.
Malek Bensmaïl es el director y estuvo en Barcelona, donde tuvo la cortesía de recibirnos y hablar para los lectores de Cinestel.

Ahora se trata de un filme novedoso el suyo, pero sin lugar a dudas llegará el día en que posiblemente ya no se pueda entender una película sin la otra. Cada 1 de noviembre, aniversario de la independencia de Argelia, Bensmaïl había vivido a partir de su infancia la emisión televisiva de «La Batalla de Argel». Es un hecho que sigue sucediendo y que muchos argelinos contemplan con orgullo. Actualmente, con su documental aporta una nueva mirada y es muy probable que también se incluya en tan importante celebración anual.

De hecho, el director nos cuenta que en estos momentos la gente de su país se está interesando más en ver el documental que la película, y que se están haciendo proyecciones del mismo en diversos cineclubs de toda Argelia.

La historia de la descolonización argelina y el deseo de que se cuestionara el papel del cine en todo aquel proceso revolucionario, han jugado un papel preponderante en los deseos de que este proyecto fílmico se llevara a cabo. «Ya hace tiempo que pensaba que faltaba cine documental para testimoniar la realidad desde otros puntos de vista» -explica Bensmaïl-. «La ficción del mundo árabe tiende mucho a enfocarse hacia la simbología. Yo había hecho documentales sobre política, salud y escuelas, y ahora tocaba hacer uno sobre el cine en sí mismo» -añade-.

Guerrilla vs. Ejército

No es casualidad que «Una película en la Historia» comience con el Noticiero Latinoamericano del ICAIC dando cuenta de los avances del movimiento revolucionario argelino hasta el logro de la victoria final. Cuba era un país amigo y admirador de ese proceso estratégico, que poseía grandes similitudes con el suyo, pues en ambos casos el triunfo revolucionario se logró en virtud de la incapacidad que los ejércitos de la época tenían para luchar contra una guerrilla que, sobre todo en el ámbito urbano, lograba imponerse con relativa facilidad.

Malek Bensmaïl le da la vuelta a esa percepción y asegura que «el problema de Francia fue, y hay gente que lo dice, que aquella guerra se perdió en París, no en el campo de batalla de Argelia. La guerra fue perdida políticamente; militarmente quizá Francia avanzó en algún momento, pero no políticamente porque la independencia parecía a todas luces imposible de evitar» -resume-.

El director se queja de que en la actualidad «ocurre lo mismo en el país cuando hay fracasos políticos. El ejército argelino tiene las mismas maneras de tratar a la población, y se dedica a reprimir la libertad de expresión, a encarcelar,… y no a solucionar las cosas de forma política». Y agrega: «Esta película me permite explicar la historia de Argelia de los últimos 40 o 50 años, y alcanzar una perspectiva desde la cual analizar la sociedad contemporánea de nuestro país en el momento actual».

La lucha colectiva y las nuevas generaciones

Bensmaïl constata que en la actualidad hay muchos jóvenes argelinos que incluso no saben ni cuando comenzó la revolución ni en qué fecha. Además piensa que la enseñanza que reciben los chicos y chicas del país es muy superficial en cuanto a la lucha por la descolonización y la independencia se refiere. Y cree que no se les explica por temor a que en un futuro se lleguen a organizar enfrentamientos similares.

«También en Europa -añade-, la Historia no se enseña con la profundidad que se necesitaría, no sólo sobre las experiencias del pasado sino que también acerca de cómo se organizan las sociedades humanas para hacer frente a las injusticias. Aquí también se ha obviado la segunda y primera guerra mundial y el ascenso del fascismo, sobre el que tampoco los jóvenes de ahora están mucho al caso, porque al fin y al cabo viven en una sociedad capitalista y no quieren saber estas cosas».

Entrevista a Malek Bensmail sobre Una película en la Historia

– ¿En su opinión, la colonización es un asunto que ya pertenece sólo al pasado?

Ya no estamos oficialmente colonizados y el colonialismo como sistema de organización del Estado forma parte del pasado, pero sí que continuamos colonizados porque mentalmente no hemos hecho la desconexión de la colonización, y esta huella de la colonia está en nuestras vidas y nuestros espíritus. También hay en los gobiernos y los regímenes que han habido hasta ahora, hechos que se repiten, porque hay una línea de continuidad entre las maneras de hacer y de tratar que tenía la colonia, que después las han trasladado los gobernantes argelinos hacia su población.

El documental me permite hacer esta crítica y adentrarme en el tema de la descolonización mucho más que en la ficción. «La Batalla de Argel» es una mezcla entre ficción y documental, y ése es uno de los motivos por el que la película tiene esa intensidad.

– Como usted lo expresa en el documental, hubo intentos de que el actor estadounidense Paul Newman protagonizara el film de Pontecorvo, pero el cineasta lo rechazó porque quería darle un sentido más realista a la película. ¿»La Batalla de Argel» habría sido lo mismo con Paul Newman?

No, y yo creo que fue una buena elección porque sino la película no habría tenido esta cercanía y no habría estado tan directamente ligada a la realidad de Argelia, sino que habría sido un film al estilo de Hollywood.

Justo después de esta película, Pontecorvo hizo «Queimada», con Marlon Brando como protagonista, y ahí es donde esa distancia con los hechos que no estaba en «La Batalla de Argel», se percibe. Pero en todas estas películas con trasfondo político, y sobre todo las que tratan el tema de la colonización, si tu pones a cualesquiera de las estrellas de Hollywood, pierden todo este sentido, porque el peso político se va más hacia un espectáculo que hacia un producto que persigue la autenticidad.

– El filme recibió un León de Oro en Venecia. ¿Cree que los premios ayudan pero que no son lo más importante?

Para la mayoría de realizadores, y para mí seguro que también, los premios no son el motivo por el cual la gente hace cine, sino que lo que nos moviliza es la gente, el público. Los premios lo que a veces hacen es inflar los egos de algunos realizadores y quizá a los productores y distribuidores les pueda ayudar más por una cuestión financiera-económica, porque una película que tiene un premio, pues es posible que se venda más que otra que no lo tiene. De todas formas, yo creo que eso no tiene nada que ver con la profundidad del cine.

Aun así, el premio que se le dio a «La Batalla de Argel» en Venecia yo creo que fue oportuno, porque es una película que de otro modo no habría tenido la difusión que tuvo, y además porque pienso que fue un premio muy político, puesto que lo que se quería era poder mostrar la guerra de Argelia, ya que hasta aquel momento no había habido ninguna película, no se hablaba, mucha gente no sabía bien qué estaba pasando, y en ese aspecto hubo como una toma de posición frente a las otras películas importantes de Rossellini o de Truffaut que igualmente se estaban presentando en aquel entonces.

– Lo llamativo es que al mismo tiempo se había censurado en Francia, el país colonizador. ¿No fue así?

Eso tendríamos que matizarlo porque, si bien la película no había sido censurada en Francia, donde alcanzó todos los permisos de proyección que necesitaba para ser exhibida, lo que ocurrió fue un problema de autocensura de las salas de cine por el hecho de que habían recibido muchas amenazas de grupos de extrema derecha, incluso en algunas se habían puesto explosivos. Esa disuasión fue la causa de que el largometraje en sí no fuera mostrado en muchos lugares.

Hay que tener en cuenta que hacía muy poco que se había salido de una guerra de 8 años y de una repatriación de miles de franco-argelinos, cuyas familias quizá llevaban viviendo en Argelia desde hacía 100 años, y que de un día para el otro se vieron obligados a volver a Francia, un país que ya no era el suyo, por la fuerza.

Eso muchos franceses no lo asimilaron y quizá fue demasiado pronto para estrenar la película, cuando todas las heridas estaban tan abiertas, cuando todo era tan reciente.

– Y también es especialmente preocupante que en su documental algunos de aquellos que fueron torturadores no se muestren arrepentidos ni avergonzados de lo que hicieron. ¿Cómo se puede entender que alguien que ha hecho tanto mal, hable de esta manera?

Es una cosa muy difícil de entender, y en todo caso yo no tengo la respuesta, pero seguramente los psiquiatras tendrían alguna cosa que decir. En concreto, el general Massu, que es el que aparece en el film, estaba satisfecho porque él como militar dice que estaba en una guerra, que precisaba unas informaciones y que las tenía que conseguir a cualquier precio. Él lo ve como una técnica de guerra y no lo ve como lo que es, como una tortura, sino que para Massu es una estrategia de guerra.

Aquí además hay otra cuestión en la que vuelve a entrar la política, porque los políticos desde París les dieron luz verde diciéndoles que aquello se tenía que aplastar, fuera como fuera, y que hicieran lo que quisieran dándoles toda la libertad para hacer lo que creyeran necesario hasta que se parara la revuelta.

Aparte de eso, ellos lo hacían con la justificación de que se estaba protegiendo a la población francesa, porque se ponían bombas y afectaba evidentemente a la población de Francia que vivía en Argelia. Y también hay que recordar que precisamente fue el Partido Socialista y Mitterrand, que era ministro del Interior en aquel momento, quien ordenó y permitió todo eso.

– En Argelia nació la música raï, que también es de protesta, pero usted ha preferido terminar su película con un rap. ¿Por qué?

Porque si yo sabía que este grupo de rap había compuesto un tema dedicado a «La Batalla de Argel», entonces era evidente que lo tenía que utilizar para el film. También me permite conocer qué es lo que los jóvenes actuales de Argelia perciben hoy sobre el tema de esta película y, asimismo, hacer vínculo entre la juventud de cuando se hizo la película y la de ahora, que aunque ha pasado bastante tiempo continúan viendo la película muy regularmente.

Para mí es una película muy política, un film de resistencia, de lucha y de enfrentamiento con el poder, y precisamente en este momento Argelia está en una situación de mucha represión, en un régimen muy cerrado, en una situación de asfixia, y quizá todo esto les ayudará a los jóvenes a hacer realmente esta lucha que se necesita para hacer caer a este régimen y que la sociedad argelina sea democrática.

Mi documental, como se comprueba tanto al principio como al final, sirve un poco para empujar a que esta juventud realmente se lo tome como un motivo para luchar por el presente y por el futuro. Este orgullo sobre «La Batalla de Argel» tiene que servir para una lucha orgullosa de cara al futuro.

Al final, la frase que más me gustó del rap y con la que quise acabar la película es la de que «Ali La Pointe no está muerto, Ali La Pointe aún está en la Kasbah», pues eso quiere decir que la revuelta sigue viva y que cualquier día se encenderá.Síguenos en Twitter color

 

©José Luis García/Cinestel.com

Entrevista a Malek Bensmail sobre Una película en la Historia

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Vera Chytilová

Vera Chytilová (1929-2014) ocupa un lloc d’honor entre les figures més iconoclastes, transgressores i proteiques del setè art. Figura clau del Nou Cinema Txec dels anys seixanta, va ser l’única dona d’aquest corrent cinematogràfic que va estudiar a l’Acadèmia de Cinema de Praga (FAMU). Coneguda per Les margarides (1966), la seva obra més emblemàtica, Chytilová va desafiar tant les convencions expressives del cinema com les imposicions ideològiques mitjançant un estil únic que combinava humor àcid, poesia visual i un insolent esperit de rebel·lia. Creadora de personatges femenins ingovernables, amb un domini magistral del muntatge i una llibertat creativa intolerable per la censura i les mirades més reaccionàries, el cinema de Chytilová és alhora sàtira moral, revolta feminista i un exercici constant de reinvenció formal.
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François Truffaut

François Truffaut (1932-1984) va convertir el seu amor pel cinema en una manera de mirar i entendre la vida. En els seus inicis com a crític a Cahiers du Cinéma, va ser un dels artífexs de la «teoria de l’autor», la qual considera el director el responsable total del film. El 1959 irromp amb força amb Les 400 coups, un film inspirat en la seva dolorosa infància i amb el qual esdevé un dels principals impulsors de la Nouvelle Vague, el corrent que enceta el cinema de la modernitat i del qual esdevé el cineasta més cèlebre gràcies a una obra farcida d’humanisme i romanticisme i encarada al gust del públic. Les dones, els llibres, la infància i la mort són els eixos bàsics d’una filmografia caracteritzada per una sinceritat absoluta i en què l’element autobiogràfic és sempre present, especialment a través del personatge d’Antoine Doinel, el seu alter ego a la pantalla. (més informació)

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Amb la complicitat del Grec Festival d’Estiu de Barcelona, proposem un viatge fascinant pel món del circ, que ha temptat a cineastes de totes les èpoques, estils i procedències. Univers d’equilibris impossibles, màgia, humor i risc, el circ ha convocat imatges poderoses i emocions intenses. Proposem un recorregut deliberadament heterogeni que ens convida a descobrir-lo com un espai comunitari de dissidència, creació, gaudi i memòria col·lectiva. El cicle s’estén també a les sessions familias de FilmoXica a l’estiu, i s’inaugura dimecres 2 de juliol amb una sessió molt especial que combinarà peces de Segundo de Chomón amb l’actuació en viu del grup d’acròbates Eunoia Kolectiva, amb acompanyament musical del pianista Francesc Mora.
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Dues sessions incloses en el festival Bachcelona: el film experimental Trenta-dos curtmetratges sobre Glenn Gould, estructurat a partir de les Variacions Goldberg de Bach, peça que va marcar la carrera del genial pianista, i Saraband d’Ingmar Bergman, que anirà precedida de la interpretació en directe de la Sarabanda de la suite per a violoncel núm. 5 en do menor de Johann Sebastian Bach a càrrec del violoncel·lista Daniel Claret. (enllaç)

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FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

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‘La producción audiovisual y su respaldo jurídico’ es el libro más reciente de Julio Raffo, un texto de lectura y de consulta imprescindible para los distintos profesionales de la industria del cine que deseen estar al tanto sobre cómo se regula en la Argentina la actividad productiva que conlleva la realización de películas, atendiendo no solamente a disposiciones legales y su marco regulatorio, sino que también a ejemplos prácticos y anécdotas. (saber más)

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Cinematógrafo LumièreEl cine es una invención sin ningún futuro. (…)
Nuestro invento no es para venderlo. Puede ser explotado algún tiempo como curiosidad científica, pero no tiene ningún interés comercial. *Antoine Lumière

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PROYECCIÓN Y DEBATE EN BARCELONA (19/07)

El dissabte 19 de juliol a les 20h, La Cinètika projectarà a Barcelona “Elogi de la Rebel·lió, cinema i contrainformació en les lluites populars”. Un llargmetratge documental sobre la cobertura audiovisual alternativa en la rebel·lió del 19 i 20 de desembre del 2001 a l’Argentina, dirigida per Fernando Krichmar, de 94 minuts de durada (2021). Hi haurà debat amb el director al final de la projecció.

Sinopsi:
Aquest documental narra, a partir d’entrevistes i material inèdit, la història dels col·lectius que van registrar el cicle de lluites que va tenir el punt més alt fa uns 24 anys, durant les jornades del 19 i 20 de desembre del 2001.

És una coproducció de Doca, Documentalistes d’Argentina i el Canal Barricada Tevé, de cinema documental, Argentina (2021).

PEPÓN COROMINA: “THE HUMAN HIBERNATION”

5 juliol 2025 – En el marc de la Festa d’Estiu de l’Acadèmia del Cinema Català, es va fer públic el veredicte del 12è Premi Pepón Coromina, un guardó que distingeix anualment el risc, la innovació i la creativitat en la producció cinematogràfica catalana, en record del productor Pepón Coromina.

El jurat d’aquesta edició, format pels cineastes Juan Sebastián Vásquez, Andrés Duque, Júlia de Paz, Jordi Sanz i l’actriu i directora Mireia Vilapuig, va reconèixer “The Human Hibernation”, d’Anna Cornudella (foto), “una obra de rara bellesa, on la ciència-ficció especulativa es fon amb la melancolia dels paisatges rurals per oferir-nos una meditació poètica sobre l’espera, la transformació i el desig de desaparèixer”, recull el veredicte.

La proposta estètica i filosòfica interpel·la l’espectador des d’una temporalitat alternativa, i esdevé un acte de resistència silenciosa i transformadora, “amb una direcció sensible i una aposta formal valenta, que planteja un descentrament del jo per obrir la mirada cap a l’ecosistema sencer i els vincles que el conformen”, destaca el jurat.

Amb aquest guardó, “The Human Hibernation” ha estat reconeguda per primer cop a Catalunya, després de rebre el premi FIPRESCI de la crítica al Festival de Berlín i el Feroz Arrebato de No Ficció.

El jurat també va voler donar una Menció especial a la sala de cinema cooperativa Zumzeig, per la seva trajectòria valenta i la seva aposta decidida per una altra manera de fer, veure i compartir el cinema. “Zumzeig és l’espai on es poden veure obres com The Human Hibernation; un projecte autogestionat que manté viva la flama del pensament crític i el risc creatiu en els circuits de distribució”, assenyalen.

NEIX EL SOM CINEMA LAB/PRO

4 juliol 2025 – El Festival Som Cinema serà el marc de la primera edició del Som Cinema Lab/Pro, una iniciativa formativa i professionalitzadora destinada a guionistes i directors/es de les Terres de Ponent. Aquesta nova branca del festival neix amb la voluntat d’acompanyar el desenvolupament de curtmetratges en català en fase de guió, i de facilitar eines i espais per defensar-los davant de productores i professionals del sector.

L’objectiu principal del Lab/Pro és oferir espais de treball per millorar i reescriure els guions presentats; i fomentar una experiència col·lectiva d’aprenentatge, intercanvi i xarxa entre creadors/es que es trobin en moments similars del procés creatiu.

La convocatòria del Som Cinema Lab/Pro s’ha obert el 13 de juny i estarà activa fins a les 23.59 h del 5 de setembre. Els projectes seleccionats participaran activament en diverses sessions de treball durant els dies centrals del Festival Som Cinema, que enguany se celebrarà del 22 al 26 d’octubre a la ciutat de Lleida.

El jurat del Lab/Pro escollirà un projecte guanyador que serà premiat amb la participació directa a la Trobada de Talents del Festival Galacticat 2026, on podrà entrar en contacte amb productores destacades del sector audiovisual. El curtmetratge resultant també es projectarà a la següent edició del Som Cinema, sigui dins o fora de competició, i el finalista rebrà un passi complet per al Festival Animac 2026. Aquesta primera edició del Som Cinema Lab/Pro estarà coordinada per la cooperativa audiovisual Octubre Cinema.

Les inscripcions es poden fer a través del formulari en línia https://forms.gle/UVEmPmKPg3twRtYN8.

CANNES PREMIÓ A “SIRAT”, DE OLIVER LAXE

25 mayo 2025 – El director Oliver Laxe recibió en Cannes el Premio del Jurado por su más reciente película.
“Sirat” está protagonizada por el actor catalán Sergi López, quien junto al niño Bruno Núñez desarrolla una historia mística y de trance en pleno desierto.

Un hombre y su hijo llegan a una rave perdida en medio de las montañas del sur de Marruecos. Buscan a Mar, su hija y hermana, desaparecida hace meses en una de esas fiestas sin amanecer. Reparten su foto una y otra vez rodeados de música electrónica y un tipo de libertad que desconocen. Allí deciden seguir a un grupo de raveros en la búsqueda de una última fiesta que se celebrará en el desierto, donde esperan encontrar a la joven desaparecida.

El cineasta gallego había participado antes en Cannes, pero aún no lo había hecho en la Sección Oficial. Esta vez continúa dando muestra del estilo heredado de sus anteriores trabajos, transformando el film en una historia introspectiva, con pocos diálogos e inspirada en el Puente Sirāt, que en la tradición islámica separa el infierno del cielo donde el alma se enfrenta a su verdadera naturaleza.

Pero lo que más llamó la atención en el prestigioso festival francés de cine es que esta nueva propuesta de Laxe es algo más radical que las anteriores y que, asimismo, a diferencia de sus anteriores filmes, en este caso sí que se le puede encontrar a la historia algunos matices que señalan a ciertos comportamientos ocurridos a nivel político, sobre todo en lo que afecta a ese escenario desértico y su conexión tanto con las tradiciones como con los personajes que padre e hijo se van encontrando a lo largo de la película.

Oliver Laxe es un fanático del formato y la textura del fílmico, así que no ha desaprovechado la ocasión para rodar “Sirat” en 16 mm, una calidad de color que los más avezados cinéfilos apreciarán, aun cuando en la mayoría de salas de cine la película se proyecta en el sistema más común y aceptado actualmente, que es el digital.

DOCSBARCELONA 2025: EL PALMARÈS OFICIAL

19 maig 2025 – “La memoria de las mariposas”, una pel·lícula que fa un tribut a les víctimes indígenes del comerç del cautxú peruà, i que la cineasta Tatiana Fuentes (foto) connecta amb la seva pròpia família, corona el palmarès de la edició d’enguany del DocsBarcelona amb el Premi Docs a la Millor Pel·lícula. El Jurat Oficial, integrat per Montse Triola, Ana Pfaff, Fito Castillo i Joost Daamen, va reconèixer “la resignificació de les imatges, tant en el context contemporani com dins del propi metratge, per tal d’apel·lar a la reparació i la memoria històrica”. El Premi Docs a la Millor Pel·lícula Catalana va ser per “Grup natural”, mirada empàtica i constructiva a l’adolescència de Nina Solà. “El que en un principi sembla el retrat d’una institució molt concreta acaba esdevenint una pel·lícula universal, divertida i fresca, amb una mirada que en cap moment infatilitza els protagonistes”, recull el veredicte del Jurat Docs&Cat, integrat per Adrià Lahuerta, Elena Molina i Adrián Silvestre. Van optar al premi, patrocinat per La Xarxa Audiovisual Local (XAL), les produccions catalanes del festival. També el Premi Docs del Públic – Moritz va reconèixer un documental català, en aquest cas “Mares”, d’Ariadna Seuba, el camí cap a la maternitat de dues dones, ple d’il·lusions i frustracions.

El Jurat Oficial va atorgar tres premis més del palmarès. El Premi Docs Nou Talent – Filmin, reservat a les òperes primes, va valorar “la mirada vital a una relació madura i complexa en el crepuscle de l’existència d’ambdós personatges” de “Two strangers trying not to kill each other”, de Jacob Perlmutter i Manon Ouimet. El Premi Docs Antaviana va ser per a “la mirada insistent a les futures generacions d’un país en guerra i la seva normalització en el sistema educatiu” de “Timestamp”, de Kateryna Gornostai, homenatge a la lluita quotidiana d’estudiants i professors per mantenir les escoles obertes en plena guerra d’Ucraïna. “Always”, el bell debut de Deming Chen, va rebre un dels nous guardons del festival, el Premi Docs al Millor Muntatge – AMMAC, “per una mirada precisa i observacional en l’ordinari que permet emergir a un relat poètic extraordinari”.

BCN FILM FEST PREMIÓ A “THE QUIET SON”

5 mayo 2025 – “The Quiet Son”, una película de las realizadoras francesas Delphine y Muriel Coulin, con un reparto encabezado por el veterano actor Vincent Lindon (foto), recibió el Premio a la Mejor Película en el festival de cine BCN FILM FEST 2025, celebrado en la ciudad de Barcelona.

El relato nos acerca a Pierre, un trabajador ferroviario de cincuenta años, que cría solo a sus dos hijos. Los tres están muy unidos. Cuando Louis, el más joven, deja su casa para estudiar en la Sorbona de París, Fus, el mayor y con peores resultados en los estudios, se vuelve cada vez más reservado, lo cual le lleva a involucrarse cada vez más con grupos de extrema derecha.

La película documenta el increíble esfuerzo realizado por los tres miembros de esta familia para permanecer juntos. Una de las directoras, Muriel, explicaba que esta historia de ficción “es como una mesa de billar de tres jugadores. Tres hombres unidos por algo muy duro, la desaparición de su madre. Y que intentan continuar como una familia a pesar de todo. Nunca se resignan a perderse el uno al otro”.

Delphine profundiza en el tema añadiendo que “es una familia que intenta seguir adelante. Se dice que el sentido de la historia es el del progreso: cada generación vive mejor que la anterior. Pero hoy las cosas van al revés. El voto extremista está ligado a este sentimiento muy fuerte de injusticia”.

Para Delphine, “Pierre intenta ser un buen padre, por eso no deja de preguntarse qué se ha perdido con Fus. ¿Somos responsables de lo que hacen nuestros hijos? Es una pregunta universal, dado el auge de la extrema derecha que se está produciendo en todas partes en el mundo occidental. Cualquiera puede identificarse con la historia” -concluye la co-directora-.

CANNES: ¿CARLA SIMÓN CON PALMA DE ORO?

11 abril 2025 – La directora catalana Carla Simón competirá en la Sección Oficial del Festival de Cannes con su nueva película, “Romería”. “Tengo la suerte de formar parte de una gran familia llena de historias que se han convertido en mi fuente de inspiración. Las relaciones familiares me fascinan porque no las escogemos. La familia es el origen de muchos conflictos, traumas y peleas, pero también es el origen del amor, la confianza y la lealtad más profunda” -explicaba la cineasta-.

En “Romería”, Marina viaja a Vigo para conocer a la familia de su padre biológico, que murió de sida, al igual que su madre, cuando ella era muy pequeña. A través de los encuentros con sus tíos, tías y abuelos, la joven intenta reconstruir un relato de sus padres, pero todos sienten demasiada vergüenza hacia los conflictos de drogas de la pareja, algo que Marina les recuerda con su presencia.

Será la historia de amor adolescente que vive con su primo lo que le permita reimaginar a sus padres y conectar con ellos. De esta forma, inventa un cuento, gracias al diario de su madre, que la libera del estigma que su familia siente por ellos y cumple el deseo de entender el pasado…

Por otro lado, un habitual de Cannes, el director gallego radicado en Marruecos, Oliver Laxe, también formará parte de la Sección Oficial con su cuarto largometraje, “Sirat”, protagonizado por el catalán Sergi López.

FILMO: RETROSPECTIVA D’ALBERTINA CARRI

2 abril 2025 – La Filmoteca de Catalunya dedica un espai a la riquesa del patrimoni i la creativitat contemporània del cinema argentí. Un dels exponents més diversos i prolífics d’Amèrica Llatina, el cinema argentí es debat entre la precarietat patrimonial, degut a l’absència d’estructures sòlides que garanteixin la seva difusió i pervivència, i les amenaces polítiques que posen en risc la inversió pública i els consensos democràtics sobre la memòria històrica i el valor social de la cultura.

Per això es programen dos cicles que ofereixen una panoràmica d’aquella cinematografia: un sobre el seu període clàssic i un altre dedicat a una de les figures contemporànies més personals i combatives: Albertina Carri. Artista i escriptora en canvi constant, en cada pel·lícula crea variants radicalment singulars, examinant qüestions tan diverses com la memòria de la dictadura, la mirada crítica a les relacions familiars, la reinterpretació de gèneres clàssics o el potencial de les sexualitats i els cossos no normatius.

Retrospectiva Albertina Carri

L’obra d’Albertina Carri (Buenos Aires, 1973) s’inscriu en el vessant més experimental del Nuevo Cine Argentino. El seu cinema, proteïforme i divers, abraça tota mena de tècniques expressives i recursos narratius, i es distingeix per un estil audaç i provocador que aborda temes tabú des d’una mirada crítica i subversiva.

El 2003 es dona a conèixer internacionalment amb Los rubios, un film que qüestiona la veracitat dels records i les formes de representació històrica, i amb el qual reconstrueix la seva història personal, marcada per la desaparició dels seus pares durant l’última dictadura argentina. Aquesta tragèdia personal ha influït molt la seva producció artística, amb la qual explora la intersecció entre l’experiència individual i la memòria col·lectiva, la identitat i la justícia social.

El tractament cru i transgressor de la violència, la sexualitat i el gènere són altres constants d’una filmografia bastida amb fúria i que desafia les estructures de poder i els discursos hegemònics i patriarcals per donar pas a una mirada política feminista de dissidència sexual. Cineasta incòmoda, Carri és una figura clau del cinema argentí contemporani.

Albertina Carri acompanyarà la preestrena del seu darrer film ¡Caigan las rosas blancas! (2025) el dimarts 8 d’abril, abans que arribi a les sales comercials el 16 d’abril. Serà la inauguració de la retrospectiva integral que li dedica la Filmoteca de Catalunya i que s’estendrà fins al 25 d’abril.

Podeu consultar la programació de la Retrospectiva Albertina Carri AQUÍ.

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