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FIRE!! 2014; revisión de algunos filmes exhibidos en la Mostra

FIRE!! es la muestra de cine LGTB que alcanzó su décimo novena edición con una selección que, como en las anteriores, intentó que las películas traten distintos puntos de vista en materia de diversidad sexual. Esta vez, con el lema ‘We can be Heroes’ de David Bowie, se inspiraba en su influencia artística y el magnetismo de su persona como referente ético y estético de una forma de ser, de sentir y de crear. La sección oficial, ‘Pantalla Trans’ y ‘Somos Familia’ son las tres partes fundamentales de este certamen que este año contó con un spot oficial protagonizado por una Elena Anaya disfrazada de Bowie.

En primer lugar merece la pena poner de relieve la ingente labor que en diferentes terrenos lleva a cabo la entidad organizadora, el Casal Lambda de Barcelona, para que los homosexuales no sean ni se sientan discriminados, pues llevan a cabo un importante trabajo de proyección social con sus actividades culturales y el trabajo continuado de sensibilización hacia las instituciones públicas, los partidos políticos y el conjunto de la sociedad. Esa normalidad se puede notar en el creciente interés de programadores de festivales generalistas de cine en incluir películas que abordan estas formas concretas de ver, sentir y entender la vida y los gustos de las personas. Igualmente, en la aparición de cineastas interesados en promover la reflexión y también la crítica dentro y fuera de estos colectivos.

FIRE!! exhibió este año más películas que nunca, un total de 41 títulos, entre largometrajes, documentales y cortos, 14 estrenos en el país y una colaboración especial comisariada por el festival Queer Lisboa que presentaba los mejores cortos de Portugal. Aquí vamos con una reflexión sobre algunos de los títulos presentados:

Les rencontres d’après minuit

LesRencontresd'ApresMinuitUna pareja y su sirvienta travesti planean una orgía a la que invitan a una serie de personas diferentes que vienen a ser la evocación de determinados personajes literarios. La película del francés Yann González adquiere cierto tono de experimentación y por eso subvierte el orden de las cosas desplegando un texto lascivo y luminoso. El primer sorprendido de que el ex-futbolista Éric Cantona aceptara ser uno de los protagonistas fue el propio realizador, según dijo en el Festival. A Cantona lo acompaña en el reparto el hijo de Alain Delon, Alain Fabien Delon, el franco-canadiense Neils Schneider y hasta la brutal y olvidada Béatrice Dalle.

Lo que hace atractivo este film es el haber abandonado ciertos clichés ante lo cual, toda la historia se beneficia, pues nos hallamos dentro de la esfera de las fantasías de todos y cada uno de los personajes. Para redondear mejor la puesta en escena, el director empleó técnicas de estudio que amplifican ese carácter muchas veces artificioso que tienen los sueños, todo ello en un tono muy elegante por el que nos invita a dejarnos transportar. Buena propuesta que se inicia en el área del conocimiento mutuo, continúa en la formas de desarrollar la identidad y el goce sexual, y acaba con ciertos aires sentimentales.

Five Dances

Fue una de las películas principales y más aplaudidas de esta edición del Festival. El director estadounidense Alan Brown, presente en Barcelona, traza a través de la danza una historia que nos habla sobre ese conjunto de propiedades inherentes a las personas que son las que permiten poner un valor a las cosas y a quienes nos rodean. Expresado de otra forma, la calidad humana contada a través de impresiones o sensaciones que no se pueden relatar con palabras. Por eso, aquí la danza es el vehículo perfecto para crear un universo que detalla el surgimiento de un amor gay entre dos de los bailarines que a su vez están dentro de un contexto social más amplio.

Dos bailarinas y un profesor completan ese cosmos que simboliza las relaciones sociales. Chip es un talentoso bailarín de 18 años que arriba a Nueva York a buscar suerte pero que arrastra la pesada carga de una familia disfuncional que dejó en Kansas. Si bien la danza tiene elevados componentes emocionales en su desarrollo, aquí no vamos a ver una representación como tal sino un ensayo en el que los altibajos y el entendimiento o no entre los miembros del grupo se van a dejar notar. «Five dances» es un filme que no trata sobre la danza en sí, sino que es un acercamiento teatral hacia ella con esa sensación de los movimientos durante el ensayo en principio con pocos diálogos pero que va desarrollando distintas subtramas. La película forma parte del cine independiente de los Estados Unidos y se tuvo que rodar en 12 días por la carencia de recursos. Brown domina a la perfección los tiempos y el ritmo narrativo en un relato que se centra en las relaciones humanas antes que en lo artístico.

Rosie

RosieEl director suizo Marcel Gisler desarrolla en «Rosie» un personaje emocionalmente complejo, el de una madre que se encuentra desesperada al haber llegado a la vejez, con evidentes problemas pero que no acepta la ayuda de nadie y que tampoco quiere trasladarse a una residencia. Esa es la única parte hostil de esta mujer porque las relaciones que mantiene con su hijo son fluidas y ambos conservan un extraordinario respeto mutuo. Quedarse como se está o progresar hacia caminos desconocidos es el dilema que paradójicamente no se le plantea solo a la madre sino también al hijo que parece querer mantener una relación afectiva con un chico que de vez en cuando le hace los recados de la compra a la madre. Es cierto que últimamente proliferan películas sobre los dilemas de la vejez, pero también lo es que esta película se dota de ingredientes sencillos y propios que la hacen recomendable y también por sus buenas actuaciones.

The Hunger

Película clásica y de culto sobre el mito del vampirismo que allá por el año 1983 Tony Scott dirigió con David Bowie como protagonista a quien acompañaban nada menos que Catherine Deneuve y Susan Sarandon. FIRE!! dedicó esta edición al famoso cantante británico y no podían faltar algunas exhibiciones al respecto (hubo otra en formato documental). El film es reconocido por su estética visual y sus misteriosas actuaciones que nos mantienen en vilo hasta el final y en el que podemos ver a un Bowie que ha envejecido a toda velocidad y escuchar la música de la banda sonora que pertenece al legendario grupo de rock Bauhaus tan en boga en los ’80.

52 Martes

52-TuesdaysFascinante historia de una madre que lucha por llevar a cabo una readaptación de género y su hija Billie que se encuentra en el complejo momento del paso de la edad adolescente a la madurez. Lo sorprendente de esta película es que tiene una presentación cronológica muy original por la que tuvo que ser rodada cada martes durante 52 semanas y, como el cambio físico de la madre para convertirse en hombre está representado con fidelidad absoluta y parece verdadero, la directora australiana Sophie Hyde lo planeó de esta manera tan acertada, haciendo que todo el relato encajara a la perfección tanto en sus diálogos como en lo visual. «52 Tuesdays» muestra además algunos avances en el reconocimiento social de la libertad de género para los transexuales que en décadas anteriores habrían sido impensables.

Otro de los puntos fuertes de este film lo constituye el papel que desempeña la hija y la búsqueda que emprende para definir su identidad y gustos sexuales a través de un compañero y una compañera de estudios con los que mantiene relaciones. Incluso, la directora evita cerrar el círculo en una serie de locaciones y, además de otros miembros de la familia que van apareciendo, también la madre transgénero viaja a San Francisco para conocer las reuniones de grupos de personas que están o han intentado dar ese paso, con lo cual abre bastante más la perspectiva del público. «52 Tuesdays» es una película muy lograda y conmovedora inclusive en el caso de la hija, que es el personaje cuyo comportamiento podría verse como más distante con respecto al espectador.

A Liar’s Autobiography

Esta «Autobiografía de un mentiroso» es una versión animada de las memorias de Graham Chapman (1941-1989), uno de los seis miembros de los Monty Phyton que tuvo la osadía de declararse gay públicamente nada menos que en el año 1967, siendo uno de los primeros personajes públicos en dar este paso en el Reino Unido. La técnica de animación no es homogénea ya que para la realización de este film se convocó a 14 estudios diferentes. No obstante, lo que vemos es la versión, más que sobre cómo fue su vida, sobre cómo veía él a la vida y a sí mismo. Por el título tenemos claro que la mayoría de las cosas que está contando no sucedieron en la realidad pero todo lo dota de un tono irónico y de un humor británico que a algunos gustará pero otros no entenderán en otros lares. La película revela un personaje que vivió una vida de excesos en distintos terrenos.

My Prairie Home

My Prairie HomeElegante, vistoso y ameno documental que traza la vida íntima y los detalles familiares de la biografía de un cantante transgénero estadounidense que nació en el seno de una familia pentecostista obsesionada con la religión y perturbada por la presencia de un padre violento. Rae Spoon es un cantante folk canadiense muy conocido por temas como Love is a hunter, y que siempre viaja solo con una guitarra acústica y un ordenador portátil. Su convulsa historia personal está reflejada en las letras de los temas musicales que canta. La realizadora Chelsea McMullan muestra una película de gran factura técnica, impresionista en su decoración, con algunos momentos contemplativos fugaces en una combinación que, aunque frustrará las expectativas de un documental de música tradicional, nos ofrece una fórmula propicia para disfrutar de su música, adentrándonos en su pasión y conociendo detalles de la vida del músico y cómo ha salido adelante emocionalmente junto a su pareja estable y de larga duración.

W imie… (Amarás al prójimo)

Fue el filme inaugural, rodado por de la directora polaca Malgoska Szumowska, que ganó el Teddy Award, fue candidato al Oso de Oro y tiene distribución asegurada en España por parte de Abordar. La película trata sobre la auto-represión sexual que sufre un cura gay en el contexto de uno de los países más católicos de Europa. El sacerdote ha sido destinado a una población rural donde habitan algunos jóvenes excluidos de la sociedad mientras cree que allí sus problemas más íntimos pueden resolverse sin problema. En este drama costumbrista se muestra sin pudor el alma de un hombre atrapado en un dilema moral, y lo hace tanto con respeto y sensibilidad como con realismo. Szumowska tiene un buen dominio de los tiempos y sabe reflejar con acierto las tensiones que se producen entre cierta represión amorosa y sexual y algún que otro elemento de homofobia. Con inteligencia y sutileza nos habla también acerca de la soledad ligada a la contención y lo hace en paralelo sumando al del clérigo un personaje femenino que encaja a la perfección en esta historia.

Dvojina (Dual)

DualCon la presencia en Barcelona de su director Nejc Gazvoda (Eslovenia), la película es un interesante encuentro e historia de amor entre dos chicas, teñida de un drama en dos frentes distintos sobre los que la toma de decisiones tiene un peso importante. Un problema técnico en un vuelo obliga a la danesa Iben a aterrizar en el aeropuerto de Liubliana. Allí se topa con Lina, que trabaja como conductora de una lanzadera. Las dos chicas se van conociendo en una noche sin descanso en la que descubriremos el difícil secreto de una y la necesidad de la otra de encontrar su lugar en el mundo.

El film mantiene una descripción muy precisa de lo que es el encuentro entre dos personas que en este caso son mujeres y que se atraen desde el primer instante en que se ven. Dentro de esa magia de los deseos, todo es intemporal, el tiempo parece no pasar y, aunque traten de disimularlo, ellas en realidad querrían detenerlo. Por desgracia, la vida tiene otros condicionantes que sin remedio se van a mezclar. Buen trabajo del realizador, con buenas interpretaciones y un final que, como él dijo en Barcelona, se presta a interpretaciones positivas o negativas, según como lo deduzca personalmente cada espectador. El film es una coproducción con Dinamarca.

Quebranto

El mexicano Roberto Fiesco traza en este documental la sorprendente vida de quien hoy es Coral Bonelli, una trans que antaño fue famosa como actor infantil a quien todos conocían como Pinolito. La película comienza con un repaso a su vida casera actual en compañía de su madre, recuerda momentos gloriosos profesionalmente en sus inicios, y nos devuelve a sus dedicaciones diarias actuales. El cineasta Jorge Fons aparece en algunos momentos recordando aquellas películas en las que participó el actor y haciendo algunos comentarios acerca de cómo ha evolucionado el cine mexicano. El título del filme, «Quebranto», hace referencia a ese punto de quiebre en la vida de cualquier persona que toma una decisión importante. Asumiendo que afortunadamente el tema de la transexualidad no es ninguna novedad en el mundo del cine, aquí lo interesante es esa lucha que durante muchos años mantuvo la protagonista para lograr ser ella misma y la originalidad de alguno de sus actos, como el hecho de haber sido un ferviente imitador (y admiradora) del cantante Raphael.

Eastern Boys

El francés Robin Campillo mezcla en «Eastern Boys» (Chicos del Este) el suspense claustrofóbico con una historia de amor muy sensible entre un hombre de negocios respetable, Daniel, y un chapero del Este, Marek. Lo que comienza como una burda extorsión de una banda de macarras que se mueven a sus anchas por la Estación del Norte de París va derivando poco a poco en un relato inquietante de deseo, redención y esperanza.

Violencia y ternura se combinan en este filme que por momentos se acerca al thriller y que tiene toda una construcción dramática bastante creíble a pesar de que es una de esas historias sorprendente en su lado feroz y descarnado, y muy creíble en su parte sentimental, pues el trasfondo es también una historia de amor que en cierto modo tiene un determinado componente paternalista aunque comience siendo meramente carnal. Los dos personajes principales revelan a lo largo del film una acusada vulnerabilidad personal cada uno de ellos. La película está estructurada en cuatro capítulos y transita caminos distintos que van desde la más pura observación hasta la acción. La problemática de los inmigrantes del Este de Europa carentes de recursos está también expresada de una forma implícita en todo el film.

I feel like Disco

IFeelLikeDiscoEste filme del alemán Florian Herbst contiene muchos elementos estéticos típicos de los años ’70 y ’80 del siglo pasado y es una comedia costumbrista con cierto tono irónico sobre una familia compuesta por un padre regordete e indeciso, una madre teatral y un hijo también obeso, bastante patoso, y sin el más mínimo interés por los deportes ni por las chicas. Naturalmente, ese tono irónico pasa de lleno por lo absurdo en muchas partes de una película que también se permite cierto sarcasmo a la hora de abordar lo que para el más común de los mortales sería una tragedia pero que va en la línea de unos personajes que viven la vida en clave infantil y donde ni siquiera la ternura de la madre logra mitigar la frágil armonía familiar.

Any Day Now

El estadounidense Travis Fine aborda una durísima problemática en una potente historia de amor, aceptación y familia. Cuando un adolescente con síndrome de Down es abandonado por su madre drogadicta, una pareja de hombres lo lleva a su casa y se convierte en la familia llena de amor que nunca había tenido. Pero por circunstancias inevitables, las autoridades descubren su modo de vida no convencional y comienza una lucha contra un sistema legal conservador e intransigente para poder continuar haciéndose cargo del chico, al menos hasta que su madre demuestre estar en condiciones óptimas. Está basado en un hecho real donde sorprende la tozudez de un sistema que no quiere reconocer la manifiesta capacidad que tiene esta pareja para cuidarlo y protegerlo. Narrada con verosimilitud y con una muy buena actuación del adolescente y los otros protragonistas, la película expone de una manera clara la enorme traba que suponen los prejuicios.

Kerron Sinulle Kaiken

«Open up to me» es el título en inglés de este filme del finlandés Simo Halinen que expresa la lucha de Maarit, una mujer bella, inteligente y segura de sí misma que tras una operación de reasignación sexual, lucha por encontrar una relación estable en su entorno, algo que se complica cuando conoce a Sami, entrenador de fútbol, profesor y padre de familia. Es una película que pasó por distintos festivales internacionales y en la que destaca una especie de «reasignación profesional» que emplea la protagonista para intentar abrirse y conseguir sus objetivos pues, aunque no se trata de una mujer especialmente ambiciosa, parece que se aferra a cualquier oportunidad de alcanzar la normalidad social y estabilidad emocional añorada. No le resulta fácil y el film describe muy bien el porqué, que tiene que ver con las ideas preconcebidas, los deseos y las aspiraciones de los demás. El trasfondo es, en todo caso, optimista y positivo y se inscribe en unas relaciones sociales que se muestran bastante abiertas y respetuosas.

©José Luis García/Cinestel.comOpen up to me

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FILMOTECA AL MES DE GENER DEL 2021

John Cassavetes: rostres i ombres
Referent indiscutible del cinema d’autor nord-americà, Cassavetes és el pare espiritual del cinema independent als Estats Units. Aquesta retrospectiva rescata alguns dels seus millors treballs com a actor, com Rosemary`s Baby (Roman Polanski, 1968) o The Fury (Brian De Palma, 1978), amb els quals va poder finançar una de les trajectòries com a director més singulars i coherents. Una obra que furga en l’emoció dels personatges, els arrenca les màscares per trobar la veritat i oferir un mirall sincer de les persones. I ho aconsegueix gràcies a la complicitat d’uns intèrprets als quals atorga una llibertat d’improvisació insòlita, com la seva dona Gena Rowlands. No hi faltaran joies d’aquest tàndem creatiu com Faces, Opening Night, A Woman Under the Influence o Gloria.

Descobrint Mani Kaul
Pràcticament desconegut entre nosaltres, Mani Kaul és un dels principals representants del nou cinema indi. Influït per figures com Bresson en la seva formació, Kaul creu que el cinema ha de transcendir la il·lustració d’una idea a favor de la sensualitat, i que tota imatge és indescriptible i innombrable, per això és considerat el primer cineasta “no literari” del cinema indi. La seva obra inclassificable es fixa en l’estudi de la història, la mitologia o el folklore, i de tradicions com el haiku, la música tradicional índia, la terrisseria o la pintura en miniatura. El cicle es presenta en col·laboració amb Xcèntric, el cinema del CCCB, que projectarà al seu auditori la pel·lícula de Mani Kaul, Mati Manas (1984) dijous 21 de gener i diumenge 24 de gener.

Emma Cohen, cineasta
Entre el 1969 i el 1989 l’actriu Emma Cohen va dirigir un seguit de curtmetratges i dos episodis per a sèries de televisió. La Filmoteca de Catalunya i Filmoteca Española han endegat un projecte comú, comissariat per Helena de Llanos, de recuperació, digitalització i valorització de la seva obra com a cineasta. Aquest cicle retrospectiu revela la llibertat creativa irreverent d’Emma Cohen com a directora i vol contribuir a la reivindicació de les dones cineastes.

Dies curts
Un nou espai de trobada dedicat al curtmetratge i a descobrir el talent de joves cineastes emergents locals. En la primera edició el cicle comptarà amb Carolina Astudillo, Dostopos (Ana Pfaff i Ariadna Ribas), Luis López Carrasco, Pablo García Canga, Pilar Monsell i Marc Ferrer, que és qui l’inaugura aquest gener.

I a més d’això…
La francesa Musidora i l’estatunidenca Fannie Ward donen el tret de sortida aquest gener al cicle ‘Vampiresses del Cinema Mut’, a banda de que gaudirem de la interpretació d’un recull de danses filmades, de diverses èpoques i estils, dipositades al Centre de Conservació i Restauració de la Filmoteca de Catalunya; i es ret homenatge al recentment desaparegut Sean Connery, l’etern James Bond, amb algunes de les seves interpretacions més recordades.

ALL ROADS LEAD TO BARCELONA

One of the best ways to follow what’s going on at the movie theaters area and what the next innovations are representing for the movies distribution industry, is taking a look at CineEurope coverage released on our site Cinestel.com

Una de les millors maneres de seguir tot el que està passant al voltant del àrea profesional de les sales de cinema i també d’allò que les següents innovacions representen per a la indústria de distribució de pel·lícules, és fent una ullada a la cobertura de CineEurope feta pel nostre lloc web Cinestel.com

This is a links’ summary (most of the reports and interviews are written in Spanish):

Aquest és un sumari en anglès dels enllaços a notícies i entrevistes:

FILMOTECA: AULA DE CINEMA

FILMOTECA PER A LES ESCOLES

SESSIONS FAMILIARS A LA FILMOTECA

Infantils Tortell Poltrona

Una de les missions de la Filmoteca de Catalunya és acostar el cinema als més petits, fer-los descobrir el plaer de veure cinema de qualitat a la pantalla gran i adonar-se’n de la riquesa de tots els seus detalls. Per aconseguir-ho, cada setmana ofereix dues sessions específicament adreçades als infants i les seves famílies. En concret, les sessions tenen lloc els dissabtes i diumenges a les 17:00h.

El programa proposa films de totes les èpoques i de tots els països, films adreçats als més petits i a les seves famílies, films que permetran als petits gaudir de l’espectacle fílmic i, als grans, redescobrir la il·lusió del cinema. Les pel·lícules que projecten en aquestes sessions infantils de caràcter familiar han estat escollides pel seu valor pedagògic i cinematogràfic.
(Vull saber-ne més)

Infantils Doraemon

SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

Sylvette Baudrot 260

ENTREVISTAS

“Lleno de ruido y dolor”, un western patagónico de Nacho Aguirre

Película Lleno de ruido y dolor Entrevista a Nacho Aguirre

La película es la crónica de la ambición que tienen unos bandoleros por hacerse con la mayor cantidad de dinero posible, aun a costa de la posibilidad de tener que arrepentirse después por haber cometido el…

FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

PRIMERA SALA 4DX EN CATALUNYA

Los Cines Filmax Gran Via ya ofrecen a sus espectadores la primera sala en Cataluña con tecnología 4DX. Y lo hacen de la mano de la compañía surcoreana CJ (www.CJ4DX.com), líder mundial en el sector.

El sistema 4DX incorpora en la proyección hasta un total de 21 efectos sincronizados. El espectador tiene la oportunidad de ver los principales estrenos de cartelera con efectos de movimiento, aire, agua, calor, aromas, vibraciones, además de elementos metereológicos como niebla, viento, rayos y burbujas.

Esta tecnología puntera consigue que los efectos se sincronicen con la acción y el sonido de la pantalla, de manera que los espectadores experimentan una inmersión 360 grados en la película.

Conoce más detalles sobre cómo funciona, en este artículo publicado en Cinestel en el año 2016.

PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL ARGENTINA

‘La producción audiovisual y su respaldo jurídico’ es el libro más reciente de Julio Raffo, un texto de lectura y de consulta imprescindible para los distintos profesionales de la industria del cine que deseen estar al tanto sobre cómo se regula en la Argentina la actividad productiva que conlleva la realización de películas, atendiendo no solamente a disposiciones legales y su marco regulatorio, sino que también a ejemplos prácticos y anécdotas. (saber más)

CRíTICAS CINE LATINOAMERICANO

“Mamá, mamá, mamá”, un drama sobre lo que significa ser madre

Reseña de Mama mama mama de Sol Berruezo Pichon Riviere

El relato se aproxima al universo femenino infantil de unas niñas que ya se encuentran en la pubertad o a punto de acceder a ella. El bloqueo por lo ocurrido más las situaciones y fantasías típicas de esa…

MURIÓ LA CINEASTA CICILIA MANGINI

22 enero 2021 – La fotógrafa y cineasta Cecilia Mangini falleció el jueves, con 93 años y aún en activo.
El Festival de Sevilla rindió homenaje en su 17ª edición a este referente del cine italiano y de la no ficción, una figura menos conocida de lo que correspondería a su lúcida y comprometida trayectoria como cineasta.

Mangini (Mola di Bari, 1927) fue la primera mujer que rodó documentales en la Italia de la posguerra. El certamen sevillano reconoció su talento y su sólida filmografía el pasado mes de noviembre de 2020, proyectando una docena de sus cortometrajes, estrenando en el territorio español su última película, “Due scatole dimenticate” (2020) y organizando, en formato virtual, la que fue la primera exposición de su obra fotográfica en España, una muestra con algunas de las más bellas imágenes de una Italia en ruinas que se reconstruía tras la guerra y la muerte de Mussolini, así como otras instantáneas fruto de una fértil y nunca acomodaticia trayectoria profesional, entre las que se incluyen retratos de gigantes del cine como Fellini, Pasolini o Chaplin.

NAHUEL PÉREZ BISCAYART EN CINES

22 enero 2021 – Es el actor argentino que más trabaja actualmente en Europa. Nahuel Pérez Biscayart protagoniza “El Profesor de Persa”, un drama en el cual su personaje, Gilles, es arrestado por soldados de las SS junto con otros judíos y enviado a un campo de concentración en Alemania. Allí consigue evitar la ejecución al jurar a los guardias que no es judío, sino persa. Gracias a esta artimaña, Gilles consigue mantenerse con vida, pero tendrá que enseñar un idioma que no conoce al oficial del campo (Lars Eidinger).

Según su director, Vadim Perelman, “la memoria es uno de los temas clave de la película, junto con la inventiva. Creo que la astucia humana y el instinto de supervivencia humano es fascinante. Esto se refleja en el guion. La historia da un giro inesperado cuando, al transformar los nombres de los prisioneros en un idioma, Gilles los inmortaliza. Muchas personas desaparecieron por la guerra y siguen siendo anónimos porque los nazis quemaron todos los archivos y los registros”.

Desde diferentes opinantes se ha visto esta película con ciertos recelos debido a sus ligeras tonalidades de comicidad, y al respecto de este tema Perelman decía que “hay películas en las que los nazis parecen robots, unos personajes unidimensionales malvados, espantosos y autómatas, que solo gritan y corren. No debemos olvidar que también eran personas. Eran amados y sentían celos y miedo. Eran humanos, lo que, en cierto modo, hace que sus actos sean aún más horribles”.

LLEGA A LAS SALAS LA PELÍCULA “HOPE”

22 enero 2021 – Estrenó “Hope”, película basada en la historia personal de su directora Maria Sødahl y protagonizada por el ganador del Globo de Oro Stellan Skarsgard (Rompiendo las olas, Melancolía, Chernobyl) y Andrea Bræin Hovig, nominada a mejor actriz en los Premios de Cine Europeo 2020. “Hope” es la película candidata a los premios Oscar por Noruega.

El filme se pregunta qué sucede con el amor cuando a una mujer de edad media le quedan tres meses de vida. Anja (43) vive con Tomas (59) en una gran familia de hijos biológicos e hijastros. Durante años, la pareja se ha independizado una de la otra, pero cuando Anja recibe un diagnóstico de cáncer cerebral terminal el día antes de Navidad, su vida se rompe y expone el amor desatendido.

MURIÓ EL CINEASTA JUAN CARLOS TABÍO

19 enero 2021 – Co-director junto a Titón de “Fresa y Chocolate” y “Guantanamera”, falleció en La Habana este lunes el cineasta cubano Juan Carlos Tabío a los 78 años de edad como consecuencia de un cáncer.

Pese a ser de un carácter serio en lo personal, en lo profesional se le consideró siempre uno de los mejores exponentes de la comedia cubana para la gran pantalla, y fue autor de otros títulos tan representativos como “Lista de Espera”, “Aunque estés Lejos”  y “El Cuerno de la Abundancia”, todos ellos filmes de una gran repercusión tanto dentro como fuera de Cuba, en aquellos lugares en los que se pudieron ver.

A Tabío se le recordará siempre por sus grandes habilidades para contar historias, cualidades todas ellas que se le reconocieron continuamente, estando él con vida, inclusive desde su debut en 1985 con “Se permuta”, a la que le siguió “Plaff”, tres años después.

Ahora deja como legado artístico 41 obras cinematográficas, unas películas que en su mayoría tienden a poner énfasis en las casualidades, tal vez como una forma de recordar que él mismo tras el triunfo de la revolución se formó para ser diplomático, pero que nunca ejerció ya que muy pronto comenzó a trabajar como ayudante de dirección para el ICAIC.

Su “Fresa y Chocolate” fue la primera película cubana en ser nominada para un Oscar de Hollywood. (foto de “Guantanamera”)

LLEGARÁ A LOS CINES “14 DÍAS, 12 NOCHES”

13 enero 2021 – El cineasta quebequense Jean-Philippe Duval lleva a las salas españolas el próximo día 19 de febrero, la película que este año es candidata al Oscar a la Mejor Película Extranjera por Canadá: “14 días, 12 noches”, un drama protagonizado por la musa de Xavier Dolan, Anne Dorval, encarnando a una mujer de Quebec que va en busca de las raíces de su hija adoptiva y experimenta un doloroso encuentro con su madre biológica.

La adolescente ha muerto en un accidente y su madre canadiense se ocupa de ir al orfanato vietnamita donde la adoptó, con la esperanza de volver a conectarse emocionalmente con su hija Clara a través de su tierra natal.

El film retrata a dos mujeres marcadas por el luto, aborda la aceptación y el perdón y traza los contornos de una difícil búsqueda de redención. Esta película íntima también se basa en referencias históricas que recuerdan las tragedias experimentadas por millones de vietnamitas y expone algunas de las notables diferencias que existen entre las dos culturas, la asiática y la occidental.

BALLÚS ESTRENARÀ “SIS DIES CORRENTS”

8 gener 2021 – “Sis Dies Corrents” és la nova ficció de la directora catalana Neus Ballús que arribarà enguany als cinemes. Una pel·lícula que retrata una setmana a la vida de tres treballadors d’una petita empresa de lampisteria als afores de Barcelona.

El film està compost de sis capítols que es corresponen amb cadascuna de les reparacions que ells hauran de fer, i es concentra en la relació treballador-client que s’estableix, amb algunes parts de comèdia.

Ballús ha optat aquesta vegada per incloure no-actors que fan de si mateixos, en un intent de fer una pel·lícula que fos el més realista possible, i tot recordant els orígens de la directora en el terreny documental amb la fantàstica «La Plaga».

FILM “LIBERTAD” ESTÁ PENDIENTE DE ESTRENO

8 enero 2021 – “Libertad” es la ópera prima de la hasta ahora guionista Clara Roquet (Los días que vendrán, Petra, 10.000km). La película narra el último verano de una familia con su matriarca que padece un Alzheimer avanzado y se estrenará en las salas de cine a lo largo de este año 2021.

La hija de la familia, Nora, afronta un verano diferente, ya que es demasiado mayor para juegos de niños, que le parecen ridículos, pero demasiado joven para las conversaciones de adultos. Aunque todo cambia con Libertad, una joven rebelde y magnética que le enseña un verano distinto a Nora, sintiéndose más libre que nunca. Juntas salen de la burbuja de protección y confort que supone la casa familiar y descubren un mundo nuevo totalmente desconocido para ellas dos.

CULTURA AUDIOVISUAL EN LOS AÑOS 80

30 diciembre 2020 – La Capilla de San Ildefonso de la Universidad de Alcalá acoge la exposición temática “La cultura audiovisual en los años 80. Referentes de la Generación X en España”. Hasta el 7 de marzo, los visitantes tienen la oportunidad de regresar a esta década dorada a través de algunos de los iconos más populares y representativos del momento como Indiana Jones, Luke Skywalker, Michael Jackson, David el Gnomo, Willy Fog o Dartacan.

Una cita indispensable para los amantes más nostálgicos de la cultura popular de los años 80 que, gracias a esta exposición, pueden reencontrarse con las bases audiovisuales de la Generación X, es decir, la de aquellos que nacieron entre 1965 y 1980. Se considera a los Gen X como la primera generación audiovisual, los primeros consumidores de videojuegos, de cine y de videoclips.

El horario de la exposición “La cultura audiovisual en los años 80. Referentes de la Generación X en España” es de martes a sábados de 11:00h a 14:00h y de 16:00h a 19:00h y los domingos y festivos de 11:00h a 14:00h.

La actividad forma parte de las actividades del III Encuentro de Cine Solidario y de Valores organizado por la Fundación General de la Universidad de Alcalá (FUAH) y la Asociación de Productores y Distribuidores de Cine Solidario y de Valores (ACIVAS) en colaboración con CINESA y EGEDA.

Además, el próximo 21 de enero en el Paraninfo de la Universidad de Alcalá tendrá lugar la entrega de la tercera edición de los Premios CYGNUS de Cine Solidario y Valores.

29 DE ENERO: “EL AGENTE TOPO”

22 diciembre 2020 – La nueva película de la directora chilena Maite Alberdi tiene previsto su estreno en salas de cine españolas para este próximo 29 de enero.

En “El Agente Topo”, Rómulo es un investigador privado al que le ha llegado el caso de una mujer preocupada por el trato que puede estar recibiendo su madre en una residencia de ancianos. Para descubrir qué es lo que está ocurriendo en ese lugar, decide contar con la ayuda de Sergio, un hombre de 83 años al que utilizará como espía dentro de este asilo. Mientras intenta reunir todo tipo de pruebas, entabla amistad con varios residentes. De esta forma, descubre que la terrible verdad que estaban buscando no tiene nada que ver con lo que habían sospechado.

Cuando este filme documental de creación fue presentado en el Festival de Sundance, el director estadounidense Darren Aronofsky dijo de él, tras verlo, que “El agente topo es una película divertida y conmovedora sobre el espía encubierto menos inesperado de Chile”.

En la película participan las coproductoras españolas María del Puy Alvarado, de Malvalanda y Marisa Fernández Armenteros, que apostaron por el talento de Maite y la originalidad de la historia. Y asimismo es una coproducción con Chile (Micromundo), Estados Unidos (Motto Pictures), Alemania (Sutor Kolonko), Holanda (Volya Films) y cuenta con la participación de Orange España. (más información del film)

TRUEBA ESTRENA EL PRÓXIMO 12 DE MARZO

22 diciembre 2020 – “El olvido que seremos”, película dirigida por el madrileño Fernando Trueba que representa a Colombia en las nominaciones a los próximos Premios Goya 2021 y a los Premios Oscar del año entrante, hará su llegada a las salas de cine españolas el próximo día 12 de marzo.

Se trata de un relato íntimo visto desde los ojos del único hijo varón del protagonista que se representa en el filme, Héctor Abad Facilionce, uno de los escritores más destacados de la Colombia contemporánea.

Basada en su libro homónimo, “El olvido que seremos”, es una película sobre un hombre bueno, Héctor Abad Gómez (Javier Cámara), destacado médico y activista por los derechos humanos en el Medellín polarizado y violento de los años 70. La historia relata la vida del doctor, padre de familia preocupado tanto por sus hijos como por los niños de clases menos favorecidas; el escenario: la casa, allí donde se respira la vitalidad y la creatividad características de una educación fundamentada en la tolerancia y el amor.

Nada hace prever que una terrible enfermedad terminará con la vida de una de un ser querido. La tristeza y la rabia por la pérdida de un ser excepcional, llevará a Héctor a entregarse, con toda su alma, a la causa de abrir los ojos a una sociedad intolerante que no solo no lo escucha, sino que lo perseguirá́ hasta acallarlo.

El film es un proyecto liderado por Caracol Televisión, producido por Dago Garcia Producciones (DGP) y distribuido internacionalmente por Film Factory. La película cuenta ya con acuerdos de distribución internacional con Cohen Media Group para USA y Reino Unido, Nour films en Francia y Lucky Red para Italia.

PREMIS GAUDÍ: EL 21 DE MARÇ DEL 2021

19 desembre 2020 – L’Acadèmia del Cinema Català ajorna la seva cita anual, amb la voluntat de poder compartir una gala presencial i segura amb el sector a les portes de la primavera. La gala dels XIII Premis Gaudí se celebrarà el 21 de març de 2021.

Sis títols opten a l’estatueta a la millor pel·lícula del 2020: La vampira de Barcelona, de Lluís Danés; L’Ofrena, de Ventura Durall; La dona il·legal, de Ramon Térmens; Terra de telers, de Joan Frank Charansonnet; Les dues nits d’ahir, de Pau Cruanyes i Gerard Vidal i Bronko, d’Isaac Ulam.

En l’altra categoria que corona el palmarès, la de millor pel·lícula en llengua no catalana, competeixen vint llargmetratges: A casa, de Raül Busquets; A Stormy Night, de David Moragas; Adú, de Salvador Calvo; Baby, de Juanma Bajo Ulloa; Cenestesia, de Joan Vall Karsunke; Cosmética del enemigo, de Kike Maíllo; El cerro de los dioses, de Daniel M. Caneiro; El sitio de Otto, d’Oriol Puig; Hogar, d’Àlex Pastor i David Pastor; Isaac, de David Matamoros i Ángeles Hernández; La boda de Rosa, d’Iciar Bollain; Las Niñas, de Pilar Palomero; No Matarás, de David Victori; Occidente, de Jorge Acebo Canedo; Ofrenda a la tormenta, de Fernando González Molina; Per la Llibertat, d’Ersin Çelik; Sentimental, de Cesc Gay; Te quiero, imbécil, de Laura Mañá; Uno para todos, de David Ilundain i Voix brisées (Veus trencades), d’Héctor Fáver.

BILLY WILDER Y LOS FRACASOS EN EL CINE

Billy WilderPor lo general, cuando una película no funciona, uno dice que se adelantó a su tiempo, o que se estrenó demasiado cerca de la Navidad, o que era justo después de la Navidad y la gente se había gastado el dinero en regalos, o que fue un fracaso porque hacía muy buen tiempo y la gente se fue a la playa, o porque llovía y la gente se quedó en casa.
*Billy Wilder, director y guionista austriaco.

POR QUÉ FILMA GARCÍA AGRAZ

José Luis García AgrazFilmo porque el cine, antes que nada, nos seduce al revelarnos lo más secreto de nosotros mismos; porque es el espacio donde podemos palpar nuestras inquietudes con mayor autenticidad, porque es el tiempo en el que esperamos que un milagro se produzca.
José Luis García Agraz, cineasta mexicano.

LOS INVENTORES DEL CINEMATÓGRAFO

Cinematógrafo LumièreEl cine es una invención sin ningún futuro. (…)
Nuestro invento no es para venderlo. Puede ser explotado algún tiempo como curiosidad científica, pero no tiene ningún interés comercial. *Antoine Lumière