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Oscar Ruiz Navia habla sobre «Los Hongos», reconocida en Locarno

El director Oscar Ruiz Navia sigue describiendo en sus películas los diferentes ingredientes que se suman para conformar la rica y diversa sociedad que es Colombia y aquéllos otros que suelen ser un marcado punto de discordia, controversia, preocupación o impedimento entre sus habitantes. Rodada en Cali y galardonada en Locarno con el Premio Especial del Jurado de Cineastas del Presente, «Los Hongos» es una película que de ninguna manera va a dejar indiferente al espectador atento al desarrollo de las vidas de sus personajes, a caballo entre la lucha diaria y la amistad.

El punto de arranque del film es Roberto, un joven grafitero que se gana la vida como trabajador de la construcción y que es despedido de su trabajo cuando descubren que ha robado varios botes de pintura. Expulsado y en problemas con sus vecinos a causa de un amplio mural de pintura que él está formando en un solar abandonado, decide desplazarse a través de la ciudad en busca de Eduardo, otro joven grafitero que, al mismo tiempo, está afrontando la difícil desintegración de su familia y la enfermedad de su abuela.

En una mezcla de lo real, el pasado, los sueños y la ficción, «Los Hongos» retrata la amistad de dos adolescentes que están en caída libre, con sus sueños incumplidos en una ciudad tropical. Ruiz Navia responde a las preguntas de Cinestel:

– Cambiaste el ambiente rural por el urbano, pero sin embargo mantienes algunas características que son comunes a lo que se contaba en «El vuelco del cangrejo». ¿Era esa tu intención?

Sí, así es. Gracias por notarlo, porque algunas otras personas me han dicho que hice como un cambio trascendental en mi cine. Lo que yo podría comentar al respecto es que cada película tiene su forma de ser dependiendo del universo que uno esté explorando. Aquella primera película fue rodada en un pueblo lejano de pescadores que tiene unas normas en el tiempo que nos llevaban a una propuesta un poco más pausada, contemplativa. Esta película, «Los Hongos», es una historia que sucede en la ciudad de Cali y explora un universo que es mucho más frenético y hay más colorido porque es un filme que tiene muchos más personajes que en «El vuelco del cangrejo». Entonces esto me llevó a asumir la parte estética de pronto con algunas diferencias, sobre todo a nivel del manejo de la cámara y del montaje de algunas situaciones.

Sin embargo, como bien lo decías, lo que se mantiene un poco en ambas películas es el trabajo de inmersión que hago en los universos y con los actores, porque el método que yo utilizo está basado en la investigación de las propias vidas de los intérpretes que escojo, y en este caso ese factor nos llevó igual mucho tiempo buscando a los personajes y permitiendo que estas personas que habíamos encontrado permearan el guión de la película e hiciéramos un trabajo en el set muy similar, donde había un guión base pero se dejó mucho lugar a la espontaneidad y a la improvisación. Casi que los actores se vuelven parte del equipo de guión, son poco más o menos que guionistas de la película al proponer frases enteras, temas enteros, y esto es algo que a mí me gusta mucho hacer porque permite que las películas de alguna manera se complejicen y también encuentren situaciones y puntos de vista únicos, puesto que realmente la naturaleza de esas personas que están ahí en frente de la cámara es algo que yo no puedo a veces controlar, sino que ellos aportan todo lo que tienen de una manera muy natural.

También hay ciertas temáticas que se mantienen, como puede ser el tema del pueblo afrodescendiente en mi país que es una cultura que siempre me ha interesado, donde está el tema de nuestros ancestros africanos, la música y cómo estas personas en Colombia han tenido que salir adelante y han tenido que luchar contra muchos obstáculos. En «Los Hongos» quería, a pesar de todas esas dificultades y esos problemas que hay alrededor de todos estos personajes, mostrar cómo ellos a pesar de todo eso, no se rinden y siguen adelante dando un poco de vida y de esperanza al espectador.

– ¿Cómo definirías a los grafiteros que presentas en el filme? ¿Son personas que quieren dar a conocer su obra?

Oscar Ruiz Navia

Oscar Ruiz Navia

Ellos son un grupo de grafiteros que escogí con base en un trabajo de investigación que hice por varios meses en los que me fui involucrando en la escena de grafitti de Cali, que no es tan grande como uno pensaría. De todas maneras, es una ciudad intermedia del sur de Colombia y en Bogotá, por ejemplo, hay muchísimos más grafiteros. Entonces después de ese trabajo de campo, decidí que las personas que quedaron en la película eran las más indicadas para participar y precisamente ellos decidieron entrar y hacer esta colaboración, pues sabían de la importancia de dejar plasmada ahí una huella en la película y que eso iba de alguna manera a inmortalizar, por decir algo, su propuesta.

Ellos son evidentemente personas que se dedican a eso y los personajes que interpretaron en la película son ellos mismos. Yo les di algunas indicaciones sobre lo que tenían que hacer o decir, pero en la mayoría de cosas antes fue al contrario, porque ellos me iban guiando en el sentido de hacerme ver que algunos tipos de situaciones no funcionan en el mundo del grafitti, o lo que sí es acorde. Por ejemplo, hay una discusión que tienen sobre si unos trabajan con muchas letras y otros con muchos dibujitos, que está en la película porque es una polémica que surgió en los momentos previos al rodaje y como me pareció que era un conflicto muy propio de ese mundo, decidí incluirlo.

La obra que realizaron para la película fue una propuesta de ellos, porque querían representar lo que llaman la revolución submarina. Fue algo sobre lo que trabajamos en varios muros antes de la filmación para poder ir agarrando el tono, y a mí me parecía interesante que la propuesta visual de la obra que iba a quedar en la película, surgiera de ellos mismos.

– Al igual que hiciste en tu primer largometraje, en éste has empleado imágenes de receptores de televisión en funcionamiento con algunas noticias del momento. En «Los Hongos» se ve al presidente Uribe diciendo en un discurso que «Colombia es pasión». A mí lo que me pareció es que todo ese mundo televisivo que muestras es como que está en otro universo diferente que no conecta con lo que estás mostrando en la película. Desconozco si tu intención fue esa.

Sí, pues la escena del presidente Uribe es un poco una especie de sátira. Ya afortunadamente este señor no está en el poder, pero durante un tiempo sí lo estuvo y siempre iba tirando ese discurso de derecha que a veces es un poquito peligroso porque viene a decir que todos somos buenos, algunos malos, este país es maravilloso, aquí no hay problemas,… como «Colombia es pasión», que era un eslogan de ese gobierno para tapar los problemas, meterlos debajo de la alfombra y decir que el país es una maravilla cuando, aunque sí lo es, tiene muchas complejidades, corrupción y desigualdades.

Esa escena en particular surge a partir de una sensación que tuve durante los ocho años de gobierno de este presidente, donde él controlaba todos los medios de comunicación, todos los canales, y llegábamos a la exageración de que aun cambiando de canal, él estaba presente ahí todo el tiempo, y es un tipo de presencia que ya no queremos que exista más.

Evidentemente, en «El vuelco…» y en «Los Hongos» incluyo estos contextos que se transmiten a través de los medios de comunicación como una cuestión muy personal, donde siempre he querido tener en cuenta el conflicto que hay en mi país y de alguna manera sugerir que hay cosas que no están funcionando bien en Colombia, aunque haya personas que estén tratando de crear una nueva mirada, un nuevo camino y en esta película encaja bien porque precisamente los Hongos son esos seres vivos que surgen en algunos contextos de podredumbre y que se resisten a morir, a desaparecer en el medio de ese contexto tan problemático.

Para mí, al hablar de política en una película no le veo el mayor problema. Hay muchos artistas que critican a los otros artistas que hablan de política, pero yo pienso que toda la película es muy política. No importa que hable propiamente de temas de presidentes o de alcaldes sino que de alguna manera cada película transmite unas ideas a la sociedad. Entonces creo que es importante ser consciente de ese poder que tiene el cine y tratar de generar en el espectador preguntas y reflexiones más que respuestas, que les permitan pensar en una sociedad diferente. Para mí es muy importante ese tema de lo político en Colombia.

– Tal vez hay algunos conflictos que puedan permanecer silentes para el espectador, pero que ahí están en esta historia, en los personajes, y que son por ejemplo la represión que sufren los grafiteros y la proliferación de nuevas iglesias. Me pareció que es un contraste que hay en la película.

Yo en «Los Hongos» quería evidenciar diferentes universos que existen en paralelo, como pueden ser el de los jóvenes, el del padre, el de la abuela o la madre. No pretendía entrar a juzgarlos sino simplemente dejarlos allí en el ambiente, porque tampoco me interesa entrar a juzgar estas iglesias. Simplemente quiero constatar que hay un fenómeno social muy grande en Cali, en Colombia, y creo que en otras partes de Latinoamérica con el tema de la religión. Yo personalmente no soy miembro de ninguna iglesia pero en este barrio donde filmé la película pues uno ve muchas personas que han entrado a formar parte de ese tipo de confesiones y que están allí empezando a dejar su alma, su dinero y su esfuerzo en esos lugares.

Es entendible un poco la situación, porque muchas de estas personas que viven en estos barrios son gente que han vivido la violencia en Colombia, que son desplazadas del campo y han sufrido y han visto cosas horribles, y cuando llegan a la ciudad encuentran allí esa posibilidad de resarcir su alma. Entonces, yo entraría a juzgar ese tipo de instituciones como las iglesias de una manera muy respetuosa porque creo que obedecen también a un contexto social y a una crisis moral y social que vive Colombia, donde de todas maneras, como la película lo constata, siempre hay esperanza y siempre hay formas de seguir adelante, aunque en el pasado hayan existido actos violentos y actos reprochables.

– Cuando un grafitero dice «Yo quiero pintar a mi madre», ¿se está refiriendo quizá a valores que se quieren subrayar a consecuencia de ciertas rupturas que hay en el ámbito de la gente que se ha tenido que desplazar dentro del país?

Los_HongosAhí sí que es muy simbólico porque creo que, por ejemplo, parte del final de la película que es llegar a un árbol es como un símbolo del origen, y lo mismo la madre. Yo pienso que la rebeldía en el caso de esta película no obedece a ir en contra de los propios seres de uno, sino más bien que la abuelita de uno sea como un soldado del ejército de uno. Es una posición bastante punkera poner al papá, a la abuela o a la madre al frente del ejército. Eso es una cosa muy personal. Yo soy una persona muy familiar. Me gusta mucho mi familia. De hecho trabajo con mi madre en la productora y forma parte del equipo de producción de la película. Lo mismo con mi papá que actúa en la película, mi abuela,… osea, que siempre he considerado que la familia no es esa institución conservadora a la cual hay que huirle, sino que hay que cambiar ese concepto de familia creando nuevos paradigmas de lo que puede ser y creo que en definitiva, hay algún homenaje a la madre como figura esencial en cualquier ser humano y al final de todo siempre están esas raíces. Siempre todos llegamos a ese origen y desde allí es que podemos desarrollar nuestros sueños y nuestros deseos.

– ¿Las imágenes en las que se ve circulando la bicicleta en conjunto con la tabla de patinaje son muy comunes en el paisaje urbano de Colombia?

Sí, claro. Hay gente que monta tabla y otros montan bicicleta. Obviamente hay quienes son más expertos en el tema y pueden arriesgarse un poco a hacer este tipo de piruetas-maniobras. No te diría que es una cosa que se ve cada cinco minutos pero sí se ve, y esa escena especial donde están ellos juntos es en un túnel en el que está prohibido montar bicicleta. Eso era como un acto de rebeldía de los muchachos, que se meten a un lugar donde no se pueden meter y por eso hacen un boicot y el tráfico se enloquece un poco porque ellos van por ahí montando. Era una escena de cierta epifanía, como para crear una emoción de que en ese momento los chicos están apoderándose de la ciudad.

A mí me parece que el arte del grafitti lo que tiene interesante es que es una manera de apropiación de la ciudad que es diferente. Lo mismo que todo ese tipo de deporte extremo, los que hacen skate, parkour o que montan bicicleta, son individuos que asumen la ciudad y que se apropian de ella recorriéndola a través de lo que hacen. Es una manera de ver que en un lugar donde hay tanta violencia y tantos problemas, no podemos encerrarnos y tener miedo, sino que tenemos que salir y apropiarnos de nuestro espacio.

– En lo que se refiere al tratamiento de las imágenes se nota una diferencia notable en lo que es la técnica empleada. En «El vuelco del cangrejo» usasteis la cámara en mano y planos con trípode y observando bien percibí que habéis contado con mayores recursos en esta segunda película respecto a la primera, tanto en los travelling como en otras escenas, con la participación de la directora de fotografía Sofía Oggioni. ¿Fue así?

Sí claro, esta es una película que se realizó con muchos más recursos que en «El vuelco del cangrejo». Aquel fue un filme hecho de una manera muy austera. Teníamos una cámara 16mm con muy poquito material virgen, entonces tuvimos que controlar mucho cada imagen y esto llevó a una cierta estética más pausada. Realmente la mayoría de «El vuelco…» se hizo en trípode, salvo algunos pasajes, y evidentemente teníamos un equipo muy limitado de luces, que casi no habían, sin accesorios de cámara, sólo el trípode.

Sofía también fue la fotógrafa de «El vuelco del cangrejo». Es una persona con quien yo he venido trabajando hace más de doce años porque hicimos la universidad juntos y más tarde cortometrajes, por lo que ha sido todo un proceso de crecimiento paralelo. Obviamente, ella entre las dos películas realizó otros proyectos, otras películas, y entonces al entrar a «Los Hongos» llega cargada de nuevas experiencias y más conocimiento.

En esta película hemos trabajado por primera vez con steadycam y esto efectivamente nos permitía hacer cierto tipo de imágenes, sobre todo travellings, y ciertos planos que son en movimiento que con esa técnica se ven mucho más elegantes y no quedarían tan checkin si hubiesen sido solo cámara en mano. Yo no sé si es una evolución, pero yo diría simplemente que es un cambio, también debido a que es una producción que es mucho más móvil que «El vuelco…», que era una película que sucedía en un solo espacio donde el protagonista estaba estancado, mientras que «Los Hongos» trata sobre unos jóvenes que están en movimiento. Para mí era muy importante transmitir esta circunstancia desde la puesta de cámara y Sofía evidentemente es una persona a quien yo agradezco muchísimo por todo lo que aportó a la película, como siempre lo hace en los proyectos que desplegamos. Lo mismo la directora de arte que es Daniela Schneider, de México, y que habitualmente trabaja con Amat Escalante. Ella vino desde su país a trabajar conmigo y su trabajo ayudó mucho a la parte de fotografía.

– Por último, me quería referir a la autenticidad que muestran los personajes de tus películas y que también lo vimos en un corto como «El solecito», aspecto que yo destacaría que es como un valor añadido, porque no incorporas gente que se tiene que hacer cargo de ese tipo de personaje, sino que le aportan a estas películas un valor que es indispensable.

Gracias. Ese es el reto que he tenido en estas tres películas que llevo rodadas como director. Mi apuesta ha sido la de crear un universo de ficción a partir de personas que existen, que actúan de sí mismas, que al final construyen unos personajes pero que son personas que están muy próximas a lo que son ellos mismos. Evidentemente hay ciertas cosas que no son así en la vida real, como que Calvin no es el nieto de esa señora, pero por ejemplo él en la vida real tiene una abuela también y es por eso que la distancia entre el personaje y la persona es muy pequeña. En ese sentido casi que todo se vuelve como un documental de esas personas en medio de una estructura de ficción. Este es todo el cuento que me llena de mucha fascinación. Es muy difícil trabajar en este tipo de propuesta porque no hay mucho control a veces de las cosas y entonces en el set, por ejemplo, hay que trabajar mucho más tiempo de lo normal. Cuando tienes un actor que se aprende una línea y repite, de pronto hay como más velocidad, pero hay que tratar de capturar momentos de realidad y para eso se necesita que haya un set cómplice, una cantidad de profesionales que estén ahí detrás de la cámara en función de esas personas que están frente a ella. Ahí hay una dificultad, pero justo es lo que me ha interesado desarrollar en estos proyectos y quiero seguir haciéndolo. Es algo que me motiva mucho y me gusta.

©José Luis García/Cinestel.comLos Hongos_Oscar Ruiz Navia

La información: lo primero para poder elegir

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FILMOTECA DE CATALUNYA: ESTIU 2022

Centenaris

Aquest 2022 es commemora el centenari d’una bona colla de noms mítics del setè art. Aquest cicle de la Filmoteca de Catalunya recupera dos títols emblemàtics de cadascuna d’aquestes figures.
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Lola Salvador, adaptadora i creadora

Retrospectiva dedicada a la guionista, una lluitadora incansable que acaba de donar el seu llegat professional a la Filmoteca de Catalunya. (Més informació)

Preestrena de ‘A quien cierra los ojos’

La cineasta navarresa Ana Díez dirigeix la gran dama del cinema mexicà Patrícia Reyes Espíndola en un film sobre la situació de l’educació a Ciutat de Mèxic. Totes dues visitaran la Filmoteca per presentar-la (dilluns 11 de juliol).
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Benet Rossell

En correspondència amb l’exposició dedicada a l’artista lleidatà al Museu Nacional Benet Rossell. Escriptures i trajectes, comissariada per Àlex Mitrani, sessió amb dos films destacats de Rossell.

Apartado de correos 1001, a la fresca

La Filmoteca s’afegeix a la festa major del barri del Raval amb la projecció (plaça de Salvador Seguí, diumenge 17 de juliol 22.00 h) d’aquest clàssic del policíac barceloní que forma part del catàleg Bàsics & Singulars i és l’aportació catalana a la iniciativa de l’Associació Europea de Cinemateques A Season of Classic Films d’enguany.

Bachcelona

Un estiu més, la Filmoteca acompanya el festival Bach de Barcelona amb la projecció del film de Clara Pons Lebenslicht, amb les àries del compositor com a fil conductor.

FilmoXica: Aventures i amistats

Nou cicle trimestral de la programació familiar, el d’estiu. Una selecció d’històries que ens mostraran que les grans aventures són sempre millors de bracet amb grans amistats.
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Refresca’t a la Filmo!

Els dimecres, dijous i diumenges de juliol i agost, amb qualsevol entrada de les sessions de cinema, la Filmoteca convida a una cervesa Damm a La Monroe!

Nous horaris!

Sessions a les 17.00, 18.00, 20.00 i 21.00 hs

SESSIONS FAMILIARS A LA FILMOTECA

Infantils Tortell Poltrona

Una de les missions de la Filmoteca de Catalunya és acostar el cinema als més petits, fer-los descobrir el plaer de veure cinema de qualitat a la pantalla gran i adonar-se’n de la riquesa de tots els seus detalls. Per aconseguir-ho, cada setmana ofereix dues sessions específicament adreçades als infants i les seves famílies. En concret, les sessions tenen lloc els dissabtes i diumenges a les 17:00h.

El programa proposa films de totes les èpoques i de tots els països, films adreçats als més petits i a les seves famílies, films que permetran als petits gaudir de l’espectacle fílmic i, als grans, redescobrir la il·lusió del cinema. Les pel·lícules que projecten en aquestes sessions infantils de caràcter familiar han estat escollides pel seu valor pedagògic i cinematogràfic.
(Vull saber-ne més)

Infantils Doraemon

ENTREVISTAS

“El largo viaje de Alejandro Bordón”, docu-ficción de Marcelo Goyeneche

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La guionista argentina Mara Pescio debuta en la dirección de cine con un drama protagonizado por Paz Ferreyra, más conocida en el mundillo de la música como Miss Bolivia, en el cual encarna a una mujer que…

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“Reloj, Soledad”, de César González; pulsión insociable

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En “Los Paseos” Esteban Tabacznik explora su propio pasado amoroso

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La película pone en escena las actuaciones principales de Sergio Mayorquín y Camila Peralta haciendo de Diego y Belén. Él es un diletante estudiante de arquitectura en busca de reconocimiento e independencia y ella una…

SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

Sylvette Baudrot 260

ALL ROADS LEAD TO BARCELONA

One of the best ways to follow what’s going on at the movie theaters area and what the next innovations are representing for the movies distribution industry, is taking a look at CineEurope coverage released on our site Cinestel.com

Una de les millors maneres de seguir tot el que està passant al voltant del àrea profesional de les sales de cinema i també d’allò que les següents innovacions representen per a la indústria de distribució de pel·lícules, és fent una ullada a la cobertura de CineEurope feta pel nostre lloc web Cinestel.com

This is a links’ summary (most of the reports and interviews are written in Spanish):

Aquest és un sumari en anglès dels enllaços a notícies i entrevistes:

FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

LOS “PIJAMAS ESPACIALES”, YA EN LOS CINES

2 julio 2022 – Tras debutar detrás de las cámaras con el cortometraje “Mirabilis” (2015) y consagrarse con su debut en el largometraje “Hacerse mayor y otros problemas” (2018), Clara Martínez-Lázaro continúa explorando los absurdos límites del amor en su segunda película, “Pijamas Espaciales”, protagonizada por Mariona Terés (Paquita Salas) y David Pareja (Amigo), que acaba de llegar a las salas de cine.

Manteniendo el sentido del humor extravagante que caracterizó sus trabajos previos, la joven directora y productora madrileña, vuelve a asombrarnos con una propuesta insólita sobre las relaciones de pareja. Los protagonistas, Marta y Darío, son felices pero arrastran el hastío de años de convivencia. Una calurosa noche de verano, tras haber sostenido la enésima discusión pueril (esta vez a cuenta de un pijama que ella le regaló a él y que él no se ha dignado a estrenar), ambos se meten en la cama y comienzan a tener sueños extraños.

En dichos sueños se ven a sí mismos reencarnados en otros personajes. Marta fantasea con convertirse en objeto de deseo de otros hombres, Darío sufre pesadillas porque teme perder a Marta (y a sus respectivas reencarnaciones). Cuestionando los clichés de género y jugando con los estándares de representación de distintos tipos de relato cinematográfico (de la comedia urbana al melodrama interclasista, pasando por el policíaco o la ciencia-ficción), Clara Martínez Lázaro, conduce a sus personajes a situaciones límite en una propuesta que rompe esquemas.

En palabras de su directora, “‘Pijamas Espaciales’ es una comedia bastante romántica, pero a ratos un poco surrealista y fantasiosa. ¿Te imaginas que pudiéramos vivir varias vidas, viajar en el tiempo y ser inmortales? Aun así el amor siempre te iría mal, le dice Marta a Darío. Porque el amor siempre va mal. Esta película no pretende buscar soluciones al romanticismo occidental. Más bien surfear un rato por un canal que ofrece un caleidoscopio de relatos en los que dos patosos con buenas intenciones interpretan varios roles tratando de despegar hacia una perfección amorosa que no existe”.

L’ACADÈMIA: NOUS MEMBRES D’HONOR

9 juny 2022 – L’Acadèmia del Cinema Català va nomenar vuit nous membres d’honor: el crític Juan Ferrer, impulsor del cinema llatinoamericà a Catalunya; Jaume Peracaula, un dels grans directors de fotografia del país; els productors Quique Camín i Toni Camín, fundadors d’Ovideo TV; Isona Passola, la productora de Pa Negre i Incerta Glòria; Bel·lo Torras, la directora d’art del cinema de Ventura Pons; Fermí Reixach, actor durant cinc dècades a la pantalla i els escenaris, i Colita, la fotògrafa de l’Escola de Barcelona i la “Gauche Divine”. Tots ells són grans valors de la nostra cinematografia que han contribuït de manera determinant a la renovació del llenguatge cinematogràfic al nostre país. Aquesta categoria honorífica ha distingit des del 2009 prop de setanta treballadors i treballadores de tots els oficis de la nostra indústria. L’acte de nomenament va tenir lloc al Paraninf de la UB, i va estar conduït per l’actriu i acadèmica Maria Pau Pigem, amb l’acompanyament del pianista Xavi Lloses.

L’escriptor i periodista de cinema Albert Galera va presentar el crític i director de festival Juan Ferrer (Barcelona, 1957), a qui l’uneix una forta amistat i va qualificar de «savi intel·lectual».
Jaume Peracaula (Salt, 1945), un dels grans directors de fotografia de Catalunya, va ser glossat per Núria Prims, amb qui va coincidir a Inconscients, de Joaquim Oristrell.
El director, guionista i productor Ventura Pons va glossar la directora d’art Bel·lo Torras (Barcelona, 1947), qui s’iniciaria en el cinema el 1986 de la seva mà amb el llargmetratge “La rossa del bar”. Esdevindria una fidel col·laboradora en els següents dinou títols del cineasta.
El cineasta Manuel Huerga va glossar els productors Quique i Toni Camín (Barcelona, 1954 i 1949), amb els quals va formar un tàndem de referència en la creació de BTV i amb els Jocs Olímpics de Barcelona.

L’actriu Serena Vergano va presentar la fotògrafa Isabel Steva Hernández, més coneguda com a “Colita” (Barcelona, 1940), a qui coneixeria al rodatge de ‘Paraules d’amor’, amb Joan Manuel Serrat, i amb qui compartiria anys d’ofici a l’Escola de Barcelona.
El productor Paco Poch va ser l’encarregat de glossar l’actor Fermí Reixach (Lloret de Mar, 1946), «l’home de les mil cares», amb qui va coincidir a “El viatge vertical” i “Escapada”, on Poch va ser productor.
La productora, guionista i directora Isona Passola (Barcelona, 1953) va ser glossada per Agustí Villaronga, director a qui la uneix una llarga i prolífica relació professional, amb títols com “El mar”, “Pa Negre” o “Incerta Glòria”, tots ells dirigits per Villaronga i produïts per Massa d’Or Produccions, segell que Passola fundaria el 1992.

Judith Colell, presidenta de l’Acadèmia del Cinema Català, va posar el punt final a l’acte, que va definir com el més emotiu i lluminós de tots els que l’entitat convoca al llarg de l’any.

PALMARÈS DEL 25È DOCSBARCELONA 2022

29 maig 2022 – “Fire of Love”, de Sara Dosa, va ser reconegut amb el Docs a la millor pel·lícula del 25è Festival DocsBarcelona, dotat amb 5.000 euros. D’aquesta èpica història d’amor d’una parella d’exploradors que es juga la vida per filmar els volcans amb una proximitat mai vista, el jurat va destacar “la forma en què treballen elegantment amb el material d’arxiu per construir la història del seu amor, treball i passió, i com els protagonistes passen de ser científics interessats en els volcans a apassionar-se l’un per l’altre, i a dotar-se de les seves noves eines científiques per evitar futures morts per catàstrofes naturals”.

El jurat va atorgar també una Menció especial a “Myanmar Diaries”, un poderós crit de denúncia col·lectiva contra les atrocitats del general Min Aung Hlaing a Myanmar i un exemple excepcional del cinema com a arma de defensa de l’horror dictatorial. “Ens mostra un calidoscopi de protestes de patiment i desaparició que ens obliga a enfrontar-nos amb un crit d’ajuda dirigit a nosaltres i al món. També ens presenta una forma assagística i creativa d’enfocar una nova forma narrativa”, recull el veredicte, que també destaca la visió genuïna i única d’aquest conjunt d’escriptors i directors que l’han dirigit.

El Docs Latitud va premiar la producció catalana “El vent que ens mou”, de Pere Puigbert, un cant a la vida quotidiana de l’Empordà i una experiència sensorial a la terra del vent. El Premi, dotat amb 3.000€ en treballs de postproducció de la mà d’Antaviana Films (finishing, conformació, correcció de color, so, còpies DCP), reconeix la millor pel·lícula d’aquesta secció, dedicada a la producció de la Península Ibérica i l’Amèrica Llatina. El jurat va destacar “la seva mirada aguda que, juntament amb un delicat tractament del so, aconsegueix commoure’ns en el més íntim. Pocs elements, però molt precisos, tan sols gestos quotidians de gran sensibilitat, retraten temes universals i atemporals com ho són la vida i la mort i la relació de l’ésser humà amb el seu lloc en la terra”.

El Docs Amnistia Internacional va ser per “The Territory”, debut en la direcció d’Alex Pritz, una immersió a la selva amazònica i un retrat de la impunitat, l’abús de poder i la destrucció del planeta. El Premi Nou Talent – Filmin, destinat als directors debutants de la Secció Oficial Panorama i dotat amb 4.000€, va ser per “Rebellion”, de Maia Kenworthy i Elena Sánchez Bellot. La producció catalana “Erasmus in Gaza”, de Chiara Avesani i Matteo Delbò, s’endugué el Premi del Jurat Jove DocsBarcelona – Reteena, atorgat per joves d’entre 16 i 21 anys. Premi Doc-U per “Paola”, de Claudia Solano, Marta Martín, Daniela Rey i Pere Neila. I Premi DOCS&Teens per “En el llindar”, de Coraci Ruiz.

UN HOMENAJE A LLORENÇ SOLER

23 mayo 2022 – El Festival DocsBarcelona ha homenajeado en la edición de este año la figura del documentalista valenciano Llorenç Soler, pionero del cine documental independiente, entregándole el Premi Docs d’Honor, un galardón que la muestra estrena al cumplirse los primeros veinticinco años de la misma.

Fue a partir de 1966 cuando Soler se decidió por comunicar cosas a través de este género, en un contexto muy distinto al actual, ya en el tardofranquismo y con una alta incidencia de la inmigración que recibían las grandes ciudades como Barcelona, así que se decidió a tratar temas de fuerte contenido social y los problemas de las minorías marginadas.

Con motivo de este homenaje, en la Filmoteca de Catalunya se vieron los documentales El largo viaje hacia la ira (1969) y La família de la Kènia (2005).

Esta web recoge la biofilmografía del director, así como enlaces a algunas de sus películas (enlace).

“LA CONFERENCIA” DE MATTI GESCHONNECK

14 mayo 2022 – “La conferencia” (2022), film dirigido por el veterano cineasta alemán Matti Geschonneck, ha llegado a las salas de cine de la mano de F&P Media, tras ganar el Premio a la Mejor Película del BCN Film Festival. El film recrea la reunión de dirigentes nazis en la que se decidió el asesinato sistemático de millones de judíos durante la II Guerra Mundial.

La película recrea lo que en realidad ocurrió el 20 de enero de 1942, cuando destacados representantes del régimen nazi alemán se reunieron en una villa de Berlín-Wannsee para una reunión que pasó a la historia como la Conferencia de Wannsee, en la que se decidió el asesinato sistemático de 11 millones de judíos. El film ha sido considerado como una valiente revisión del Holocausto.

Exactamente, el argumento se refiere a que cuando Reinhard Heydrich (Philipp Hochmair) invita el 20 de enero de 1942 a una villa en el Wannsee de Berlín para asistir a una «reunión seguida de un desayuno» con representantes del régimen nazi, nadie sospecha que esta reunión pasará a los libros de historia como la «Conferencia de Wannsee». Los nacionalsocialistas discuten principalmente la llamada «Solución final a la cuestión judía», que describe el asesinato masivo sistemático de los judíos de Europa. Sobre la base de las actas de las reuniones de Adolf Eichmann (Johannes Allmayer) de aquella época, se reconstruye esa Conferencia de Wannsee del 20 de enero. Sólo existe una copia de este texto y se considera el documento clave del posterior exterminio de los judíos.

PREMIO DONOSTIA PARA JULIETTE BINOCHE

14 mayo 2022 – Juliette Binoche, una de las actrices europeas más internacionales, protagoniza el cartel oficial de la 70 edición del Festival de San Sebastián, que se celebrará del 16 al 24 de septiembre. Ganadora de un Óscar por su trabajo en “The English Patient” (El paciente inglés, Anthony Minghella, 1996), la intérprete francesa visitará la ciudad por cuarta vez para recibir uno de los Premios Donostia de este año en reconocimiento a una dilatada carrera en la que ha encarnado a cerca de 75 personajes, desde heroínas poderosas a seres frágiles, pasando por personajes históricos, roles dramáticos y papeles cómicos.

La gala de entrega del galardón tendrá lugar el domingo 18 de septiembre en el Auditorio Kursaal y contará con la Proyección Premio Donostia de “Fuego”, película con la que Claire Denis ganó el Oso de Plata a la Mejor dirección en el último Festival de Berlín y que cuenta en su elenco con Vincent Lindon, Grégoire Colin y la propia Binoche.

La iconoclasta directora junta por primera vez en la pantalla a dos de los actores más internacionales de la filmografía francesa en esta historia de un triángulo amoroso que llegará a los cines españoles el próximo 30 de septiembre.

D’A PREMI TALENTS: GANÓ “PETIT NATURE”

7 mayo 2022 – La película francesa “Petit Nature” de Samuel Theis ganó el premio Talents de la duodécima edición del D’A Film Festival Barcelona. El premio, dotado con 10 000 euros, reconoce el debut en solitario del actor y director Samuel Theis después de codirigir con Marie Amachoukeli-Barsacq y Claire Burger “Mil noches, una boda”, Cámara de Oro de la sección Un certain regard de Cannes 2014.

El jurado oficial destacó sobre la película que “su capacidad de reflejar las luces y sombras de la preadolescencia, así como las desigualdades socio-económicas de la Europa actual, a través de una puesta en escena tan vigorosa como sensible y de unas interpretaciones sobresalientes”.

Otros premios fueron para “La amiga de mi amiga” de Zaida Carmona (Impulso Colectivo); “Mi vacío y yo” de Adrián Silvestre (Mención); “Atlántide” de Yuri Ancarani (Crítica); “Un sol radiant” de Mònica Cambra, Ariadna Fortuny, Claudia García de Dios, Lucía Herrera, Belén Puime y Mònica Tort (D’A Film Lab Barcelona); “Mbah Jhiwo/Alma Anciana” de Álvaro Gurrea (Open ECAM); y “Nuestros días más felices” de Sol Berruezo Pichon-Rivière (Italia, Argentina, 2021) (Filmin Emergents).
“Ninjababy” de Yngvild Sve Flikke (Noruega) obtuvo el Premio del Público, en cuya modalidad de cortometraje la ganadora fue “Demà ho deixem”, del cineasta catalán David Moragas.

PREMIOS EN BAFICI Y EL BCN FILM FEST

30 abril 2022 – Los distintos jurados de la 23 edición del BAFICI de Buenos Aires han premiado como mejores películas, respectivamente, a “Clementina” (Argentina), de Constanza Feldman y Agustín Mendilaharzu (Competencia Internacional); “La edad media”, de Alejo Moguillansky y Luciana Acuña (Competencia Argentina); y “La Mif” (Suiza), de Fred Baillif (Vanguardia y Género).

Por su parte, el BCN Film Fest, recién celebrado en Barcelona en su sexta edición, otorgó su Premio a la mejor película a “La Conferencia”, de Matti Geschonneck.

FALLECE EL GRAN ACTOR JUAN DIEGO

28 abril 2022 – El gran actor sevillano Juan Diego murió a los 79 años de edad tras haber pasado algún tiempo con importantes complicaciones de salud.

Juan Diego consolidó su carrera en el cine gracias a su participación en la película “Los Santos Inocentes” (1984) de Mario Camus, aun cuando anteriormente había aparecido en filmes de Eloy de la Iglesia y Francisco Rodríguez. También participó en “El viaje a ninguna parte”, la crónica de Fernando Fernán Gómez sobre un mundo en el que ya no tendrían lugar los antiguos cómicos, y “Dragon Rapide”, en la que Juan Diego encarnó de forma magistral a un Francisco Franco a punto de incorporarse al Bando Nacional.

Posteriormente se centró mucho más en su carrera teatral, aunque en 1999 regresó con fuerza al cine al formar parte del elenco de “París-Tombuctú”, en la que Juan Diego dio vida a un anarquista que andaba desnudo por las calles del pueblo.

En 2002 se unió a las protestas que la Unión de Actores organizaba por el ‘No a la Guerra’ de Irak, tras lo cual comenzó la exitosa y popular serie «Los hombres de Paco» y actuó para películas como “El Triunfo”, “Casual Day”, “Que se mueran los feos”, “Todo es silencio”, “Anochece en la India, road movie”, o “La Lengua Madre”, entre otras.

Juan Diego fue siempre un actor muy comprometido con la justicia social y así él lo hacía destacar en las numerosas entrevistas que concedió a lo largo de toda su vida.