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Oscar Ruiz Navia habla sobre «Los Hongos», reconocida en Locarno

El director Oscar Ruiz Navia sigue describiendo en sus películas los diferentes ingredientes que se suman para conformar la rica y diversa sociedad que es Colombia y aquéllos otros que suelen ser un marcado punto de discordia, controversia, preocupación o impedimento entre sus habitantes. Rodada en Cali y galardonada en Locarno con el Premio Especial del Jurado de Cineastas del Presente, «Los Hongos» es una película que de ninguna manera va a dejar indiferente al espectador atento al desarrollo de las vidas de sus personajes, a caballo entre la lucha diaria y la amistad.

El punto de arranque del film es Roberto, un joven grafitero que se gana la vida como trabajador de la construcción y que es despedido de su trabajo cuando descubren que ha robado varios botes de pintura. Expulsado y en problemas con sus vecinos a causa de un amplio mural de pintura que él está formando en un solar abandonado, decide desplazarse a través de la ciudad en busca de Eduardo, otro joven grafitero que, al mismo tiempo, está afrontando la difícil desintegración de su familia y la enfermedad de su abuela.

En una mezcla de lo real, el pasado, los sueños y la ficción, «Los Hongos» retrata la amistad de dos adolescentes que están en caída libre, con sus sueños incumplidos en una ciudad tropical. Ruiz Navia responde a las preguntas de Cinestel:

– Cambiaste el ambiente rural por el urbano, pero sin embargo mantienes algunas características que son comunes a lo que se contaba en «El vuelco del cangrejo». ¿Era esa tu intención?

Sí, así es. Gracias por notarlo, porque algunas otras personas me han dicho que hice como un cambio trascendental en mi cine. Lo que yo podría comentar al respecto es que cada película tiene su forma de ser dependiendo del universo que uno esté explorando. Aquella primera película fue rodada en un pueblo lejano de pescadores que tiene unas normas en el tiempo que nos llevaban a una propuesta un poco más pausada, contemplativa. Esta película, «Los Hongos», es una historia que sucede en la ciudad de Cali y explora un universo que es mucho más frenético y hay más colorido porque es un filme que tiene muchos más personajes que en «El vuelco del cangrejo». Entonces esto me llevó a asumir la parte estética de pronto con algunas diferencias, sobre todo a nivel del manejo de la cámara y del montaje de algunas situaciones.

Sin embargo, como bien lo decías, lo que se mantiene un poco en ambas películas es el trabajo de inmersión que hago en los universos y con los actores, porque el método que yo utilizo está basado en la investigación de las propias vidas de los intérpretes que escojo, y en este caso ese factor nos llevó igual mucho tiempo buscando a los personajes y permitiendo que estas personas que habíamos encontrado permearan el guión de la película e hiciéramos un trabajo en el set muy similar, donde había un guión base pero se dejó mucho lugar a la espontaneidad y a la improvisación. Casi que los actores se vuelven parte del equipo de guión, son poco más o menos que guionistas de la película al proponer frases enteras, temas enteros, y esto es algo que a mí me gusta mucho hacer porque permite que las películas de alguna manera se complejicen y también encuentren situaciones y puntos de vista únicos, puesto que realmente la naturaleza de esas personas que están ahí en frente de la cámara es algo que yo no puedo a veces controlar, sino que ellos aportan todo lo que tienen de una manera muy natural.

También hay ciertas temáticas que se mantienen, como puede ser el tema del pueblo afrodescendiente en mi país que es una cultura que siempre me ha interesado, donde está el tema de nuestros ancestros africanos, la música y cómo estas personas en Colombia han tenido que salir adelante y han tenido que luchar contra muchos obstáculos. En «Los Hongos» quería, a pesar de todas esas dificultades y esos problemas que hay alrededor de todos estos personajes, mostrar cómo ellos a pesar de todo eso, no se rinden y siguen adelante dando un poco de vida y de esperanza al espectador.

– ¿Cómo definirías a los grafiteros que presentas en el filme? ¿Son personas que quieren dar a conocer su obra?

Oscar Ruiz Navia

Oscar Ruiz Navia

Ellos son un grupo de grafiteros que escogí con base en un trabajo de investigación que hice por varios meses en los que me fui involucrando en la escena de grafitti de Cali, que no es tan grande como uno pensaría. De todas maneras, es una ciudad intermedia del sur de Colombia y en Bogotá, por ejemplo, hay muchísimos más grafiteros. Entonces después de ese trabajo de campo, decidí que las personas que quedaron en la película eran las más indicadas para participar y precisamente ellos decidieron entrar y hacer esta colaboración, pues sabían de la importancia de dejar plasmada ahí una huella en la película y que eso iba de alguna manera a inmortalizar, por decir algo, su propuesta.

Ellos son evidentemente personas que se dedican a eso y los personajes que interpretaron en la película son ellos mismos. Yo les di algunas indicaciones sobre lo que tenían que hacer o decir, pero en la mayoría de cosas antes fue al contrario, porque ellos me iban guiando en el sentido de hacerme ver que algunos tipos de situaciones no funcionan en el mundo del grafitti, o lo que sí es acorde. Por ejemplo, hay una discusión que tienen sobre si unos trabajan con muchas letras y otros con muchos dibujitos, que está en la película porque es una polémica que surgió en los momentos previos al rodaje y como me pareció que era un conflicto muy propio de ese mundo, decidí incluirlo.

La obra que realizaron para la película fue una propuesta de ellos, porque querían representar lo que llaman la revolución submarina. Fue algo sobre lo que trabajamos en varios muros antes de la filmación para poder ir agarrando el tono, y a mí me parecía interesante que la propuesta visual de la obra que iba a quedar en la película, surgiera de ellos mismos.

– Al igual que hiciste en tu primer largometraje, en éste has empleado imágenes de receptores de televisión en funcionamiento con algunas noticias del momento. En «Los Hongos» se ve al presidente Uribe diciendo en un discurso que «Colombia es pasión». A mí lo que me pareció es que todo ese mundo televisivo que muestras es como que está en otro universo diferente que no conecta con lo que estás mostrando en la película. Desconozco si tu intención fue esa.

Sí, pues la escena del presidente Uribe es un poco una especie de sátira. Ya afortunadamente este señor no está en el poder, pero durante un tiempo sí lo estuvo y siempre iba tirando ese discurso de derecha que a veces es un poquito peligroso porque viene a decir que todos somos buenos, algunos malos, este país es maravilloso, aquí no hay problemas,… como «Colombia es pasión», que era un eslogan de ese gobierno para tapar los problemas, meterlos debajo de la alfombra y decir que el país es una maravilla cuando, aunque sí lo es, tiene muchas complejidades, corrupción y desigualdades.

Esa escena en particular surge a partir de una sensación que tuve durante los ocho años de gobierno de este presidente, donde él controlaba todos los medios de comunicación, todos los canales, y llegábamos a la exageración de que aun cambiando de canal, él estaba presente ahí todo el tiempo, y es un tipo de presencia que ya no queremos que exista más.

Evidentemente, en «El vuelco…» y en «Los Hongos» incluyo estos contextos que se transmiten a través de los medios de comunicación como una cuestión muy personal, donde siempre he querido tener en cuenta el conflicto que hay en mi país y de alguna manera sugerir que hay cosas que no están funcionando bien en Colombia, aunque haya personas que estén tratando de crear una nueva mirada, un nuevo camino y en esta película encaja bien porque precisamente los Hongos son esos seres vivos que surgen en algunos contextos de podredumbre y que se resisten a morir, a desaparecer en el medio de ese contexto tan problemático.

Para mí, al hablar de política en una película no le veo el mayor problema. Hay muchos artistas que critican a los otros artistas que hablan de política, pero yo pienso que toda la película es muy política. No importa que hable propiamente de temas de presidentes o de alcaldes sino que de alguna manera cada película transmite unas ideas a la sociedad. Entonces creo que es importante ser consciente de ese poder que tiene el cine y tratar de generar en el espectador preguntas y reflexiones más que respuestas, que les permitan pensar en una sociedad diferente. Para mí es muy importante ese tema de lo político en Colombia.

– Tal vez hay algunos conflictos que puedan permanecer silentes para el espectador, pero que ahí están en esta historia, en los personajes, y que son por ejemplo la represión que sufren los grafiteros y la proliferación de nuevas iglesias. Me pareció que es un contraste que hay en la película.

Yo en «Los Hongos» quería evidenciar diferentes universos que existen en paralelo, como pueden ser el de los jóvenes, el del padre, el de la abuela o la madre. No pretendía entrar a juzgarlos sino simplemente dejarlos allí en el ambiente, porque tampoco me interesa entrar a juzgar estas iglesias. Simplemente quiero constatar que hay un fenómeno social muy grande en Cali, en Colombia, y creo que en otras partes de Latinoamérica con el tema de la religión. Yo personalmente no soy miembro de ninguna iglesia pero en este barrio donde filmé la película pues uno ve muchas personas que han entrado a formar parte de ese tipo de confesiones y que están allí empezando a dejar su alma, su dinero y su esfuerzo en esos lugares.

Es entendible un poco la situación, porque muchas de estas personas que viven en estos barrios son gente que han vivido la violencia en Colombia, que son desplazadas del campo y han sufrido y han visto cosas horribles, y cuando llegan a la ciudad encuentran allí esa posibilidad de resarcir su alma. Entonces, yo entraría a juzgar ese tipo de instituciones como las iglesias de una manera muy respetuosa porque creo que obedecen también a un contexto social y a una crisis moral y social que vive Colombia, donde de todas maneras, como la película lo constata, siempre hay esperanza y siempre hay formas de seguir adelante, aunque en el pasado hayan existido actos violentos y actos reprochables.

– Cuando un grafitero dice «Yo quiero pintar a mi madre», ¿se está refiriendo quizá a valores que se quieren subrayar a consecuencia de ciertas rupturas que hay en el ámbito de la gente que se ha tenido que desplazar dentro del país?

Los_HongosAhí sí que es muy simbólico porque creo que, por ejemplo, parte del final de la película que es llegar a un árbol es como un símbolo del origen, y lo mismo la madre. Yo pienso que la rebeldía en el caso de esta película no obedece a ir en contra de los propios seres de uno, sino más bien que la abuelita de uno sea como un soldado del ejército de uno. Es una posición bastante punkera poner al papá, a la abuela o a la madre al frente del ejército. Eso es una cosa muy personal. Yo soy una persona muy familiar. Me gusta mucho mi familia. De hecho trabajo con mi madre en la productora y forma parte del equipo de producción de la película. Lo mismo con mi papá que actúa en la película, mi abuela,… osea, que siempre he considerado que la familia no es esa institución conservadora a la cual hay que huirle, sino que hay que cambiar ese concepto de familia creando nuevos paradigmas de lo que puede ser y creo que en definitiva, hay algún homenaje a la madre como figura esencial en cualquier ser humano y al final de todo siempre están esas raíces. Siempre todos llegamos a ese origen y desde allí es que podemos desarrollar nuestros sueños y nuestros deseos.

– ¿Las imágenes en las que se ve circulando la bicicleta en conjunto con la tabla de patinaje son muy comunes en el paisaje urbano de Colombia?

Sí, claro. Hay gente que monta tabla y otros montan bicicleta. Obviamente hay quienes son más expertos en el tema y pueden arriesgarse un poco a hacer este tipo de piruetas-maniobras. No te diría que es una cosa que se ve cada cinco minutos pero sí se ve, y esa escena especial donde están ellos juntos es en un túnel en el que está prohibido montar bicicleta. Eso era como un acto de rebeldía de los muchachos, que se meten a un lugar donde no se pueden meter y por eso hacen un boicot y el tráfico se enloquece un poco porque ellos van por ahí montando. Era una escena de cierta epifanía, como para crear una emoción de que en ese momento los chicos están apoderándose de la ciudad.

A mí me parece que el arte del grafitti lo que tiene interesante es que es una manera de apropiación de la ciudad que es diferente. Lo mismo que todo ese tipo de deporte extremo, los que hacen skate, parkour o que montan bicicleta, son individuos que asumen la ciudad y que se apropian de ella recorriéndola a través de lo que hacen. Es una manera de ver que en un lugar donde hay tanta violencia y tantos problemas, no podemos encerrarnos y tener miedo, sino que tenemos que salir y apropiarnos de nuestro espacio.

– En lo que se refiere al tratamiento de las imágenes se nota una diferencia notable en lo que es la técnica empleada. En «El vuelco del cangrejo» usasteis la cámara en mano y planos con trípode y observando bien percibí que habéis contado con mayores recursos en esta segunda película respecto a la primera, tanto en los travelling como en otras escenas, con la participación de la directora de fotografía Sofía Oggioni. ¿Fue así?

Sí claro, esta es una película que se realizó con muchos más recursos que en «El vuelco del cangrejo». Aquel fue un filme hecho de una manera muy austera. Teníamos una cámara 16mm con muy poquito material virgen, entonces tuvimos que controlar mucho cada imagen y esto llevó a una cierta estética más pausada. Realmente la mayoría de «El vuelco…» se hizo en trípode, salvo algunos pasajes, y evidentemente teníamos un equipo muy limitado de luces, que casi no habían, sin accesorios de cámara, sólo el trípode.

Sofía también fue la fotógrafa de «El vuelco del cangrejo». Es una persona con quien yo he venido trabajando hace más de doce años porque hicimos la universidad juntos y más tarde cortometrajes, por lo que ha sido todo un proceso de crecimiento paralelo. Obviamente, ella entre las dos películas realizó otros proyectos, otras películas, y entonces al entrar a «Los Hongos» llega cargada de nuevas experiencias y más conocimiento.

En esta película hemos trabajado por primera vez con steadycam y esto efectivamente nos permitía hacer cierto tipo de imágenes, sobre todo travellings, y ciertos planos que son en movimiento que con esa técnica se ven mucho más elegantes y no quedarían tan checkin si hubiesen sido solo cámara en mano. Yo no sé si es una evolución, pero yo diría simplemente que es un cambio, también debido a que es una producción que es mucho más móvil que «El vuelco…», que era una película que sucedía en un solo espacio donde el protagonista estaba estancado, mientras que «Los Hongos» trata sobre unos jóvenes que están en movimiento. Para mí era muy importante transmitir esta circunstancia desde la puesta de cámara y Sofía evidentemente es una persona a quien yo agradezco muchísimo por todo lo que aportó a la película, como siempre lo hace en los proyectos que desplegamos. Lo mismo la directora de arte que es Daniela Schneider, de México, y que habitualmente trabaja con Amat Escalante. Ella vino desde su país a trabajar conmigo y su trabajo ayudó mucho a la parte de fotografía.

– Por último, me quería referir a la autenticidad que muestran los personajes de tus películas y que también lo vimos en un corto como «El solecito», aspecto que yo destacaría que es como un valor añadido, porque no incorporas gente que se tiene que hacer cargo de ese tipo de personaje, sino que le aportan a estas películas un valor que es indispensable.

Gracias. Ese es el reto que he tenido en estas tres películas que llevo rodadas como director. Mi apuesta ha sido la de crear un universo de ficción a partir de personas que existen, que actúan de sí mismas, que al final construyen unos personajes pero que son personas que están muy próximas a lo que son ellos mismos. Evidentemente hay ciertas cosas que no son así en la vida real, como que Calvin no es el nieto de esa señora, pero por ejemplo él en la vida real tiene una abuela también y es por eso que la distancia entre el personaje y la persona es muy pequeña. En ese sentido casi que todo se vuelve como un documental de esas personas en medio de una estructura de ficción. Este es todo el cuento que me llena de mucha fascinación. Es muy difícil trabajar en este tipo de propuesta porque no hay mucho control a veces de las cosas y entonces en el set, por ejemplo, hay que trabajar mucho más tiempo de lo normal. Cuando tienes un actor que se aprende una línea y repite, de pronto hay como más velocidad, pero hay que tratar de capturar momentos de realidad y para eso se necesita que haya un set cómplice, una cantidad de profesionales que estén ahí detrás de la cámara en función de esas personas que están frente a ella. Ahí hay una dificultad, pero justo es lo que me ha interesado desarrollar en estos proyectos y quiero seguir haciéndolo. Es algo que me motiva mucho y me gusta.

©José Luis García/Cinestel.comLos Hongos_Oscar Ruiz Navia

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL.COM/ FUNDADA EN JULIO 2005

FILMOTECA: SETEMBRE DEL 2021

Signoret/Montand: complicitats

Tots dos van néixer ara fa 100 anys, i tots dos van arribar a la fama amb padrins d’excepció: Yves Montand a través de seva descobridora i amant, Édith Piaf, i Simone Signoret a través del seu primer marit, el director Yves Allégret. Van esdevenir una de les parelles més cèlebres del cinema francès, tot i no coincidir gaire als platós, i també van deixar la seva empremta a Hollywood. Un cicle recorda aquesta parella mítica amb una companyia també excepcional: Costa Gavras, que els va dirigir al seu debut com a director, “Compartiment tueurs” (1965), i a “L’aveu” (1970) serà a la Filmoteca de Catalunya per presentar l’homenatge.

L’Havana de Fernando Pérez

La capital cubana serà la ciutat convidada de les festes de la Mercè d’enguany, i la Filmoteca l’acompanya amb la programació de tres títols emblemàtics del que és considerat el millor cronista cinematogràfic recent de L’Havana, Fernando Pérez: “La vida es silbar” (1998), “Suite Habana” (2003) i “Últimos días en La Habana” (2016). Les presentarà la filla del cineasta, Bebé Pérez, actriu a “La vida es silbar”.

Retrospectiva Sally Potter

Aviat farà 30 anys que Sally Potter va enlluernar el món amb “Orlando”, la brillant adaptació del clàssic de Virginia Wolf que també va servir de trampolí per a la carrera internacional d’una de les actrius més magnètiques i misterioses que ha donat el cinema, Tilda Swinton. Abans però, la cineasta ja s’havia fet un nom en els circuits més alternatius amb els seus curts experimentals. És un bon moment per repassar la carrera sempre marcada pel feminisme militant, la transgressió i la depuració formal d’una dona polifacètica que ens va oferir una inoblidable lliçó de tango amb el film que també va protagonitzar el 1997.

Choreoscope: cinema de dansa

Nova edició d’un festival que fa dialogar cinema i dansa, dos llenguatges que tenen en comú l’art del moviment. A més de les habituals sessions de curts a competició, inauguració amb “Malditos”, de la companyia Malditos, Premi Retrat d’una Generació Choreoscope 2021, i atenció especial al director i coreògraf belga Wim Vandekeybus, de la companyia Ultima Vez, amb una extensa obra de films de dansa.

Marquès de Wavrin

La Cinemateca belga acaba de restaurar bona part del treball etnogràfic del marquès de Wavrin que, a més de ser el més gran explorador belga del seu temps, també va ser un fotògraf i cineasta de gran talent que va dedicar 25 anys de la seva vida a capturar amb la càmera formes de vida i paisatges condemnats a desaparèixer. Pioner en el coneixement d’Amèrica del Sud, va conviure i va fer amistat amb moltes tribus indígenes, i va deixar aquest tresor excepcional que ara arriba a la Filmoteca, juntament amb un documental sobre la seva figura.

I també…

Setembre comença a la Filmoteca amb un homenatge de l’Acadèmia de Cinema Català a Ángela Molina, i hi haurà un altre al compositor de bandes sonores de pel·lícules, Manel Camp, i al centenari de l’escriptor i filòsof polonès Stanislaw Lem. També una nova edició del cicle de Cinema romanès actual, l’estrena del documental d’Ignacio Benedeti Cabirol ‘Spitsbergen, o Gardian do Ártico’, i la presentació del Premi Rizoma 2020.

ALL ROADS LEAD TO BARCELONA

One of the best ways to follow what’s going on at the movie theaters area and what the next innovations are representing for the movies distribution industry, is taking a look at CineEurope coverage released on our site Cinestel.com

Una de les millors maneres de seguir tot el que està passant al voltant del àrea profesional de les sales de cinema i també d’allò que les següents innovacions representen per a la indústria de distribució de pel·lícules, és fent una ullada a la cobertura de CineEurope feta pel nostre lloc web Cinestel.com

This is a links’ summary (most of the reports and interviews are written in Spanish):

Aquest és un sumari en anglès dels enllaços a notícies i entrevistes:

FILMOTECA: AULA DE CINEMA

FILMOTECA PER A LES ESCOLES

PRIMERA SALA 4DX EN CATALUNYA

Los Cines Filmax Gran Via ya ofrecen a sus espectadores la primera sala en Cataluña con tecnología 4DX. Y lo hacen de la mano de la compañía surcoreana CJ (www.CJ4DX.com), líder mundial en el sector.

El sistema 4DX incorpora en la proyección hasta un total de 21 efectos sincronizados. El espectador tiene la oportunidad de ver los principales estrenos de cartelera con efectos de movimiento, aire, agua, calor, aromas, vibraciones, además de elementos metereológicos como niebla, viento, rayos y burbujas.

Esta tecnología puntera consigue que los efectos se sincronicen con la acción y el sonido de la pantalla, de manera que los espectadores experimentan una inmersión 360 grados en la película.

Conoce más detalles sobre cómo funciona, en este artículo publicado en Cinestel en el año 2016.

ENTREVISTAS

“Ojos de Arena” se basa en dramas reales para desarrollar un thriller

Película Ojos de Arena Entrevista a Alejandra Marino

Junto a Marcela Marcolini, la realizadora hace recaer el peso principal del relato en la actriz Paula Carruega, quien construye un personaje ligado al territorio de la Justicia que ha acabado padeciendo en primera persona…

Entrevista a Martín Desalvo por su película “El Silencio del Cazador”

El Silencio del Cazador Entrevista a Martin Desalvo

En cierta forma, la película sigue apostando por algunas doctrinas que le han aportado solidez a estos géneros cinematográficos, y lo hace a través de actores como Pablo Echarri, Mora Recalde, Alberto Ammann y…

“Bahía Blanca”, de Rodrigo Caprotti; espinosos secretos inconfesables

Película Bahía Blanca Entrevista al director Rodrigo Caprotti

La película muestra cómo un docente universitario utiliza una investigación sobre el escritor Ezequiel Martínez Estrada para escapar de un pasado que lo atormenta y establecerse en Bahía Blanca a 688…

FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

CRíTICAS CINE LATINOAMERICANO

“Cuando el Olimpo choca con la Pampa” retrata a Ricardo Cinalli

Ricardo Cinalli en Cuando el Olimpo choca con la Pampa

Tiene un comienzo imponente a través del cual se destaca que el protagonista es una persona a la que siempre le ha gustado nadar a contracorriente, o sea, ser uno mismo, lo cual supone ya una excelente…

“Nuevo Orden”, una visión distópica del director mexicano Michel Franco

Crítica de la película Nuevo Orden un film de Michel Franco

Esta es la historia distópica de un colapso político visto a partir de las acciones de una familia influyente de clase alta, pero que sin embargo se dedica mucho más a desmenuzar los entresijos de una explosión de…

“Mamá, mamá, mamá”, un drama sobre lo que significa ser madre

Reseña de Mama mama mama de Sol Berruezo Pichon Riviere

El relato se aproxima al universo femenino infantil de unas niñas que ya se encuentran en la pubertad o a punto de acceder a ella. El bloqueo por lo ocurrido más las situaciones y fantasías típicas de esa…

MENCIÓN A ‘ELES TRANSPORTAN A MORTE’

27 septiembre 2021 – Después de obtener el Premio a la Mejor Aportación Técnica en la 36ª edición de la Semana de la Crítica de la Mostra de Venecia, “Eles Transportan a Morte” de Helena Girón y Samuel M. Delgado se hizo con una Mención Especial del Jurado de Zabaltegi-Tabakalera en la 69ª edición del Festival de San Sebastián.

El Jurado compuesto por Sergio Oksman, Miriam Heard y Elena López Riera otorgó este reconocimiento al film “por la manera en que explota las posibilidades de la materia fílmica para embarcarnos en un relato que pone en cuestión la historia de la conquista de América”.

El estreno mundial de la ópera prima de ambos realizadores tuvo lugar en la 36ª edición de la Semana de la Crítica de la Mostra de Venecia, certamen que este año celebró su 78ª edición. Los dos cineastas, cuyos cortometrajes han participado en un circuito selecto de festivales internacionales de cine como los de Toronto, Locarno o el New York Film Festival, combinan en su primer largometraje el relato clásico de aventuras con un discurso crítico sobre la colonización.

Según Helena Girón y Samuel M. Delgado, “la película se sitúa en 1492, año que representa el inicio del proyecto de dominación occidental, y que supone lo que algunos teóricos señalan como el inicio de una nueva era geológica: el llamado antropoceno. A partir de esta fecha, la caza de brujas, la trata de esclavos y la conquista de América, fueron imprescindibles para instaurar y articular el sistema capitalista moderno del que somos descendientes”.

La película parte de la premisa de que entre la tripulación de Cristóbal Colón viajan tres hombres que ya deberían haber muerto. Han conseguido evitar sus condenas participando en el incierto viaje, pero al llegar a las Islas Canarias, huyen cargados con una de las velas de la embarcación. Mientras, en “El Viejo Mundo”, una mujer trata de salvar a su hermana moribunda, con la esperanza de que una curandera pueda ayudarla. Ambos viajes tratan de burlar a la muerte y ambos viajes están a merced del tiempo y de la Historia.

YA EN LAS SALAS DE CINE “NEGRO PÚRPURA”

24 septiembre 2021 – Estrenó el documental “Negro Púrpura”, de las directoras Sabela Iglesias y Adriana P. Villanueva. El film se adentra en Galicia para contar la historia de un hongo alucinógeno que conecta el LSD, las multinacionales farmacéuticas, las plagas medievales, la medicina popular y la CIA.

“Negro Púrpura” retrata uno de los lugares de mayor producción a nivel mundial de claviceps purpurea, Galicia, al noroeste de la península ibérica. Este hongo alucinógeno, que brota en los cereales, nos abre las puertas de una historia tan curiosa, sorprendente y desconocida como importante en el devenir de la cultura y la economía de Galicia a lo largo del S.XX. Desde los campos de centeno hasta las multinacionales farmacéuticas y la CIA; desde las plagas medievales, pasando por la medicina popular, hasta el LSD. Historias desperdigadas que nos dejan un regusto amargo a pan de centeno, historias que repercuten traspasados los océanos. Una corteza que guarda una miga delirante.

Podemos incluir esta película dentro del denominado cine etnográfico, pues aborda un tema que nos conecta con la sociedad rural gallega de mediados del S.XX, aproximándose también a multitud de áreas de conocimiento: antropología, medicina, botánica, historia contemporánea, economía… y poniendo el foco en temáticas universales como la muerte, la enfermedad, la vida, la subsistencia o el dolor.

El cornezuelo del centeno, sus usos, su recolección, su venta, el contrabando que del mismo se hacía, su simbolismo… hace que podamos estar hablando de un hecho social total (Mauss, 1971) porque de este hongo se desprenden no solo actos individuales y experienciales, como registra la película, sino que también nos permite entender las claves del mundo en un plano religioso, histórico, económico y social.

Las intervenciones a través de radios y televisiones que se van sucediendo en la película nos trasladan a noticias pasadas y acontecimientos ocurridos en otros lugares del mundo.

MURIÓ EL DIRECTOR MARIO CAMUS

18 septiembre 2021 – Falleció Mario Camus, reconocido cineasta español que fue uno de los que mejores adaptaron obras literarias al cine, siendo célebres algunos de sus títulos como “La Colmena” (1982) o “Los Santos Inocentes” (1984). Perteneció a la generación del Nuevo Cine Español de la que formaron parte, entre otros, Carlos Saura, Basilio Martín Patino, José Luis Borau, Julio Diamante, Miguel Picazo y Manuel Summers.

Durante toda su carrera se manifestó como un director polifacético, pues además de sus películas derivadas de novelas, también incursionó con fuerza en el cine más comercial, en el western, en las historias de amor conflictivo, e inclusive en el análisis del terrorismo de ETA y en las fábulas críticas de la sociedad capitalista.

También series de televisión como «Curro Jiménez» y «Los Camioneros» fueron obra suya, así como «Los desastres de la guerra» y «Fortunata y Jacinta». En las artes escénicas teatrales dirigió el montaje de «¿Por qué corres Ulises?» de Antonio Gala, e igualmente escribió dos libros de relatos.

“EL ACONTECIMIENTO” ESTRENARÁ EN CINES

13 septiembre 2021 – La recién ganadora del León de Oro en la Mostra de Venecia tiene garantizado su estreno en salas españolas, todavía en una fecha por definir.
“El Acontecimiento”, una historia dirigida por la francesa Audrey Diwan concitó tanto la aprobación unánime de los miembros del jurado oficial como de la FIPRESCI, quienes también la premiaron. Es importante destacar esto porque no es tan frecuente como a priori pudiera parecer.

Basada en la novela autobiográfica de la aclamada escritora francesa Annie Ernaux, publicada en España por la editorial Tusquets, y protagonizada por la magnética Anamaria Vartolomei, una de las revelaciones del año, la película relata el viaje de una joven mujer y su batalla física y emocional por decidir sobre su cuerpo y su destino. Una apasionante y poderosa historia que es una crítica hacia un tipo de sociedad que castiga el deseo femenino y la libertad sexual.

ESTRENA EN LAS SALAS “WORTH”

11 septiembre 2021 – Coincidiendo con la fecha, hace 20 años, de los atentados de las Torres Gemelas de Nueva York, llega a numerosas salas de cine el estreno de “Worth”, una película dirigida por Sara Colangelo, con guion de Max Borenstein, sobre la que se advierte que está basada en un caso real, pues en el mismo tono que otras cintas con aires políticos y de carácter judicial que fueron llevadas al cine con éxito como ‘Erin Brockovich’ o ‘Spotlight’, el film nos desvela el proceso que sufrieron muchas familias para conseguir una indemnización tras los terribles sucesos de septiembre de 2001.

“Worth” ejemplifica la historia real de un famoso abogado de Washington D.C. que lucha contra el cinismo, la burocracia y la política para ayudar a las víctimas del 11-S.
Diferentes casos de aquellos familiares de las víctimas y de ellos mismos en su lucha contra las aseguradoras y el propio estado que les dio la espalda.

Atrapado entre abogados que quieren demandar y los grupos de presión de las aerolíneas que quieren llegar a un acuerdo, el letrado Feinberg debe negociar con las familias de las víctimas. Pero cuando se enfrenta a Charles Wolf (Stanley Tucci), un organizador comunitario entre los afectados y cuya esposa murió en una de las torres, Feinberg empieza a conocer el coste humano de la tragedia.

“Worth” supone la confirmación en la dirección de Sara Colangelo, quien trabajó a fondo con sus tres principales intérpretes Michael Keaton, Stanley Tucci y Amy Ryan, en una película cuyo propósito es el de provocar una profunda reflexión a todos los espectadores que se acerquen a ella.

MURIÓ EL ACTOR JEAN-PAUL BELMONDO

6 septiembre 2021 – Participó en la Nouvelle Vague e hizo cine negro, pero sin embargo su mayor popularidad en cuanto a cifras de audiencia la consiguió en sus numerosas apariciones en películas de acción y aventura. Falleció a los 88 años en París, el icónico actor francés Jean-Paul Belmondo.

Posee una larguísima y extensa carrera profesional como intérprete, no sólo en cine, sino que también en televisión. Además, desde 1962 hasta 2017 fueron quince los documentales que se refirieron a algún que otro aspecto de su vida.

Belmondo actuó en más de 80 películas. Desde su salto a la fama con “Sin aliento” (1960) de Godard, participó en recordados filmes como “Léon Morin, sacerdote” (1961), “Pierrot el loco” (1965), “Las tribulaciones de un chino en China” (1965), “Borsalino” (1970), “Pánico en la ciudad” (1975), “El profesional” (1981), “El marginal” (1983), “Rufianes y tramposos” (1984), o “Las cien y una noches” (1995), sólo por citar algunas de sus notables apariciones cinematográficas como actor.

Jean-Paul fue asimismo un icono de la cultura popular. A modo de ejemplo citar que Jean-Michel Charlier y Jean Giraud se inspiraron en él para crear su famoso personaje de cómic «Blueberry» (1963), e igualmente Belmondo cedió sus rasgos para otro personaje similar, «Goldrake», que fue editado en Italia pero también con traducción en francés. Y por poner otro ejemplo, en la película de animación japonesa “Las mil y una noches” (1969), el rostro del héroe Aladino adoptaba los rasgos de Belmondo.

El carismático actor sufrió uno de sus mayores golpes en la vida el 19 de septiembre de 2019, momento en el cual falleció el actor Charles Gérard, al que estaba muy unido desde que se conocieron en 1948 en un gimnasio de boxeo y compartieron la pasión por el deporte. Durante su vida, Jean-Paul se casó varias veces y tuvo numerosos hijos.

Tras la muerte de Belmondo, su abogado, Michel Godest, quien anunció la noticia en una declaración, dijo: “Estaba muy cansado desde hacía tiempo. Falleció en silencio”.

ESTRENÓ EN SALAS DE CINE “CHAVALAS”

4 septiembre 2021 – Llegó a los cines el debut en los largometrajes de ficción de la documentalista Carol Rodríguez Colás.

“Chavalas” cuenta la historia de cuatro chicas de un barrio de Cornellà de Llobregat, amigas inseparables de la adolescencia, vuelven a reencontrarse en el barrio para revivir la amistad que las unió, compartir nuevas aventuras juntas y hacer frente a los dilemas que las rodean. Casi sin darse cuenta, se ayudarán a tomar decisiones importantes en sus vidas. El paso del tiempo y lo distintas que son no será excusa para que su amistad prevalezca sobre todo lo demás.

“La película no aborda el barrio desde la exotización, ni la reducción de su imagen al folclore al que ha sido sometido especialmente por la industria musical. “Chavalas” es una apuesta fresca y naturalista que retrata la esencia de la periferia, sin asociarla a la marginalidad que se le ha atribuido a menudo. Un barrio real, vibrante y lleno de vida, donde cuatro amigas de toda la vida viven situaciones llenas de verdad, humor y emoción”, comenta Carol Rodríguez Colás, directora.

UN HOMENATGE A ÁNGELA MOLINA

27 agost 2021 – L’Acadèmia del Cinema Català i l’Academia de Cine Español tornaran a agermanar-se el pròxim mes de setembre per retre un homenatge mutu a les seves premiades honorífiques, les actrius Carme Elias, Gaudí d’Honor – Miquel Porter 2021, i Ángela Molina, Goya d’Honor 2021. Fruit de l’estreta col·laboració que mantenen les dues entitats, les actrius compartiran amb el públic a Madrid i a Barcelona dues de les pel·lícules més significatives de les seves filmografies, amb la col·laboració de la Filmoteca de Catalunya a la ciutat comtal.

Carme Elias, Gaudí d’Honor-Miquel Porter 2021, rebrà l’homenatge de l’Academia de Cine el 8 de setembre a la seva sala (19 hores), amb la projecció de La distancia más larga, de Claudia Pinto Emperador. El passi es completarà amb una trobada entre l’actriu i la directora, en la qual també participarà el cineasta Javier Fesser, director de Camino. La junta de l’Acadèmia catalana va reconèixer la trajectòria d’una actriu icònica que ha treballat a la pantalla, als escenaris i al doblatge durant cinc dècades. En la seva filmografia destaquen pel·lícules emblemàtiques com “L’orgia”, “Pont de Varsòvia”, “La flor de mi secreto” o “Quién te cantará”.

L’endemà, l’Acadèmia del Cinema Català reconeixerà a Barcelona la trajectòria excepcional d’Ángela Molina, «la seva autenticitat, el seu talent indiscutible i la seva especial sensibilitat”, tal com va fer l’Academia de Cine el passat mes de març. Serà el 9 de setembre a les 19 hores a la Filmoteca de Catalunya, amb la projecció de “Lola”, de Bigas Luna. Filla, germana i mare d’artistes, l’actriu, cantant i ballarina ha treballat amb alguns dels cineastes espanyols més destacats, com Buñuel, Almodóvar, Borau, Gutiérrez Aragón, Jaime Chávarri, Jaime de Armiñán, Josefina Molina, Jaime Camino o Pablo Berger.

DESPEDIDA A DAVID “COCO” BLAUSTEIN

24 agosto 2021 – Este mismo martes 24 habría cumplido 68 años de edad. El pasado día 16 falleció en Buenos Aires el cineasta argentino David “Coco” Blaustein, todo un referente del cine documental sociopolítico y latinoamericano.

Su obra más notoria fue “Cazadores de Utopías” (1996), en la que hacía referencia al movimiento Montoneros, pero no obstante en su cinematografía siempre trató aspectos importantes desde un prisma al que otros directores no habían llegado o cubierto; por ejemplo, en “Botín de Guerra” hablaba en torno a las Abuelas de Plaza de Mayo; en “Porotos de soja” lo hacía alrededor del tema del conflicto ocurrido entre los productores agropecuarios de soja y el gobierno en 2008; en “Fragmentos Rebelados” se refería a la figura del cineasta y militante Enrique Juárez; en “La cocina de la ley” incidía en la Ley de Medios más favorable al trabajo periodístico que ha existido nunca en país alguno; y en “Se va a acabar” comunicaba con imágenes y testimonios acerca de la lucha sindical en contra de la dictadura.

A lo largo de su extensa filmografía, Blaustein supo utilizar el lenguaje del género documental para ponerlo al servicio del uso de la Memoria y se erigió como un referente del cine sociopolítico argentino. También fue productor y conductor radial. En sus condolencias, la Asociación de Documentalistas de la Argentina (DOCA), a la que él pertenecía, indicó que “el lugar que ocupó hasta hoy será difícil de relevar, pero Blaustein deja también el legado de los sueños colectivos”.

David Blaustein, nacido en Buenos Aires el 24 de agosto de 1953, había cursado estudios en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de México y en el Instituto Oficial de Radio Televisión Española, lugar donde trabajó con Fernando Birri, Humberto Ríos, Adolfo García Videla y Jorge Denti.

Fundador de la productora Zafra, actualmente se encontraba preparando un documental sobre su madre, “La Blaustein”, proyecto vinculado a su pasión por el cine que desgraciadamente nunca verá la luz.

RUEDAN EL FILM “MATAR CANGREJOS”

21 agosto 2021 – El director Omar Al Abdul Razzak, autor de los documentales “Paradiso” y “La Tempestad Calmada”, se encuentra rodando su primera película de ficción, “Matar Cangrejos”.

El film participó en el Laboratorio de creación de guiones de la Fundación SGAE, en la segunda edición de La Incubadora (The Screen) de la ECAM y en la primera edición del programa Match! Me del Festival Internacional de Cine de Locarno. Es una producción de Tourmalet Films en coproducción con IJswater Films (Países Bajos). Entre sus trabajos destacan “Paradiso” (Omar Al Abdul Razzak), “El Arte de Volver” (Pedro Collantes), “Oscuro y Lucientes” (Samuel Alarcón), o las coproducciones “Stockholm” (Rodrigo Sorogoyen), “Doble Yo” (Felipe Rugeles) y “La última primavera” (Isabel Lamberti).

La trama se desarrolla en Tenerife en los años 90 y cuenta la historia de dos hermanos. Rayco, de 7 años vive fascinado por la llegada de Michael Jackson a la isla, y por un ermitaño que vive en una cueva frente al mar. Paula, de 13, afronta el inminente desahucio de su abuela vagando por hoteles abandonados en la costa.

Los protagonistas son Paula Campos y Agustín Díaz, dos niños elegidos tras un largo periodo de casting. Además, el reparto está formado por Sigrid Ojel y otros actores no profesionales de la isla de Tenerife.

Cuenta con la financiación del ICAA, Gobierno de Canarias, TEA Cabildo de Tenerife, MEDIA Europa Creativa y con la participación de la Televisión Canaria. La distribución está a cargo de Filmax.