Inicio » ENTREVISTAS »MOSAICO DEL CINE LATINOAMERICANO » Leyendo en este Momento:

Oscar Ruiz Navia habla sobre «Los Hongos», reconocida en Locarno

El director Oscar Ruiz Navia sigue describiendo en sus películas los diferentes ingredientes que se suman para conformar la rica y diversa sociedad que es Colombia y aquéllos otros que suelen ser un marcado punto de discordia, controversia, preocupación o impedimento entre sus habitantes. Rodada en Cali y galardonada en Locarno con el Premio Especial del Jurado de Cineastas del Presente, «Los Hongos» es una película que de ninguna manera va a dejar indiferente al espectador atento al desarrollo de las vidas de sus personajes, a caballo entre la lucha diaria y la amistad.

El punto de arranque del film es Roberto, un joven grafitero que se gana la vida como trabajador de la construcción y que es despedido de su trabajo cuando descubren que ha robado varios botes de pintura. Expulsado y en problemas con sus vecinos a causa de un amplio mural de pintura que él está formando en un solar abandonado, decide desplazarse a través de la ciudad en busca de Eduardo, otro joven grafitero que, al mismo tiempo, está afrontando la difícil desintegración de su familia y la enfermedad de su abuela.

En una mezcla de lo real, el pasado, los sueños y la ficción, «Los Hongos» retrata la amistad de dos adolescentes que están en caída libre, con sus sueños incumplidos en una ciudad tropical. Ruiz Navia responde a las preguntas de Cinestel:

– Cambiaste el ambiente rural por el urbano, pero sin embargo mantienes algunas características que son comunes a lo que se contaba en «El vuelco del cangrejo». ¿Era esa tu intención?

Sí, así es. Gracias por notarlo, porque algunas otras personas me han dicho que hice como un cambio trascendental en mi cine. Lo que yo podría comentar al respecto es que cada película tiene su forma de ser dependiendo del universo que uno esté explorando. Aquella primera película fue rodada en un pueblo lejano de pescadores que tiene unas normas en el tiempo que nos llevaban a una propuesta un poco más pausada, contemplativa. Esta película, «Los Hongos», es una historia que sucede en la ciudad de Cali y explora un universo que es mucho más frenético y hay más colorido porque es un filme que tiene muchos más personajes que en «El vuelco del cangrejo». Entonces esto me llevó a asumir la parte estética de pronto con algunas diferencias, sobre todo a nivel del manejo de la cámara y del montaje de algunas situaciones.

Sin embargo, como bien lo decías, lo que se mantiene un poco en ambas películas es el trabajo de inmersión que hago en los universos y con los actores, porque el método que yo utilizo está basado en la investigación de las propias vidas de los intérpretes que escojo, y en este caso ese factor nos llevó igual mucho tiempo buscando a los personajes y permitiendo que estas personas que habíamos encontrado permearan el guión de la película e hiciéramos un trabajo en el set muy similar, donde había un guión base pero se dejó mucho lugar a la espontaneidad y a la improvisación. Casi que los actores se vuelven parte del equipo de guión, son poco más o menos que guionistas de la película al proponer frases enteras, temas enteros, y esto es algo que a mí me gusta mucho hacer porque permite que las películas de alguna manera se complejicen y también encuentren situaciones y puntos de vista únicos, puesto que realmente la naturaleza de esas personas que están ahí en frente de la cámara es algo que yo no puedo a veces controlar, sino que ellos aportan todo lo que tienen de una manera muy natural.

También hay ciertas temáticas que se mantienen, como puede ser el tema del pueblo afrodescendiente en mi país que es una cultura que siempre me ha interesado, donde está el tema de nuestros ancestros africanos, la música y cómo estas personas en Colombia han tenido que salir adelante y han tenido que luchar contra muchos obstáculos. En «Los Hongos» quería, a pesar de todas esas dificultades y esos problemas que hay alrededor de todos estos personajes, mostrar cómo ellos a pesar de todo eso, no se rinden y siguen adelante dando un poco de vida y de esperanza al espectador.

– ¿Cómo definirías a los grafiteros que presentas en el filme? ¿Son personas que quieren dar a conocer su obra?

Oscar Ruiz Navia

Oscar Ruiz Navia

Ellos son un grupo de grafiteros que escogí con base en un trabajo de investigación que hice por varios meses en los que me fui involucrando en la escena de grafitti de Cali, que no es tan grande como uno pensaría. De todas maneras, es una ciudad intermedia del sur de Colombia y en Bogotá, por ejemplo, hay muchísimos más grafiteros. Entonces después de ese trabajo de campo, decidí que las personas que quedaron en la película eran las más indicadas para participar y precisamente ellos decidieron entrar y hacer esta colaboración, pues sabían de la importancia de dejar plasmada ahí una huella en la película y que eso iba de alguna manera a inmortalizar, por decir algo, su propuesta.

Ellos son evidentemente personas que se dedican a eso y los personajes que interpretaron en la película son ellos mismos. Yo les di algunas indicaciones sobre lo que tenían que hacer o decir, pero en la mayoría de cosas antes fue al contrario, porque ellos me iban guiando en el sentido de hacerme ver que algunos tipos de situaciones no funcionan en el mundo del grafitti, o lo que sí es acorde. Por ejemplo, hay una discusión que tienen sobre si unos trabajan con muchas letras y otros con muchos dibujitos, que está en la película porque es una polémica que surgió en los momentos previos al rodaje y como me pareció que era un conflicto muy propio de ese mundo, decidí incluirlo.

La obra que realizaron para la película fue una propuesta de ellos, porque querían representar lo que llaman la revolución submarina. Fue algo sobre lo que trabajamos en varios muros antes de la filmación para poder ir agarrando el tono, y a mí me parecía interesante que la propuesta visual de la obra que iba a quedar en la película, surgiera de ellos mismos.

– Al igual que hiciste en tu primer largometraje, en éste has empleado imágenes de receptores de televisión en funcionamiento con algunas noticias del momento. En «Los Hongos» se ve al presidente Uribe diciendo en un discurso que «Colombia es pasión». A mí lo que me pareció es que todo ese mundo televisivo que muestras es como que está en otro universo diferente que no conecta con lo que estás mostrando en la película. Desconozco si tu intención fue esa.

Sí, pues la escena del presidente Uribe es un poco una especie de sátira. Ya afortunadamente este señor no está en el poder, pero durante un tiempo sí lo estuvo y siempre iba tirando ese discurso de derecha que a veces es un poquito peligroso porque viene a decir que todos somos buenos, algunos malos, este país es maravilloso, aquí no hay problemas,… como «Colombia es pasión», que era un eslogan de ese gobierno para tapar los problemas, meterlos debajo de la alfombra y decir que el país es una maravilla cuando, aunque sí lo es, tiene muchas complejidades, corrupción y desigualdades.

Esa escena en particular surge a partir de una sensación que tuve durante los ocho años de gobierno de este presidente, donde él controlaba todos los medios de comunicación, todos los canales, y llegábamos a la exageración de que aun cambiando de canal, él estaba presente ahí todo el tiempo, y es un tipo de presencia que ya no queremos que exista más.

Evidentemente, en «El vuelco…» y en «Los Hongos» incluyo estos contextos que se transmiten a través de los medios de comunicación como una cuestión muy personal, donde siempre he querido tener en cuenta el conflicto que hay en mi país y de alguna manera sugerir que hay cosas que no están funcionando bien en Colombia, aunque haya personas que estén tratando de crear una nueva mirada, un nuevo camino y en esta película encaja bien porque precisamente los Hongos son esos seres vivos que surgen en algunos contextos de podredumbre y que se resisten a morir, a desaparecer en el medio de ese contexto tan problemático.

Para mí, al hablar de política en una película no le veo el mayor problema. Hay muchos artistas que critican a los otros artistas que hablan de política, pero yo pienso que toda la película es muy política. No importa que hable propiamente de temas de presidentes o de alcaldes sino que de alguna manera cada película transmite unas ideas a la sociedad. Entonces creo que es importante ser consciente de ese poder que tiene el cine y tratar de generar en el espectador preguntas y reflexiones más que respuestas, que les permitan pensar en una sociedad diferente. Para mí es muy importante ese tema de lo político en Colombia.

– Tal vez hay algunos conflictos que puedan permanecer silentes para el espectador, pero que ahí están en esta historia, en los personajes, y que son por ejemplo la represión que sufren los grafiteros y la proliferación de nuevas iglesias. Me pareció que es un contraste que hay en la película.

Yo en «Los Hongos» quería evidenciar diferentes universos que existen en paralelo, como pueden ser el de los jóvenes, el del padre, el de la abuela o la madre. No pretendía entrar a juzgarlos sino simplemente dejarlos allí en el ambiente, porque tampoco me interesa entrar a juzgar estas iglesias. Simplemente quiero constatar que hay un fenómeno social muy grande en Cali, en Colombia, y creo que en otras partes de Latinoamérica con el tema de la religión. Yo personalmente no soy miembro de ninguna iglesia pero en este barrio donde filmé la película pues uno ve muchas personas que han entrado a formar parte de ese tipo de confesiones y que están allí empezando a dejar su alma, su dinero y su esfuerzo en esos lugares.

Es entendible un poco la situación, porque muchas de estas personas que viven en estos barrios son gente que han vivido la violencia en Colombia, que son desplazadas del campo y han sufrido y han visto cosas horribles, y cuando llegan a la ciudad encuentran allí esa posibilidad de resarcir su alma. Entonces, yo entraría a juzgar ese tipo de instituciones como las iglesias de una manera muy respetuosa porque creo que obedecen también a un contexto social y a una crisis moral y social que vive Colombia, donde de todas maneras, como la película lo constata, siempre hay esperanza y siempre hay formas de seguir adelante, aunque en el pasado hayan existido actos violentos y actos reprochables.

– Cuando un grafitero dice «Yo quiero pintar a mi madre», ¿se está refiriendo quizá a valores que se quieren subrayar a consecuencia de ciertas rupturas que hay en el ámbito de la gente que se ha tenido que desplazar dentro del país?

Los_HongosAhí sí que es muy simbólico porque creo que, por ejemplo, parte del final de la película que es llegar a un árbol es como un símbolo del origen, y lo mismo la madre. Yo pienso que la rebeldía en el caso de esta película no obedece a ir en contra de los propios seres de uno, sino más bien que la abuelita de uno sea como un soldado del ejército de uno. Es una posición bastante punkera poner al papá, a la abuela o a la madre al frente del ejército. Eso es una cosa muy personal. Yo soy una persona muy familiar. Me gusta mucho mi familia. De hecho trabajo con mi madre en la productora y forma parte del equipo de producción de la película. Lo mismo con mi papá que actúa en la película, mi abuela,… osea, que siempre he considerado que la familia no es esa institución conservadora a la cual hay que huirle, sino que hay que cambiar ese concepto de familia creando nuevos paradigmas de lo que puede ser y creo que en definitiva, hay algún homenaje a la madre como figura esencial en cualquier ser humano y al final de todo siempre están esas raíces. Siempre todos llegamos a ese origen y desde allí es que podemos desarrollar nuestros sueños y nuestros deseos.

– ¿Las imágenes en las que se ve circulando la bicicleta en conjunto con la tabla de patinaje son muy comunes en el paisaje urbano de Colombia?

Sí, claro. Hay gente que monta tabla y otros montan bicicleta. Obviamente hay quienes son más expertos en el tema y pueden arriesgarse un poco a hacer este tipo de piruetas-maniobras. No te diría que es una cosa que se ve cada cinco minutos pero sí se ve, y esa escena especial donde están ellos juntos es en un túnel en el que está prohibido montar bicicleta. Eso era como un acto de rebeldía de los muchachos, que se meten a un lugar donde no se pueden meter y por eso hacen un boicot y el tráfico se enloquece un poco porque ellos van por ahí montando. Era una escena de cierta epifanía, como para crear una emoción de que en ese momento los chicos están apoderándose de la ciudad.

A mí me parece que el arte del grafitti lo que tiene interesante es que es una manera de apropiación de la ciudad que es diferente. Lo mismo que todo ese tipo de deporte extremo, los que hacen skate, parkour o que montan bicicleta, son individuos que asumen la ciudad y que se apropian de ella recorriéndola a través de lo que hacen. Es una manera de ver que en un lugar donde hay tanta violencia y tantos problemas, no podemos encerrarnos y tener miedo, sino que tenemos que salir y apropiarnos de nuestro espacio.

– En lo que se refiere al tratamiento de las imágenes se nota una diferencia notable en lo que es la técnica empleada. En «El vuelco del cangrejo» usasteis la cámara en mano y planos con trípode y observando bien percibí que habéis contado con mayores recursos en esta segunda película respecto a la primera, tanto en los travelling como en otras escenas, con la participación de la directora de fotografía Sofía Oggioni. ¿Fue así?

Sí claro, esta es una película que se realizó con muchos más recursos que en «El vuelco del cangrejo». Aquel fue un filme hecho de una manera muy austera. Teníamos una cámara 16mm con muy poquito material virgen, entonces tuvimos que controlar mucho cada imagen y esto llevó a una cierta estética más pausada. Realmente la mayoría de «El vuelco…» se hizo en trípode, salvo algunos pasajes, y evidentemente teníamos un equipo muy limitado de luces, que casi no habían, sin accesorios de cámara, sólo el trípode.

Sofía también fue la fotógrafa de «El vuelco del cangrejo». Es una persona con quien yo he venido trabajando hace más de doce años porque hicimos la universidad juntos y más tarde cortometrajes, por lo que ha sido todo un proceso de crecimiento paralelo. Obviamente, ella entre las dos películas realizó otros proyectos, otras películas, y entonces al entrar a «Los Hongos» llega cargada de nuevas experiencias y más conocimiento.

En esta película hemos trabajado por primera vez con steadycam y esto efectivamente nos permitía hacer cierto tipo de imágenes, sobre todo travellings, y ciertos planos que son en movimiento que con esa técnica se ven mucho más elegantes y no quedarían tan checkin si hubiesen sido solo cámara en mano. Yo no sé si es una evolución, pero yo diría simplemente que es un cambio, también debido a que es una producción que es mucho más móvil que «El vuelco…», que era una película que sucedía en un solo espacio donde el protagonista estaba estancado, mientras que «Los Hongos» trata sobre unos jóvenes que están en movimiento. Para mí era muy importante transmitir esta circunstancia desde la puesta de cámara y Sofía evidentemente es una persona a quien yo agradezco muchísimo por todo lo que aportó a la película, como siempre lo hace en los proyectos que desplegamos. Lo mismo la directora de arte que es Daniela Schneider, de México, y que habitualmente trabaja con Amat Escalante. Ella vino desde su país a trabajar conmigo y su trabajo ayudó mucho a la parte de fotografía.

– Por último, me quería referir a la autenticidad que muestran los personajes de tus películas y que también lo vimos en un corto como «El solecito», aspecto que yo destacaría que es como un valor añadido, porque no incorporas gente que se tiene que hacer cargo de ese tipo de personaje, sino que le aportan a estas películas un valor que es indispensable.

Gracias. Ese es el reto que he tenido en estas tres películas que llevo rodadas como director. Mi apuesta ha sido la de crear un universo de ficción a partir de personas que existen, que actúan de sí mismas, que al final construyen unos personajes pero que son personas que están muy próximas a lo que son ellos mismos. Evidentemente hay ciertas cosas que no son así en la vida real, como que Calvin no es el nieto de esa señora, pero por ejemplo él en la vida real tiene una abuela también y es por eso que la distancia entre el personaje y la persona es muy pequeña. En ese sentido casi que todo se vuelve como un documental de esas personas en medio de una estructura de ficción. Este es todo el cuento que me llena de mucha fascinación. Es muy difícil trabajar en este tipo de propuesta porque no hay mucho control a veces de las cosas y entonces en el set, por ejemplo, hay que trabajar mucho más tiempo de lo normal. Cuando tienes un actor que se aprende una línea y repite, de pronto hay como más velocidad, pero hay que tratar de capturar momentos de realidad y para eso se necesita que haya un set cómplice, una cantidad de profesionales que estén ahí detrás de la cámara en función de esas personas que están frente a ella. Ahí hay una dificultad, pero justo es lo que me ha interesado desarrollar en estos proyectos y quiero seguir haciéndolo. Es algo que me motiva mucho y me gusta.

©José Luis García/Cinestel.comLos Hongos_Oscar Ruiz Navia

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL.COM/ FUNDADA EN JULIO 2005

Cinestel, más de 15 años

FESTIVAL CINEMA JUEU 2020


FILMOTECA AMB ÉRIC ROHMER

Filmoteca de Catalunya: El confinament va impedir programar un dels cicles més esperats de l’any, el que homenatja Éric Rohmer. El 21 de març va fer 100 anys del seu naixement, i el gener passat en va fer 10 de la seva mort, i la Filmoteca no podia renunciar a recordar-lo amb la retrospectiva Éric Rohmer: el cel·luloide i el marbre, vertebrada a partir de l’article del mateix títol que Rohmer va publicar el 1955 a Cahiers du Cinéma, on reflexionava sobre altres arts com la novel·la, la pintura, la poesia, la música i l’arquitectura. Aquesta visió transversal de les diverses disciplines la trasllada més endavant a una sèrie de documentals televisius i ficcions.

La Filmoteca ja va homenatjar Éric Rohmer fa deu anys, amb motiu de la seva desaparició, amb la projecció de tots els seus llargmetratges per a cinema. El cicle actual reuneix aquests materials televisius i els relaciona amb alguns films de ficció, que mostren com el gust per la bellesa del cineasta de la Nouvelle Vague va despertar el seu interès per la resta d’arts i la creença ferma que el cinema s’havia de nodrir de totes elles.
(més informació del cicle)

ALL ROADS LEAD TO BARCELONA

One of the best ways to follow what’s going on at the movie theaters area and what the next innovations are representing for the movies distribution industry, is taking a look at CineEurope coverage released on our site Cinestel.com

Una de les millors maneres de seguir tot el que està passant al voltant del àrea profesional de les sales de cinema i també d’allò que les següents innovacions representen per a la indústria de distribució de pel·lícules, és fent una ullada a la cobertura de CineEurope feta pel nostre lloc web Cinestel.com

This is a links’ summary (most of the reports and interviews are written in Spanish):

Aquest és un sumari en anglès dels enllaços a notícies i entrevistes:

FILMOTECA: AULA DE CINEMA

FILMOTECA PER A LES ESCOLES

SESSIONS FAMILIARS A LA FILMOTECA

Infantils Tortell Poltrona

Una de les missions de la Filmoteca de Catalunya és acostar el cinema als més petits, fer-los descobrir el plaer de veure cinema de qualitat a la pantalla gran i adonar-se’n de la riquesa de tots els seus detalls. Per aconseguir-ho, cada setmana ofereix dues sessions específicament adreçades als infants i les seves famílies. En concret, les sessions tenen lloc els dissabtes i diumenges a les 17:00h.

El programa proposa films de totes les èpoques i de tots els països, films adreçats als més petits i a les seves famílies, films que permetran als petits gaudir de l’espectacle fílmic i, als grans, redescobrir la il·lusió del cinema. Les pel·lícules que projecten en aquestes sessions infantils de caràcter familiar han estat escollides pel seu valor pedagògic i cinematogràfic.
(Vull saber-ne més)

Infantils Doraemon

SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

Sylvette Baudrot 260

ENTREVISTAS

“Giro de Ases”, una comedia romántica con toques fantásticos

Película Giro de Ases Entrevista a Sebastián Tabany

La magia es ilusión, la magia es sorpresa y siempre nos provoca buena vibra por la simpatía que nos transmite. Por eso, esta comedia romántica nos atrapa con su propuesta y con sus actores protagonistas…

FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

PRIMERA SALA 4DX EN CATALUNYA

Los Cines Filmax Gran Via ya ofrecen a sus espectadores la primera sala en Cataluña con tecnología 4DX. Y lo hacen de la mano de la compañía surcoreana CJ (www.CJ4DX.com), líder mundial en el sector.

El sistema 4DX incorpora en la proyección hasta un total de 21 efectos sincronizados. El espectador tiene la oportunidad de ver los principales estrenos de cartelera con efectos de movimiento, aire, agua, calor, aromas, vibraciones, además de elementos metereológicos como niebla, viento, rayos y burbujas.

Esta tecnología puntera consigue que los efectos se sincronicen con la acción y el sonido de la pantalla, de manera que los espectadores experimentan una inmersión 360 grados en la película.

Conoce más detalles sobre cómo funciona, en este artículo publicado en Cinestel en el año 2016.

PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL ARGENTINA

‘La producción audiovisual y su respaldo jurídico’ es el libro más reciente de Julio Raffo, un texto de lectura y de consulta imprescindible para los distintos profesionales de la industria del cine que deseen estar al tanto sobre cómo se regula en la Argentina la actividad productiva que conlleva la realización de películas, atendiendo no solamente a disposiciones legales y su marco regulatorio, sino que también a ejemplos prácticos y anécdotas. (saber más)

CRíTICAS CINE LATINOAMERICANO

“Los Fuertes”, de Omar Zúñiga; todo el amor contra viento y marea

Reseña de la película Los Fuertes de Omar Zúñiga

El relato ocurre desde que Lucas va a visitar a su hermana que vive en una localidad costera muy cercana a Valdivia. Allí conoce a Antonio, quien trabaja como contramaestre en un pequeño barco pesquero que sale a…

Camilo Restrepo sacude la Berlinale con su nuevo film “Los Conductos”

Reseña de la película Los Conductos de Camilo Restrepo

El relato comienza con Pinky, su protagonista, huyendo de noche en moto en el medio de esos ambientes marginales que para unos son incompresibles y para otros, lo más normal del mundo.

“Los Lobos”, de Samuel Kishi Leopo; niños migrantes a EE.UU.

Berlinale Reseña de Los Lobos de Samuel Kishi Leopo

Proyectada en la sección Generation K-plus de la 70 Berlinale, donde “Los Lobos” recibió el Gran Premio del Jurado, la película se centra en el sacrificio que Lucía tiene que hacer para mantener a sus…

“Nuestras Madres”; víctimas quieren acabar con el silencio histórico

Reseña de la película Nuestras Madres dirigida por César Díaz

Con una mezcla de actores profesionales con otros naturales, el film aborda por un lado las afectaciones a nivel íntimo y por el otro los lentos pasos que la justicia va dando para resolver este tema.

“Monos”, de Alejandro Landes; violencia y alienación humana

Reseña de la película Monos de Alejandro Landes

La acción se desarrolla en un campamento de verano donde un sargento paramilitar vigila a los ocho niños que lo componen. Allí tienen como rehén a una doctora estadounidense que ha sido secuestrada.

SIGUE EL RODAJE DE “COMPETENCIA OFICIAL”

22 septiembre 2020 – Tras una larga pausa a consecuencia de la crisis sanitaria, los argentinos Mariano Cohn y Gastón Duprat acaban de reanudar el rodaje de su nueva producción “Competencia Oficial”. Penélope Cruz, Antonio Banderas y Oscar Martínez son los protagonistas del film.

Durante el confinamiento, los directores han continuado trabajando en el proceso creativo de la película, y así nos lo explican:

Gastón Duprat: “Dentro de todo lo negativo que significa interrumpir un rodaje, hubo algo positivo: hemos tenido un tiempo inusual para estudiar el material ya rodado, y trabajar con microscopio el guion que nos resta filmar. El material que ya tenemos está en un punto muy alto: Penélope, Antonio y Oscar están extraordinarios. Las escenas tienen lo que queríamos: un incómodo mix de tensión y sarcasmo, en un marco estético de mucha fuerza conceptual. Reiniciamos el rodaje con la certeza de que tenemos entre las manos algo realmente poderoso.”

Mariano Cohn: “En este filme están las experiencias y aprendizajes que fuimos guardando después de tantos años de rodajes, como en un cuaderno de bitácora. La película tiene nuestro ADN como directores, pero también el de Penélope, Antonio y Oscar, ya que hicieron un generoso aporte de experiencias propias. En este film van a ver un intenso destilado del universo que mejor conocemos: el de los directores y los actores tratando de hacer una de las cosas, para mí, más antinaturales y complejas del mundo: filmar una película.”

DE QUÉ TRATA LA GANADORA “NORMADLAND”

14 septiembre 2020 – Recién ganó el León de Oro en el Festival de cine de Venecia. “Normadland” es una película dirigida por la directora y productora estadounidense Chloé Zhao, y está protagonizada por la actriz Frances McDormand, quien igualmente coproduce la cinta.

“Nomadland” sigue a Fern (McDormand), una mujer que, tras el colapso económico de una ciudad empresarial en la Nevada rural, carga su camioneta y se pone en camino explorando una vida fuera de la sociedad convencional como nómada de hoy en día. La película presenta a los verdaderos nómadas Linda May, Swankie y Bob Wells como mentores y compañeros de Fern en su exploración por el vasto paisaje del Oeste americano.

“La carretera americana me fascina. Es desgarradoramente hermosa y profundamente complicada. La he recorrido durante muchos años y siempre he esperado capturar un reflejo de ella. Estoy agradecida de haber podido hacer “Nomadland” y emocionada de que el público se una a Fern en su aventura”, dice Chloé Zhao.

Y añade: “En el otoño de 2018, mientras filmaba “Nomadland” en Scottsbluff, Nebraska, cerca del campo congelado de una cosecha de remolacha, hojeé el Desert Solitaire de Edward Abbey, un libro que me regaló alguien que conocí en la carretera. Me encontré con esta cita: «Los hombres van y vienen, las ciudades se levantan y caen, civilizaciones enteras aparecen y desaparecen – la tierra permanece, ligeramente modificada. La tierra permanece, y la belleza desgarradora donde no hay corazones que romper… A veces elijo pensar, sin duda perversamente, que el hombre es un sueño, el pensamiento una ilusión, y que sólo la roca es real. La roca y el sol»”.

“Durante los siguientes cuatro meses, los nómadas iban y venían a medida que viajábamos y filmábamos, muchos guardaron las rocas de sus andanzas, su hogar sobre ruedas impulsado por el sol. Dejaron historias y sabiduría delante y detrás de la cámara. Habiendo crecido en ciudades de China e Inglaterra, siempre me sentí profundamente atraída por el camino abierto, una idea que considero quintaesencialmente americana, la búsqueda interminable de lo que hay más allá del horizonte. Traté de capturar un vistazo de esto en esta película, sabiendo que no es posible describir realmente el mundo de América a otra persona. Uno tiene que descubrirlo por sí mismo” -concluye Chloé Zhao-.

“EL BUEN PATRÓN”, FILM DE LEÓN DE ARANOA

10 setembre 2020 – Reposado PC y MediaPro Studio van anunciar que “El Buen Patrón” serà la nova pel·lícula de Fernando León de Aranoa, protagonitzada per Javier Bardem, la qual cosa suposa la cinquena col·laboració entre el cineasta i la gran productora catalana. Es tracta d’una feroç i divertida sàtira del món de les relacions laborals, que tindrà a Bardem com a protagonista principal, com el “bon patró” al qual al·ludeix el títol.

Básculas Blanco, una empresa de producció de balances industrials en una ciutat de províncies, espera la imminent visita d’una comissió de la qual depèn l’obtenció d’un premi local a l’Excel·lència Empresarial: les coses han de ser perfectes per a aquest moment. No obstant això, tot sembla confabular-se en contra seva. Un antic treballador acomiadat acampa davant l’entrada de la fàbrica, comprometent la imatge de l’empresa; el responsable de producció, sumit en una profunda crisi sentimental, comença a cometre errors que comprometen la productivitat; l’arribada de Liliana posa en perill el precari equilibri sentimental de l’empresa. En el poc temps del qual disposa, Blanco (Bardem) intenta resoldre els problemes dels seus empleats, creuant totes les línies imaginables, la qual cosa dona lloc a una inesperada i explosiva successió d’esdeveniments de conseqüències imprevisibles.

‘El Buen Patrón’ és una comèdia àcida que ofereix una visió corrosiva de les relacions personals i laborals dins d’una empresa familiar, amb el personatge de Javier Bardem com a catalitzador dels esdeveniments”, comenta el director Fernando León de Aranoa.

“És especialment estimulant tornar a treballar els tres junts, Fernando, Javier i Mediapro, després de ‘Los lunes al sol’, una pel·lícula que va significar molt per als tres. Ara, 18 anys després, les nostres trajectòries tornen a coincidir en un projecte que aborda l’entorn soci-laboral des d’una altra perspectiva”, afirma Jaume Roures, copresident de The Mediapro Studio.

OSCARS 2025: INCLUSIÓ I DIVERSITAT RACIAL

10 setembre 2020 – Els Premis Oscar modificaran substancialment el reglament per exigir que les pel·lícules candidates compleixin uns requisits mínims d’inclusió i de diversitat racial. La normativa no s’aplicarà de manera estricta fins a l’edició del 2025.

Els nous requisits, que es van anunciar al marge del cinquè aniversari de la controvèrsia #OscarsSoWhite, i tres mesos després que l’Acadèmia anunciés la seva iniciativa Academy Aperture 25, van ser determinats per un grup de treball encapçalat pels governadors de l’acadèmia DeVon Franklin i Jim Gianopulos i es van modelar segons una plantilla inspirada en les normes de diversitat del British Film Institute (BFI), que s’utilitzen per determinar els requisits de finançament de les pel·lícules al Regne Unit i la elegibilitat en algunes categories dels premis British Academy of Film and Television (BAFTA).

A partir del 2024 totes les produccions que vulguin optar a Millor Pel·lícula hauran de complir un dels tres requisits següents: que al menys un dels protagonistes principals o secundaris importants repressentin minories, que un 30% de secundaris també siguin minories, dones o membres del col·lectiu LGTB, o que el argument se centri en un de aquests grups.

L’ALTERNATIVA 2020, UN FESTIVAL HÍBRID

9 setembre 2020 – El Festival de Cinema Independent de Barcelona, l’Alternativa, arriba enguany a la seva 27a edició. L’Alternativa 2020 estrenarà format híbrid, presencial i online, i se celebrarà del 16 al 29 de novembre en diferents espais de Barcelona i a la plataforma Filmin. Serà una nova oportunitat de descobrir i gaudir de projeccions i activitats que defensen la independència creativa de l’autor, la diversitat, la innovació, la llibertat, el compromís i la reflexió.

En la seva 27a edició el festival presentarà El cinema sobre art. Un segle d’experimentació, un cicle de cinema-assaig organitzat pel Museu Reina Sofia i comissariat per Guillermo G. Peydró, que l’Alternativa presenta en col·laboració amb el MACBA. Aquest cicle acompanyarà al seminari El cinema sobre art, impartit també per Guillermo G. Peydró, i la presentació del seu llibre El cine sobre arte. De la dramatización de la pintura al cine-ensayo (Shangrila, 2019).

GOYAS: TRUEBA COMPETIRÁ POR COLOMBIA

2 septiembre 2020 – La Academia Colombiana de Artes y Ciencias Cinematográficas dio a conocer que “El olvido que seremos”, película dirigida por el madrileño Fernando Trueba, representará a Colombia en las nominaciones a los próximos Premios Goya 2021.

Se trata de un relato íntimo visto desde los ojos del único hijo varón del protagonista que se representa en el filme, Héctor Abad Facilionce, uno de los escritores más destacados de la Colombia contemporánea.

Basada en su libro homónimo, “El olvido que seremos” es una película sobre un hombre bueno, Héctor Abad Gómez (Javier Cámara), destacado médico y activista por los derechos humanos en el Medellín polarizado y violento de los años 70. La historia relata la vida del doctor, padre de familia preocupado tanto por sus hijos como por los niños de clases menos favorecidas, el escenario: la casa, allí donde se respira la vitalidad y la creatividad características de una educación fundamentada en la tolerancia y el amor.

Nada hace prever que una terrible enfermedad terminará con la vida de un ser querido. La tristeza y la rabia por la pérdida de un ser excepcional, llevará a Héctor a entregarse, con toda su alma, a la causa de abrir los ojos a una sociedad intolerante que no solo no lo escucha, sino que lo perseguirá́ hasta acallarlo.

El film es un proyecto liderado por Caracol Televisión, producido por Dago Garcia Producciones (DGP) y distribuido internacionalmente por Film Factory. Actualmente la película cuenta ya con acuerdos de distribución internacional con Cohen Media Group para USA y Reino Unido, Nour films en Francia y Lucky Red para Italia.

ESTRENA “EL GLORIOSO CAOS DE LA VIDA”

21 agosto 2020 – Llegó a las salas de cine “El Glorioso Caos de la Vida”, una película australiana sobre una adolescente que sufre una grave enfermedad y se convierte en la peor pesadilla de sus padres cuando se enamora locamente de Moses (Toby Wallace), un traficante de drogas. Pero, cuando Moses se convierte en la única razón para vivir de Milla, la moral tradicional de sus padres comienza a desaparecer. La joven aprende a vivir como si no tuviera nada que perder y a disfrutar de cada minuto como si fuera el último y, con ella, su familia también aprende a disfrutar de esa forma.

Según Shannon Murphy, la directora: “Con esta historia quería encontrar un lenguaje cinematográfico que lograse plasmar el peculiar tono irreverente y emotivo del guion que tan ingeniosamente escribió Rita Kalnejais. El reto de equilibrar esa dualidad de humor y dolor en cada fotograma me motivó muchísimo. No podía dejar nada al azar para representar genuinamente a nuestra protagonista, Milla, quien, con 15 años, está a punto de sentirse más viva que nunca y, a la vez, se enfrenta súbitamente con su propia mortalidad”.

“El lenguaje de la película cuenta con modernas interrupciones en forma de texto, música y roturas de la cuarta pared que nos permitirán adaptarnos y movernos al ritmo acelerado de Milla. Ella se enamora de Moses, al cual ve como una oportunidad para llevar el límite al extremo. A medida que profundizamos en la vida de los padres de Milla, descubrimos la disfuncionalidad y las complejas tensiones que surgen cuando esta familia se enfrenta a su peor pesadilla: quedan reducidos a la versión más cruda de ellos mismos. Espero que el público tenga una experiencia visceral viendo “El Glorioso Caos de la Vida”, que la sientan en lo más profundo de sus huesos y les haga sentir dolor y alegría por sus propias relaciones”.

ESTRENA FILM “ALBA” EN ARGENTINA

20 agosto 2020 – Llegó a la sala de cine virtual de Puentes de Cine el estreno en Argentina de la película “Alba”, de la directora ecuatoriana Ana Cristina Barragán, cinta premiada en el Festival de Rotterdam la cual pasó por numerosos festivales.

La realizadora explicaba: “Quiero alejarme de una narrativa fría y trabajar desde el instinto, explorar el contraste entre ternura y dolor de una niña que se hace adulta. La enfermedad, la sangre, los vellos; el descubrimiento y florecer de una feminidad extraña, a veces tosca”.

“Alba” es la historia de una niña de once años que tiene a su hermana internada en el hospital y que debe mudarse a casa de su padre, a quien casi no conoce. Los intentos del poco conocido por acercarse a ella, las primeras amigas, el primer beso, las visitas a la madre en el hospital, son estímulos que marcan el camino de Alba hacia la entrada a la adolescencia y a la aceptación de su familia.

Crítica de la película

LUCRECIA MARTEL RECONOCIDA EN LOCARNO

14 agosto 2020 – El jurado de la competencia The Films After Tomorrow, nueva sección del Festival de Locarno organizada este año con motivo de la crisis de 2020, ha decidido elegir a un todavía inacabado proyecto de Lucrecia Martel como Mejor Película de esta edición de carácter virtual.

Nadav Lapid, Lemohang Jeremiah Mosese y Kelly Reichardt han sido los encargados de evaluar para este certamen cinematográfico los proyectos que se habían presentado, por cuyo premio Martel consigue 70.000 euros más que vienen acompañados por este reconocimiento internacional.

La cineasta argentina presentaba “Chocobar”, un documental que gira en torno a la reconstrucción del asesinato del activista Javier Chocobar ocurrido en 2009, lo cual la lleva a hacer una reflexión sobre la colonización y la represión de los pueblos originarios.

La inquieta directora describe su primera película de no ficción como un “documental híbrido y creativo” sobre el asesinato del activista indígena por un terrateniente blanco. Después de una década de investigación, “Chocobar” se encontraba en una etapa clave de la producción cuando se interrumpió por motivos inherentes a esta extraña crisis y limitación de movimientos que actualmente padecemos.

Asimismo el jurado de la Sección de cine suizo del Festival de Locarno, premió por su parte como Mejor Película, a otro proyecto ambientado en la Argentina, “Zahorí”, filmado por Marí Alessandrini en la provincia de Córdoba, sobre la amistad entre una chica de 13 años de la zona del Ticino y un mapuche de la Patagonia.

XIII PREMIS GAUDÍ: OBREN LES INSCRIPCIONS

29 juny 2020 – L’Acadèmia del Cinema Català ha acordat flexibilitzar temporalment els criteris per concórrer als Premis Gaudí, atès el tancament obligat de sales comercials per la crisi sanitària i la cancel·lació d’algunes de les estrenes cinematogràfiques previstes el primer semestre de l’any. Avui dilluns, 29 de juny, comença el període d’inscripcions als seus guardons, que romandrà obert fins al 6 d’octubre a les 14 hores. Les Bases d’aquesta tretzena edició recullen que podran participar-hi aquelles produccions catalanes (llargmetratges de ficció, documentals i d’animació) estrenades a sales durant el 2020 (amb una permanència en pantalla de, com a mínim, 7 dies no consecutius), i de forma excepcional per a aquesta edició, les produccions audiovisuals estrenades entre el 14 de març i el 31 d’agost a canals de televisió i catàlegs de programes operants a Catalunya, tal i com preveu el Decret 17/2020 del Ministeri de Cultura del passat 5 de maig.

Als efectes dels Premis Gaudí, es considera ‘pel·lícula catalana’ la que està participada en un mínim del 20% per una productora domiciliada a Catalunya i acredita la participació de talent català almenys amb sis punts, segons els criteris recollits a les Bases.

Degut a la situació actual d’incertesa en relació a l’evolució de la pandèmia, la data de la gala es manté oberta a partir del 23 de gener de 2021, i el calendari de la cursa es farà públic més endavant.

Curtmetratges i pel·lícules europees

Pel que fa als curtmetratges, podran participar-hi tots els curts qualificats entre l’1 d’abril de 2019 i el 30 de setembre de 2020, i que no s’hagin presentat a l’anterior edició dels Premis Gaudí. Tots els curtmetratges inscrits seran valorats per una comissió de selecció externa designada per la Junta directiva de l’Acadèmia, que seleccionarà la desena de curts (màxim 15) que passaran a ser candidats als Premis en la categoria de Millor curtmetratge.

De la mateixa manera, una comissió de selecció s’encarregarà d’escollir les sis pel·lícules europees candidates a Millor pel·lícula europea i que passaran a la primera ronda de votacions, entre aquelles estrenades a Catalunya entre el 26 d’octubre de 2019 i el 23 d’octubre de 2020.

Les Bases que regeixen la XIII edició dels Premis Gaudí van ser aprovades per la Junta directiva de l’Acadèmia el 25 de juny de 2020 i s’han registrat a la Notaria Andújar & Roselló & Martínez de Salinas de Barcelona, amb data 29 de juny de 2020. Es poden consultar aquí. (fmr/acc)