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FIRE!! 2014; revisión de algunos filmes exhibidos en la Mostra

FIRE!! es la muestra de cine LGTB que alcanzó su décimo novena edición con una selección que, como en las anteriores, intentó que las películas traten distintos puntos de vista en materia de diversidad sexual. Esta vez, con el lema ‘We can be Heroes’ de David Bowie, se inspiraba en su influencia artística y el magnetismo de su persona como referente ético y estético de una forma de ser, de sentir y de crear. La sección oficial, ‘Pantalla Trans’ y ‘Somos Familia’ son las tres partes fundamentales de este certamen que este año contó con un spot oficial protagonizado por una Elena Anaya disfrazada de Bowie.

En primer lugar merece la pena poner de relieve la ingente labor que en diferentes terrenos lleva a cabo la entidad organizadora, el Casal Lambda de Barcelona, para que los homosexuales no sean ni se sientan discriminados, pues llevan a cabo un importante trabajo de proyección social con sus actividades culturales y el trabajo continuado de sensibilización hacia las instituciones públicas, los partidos políticos y el conjunto de la sociedad. Esa normalidad se puede notar en el creciente interés de programadores de festivales generalistas de cine en incluir películas que abordan estas formas concretas de ver, sentir y entender la vida y los gustos de las personas. Igualmente, en la aparición de cineastas interesados en promover la reflexión y también la crítica dentro y fuera de estos colectivos.

FIRE!! exhibió este año más películas que nunca, un total de 41 títulos, entre largometrajes, documentales y cortos, 14 estrenos en el país y una colaboración especial comisariada por el festival Queer Lisboa que presentaba los mejores cortos de Portugal. Aquí vamos con una reflexión sobre algunos de los títulos presentados:

Les rencontres d’après minuit

LesRencontresd'ApresMinuitUna pareja y su sirvienta travesti planean una orgía a la que invitan a una serie de personas diferentes que vienen a ser la evocación de determinados personajes literarios. La película del francés Yann González adquiere cierto tono de experimentación y por eso subvierte el orden de las cosas desplegando un texto lascivo y luminoso. El primer sorprendido de que el ex-futbolista Éric Cantona aceptara ser uno de los protagonistas fue el propio realizador, según dijo en el Festival. A Cantona lo acompaña en el reparto el hijo de Alain Delon, Alain Fabien Delon, el franco-canadiense Neils Schneider y hasta la brutal y olvidada Béatrice Dalle.

Lo que hace atractivo este film es el haber abandonado ciertos clichés ante lo cual, toda la historia se beneficia, pues nos hallamos dentro de la esfera de las fantasías de todos y cada uno de los personajes. Para redondear mejor la puesta en escena, el director empleó técnicas de estudio que amplifican ese carácter muchas veces artificioso que tienen los sueños, todo ello en un tono muy elegante por el que nos invita a dejarnos transportar. Buena propuesta que se inicia en el área del conocimiento mutuo, continúa en la formas de desarrollar la identidad y el goce sexual, y acaba con ciertos aires sentimentales.

Five Dances

Fue una de las películas principales y más aplaudidas de esta edición del Festival. El director estadounidense Alan Brown, presente en Barcelona, traza a través de la danza una historia que nos habla sobre ese conjunto de propiedades inherentes a las personas que son las que permiten poner un valor a las cosas y a quienes nos rodean. Expresado de otra forma, la calidad humana contada a través de impresiones o sensaciones que no se pueden relatar con palabras. Por eso, aquí la danza es el vehículo perfecto para crear un universo que detalla el surgimiento de un amor gay entre dos de los bailarines que a su vez están dentro de un contexto social más amplio.

Dos bailarinas y un profesor completan ese cosmos que simboliza las relaciones sociales. Chip es un talentoso bailarín de 18 años que arriba a Nueva York a buscar suerte pero que arrastra la pesada carga de una familia disfuncional que dejó en Kansas. Si bien la danza tiene elevados componentes emocionales en su desarrollo, aquí no vamos a ver una representación como tal sino un ensayo en el que los altibajos y el entendimiento o no entre los miembros del grupo se van a dejar notar. «Five dances» es un filme que no trata sobre la danza en sí, sino que es un acercamiento teatral hacia ella con esa sensación de los movimientos durante el ensayo en principio con pocos diálogos pero que va desarrollando distintas subtramas. La película forma parte del cine independiente de los Estados Unidos y se tuvo que rodar en 12 días por la carencia de recursos. Brown domina a la perfección los tiempos y el ritmo narrativo en un relato que se centra en las relaciones humanas antes que en lo artístico.

Rosie

RosieEl director suizo Marcel Gisler desarrolla en «Rosie» un personaje emocionalmente complejo, el de una madre que se encuentra desesperada al haber llegado a la vejez, con evidentes problemas pero que no acepta la ayuda de nadie y que tampoco quiere trasladarse a una residencia. Esa es la única parte hostil de esta mujer porque las relaciones que mantiene con su hijo son fluidas y ambos conservan un extraordinario respeto mutuo. Quedarse como se está o progresar hacia caminos desconocidos es el dilema que paradójicamente no se le plantea solo a la madre sino también al hijo que parece querer mantener una relación afectiva con un chico que de vez en cuando le hace los recados de la compra a la madre. Es cierto que últimamente proliferan películas sobre los dilemas de la vejez, pero también lo es que esta película se dota de ingredientes sencillos y propios que la hacen recomendable y también por sus buenas actuaciones.

The Hunger

Película clásica y de culto sobre el mito del vampirismo que allá por el año 1983 Tony Scott dirigió con David Bowie como protagonista a quien acompañaban nada menos que Catherine Deneuve y Susan Sarandon. FIRE!! dedicó esta edición al famoso cantante británico y no podían faltar algunas exhibiciones al respecto (hubo otra en formato documental). El film es reconocido por su estética visual y sus misteriosas actuaciones que nos mantienen en vilo hasta el final y en el que podemos ver a un Bowie que ha envejecido a toda velocidad y escuchar la música de la banda sonora que pertenece al legendario grupo de rock Bauhaus tan en boga en los ’80.

52 Martes

52-TuesdaysFascinante historia de una madre que lucha por llevar a cabo una readaptación de género y su hija Billie que se encuentra en el complejo momento del paso de la edad adolescente a la madurez. Lo sorprendente de esta película es que tiene una presentación cronológica muy original por la que tuvo que ser rodada cada martes durante 52 semanas y, como el cambio físico de la madre para convertirse en hombre está representado con fidelidad absoluta y parece verdadero, la directora australiana Sophie Hyde lo planeó de esta manera tan acertada, haciendo que todo el relato encajara a la perfección tanto en sus diálogos como en lo visual. «52 Tuesdays» muestra además algunos avances en el reconocimiento social de la libertad de género para los transexuales que en décadas anteriores habrían sido impensables.

Otro de los puntos fuertes de este film lo constituye el papel que desempeña la hija y la búsqueda que emprende para definir su identidad y gustos sexuales a través de un compañero y una compañera de estudios con los que mantiene relaciones. Incluso, la directora evita cerrar el círculo en una serie de locaciones y, además de otros miembros de la familia que van apareciendo, también la madre transgénero viaja a San Francisco para conocer las reuniones de grupos de personas que están o han intentado dar ese paso, con lo cual abre bastante más la perspectiva del público. «52 Tuesdays» es una película muy lograda y conmovedora inclusive en el caso de la hija, que es el personaje cuyo comportamiento podría verse como más distante con respecto al espectador.

A Liar’s Autobiography

Esta «Autobiografía de un mentiroso» es una versión animada de las memorias de Graham Chapman (1941-1989), uno de los seis miembros de los Monty Phyton que tuvo la osadía de declararse gay públicamente nada menos que en el año 1967, siendo uno de los primeros personajes públicos en dar este paso en el Reino Unido. La técnica de animación no es homogénea ya que para la realización de este film se convocó a 14 estudios diferentes. No obstante, lo que vemos es la versión, más que sobre cómo fue su vida, sobre cómo veía él a la vida y a sí mismo. Por el título tenemos claro que la mayoría de las cosas que está contando no sucedieron en la realidad pero todo lo dota de un tono irónico y de un humor británico que a algunos gustará pero otros no entenderán en otros lares. La película revela un personaje que vivió una vida de excesos en distintos terrenos.

My Prairie Home

My Prairie HomeElegante, vistoso y ameno documental que traza la vida íntima y los detalles familiares de la biografía de un cantante transgénero estadounidense que nació en el seno de una familia pentecostista obsesionada con la religión y perturbada por la presencia de un padre violento. Rae Spoon es un cantante folk canadiense muy conocido por temas como Love is a hunter, y que siempre viaja solo con una guitarra acústica y un ordenador portátil. Su convulsa historia personal está reflejada en las letras de los temas musicales que canta. La realizadora Chelsea McMullan muestra una película de gran factura técnica, impresionista en su decoración, con algunos momentos contemplativos fugaces en una combinación que, aunque frustrará las expectativas de un documental de música tradicional, nos ofrece una fórmula propicia para disfrutar de su música, adentrándonos en su pasión y conociendo detalles de la vida del músico y cómo ha salido adelante emocionalmente junto a su pareja estable y de larga duración.

W imie… (Amarás al prójimo)

Fue el filme inaugural, rodado por de la directora polaca Malgoska Szumowska, que ganó el Teddy Award, fue candidato al Oso de Oro y tiene distribución asegurada en España por parte de Abordar. La película trata sobre la auto-represión sexual que sufre un cura gay en el contexto de uno de los países más católicos de Europa. El sacerdote ha sido destinado a una población rural donde habitan algunos jóvenes excluidos de la sociedad mientras cree que allí sus problemas más íntimos pueden resolverse sin problema. En este drama costumbrista se muestra sin pudor el alma de un hombre atrapado en un dilema moral, y lo hace tanto con respeto y sensibilidad como con realismo. Szumowska tiene un buen dominio de los tiempos y sabe reflejar con acierto las tensiones que se producen entre cierta represión amorosa y sexual y algún que otro elemento de homofobia. Con inteligencia y sutileza nos habla también acerca de la soledad ligada a la contención y lo hace en paralelo sumando al del clérigo un personaje femenino que encaja a la perfección en esta historia.

Dvojina (Dual)

DualCon la presencia en Barcelona de su director Nejc Gazvoda (Eslovenia), la película es un interesante encuentro e historia de amor entre dos chicas, teñida de un drama en dos frentes distintos sobre los que la toma de decisiones tiene un peso importante. Un problema técnico en un vuelo obliga a la danesa Iben a aterrizar en el aeropuerto de Liubliana. Allí se topa con Lina, que trabaja como conductora de una lanzadera. Las dos chicas se van conociendo en una noche sin descanso en la que descubriremos el difícil secreto de una y la necesidad de la otra de encontrar su lugar en el mundo.

El film mantiene una descripción muy precisa de lo que es el encuentro entre dos personas que en este caso son mujeres y que se atraen desde el primer instante en que se ven. Dentro de esa magia de los deseos, todo es intemporal, el tiempo parece no pasar y, aunque traten de disimularlo, ellas en realidad querrían detenerlo. Por desgracia, la vida tiene otros condicionantes que sin remedio se van a mezclar. Buen trabajo del realizador, con buenas interpretaciones y un final que, como él dijo en Barcelona, se presta a interpretaciones positivas o negativas, según como lo deduzca personalmente cada espectador. El film es una coproducción con Dinamarca.

Quebranto

El mexicano Roberto Fiesco traza en este documental la sorprendente vida de quien hoy es Coral Bonelli, una trans que antaño fue famosa como actor infantil a quien todos conocían como Pinolito. La película comienza con un repaso a su vida casera actual en compañía de su madre, recuerda momentos gloriosos profesionalmente en sus inicios, y nos devuelve a sus dedicaciones diarias actuales. El cineasta Jorge Fons aparece en algunos momentos recordando aquellas películas en las que participó el actor y haciendo algunos comentarios acerca de cómo ha evolucionado el cine mexicano. El título del filme, «Quebranto», hace referencia a ese punto de quiebre en la vida de cualquier persona que toma una decisión importante. Asumiendo que afortunadamente el tema de la transexualidad no es ninguna novedad en el mundo del cine, aquí lo interesante es esa lucha que durante muchos años mantuvo la protagonista para lograr ser ella misma y la originalidad de alguno de sus actos, como el hecho de haber sido un ferviente imitador (y admiradora) del cantante Raphael.

Eastern Boys

El francés Robin Campillo mezcla en «Eastern Boys» (Chicos del Este) el suspense claustrofóbico con una historia de amor muy sensible entre un hombre de negocios respetable, Daniel, y un chapero del Este, Marek. Lo que comienza como una burda extorsión de una banda de macarras que se mueven a sus anchas por la Estación del Norte de París va derivando poco a poco en un relato inquietante de deseo, redención y esperanza.

Violencia y ternura se combinan en este filme que por momentos se acerca al thriller y que tiene toda una construcción dramática bastante creíble a pesar de que es una de esas historias sorprendente en su lado feroz y descarnado, y muy creíble en su parte sentimental, pues el trasfondo es también una historia de amor que en cierto modo tiene un determinado componente paternalista aunque comience siendo meramente carnal. Los dos personajes principales revelan a lo largo del film una acusada vulnerabilidad personal cada uno de ellos. La película está estructurada en cuatro capítulos y transita caminos distintos que van desde la más pura observación hasta la acción. La problemática de los inmigrantes del Este de Europa carentes de recursos está también expresada de una forma implícita en todo el film.

I feel like Disco

IFeelLikeDiscoEste filme del alemán Florian Herbst contiene muchos elementos estéticos típicos de los años ’70 y ’80 del siglo pasado y es una comedia costumbrista con cierto tono irónico sobre una familia compuesta por un padre regordete e indeciso, una madre teatral y un hijo también obeso, bastante patoso, y sin el más mínimo interés por los deportes ni por las chicas. Naturalmente, ese tono irónico pasa de lleno por lo absurdo en muchas partes de una película que también se permite cierto sarcasmo a la hora de abordar lo que para el más común de los mortales sería una tragedia pero que va en la línea de unos personajes que viven la vida en clave infantil y donde ni siquiera la ternura de la madre logra mitigar la frágil armonía familiar.

Any Day Now

El estadounidense Travis Fine aborda una durísima problemática en una potente historia de amor, aceptación y familia. Cuando un adolescente con síndrome de Down es abandonado por su madre drogadicta, una pareja de hombres lo lleva a su casa y se convierte en la familia llena de amor que nunca había tenido. Pero por circunstancias inevitables, las autoridades descubren su modo de vida no convencional y comienza una lucha contra un sistema legal conservador e intransigente para poder continuar haciéndose cargo del chico, al menos hasta que su madre demuestre estar en condiciones óptimas. Está basado en un hecho real donde sorprende la tozudez de un sistema que no quiere reconocer la manifiesta capacidad que tiene esta pareja para cuidarlo y protegerlo. Narrada con verosimilitud y con una muy buena actuación del adolescente y los otros protragonistas, la película expone de una manera clara la enorme traba que suponen los prejuicios.

Kerron Sinulle Kaiken

«Open up to me» es el título en inglés de este filme del finlandés Simo Halinen que expresa la lucha de Maarit, una mujer bella, inteligente y segura de sí misma que tras una operación de reasignación sexual, lucha por encontrar una relación estable en su entorno, algo que se complica cuando conoce a Sami, entrenador de fútbol, profesor y padre de familia. Es una película que pasó por distintos festivales internacionales y en la que destaca una especie de «reasignación profesional» que emplea la protagonista para intentar abrirse y conseguir sus objetivos pues, aunque no se trata de una mujer especialmente ambiciosa, parece que se aferra a cualquier oportunidad de alcanzar la normalidad social y estabilidad emocional añorada. No le resulta fácil y el film describe muy bien el porqué, que tiene que ver con las ideas preconcebidas, los deseos y las aspiraciones de los demás. El trasfondo es, en todo caso, optimista y positivo y se inscribe en unas relaciones sociales que se muestran bastante abiertas y respetuosas.

©José Luis García/Cinestel.comOpen up to me

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL.COM/ JULIO 2005 – JULIO 2019

FILMOTECA TANCADA TEMPORALMENT

D’acord amb les mesures preses pel Govern de la Generalitat, en el marc del Pla PROCICAT, la Filmoteca de Catalunya ha tancat temporalment l’accés de públic com a mínim fins al dia 26 d’abril, prorrogable en funció de l’evolució de la situació epidemiològica i d’acord amb les directrius del Govern.

CARTA BLANCA A JAUME PLENSA

Jaume Plensa és un dels catalans universals que ha donat l’art recent. La seva obra es troba arreu del món, en uns diàlegs amb l’espai públic molt suggeridors. La Crown Fountain al Millennium Park de Chicago (2004) o la Carmela que des de 2015 conviu amb el Palau de la Música i s’ha convertit en un nou símbol de Barcelona, en són només dos exemples.

Jaume Plensa es considera per damunt de tot escultor, tot i que la seva obra abasta múltiples disciplines. L’any 2018 el MACBA va presentar una exposició antològica que recollia obres de les darreres quatre dècades, en un recorregut que mostrava el diàleg que es produeix entre les obres que representen la figura humana i les obres abstractes. Era la primera exposició de Plensa a Barcelona en més de vint anys, des de la que li va dedicar la Fundació Joan Miró el 1996.

Per a les seves creacions, Jaume Plensa s’inspira en la poesia, la música, la religió i el pensament. El cinema també està en el seu àmbit d’interessos, i ha tingut la generositat d’acceptar la invitació de la Filmoteca de Catalunya per compartir els seus gustos cinèfils, amb una selecció de 10 títols que sorprendrà més d’un. No hi trobem vides d’artistes, i sí que s’hi detecta una debilitat pel thriller, el cinema negre o el polític. “El cinema negre i la novel·la negra tenen alguna cosa que jo sempre he buscat amb la meva obra: tot allò que no es diu i se sobreentén. L’escultura té aquesta capacitat enorme de treballar en el silenci, és com els escriptors que controlen bé els buits entre paraules o entre línies. El malentès, quan llegeixes un text i el malentens. Crec que el cinema negre està tot basat en el malentès, i això és extraordinari”, diu Plensa.
(Vull saber-ne més)

ALL ROADS LEAD TO BARCELONA

One of the best ways to follow what’s going on at the movie theaters area and what the next innovations are representing for the movies distribution industry, is taking a look at CineEurope coverage released on our site Cinestel.com

Una de les millors maneres de seguir tot el que està passant al voltant del àrea profesional de les sales de cinema i també d’allò que les següents innovacions representen per a la indústria de distribució de pel·lícules, és fent una ullada a la cobertura de CineEurope feta pel nostre lloc web Cinestel.com

This is a links’ summary (most of the reports and interviews are written in Spanish):

Aquest és un sumari en anglès dels enllaços a notícies i entrevistes:

FILMOTECA: AULA DE CINEMA

FILMOTECA PER A LES ESCOLES

SESSIONS FAMILIARS A LA FILMOTECA

Infantils Tortell Poltrona

Una de les missions de la Filmoteca de Catalunya és acostar el cinema als més petits, fer-los descobrir el plaer de veure cinema de qualitat a la pantalla gran i adonar-se’n de la riquesa de tots els seus detalls. Per aconseguir-ho, cada setmana ofereix dues sessions específicament adreçades als infants i les seves famílies. En concret, les sessions tenen lloc els dissabtes i diumenges a les 17:00h.

El programa proposa films de totes les èpoques i de tots els països, films adreçats als més petits i a les seves famílies, films que permetran als petits gaudir de l’espectacle fílmic i, als grans, redescobrir la il·lusió del cinema. Les pel·lícules que projecten en aquestes sessions infantils de caràcter familiar han estat escollides pel seu valor pedagògic i cinematogràfic.
(Vull saber-ne més)

Infantils Doraemon

FILMO: CICLE PER AMOR A LES ARTS

Seran 36 films que es podran veure entre l’1 d’octubre i el 9 de juny de 2020. Totes les sessions del cicle Per amor a les Arts es fan a la seu de la Filmoteca de Catalunya els dimarts a les 17.00 h, amb presentacions a càrrec d’artistes i experts en les disciplines corresponents. Els films tenen una segona projecció (sense presentació), i els amics i abonats de les institucions col·laboradores poden adquirir entrades a preu reduït. (més informació)

SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

Sylvette Baudrot 260

ENTREVISTAS

“La Creciente”; un joven marginal escapando a unas islas del Paraná

Película La Creciente Entrevista a Franco González y Demián Santander

Los realizadores argentinos Franco González y Demián Santander asumen algunos de los postulados del género western, para adentrarse en el difícil terreno de las islas que abundan en…

FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

PRIMERA SALA 4DX EN CATALUNYA

Los Cines Filmax Gran Via ya ofrecen a sus espectadores la primera sala en Cataluña con tecnología 4DX. Y lo hacen de la mano de la compañía surcoreana CJ (www.CJ4DX.com), líder mundial en el sector.

El sistema 4DX incorpora en la proyección hasta un total de 21 efectos sincronizados. El espectador tiene la oportunidad de ver los principales estrenos de cartelera con efectos de movimiento, aire, agua, calor, aromas, vibraciones, además de elementos metereológicos como niebla, viento, rayos y burbujas.

Esta tecnología puntera consigue que los efectos se sincronicen con la acción y el sonido de la pantalla, de manera que los espectadores experimentan una inmersión 360 grados en la película.

Conoce más detalles sobre cómo funciona, en este artículo publicado en Cinestel en el año 2016.

PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL ARGENTINA

‘La producción audiovisual y su respaldo jurídico’ es el libro más reciente de Julio Raffo, un texto de lectura y de consulta imprescindible para los distintos profesionales de la industria del cine que deseen estar al tanto sobre cómo se regula en la Argentina la actividad productiva que conlleva la realización de películas, atendiendo no solamente a disposiciones legales y su marco regulatorio, sino que también a ejemplos prácticos y anécdotas. (saber más)

CRíTICAS CINE LATINOAMERICANO

Camilo Restrepo sacude la Berlinale con su nuevo film “Los Conductos”

Reseña de la película Los Conductos de Camilo Restrepo

El relato comienza con Pinky, su protagonista, huyendo de noche en moto en el medio de esos ambientes marginales que para unos son incompresibles y para otros, lo más normal del mundo.

“Los Lobos”, de Samuel Kishi Leopo; niños migrantes a EE.UU.

Berlinale Reseña de Los Lobos de Samuel Kishi Leopo

Proyectada en la sección Generation K-plus de la 70 Berlinale, donde “Los Lobos” recibió el Gran Premio del Jurado, la película se centra en el sacrificio que Lucía tiene que hacer para mantener a sus…

FALLECIÓ LUIS EDUARDO AUTE

4 abril 2020 – Mucho más identificado por el público como cantautor, dedicó también su vida a dirigir cine, componer música para películas, la actuación, la pintura, la escultura y la poesía. Era Luis Eduardo Aute, recién fallecido a los 76 años a consecuencia de algunos problemas de salud que ya venía arrastrando desde hace unos pocos años.

Nacido en Filipinas, tuvo sus primeros contactos con el cine a muy temprana edad. A los nueve años vio “On the waterfront”, de Elia Kazan, película que le impresionó tanto que lo llevó a escribir sus primeros poemas en inglés. Durante su juventud y adolescencia siguió algunos clásicos de los años 50, entre los que siempre destacó “Niágara” (1953), con Marilyn Monroe como protagonista.

Ejerció la pintura con una fuerte influencia del expresionismo alemán y era otra de sus grandes pasiones. Tuvo también la suerte de vivir en París durante toda la efervescencia cultural de los años 60 del siglo pasado. También consiguió empezar a trabajar en el mundo del cine, destacando su participación en la película “Cleopatra” de Joseph L. Mankiewicz, como intérprete de inglés, francés y español y segundo ayudante de dirección de la segunda unidad, que se encargaba de filmar las secuencias rodadas en España. En Madrid trabajó como meritorio de dirección en “La vida es magnífica”, una película de Maurice Ronet, y en “Chaud, chaud, les visons”, de Marcel Ophüls.

Dentro de su álbum de 1984, Cuerpo a Cuerpo, se halla su famosa canción “Cine cine”, dedicada al séptimo arte y convertida en todo un himno para la profesión (escuchar aquí).

DOCSBARCELONA 2020: UNA EDICIÓ ONLINE

2 abril 2020 – (Comunicat) A causa de la situació actual amb el COVID-19 i la incertesa de la seva evolució, DocsBarcelona canvia el seu format per tal de posar per davant la salut dels seus participants, la continuïtat del seu equip, la sostenibilitat del projecte i alhora garantir la qualitat i diversitat de continguts de cara al seu públic i professionals assistents. Per aquest motiu, les projeccions del festival i les activitats d’Indústria de la 23a edició seran online, i tindran lloc en les mateixes dates originalment previstes, del 20 al 30 de maig de 2020.

Aquest canvi de format s’ha produït després d’una profunda reflexió, compartida amb els principals col·laboradors del certamen. Actualment, l’equip treballa amb la voluntat de fer arribar la programació al seu públic i de continuar donant oportunitats als projectes en desenvolupament, també en aquests temps especialment complicats per al sector audiovisual i documental.

La situació també ha afectat al cicle documental Docs del Mes, atès que el tancament de les sales de cinema i equipaments culturals ha obligat a cancel·lar les estrenes previstes en aquest circuit durant els mesos d’abril, maig i juny. En aquest cas, les tres pel·lícules s’han posposat i ocuparan l’espai dels mesos de setembre, octubre i novembre. Aquesta decisió farà que enguany s’estrenin tres documentals menys a la xarxa de 70 sales de l’Estat (10 a Barcelona), però s’evita la saturació de contingut aquesta tardor.

PREMIOS CÓNDOR 2020: LOS NOMINADOS

30 marzo 2020 – La Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina dio a conocer las nominaciones a la 68 edición de los Premios Cóndor de Plata que distinguen lo mejor de la producción nacional del año 2019 y que se entregarán durante el cuarto trimestre de este año 2020.

“Las buenas intenciones” de Ana García Blaya se convirtió en la película más nominada con 14 candidaturas, seguida por “Muere, monstruo, muere” de Alejandro Fadel con 11. Atrás se ubican “Los sonámbulos” de Paula Hernández con 8 y “Breve historia del planeta verde” de Santiago Loza y “La afinadora de árboles” de Natalia Smirnoff, con 6.

Por su parte “El cuidado de los otros” de Mariano González, “Los miembros de la familia” de Mateo Bendesky, “La deuda” de Gustavo Fontán, “La odisea de los giles” de Sebastián Borensztein y “Bruja” de Marcelo Páez Cubells, aspiran a cuatro premios cada una.

“Ausencia de mí” de Melina Terribili, “Buenos Aires al Pacífico” de Mariano Donoso, “Encandilan luces, viaje psicotrópico con Los Síquicos Litoraleños” de Alejandro Gallo Bermúdez, “Foto estudio Luisita” de Sol Miraglia y Hugo Manso, “La Feliz, continuidades de la violencia” de Valentín Javier Diment y “Que sea ley” de Juan Solanas se miden por el Cóndor de Plata al Mejor Documental.

A partir de este año, la Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina premiará la Mejor Película en coproducción con Argentina. También se anuncia que a partir de la edición 68 se entregarán tres nuevos reconocimientos. Por un lado el Premio María Luisa Bemberg a una mujer destacada dentro de la industria audiovisual, el Premio Leonardo Favio a una personalidad masculina relevante y el Premio Salvador Sammaritano a un crítico de cine que no forme parte del ACCA.

PREMIADA “EL AÑO DEL DESCUBRIMIENTO”

27 marzo 2020 – La película “El año del descubrimiento” ha ganado en Gran Premio a mejor película en el Festival de Cine Documental Cinéma du Reél. El filme dirigido por Luis López Carrasco también se ha llevado el premio del Jurado de las Bibliotecas junto a la cinta Makongo, de Elvis Sabin Ngaibino.

En España el largometraje se estrenará en Sección Oficial en el Festival de Cine Europeo de Sevilla que se celebrará del 6 al 14 de noviembre. López Carrasco vuelve al festival tras su exitosa participación con su primer largo en solitario “El futuro” en la Sección Las Nuevas Olas.

Cinema du Réel es un prestigioso festival de cine que combina documental, ensayo y experimentación en su selección de películas, que refleja la diversidad de géneros y enfoques cinematográficos del mundo. Esto lo convierte en uno de los pocos festivales de documentales que enfatizan la herencia y la memoria del género, al tiempo que pone en diálogo la creación contemporánea. Cinéma du Réel actúa como descubridor de nuevos talentos aunque también está atento a los cineastas más experimentados. El festival ha contribuido a revelar en la escena internacional a muchos directores conocidos hoy en día por el público en general.

“LA HIJA DE UN LADRÓN” DISPONIBLE ONLINE

26 marzo 2020 – Está disponible en las plataformas digitales Filmin, Movistar, Rakuten, Itunes y Vodafone, la multi-premiada película “La Hija de un Ladrón”, ópera prima de la realizadora Belén Funes, protagonizada por Greta y Eduard Fernández juntos, interpretando, además, a un padre y a una hija.

Por otro lado, el Festival de Cine de Sevilla, se suma al reto #YoMeQuedoEnCasa con una selección diaria de títulos imprescindibles del mejor cine que ha pasado por el Festival en colaboración con la Plataforma Filmin.

COMUNICAT ACADÈMIA CINEMA CATALÀ

20 març 2020 – (Comunicat) Com a resposta davant de la devastadora situació causada per l’emergència sanitària del Covid-19 que ha obligat a posposar i cancel·lar rodatges, estrenes, festivals, entregues de premis, entre d’altres activitats claus per a la indústria, l’associació de productors europeus European Producers Club -formada per 140 productores independents de cinema i TV de tota Europa- ha publicat un pla de rescat amb 10 mesures destinades a protegir i frenar l’impacte de la paralització que el sector audiovisual està vivint.

L’Acadèmia del Cinema Català ha decidit adherir-se a aquest comunicat, que contempla mesures específiques per a projectes en fase de pre-producció i desenvolupament, de producció, post-producció i distribució, amb la voluntat de minimitzar l’impacte de forma global. La presidenta de l’Acadèmia, Isona Passola, ha afirmat que els efectes de la crisi del coronavirus pel sector audiovisual català seran molt greus, i espera que el govern espanyol declari que formen part d’un sector «molt afectat», i així poder accedir a les ajudes que es posin sobre la taula. Tot i això, encara no es pot fer una previsió concreta de les conseqüències, perquè tal i com afirma Passola “dependrà de la durada del confinament, si estem confinats tres mesos, els rodatges de l’estiu per exemple s’hauran d’ajornar un any”.

Algunes d’aquestes mesures que reclama l’EPC passen per:

  • Demanar la creació d’un programa europeu i estatal per compensar totes les parts afectades per aquesta aturada, pensant en les pèrdues que generaran uns resultats a taquilla reduïts o inexistents, les prevendes no completades i les campanyes de promoció llançades parcialment.
  • Permetre l’estrena de pel·lícules a través de plataformes online, fent excepcions en la cronologia de les finestres d’explotació i els requeriments necessaris per optar a fonts de finançament públic que tenen en compte els ingressos a taquilla i l’estrena dels films en un determinat número de sales
  • Preveure fons d’emergència dels governs nacionals i préstecs sense interessos per cobrir el cost dels equips tècnics i artístics freelance, així com de proveïdors, de projectes en preproducció o ja en la fase de producció.
  • Demanar el retard en els impostos vinculats als rodatges i en el retorn de préstecs sol·licitats a bancs.
  • Promoure la difusió de produccions amb valors educatius i positius per ajudar al públic en moments d’estrès derivats de la crisi sanitària, ja que com va afirmar Passola «aquells que tenen la sort d’estimar la cultura són els que estan més tranquils a casa perquè llegeixen, escolten música, veient pel·lícules i entrant als museus de manera virtual».

Aquestes són algunes de les mesures proposades, consulta-les totes a: https://www.europeanproducersclub.org/

GRATIS EN INTERNET FILM SOBRE LAS KELLYS

17 marzo 2020 – Con motivo de la actual crisis y ante la incertidumbre que viven muchísimas mujeres que están trabajando en la limpieza de hospitales, Centuria Films, Begin Again y la directora Georgina Cisquella, han querido hacerles un homenaje poniendo su documental “Hotel Explotación: las Kellys” a disposición de cualquier espectador de forma online y gratuita.

“Miles de mujeres, camareras de piso, las “kellys” que limpian los hoteles se verán estos días abocadas al paro. Con muchos contratos precarios y temporales su futuro es mas incierto que nunca. Por eso hemos decidido que la película documental “Hotel Explotación: las Kellys”, tenga acceso libre y gratuito en Internet. Para que conozcáis su situación, que a partir de ahora será mucho peor” -asegura la realizadora del film-. (enlace para el visionado)

EL INCAA SUGIERE DETENER LOS RODAJES

17 marzo 2020 – A través de un comunicado, el Instituto Nacional del Cine y las Artes Audiovisuales de la Argentina (INCAA) recomienda a las productoras de aquellas películas con rodajes en curso, que se adhieran a las medidas preventivas acordadas por el gobierno de la Nación alrededor de la actual crisis desatada en torno al tema del coronavirus.

Asimismo, el organismo comunica que “hasta nuevo aviso, el INCAA no participará en asambleas, muestras cinematográficas, semanas o festivales nacionales e internacionales que impliquen traslados o reuniones multitudinarias contrarias a las disposiciones mencionadas. Recomendamos la suspensión de dichas actividades” -agrega la nota oficial-. (fmr/prI)

OBERT EL CONCURS SOM SECUNDÀRIA

16 març 2020 –  El concurs de Curtmetratges Som Secundària, adreçat a l’alumnat dels instituts de les terres de Lleida, manté obert el termini fins el 30 de juny per presentar treballs per a la seva segona edició.

La convocatòria és oberta per als estudiants de tots els centres educatius de secundària, batxillerat, cicles formatius i ensenyaments post obligatoris (no universitaris) de la demarcació de Lleida.

Els curtmetratges podran estar rodats en qualsevol format (càmera de vídeo, càmera fotogràfica, mòbil o web cam) i no podran tenir una durada superior als 7’30’’. Els treballs s’han d’haver realitzat durant el curs 2019-2020.

Les projeccions dels curtmetratges seleccionats i el lliurament del premi al treball guanyador es realitzaran dins de l’onzena edició del Festival de l’Audiovisual Català Som Cinema, que se celebrarà a la ciutat de Lleida el pròxim octubre.
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PALMARÉS DEL AMERICANA FILM FEST 2020

10 marzo 2020 – El público asistente a la edición de este año del Americana Film Fest de Barcelona concedió mediante sus votaciones a la salida de las proyecciones, el premio al mejor largometraje de ficción para “Saint Frances”, d’Alex Thompson; al mejor documental para “Martha: A Picture Story”, de Selina Miles; y el de mejor corto para “Milton”, de Tim Wilkime.

Por su parte, el jurado de la crítica ACCEC reconoció a “Répertoire des villes disparues”, de Denis Côté, aunque también hubo menciones para “Honey Boy”, d’Alma Har’el y “The Beach Bum”, de Harmony Korine. El jurado joven otorgó su premio a “Swallow”, de Carlo Mirabella-Davis.

SERIES DOCUMENTALES EN DOCSBARCELONA

10 marzo 2020 – Por primera vez el mercado de DocsBarcelona crea un espacio único de financiación para las series documentales en desarrollo. En el Doc Series Forum los proyectos seleccionados tendrán la oportunidad de reunirse a puerta cerrada con financiadores, broadcasters, servicios de steaming y VOD’s que están directamente interesados en producir proyectos documentales con este formato.

Las primeras confirmaciones de asistentes son Kate Townsend, responsable de contenidos documentales de Netflix, Hanka Kastelicová, productora ejecutiva de documental de HBO Europa, y Jorge Ortiz de Movistar+.
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ESTRENÓ EN CINES “LA OLA VERDE”

7 marzo 2020 – Coincidiendo con las celebraciones del Día Internacional de la Mujer, está disponible en cines españoles “La Ola Verde (Que sea Ley)”, la más reciente película del realizador argentino Juan Solanas, que da voz a las mujeres que pelean en Argentina por la despenalización del aborto y que se proyectó en la pasada edición del Festival de Cannes, donde la conocida como ‘marea verde’ inundó la alfombra roja.

Cada semana muere una mujer en Argentina por culpa de los inseguros abortos clandestinos. Este film documental cuenta la lucha de gran parte de la población argentina por acabar con esta falta legal. (reseña de la película)

BERLINALE: CAMILO RESTREPO, PREMIADO

29 febrero 2020 – “Los Conductos” es el primer largometraje de ficción del director colombiano radicado en París, Camilo Restrepo, quien consiguió en la 70 Berlinale de este año el Premio a la mejor ópera prima por esta obra que, sin duda, ha sorprendido por su originalidad.

El film trata sobre un fugitivo que huye de noche por las calles vacías que huelen a apocalipsis, mientras la ciudad entera parece estar en llamas. Tras liberarse de las garras de una secta liderada por cierto «padre» y decidido a tomar su destino en sus propias manos, ahora está encerrado en una fábrica ilegal de camisetas, rodeado de pinturas, eslóganes y prensas de calor. Pinky busca la luz al final del túnel, pero los fantasmas le respiran en el cuello. Está corriendo por su vida, y Colombia está en llamas.

Pero Colombia está viva y Camilo Restrepo, después de sus prometedores cortometrajes, ha hecho un primer largometraje tan visionario, físico y elástico como el celuloide de 16mm en el que fue rodado.

Según la valoración publicada por la propia Berlinale, “cuanto más se sumerge Los conductos en la pesadilla y en las alucinaciones, más dura, más política y más hambrienta de realidad se vuelve la película. En una espiral descendente de la narración, transmite con la mayor precisión los instintos de supervivencia de un personaje que, sin saberlo, lucha por liberar un país entero, quizás incluso un continente. Restrepo utiliza el medio del cine para transformar una exploración alegórica de sus raíces en un deseo irrefrenable de cambiar el mundo”.

El Oso de Oro del festival fue para “There is no evil”, del director iraní Mohammad Rasoulof, ausente por estar retenido en su país por las autoridades en contra de su voluntad. El Premio Especial del Jurado lo obtuvo “Never Rarely Sometimes Always”, de la realizadora estadounidense Eliza Hittman, mientras que el coreano Hong Sang-soo, por “The Woman who run”, se llevó el Premio al mejor director.

“Los Lobos”, del director mexicano Samuel Kishi Leopo se hizo por su parte con el Gran Premio del Jurado Internacional Generation K-Plus.

Además, con una nutrida representación del cine argentino, Matías Piñeiro recibió una Mención Especial del jurado de la nueva sección Encounters por “Isabella”; y en el terreno de los cortos, Agustina Comedi fue premiada por “Playback: Ensayo de una despedida” con el Teddy al mejor cortometraje de temática LGTBIQ+; Martina Matzkin recibió el Premio al mejor corto infantil por “El nombre del hijo”, así como un Premio especial del jurado de la sección Generación K-Plus, donde la también argentina Sol Berruezo Pichon-Rivière logró una Mención especial por “Mamá, mamá, mamá”. (fmr/blnl)

BILLY WILDER Y LOS FRACASOS EN EL CINE

Billy WilderPor lo general, cuando una película no funciona, uno dice que se adelantó a su tiempo, o que se estrenó demasiado cerca de la Navidad, o que era justo después de la Navidad y la gente se había gastado el dinero en regalos, o que fue un fracaso porque hacía muy buen tiempo y la gente se fue a la playa, o porque llovía y la gente se quedó en casa.
*Billy Wilder, director y guionista austriaco.