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Oscar Ruiz Navia habla sobre «Los Hongos», reconocida en Locarno

El director Oscar Ruiz Navia sigue describiendo en sus películas los diferentes ingredientes que se suman para conformar la rica y diversa sociedad que es Colombia y aquéllos otros que suelen ser un marcado punto de discordia, controversia, preocupación o impedimento entre sus habitantes. Rodada en Cali y galardonada en Locarno con el Premio Especial del Jurado de Cineastas del Presente, «Los Hongos» es una película que de ninguna manera va a dejar indiferente al espectador atento al desarrollo de las vidas de sus personajes, a caballo entre la lucha diaria y la amistad.

El punto de arranque del film es Roberto, un joven grafitero que se gana la vida como trabajador de la construcción y que es despedido de su trabajo cuando descubren que ha robado varios botes de pintura. Expulsado y en problemas con sus vecinos a causa de un amplio mural de pintura que él está formando en un solar abandonado, decide desplazarse a través de la ciudad en busca de Eduardo, otro joven grafitero que, al mismo tiempo, está afrontando la difícil desintegración de su familia y la enfermedad de su abuela.

En una mezcla de lo real, el pasado, los sueños y la ficción, «Los Hongos» retrata la amistad de dos adolescentes que están en caída libre, con sus sueños incumplidos en una ciudad tropical. Ruiz Navia responde a las preguntas de Cinestel:

– Cambiaste el ambiente rural por el urbano, pero sin embargo mantienes algunas características que son comunes a lo que se contaba en «El vuelco del cangrejo». ¿Era esa tu intención?

Sí, así es. Gracias por notarlo, porque algunas otras personas me han dicho que hice como un cambio trascendental en mi cine. Lo que yo podría comentar al respecto es que cada película tiene su forma de ser dependiendo del universo que uno esté explorando. Aquella primera película fue rodada en un pueblo lejano de pescadores que tiene unas normas en el tiempo que nos llevaban a una propuesta un poco más pausada, contemplativa. Esta película, «Los Hongos», es una historia que sucede en la ciudad de Cali y explora un universo que es mucho más frenético y hay más colorido porque es un filme que tiene muchos más personajes que en «El vuelco del cangrejo». Entonces esto me llevó a asumir la parte estética de pronto con algunas diferencias, sobre todo a nivel del manejo de la cámara y del montaje de algunas situaciones.

Sin embargo, como bien lo decías, lo que se mantiene un poco en ambas películas es el trabajo de inmersión que hago en los universos y con los actores, porque el método que yo utilizo está basado en la investigación de las propias vidas de los intérpretes que escojo, y en este caso ese factor nos llevó igual mucho tiempo buscando a los personajes y permitiendo que estas personas que habíamos encontrado permearan el guión de la película e hiciéramos un trabajo en el set muy similar, donde había un guión base pero se dejó mucho lugar a la espontaneidad y a la improvisación. Casi que los actores se vuelven parte del equipo de guión, son poco más o menos que guionistas de la película al proponer frases enteras, temas enteros, y esto es algo que a mí me gusta mucho hacer porque permite que las películas de alguna manera se complejicen y también encuentren situaciones y puntos de vista únicos, puesto que realmente la naturaleza de esas personas que están ahí en frente de la cámara es algo que yo no puedo a veces controlar, sino que ellos aportan todo lo que tienen de una manera muy natural.

También hay ciertas temáticas que se mantienen, como puede ser el tema del pueblo afrodescendiente en mi país que es una cultura que siempre me ha interesado, donde está el tema de nuestros ancestros africanos, la música y cómo estas personas en Colombia han tenido que salir adelante y han tenido que luchar contra muchos obstáculos. En «Los Hongos» quería, a pesar de todas esas dificultades y esos problemas que hay alrededor de todos estos personajes, mostrar cómo ellos a pesar de todo eso, no se rinden y siguen adelante dando un poco de vida y de esperanza al espectador.

– ¿Cómo definirías a los grafiteros que presentas en el filme? ¿Son personas que quieren dar a conocer su obra?

Oscar Ruiz Navia

Oscar Ruiz Navia

Ellos son un grupo de grafiteros que escogí con base en un trabajo de investigación que hice por varios meses en los que me fui involucrando en la escena de grafitti de Cali, que no es tan grande como uno pensaría. De todas maneras, es una ciudad intermedia del sur de Colombia y en Bogotá, por ejemplo, hay muchísimos más grafiteros. Entonces después de ese trabajo de campo, decidí que las personas que quedaron en la película eran las más indicadas para participar y precisamente ellos decidieron entrar y hacer esta colaboración, pues sabían de la importancia de dejar plasmada ahí una huella en la película y que eso iba de alguna manera a inmortalizar, por decir algo, su propuesta.

Ellos son evidentemente personas que se dedican a eso y los personajes que interpretaron en la película son ellos mismos. Yo les di algunas indicaciones sobre lo que tenían que hacer o decir, pero en la mayoría de cosas antes fue al contrario, porque ellos me iban guiando en el sentido de hacerme ver que algunos tipos de situaciones no funcionan en el mundo del grafitti, o lo que sí es acorde. Por ejemplo, hay una discusión que tienen sobre si unos trabajan con muchas letras y otros con muchos dibujitos, que está en la película porque es una polémica que surgió en los momentos previos al rodaje y como me pareció que era un conflicto muy propio de ese mundo, decidí incluirlo.

La obra que realizaron para la película fue una propuesta de ellos, porque querían representar lo que llaman la revolución submarina. Fue algo sobre lo que trabajamos en varios muros antes de la filmación para poder ir agarrando el tono, y a mí me parecía interesante que la propuesta visual de la obra que iba a quedar en la película, surgiera de ellos mismos.

– Al igual que hiciste en tu primer largometraje, en éste has empleado imágenes de receptores de televisión en funcionamiento con algunas noticias del momento. En «Los Hongos» se ve al presidente Uribe diciendo en un discurso que «Colombia es pasión». A mí lo que me pareció es que todo ese mundo televisivo que muestras es como que está en otro universo diferente que no conecta con lo que estás mostrando en la película. Desconozco si tu intención fue esa.

Sí, pues la escena del presidente Uribe es un poco una especie de sátira. Ya afortunadamente este señor no está en el poder, pero durante un tiempo sí lo estuvo y siempre iba tirando ese discurso de derecha que a veces es un poquito peligroso porque viene a decir que todos somos buenos, algunos malos, este país es maravilloso, aquí no hay problemas,… como «Colombia es pasión», que era un eslogan de ese gobierno para tapar los problemas, meterlos debajo de la alfombra y decir que el país es una maravilla cuando, aunque sí lo es, tiene muchas complejidades, corrupción y desigualdades.

Esa escena en particular surge a partir de una sensación que tuve durante los ocho años de gobierno de este presidente, donde él controlaba todos los medios de comunicación, todos los canales, y llegábamos a la exageración de que aun cambiando de canal, él estaba presente ahí todo el tiempo, y es un tipo de presencia que ya no queremos que exista más.

Evidentemente, en «El vuelco…» y en «Los Hongos» incluyo estos contextos que se transmiten a través de los medios de comunicación como una cuestión muy personal, donde siempre he querido tener en cuenta el conflicto que hay en mi país y de alguna manera sugerir que hay cosas que no están funcionando bien en Colombia, aunque haya personas que estén tratando de crear una nueva mirada, un nuevo camino y en esta película encaja bien porque precisamente los Hongos son esos seres vivos que surgen en algunos contextos de podredumbre y que se resisten a morir, a desaparecer en el medio de ese contexto tan problemático.

Para mí, al hablar de política en una película no le veo el mayor problema. Hay muchos artistas que critican a los otros artistas que hablan de política, pero yo pienso que toda la película es muy política. No importa que hable propiamente de temas de presidentes o de alcaldes sino que de alguna manera cada película transmite unas ideas a la sociedad. Entonces creo que es importante ser consciente de ese poder que tiene el cine y tratar de generar en el espectador preguntas y reflexiones más que respuestas, que les permitan pensar en una sociedad diferente. Para mí es muy importante ese tema de lo político en Colombia.

– Tal vez hay algunos conflictos que puedan permanecer silentes para el espectador, pero que ahí están en esta historia, en los personajes, y que son por ejemplo la represión que sufren los grafiteros y la proliferación de nuevas iglesias. Me pareció que es un contraste que hay en la película.

Yo en «Los Hongos» quería evidenciar diferentes universos que existen en paralelo, como pueden ser el de los jóvenes, el del padre, el de la abuela o la madre. No pretendía entrar a juzgarlos sino simplemente dejarlos allí en el ambiente, porque tampoco me interesa entrar a juzgar estas iglesias. Simplemente quiero constatar que hay un fenómeno social muy grande en Cali, en Colombia, y creo que en otras partes de Latinoamérica con el tema de la religión. Yo personalmente no soy miembro de ninguna iglesia pero en este barrio donde filmé la película pues uno ve muchas personas que han entrado a formar parte de ese tipo de confesiones y que están allí empezando a dejar su alma, su dinero y su esfuerzo en esos lugares.

Es entendible un poco la situación, porque muchas de estas personas que viven en estos barrios son gente que han vivido la violencia en Colombia, que son desplazadas del campo y han sufrido y han visto cosas horribles, y cuando llegan a la ciudad encuentran allí esa posibilidad de resarcir su alma. Entonces, yo entraría a juzgar ese tipo de instituciones como las iglesias de una manera muy respetuosa porque creo que obedecen también a un contexto social y a una crisis moral y social que vive Colombia, donde de todas maneras, como la película lo constata, siempre hay esperanza y siempre hay formas de seguir adelante, aunque en el pasado hayan existido actos violentos y actos reprochables.

– Cuando un grafitero dice «Yo quiero pintar a mi madre», ¿se está refiriendo quizá a valores que se quieren subrayar a consecuencia de ciertas rupturas que hay en el ámbito de la gente que se ha tenido que desplazar dentro del país?

Los_HongosAhí sí que es muy simbólico porque creo que, por ejemplo, parte del final de la película que es llegar a un árbol es como un símbolo del origen, y lo mismo la madre. Yo pienso que la rebeldía en el caso de esta película no obedece a ir en contra de los propios seres de uno, sino más bien que la abuelita de uno sea como un soldado del ejército de uno. Es una posición bastante punkera poner al papá, a la abuela o a la madre al frente del ejército. Eso es una cosa muy personal. Yo soy una persona muy familiar. Me gusta mucho mi familia. De hecho trabajo con mi madre en la productora y forma parte del equipo de producción de la película. Lo mismo con mi papá que actúa en la película, mi abuela,… osea, que siempre he considerado que la familia no es esa institución conservadora a la cual hay que huirle, sino que hay que cambiar ese concepto de familia creando nuevos paradigmas de lo que puede ser y creo que en definitiva, hay algún homenaje a la madre como figura esencial en cualquier ser humano y al final de todo siempre están esas raíces. Siempre todos llegamos a ese origen y desde allí es que podemos desarrollar nuestros sueños y nuestros deseos.

– ¿Las imágenes en las que se ve circulando la bicicleta en conjunto con la tabla de patinaje son muy comunes en el paisaje urbano de Colombia?

Sí, claro. Hay gente que monta tabla y otros montan bicicleta. Obviamente hay quienes son más expertos en el tema y pueden arriesgarse un poco a hacer este tipo de piruetas-maniobras. No te diría que es una cosa que se ve cada cinco minutos pero sí se ve, y esa escena especial donde están ellos juntos es en un túnel en el que está prohibido montar bicicleta. Eso era como un acto de rebeldía de los muchachos, que se meten a un lugar donde no se pueden meter y por eso hacen un boicot y el tráfico se enloquece un poco porque ellos van por ahí montando. Era una escena de cierta epifanía, como para crear una emoción de que en ese momento los chicos están apoderándose de la ciudad.

A mí me parece que el arte del grafitti lo que tiene interesante es que es una manera de apropiación de la ciudad que es diferente. Lo mismo que todo ese tipo de deporte extremo, los que hacen skate, parkour o que montan bicicleta, son individuos que asumen la ciudad y que se apropian de ella recorriéndola a través de lo que hacen. Es una manera de ver que en un lugar donde hay tanta violencia y tantos problemas, no podemos encerrarnos y tener miedo, sino que tenemos que salir y apropiarnos de nuestro espacio.

– En lo que se refiere al tratamiento de las imágenes se nota una diferencia notable en lo que es la técnica empleada. En «El vuelco del cangrejo» usasteis la cámara en mano y planos con trípode y observando bien percibí que habéis contado con mayores recursos en esta segunda película respecto a la primera, tanto en los travelling como en otras escenas, con la participación de la directora de fotografía Sofía Oggioni. ¿Fue así?

Sí claro, esta es una película que se realizó con muchos más recursos que en «El vuelco del cangrejo». Aquel fue un filme hecho de una manera muy austera. Teníamos una cámara 16mm con muy poquito material virgen, entonces tuvimos que controlar mucho cada imagen y esto llevó a una cierta estética más pausada. Realmente la mayoría de «El vuelco…» se hizo en trípode, salvo algunos pasajes, y evidentemente teníamos un equipo muy limitado de luces, que casi no habían, sin accesorios de cámara, sólo el trípode.

Sofía también fue la fotógrafa de «El vuelco del cangrejo». Es una persona con quien yo he venido trabajando hace más de doce años porque hicimos la universidad juntos y más tarde cortometrajes, por lo que ha sido todo un proceso de crecimiento paralelo. Obviamente, ella entre las dos películas realizó otros proyectos, otras películas, y entonces al entrar a «Los Hongos» llega cargada de nuevas experiencias y más conocimiento.

En esta película hemos trabajado por primera vez con steadycam y esto efectivamente nos permitía hacer cierto tipo de imágenes, sobre todo travellings, y ciertos planos que son en movimiento que con esa técnica se ven mucho más elegantes y no quedarían tan checkin si hubiesen sido solo cámara en mano. Yo no sé si es una evolución, pero yo diría simplemente que es un cambio, también debido a que es una producción que es mucho más móvil que «El vuelco…», que era una película que sucedía en un solo espacio donde el protagonista estaba estancado, mientras que «Los Hongos» trata sobre unos jóvenes que están en movimiento. Para mí era muy importante transmitir esta circunstancia desde la puesta de cámara y Sofía evidentemente es una persona a quien yo agradezco muchísimo por todo lo que aportó a la película, como siempre lo hace en los proyectos que desplegamos. Lo mismo la directora de arte que es Daniela Schneider, de México, y que habitualmente trabaja con Amat Escalante. Ella vino desde su país a trabajar conmigo y su trabajo ayudó mucho a la parte de fotografía.

– Por último, me quería referir a la autenticidad que muestran los personajes de tus películas y que también lo vimos en un corto como «El solecito», aspecto que yo destacaría que es como un valor añadido, porque no incorporas gente que se tiene que hacer cargo de ese tipo de personaje, sino que le aportan a estas películas un valor que es indispensable.

Gracias. Ese es el reto que he tenido en estas tres películas que llevo rodadas como director. Mi apuesta ha sido la de crear un universo de ficción a partir de personas que existen, que actúan de sí mismas, que al final construyen unos personajes pero que son personas que están muy próximas a lo que son ellos mismos. Evidentemente hay ciertas cosas que no son así en la vida real, como que Calvin no es el nieto de esa señora, pero por ejemplo él en la vida real tiene una abuela también y es por eso que la distancia entre el personaje y la persona es muy pequeña. En ese sentido casi que todo se vuelve como un documental de esas personas en medio de una estructura de ficción. Este es todo el cuento que me llena de mucha fascinación. Es muy difícil trabajar en este tipo de propuesta porque no hay mucho control a veces de las cosas y entonces en el set, por ejemplo, hay que trabajar mucho más tiempo de lo normal. Cuando tienes un actor que se aprende una línea y repite, de pronto hay como más velocidad, pero hay que tratar de capturar momentos de realidad y para eso se necesita que haya un set cómplice, una cantidad de profesionales que estén ahí detrás de la cámara en función de esas personas que están frente a ella. Ahí hay una dificultad, pero justo es lo que me ha interesado desarrollar en estos proyectos y quiero seguir haciéndolo. Es algo que me motiva mucho y me gusta.

©José Luis García/Cinestel.comLos Hongos_Oscar Ruiz Navia

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL.COM/ FUNDADA EN JULIO 2005

FILMOTECA DE CATALUNYA: MARÇ 2023

Forever Godard

Aquest mes de març, la retrospectiva de Jean-Luc Godard se centra en la darrera etapa de la seva carrera al costat del director de fotografia Fabrice Aragno, col·laborador imprescindible del cineasta que visitarà la Filmoteca. Godard es va centrar al final de la seva filmografia en l’exploració de la imatge i el so digitals, en títols com “Film socialisme”, “Adieu au langage” o “Le Livre d’image”, inclosos en aquest primer bloc del cicle, Forever Godard. Darreres visions.
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Todd Solondz a l’Americana

El director nord-americà és el protagonista de la retrospectiva del festival Americana que acull la Filmoteca. El seu darrer despietat retrat de la societat nord-americana, Wiener-Dog (2016), va inaugurar el cicle amb la presència de Solondz el 28 de febrer, com a prèvia del festival. Descobert als noranta amb “Bienvenido a la casa de muñecas” i la brutal “Happiness”, és una de les veus més personals i controvertides del recent cinema independent nord-americà, amb una obra que s’ha definit com a salvatge, demolidora, cruel, sòrdida, provocadora, perversa, càustica, excèntrica…
(més informació) (notícia)

Joanna Hogg al D’A Festival Cinema Barcelona

Retrospectiva completa, en el marc del D’A, d’una de les veus més respectades del cinema actual, avalada fins i tot per Martin Scorsese en la producció. Sis films que mostren un estil íntim, sense sentimentalismes i estranyament enigmàtic. Un cinema subtil i contingut sobre la complexitat de les relacions humanes, particularment en l’àmbit de la família i de la parella, amb components autobiogràfics i presències recurrents i potents en els repartiments com les de Tilda Swinton i Tom Hiddleston. El cicle s’inaugura el 24 de març amb la preestrena del darrer film de Hogg, “The Eternal Daughter”. (més informació)

Michael Powell i Emeric Pressburger

Precisament Joanna Hogg, en el seu treball de graduació a la National Film and Television School, el curt Caprice, homenatja The Red Shoes, una de les obres més emblemàtiques d’aquesta parella artística que també ha estat reivindicada per Scorsese. El tàndem més singular i creatiu de la història del cinema britànic va brillar en un temps, la dècada dels quaranta, dominat pel cinema realista i en blanc i negre. Powell i Pressburger, per contra, aposten per films lúdics i fantàstics, romàntics i exuberants, amb un concepte visual antinaturalista que els permet experimentar amb l’ús del color. (més informació)

Carmelo Bene

Home de teatre iconoclasta que va trencar totes les regles clàssiques del llenguatge escènic, Carmelo Bene va traslladar la seva visió provocadora del teatre al cinema en un breu parèntesi de només cinc anys i cinc pel·lícules, de 1968 a 1973. Deia Bene que l’art ha de ser impossible perquè la impossibilitat és l’única experiència pròpiament artística. La retrospectiva s’organitza en correspondència amb el cicle que li dedica la Facultat de Filologia i Comunicació de la Universitat de Barcelona.
(més informació)

La Inesperada

Tercera edició d’aquest festival dirigit per Núria Giménez Lorang i Miquel Martí Freixas que posa en focus en la no-ficció, amb quatre sessions a la Filmoteca. La Inesperada proposa un festival abastable, concís i on cada sessió és una experiència curosament programada. La programació apropa corrents cinematogràfics d’arreu del món amb autors independents de països com la República Centreafricana o Tailàndia i la recuperació de títols d’altres èpoques, tresors amagats i oblidats pel pas del temps. (més informació)

Jaume Figueras i Agustí Villaronga

Van ser els grans protagonistes dels premis Gaudí el gener passat. Jaume Figueres rebia el guardó d’honor, i Villaronga va morir el mateix dia de la gala, que es va convertir en un sentit homenatge al seu record. La Filmoteca s’afegeix a aquests reconeixements, el 16 de març amb Jaume Figueres envoltat d’amics (Àlex Gorina, Marta Esteban i Elisenda Nadal) abans de la projecció del film que ell mateix ha triat, “The Marrying Kind” (George Cukor, 1952). El dia 30 “El testament de la Rosa” servirà per homenatjar Agustí Villaronga. El film és l’emotiu seguiment de la preparació d’un projecte teatral amb Rosa Novell que no va fer-se realitat pel càncer que patia l’actriu.

I també…

La sessió mensual del cicle Història permanent del cinema català inclou el curt de Ricard Bofill Circles, i Los felices 60 de Jaime Camino, que presentarà el seu fill Teo.

Frances Marion és la protagonista de març del cicle transversal Elles tenien la paraula. Dones guionistes al Hollywood silent, amb un film també dirigit per ella mateixa, Just Around the Corner, i un altre signat per un director amb qui acostumava a col·laborar, Frank Borzage, Lazybones.

Homenatge a Pau Casals. En el marc de la commemoració del 50è aniversari de la mort del músic, aquesta sessió el recorda amb un documental i una taula rodona amb experts sobre la seva figura. (més)

Basilio Martín Patino vist per Javier Tolentino. El periodista i crític cinematogràfic presenta el llibre que ha dedicat al cineasta, editat per Cátedra, en una sessió que es completa amb el film de Martín Patino “La seducción del caos” (1990).

Ramon Balcells és el cineasta que descobreix aquest mes el cicle Dies curts. Amb curts presentats a L’Alternativa com “El vacío” (2014) o “Pícnic” (2020), Balcells també ha col·laborat amb la productora de Pere Portabella Films 59, Eddie Saeta de Lluís Miñarro, i amb Albert Serra al projecte de la Documenta de Kassel “The three little pigs”.

Barrufets, Tintín i Snoopy i Charlie Brown, entre d’altres, en la programació de FilmoXica, que aquest mes clou el cicle trimestral dedicat a cinema i còmic.

ENTREVISTAS

“Legítima Defensa”, de Andrea Braga; corrupción y agroquímicos

Legítima Defensa de Andrea Braga corrupción y agroquímicos

La película es un drama subyacente en el cual Eduardo (Alfonso Tort) es un fiscal que regresa a su pueblo natal para investigar una serie de asesinatos. Lo esperan dos viejos amigos, Paula (Violeta Urtizberea) y Ramiro (Javier Drolas),…

CRíTICAS CINE LATINOAMERICANO

“Mato Seco em Chamas” traspasa los límites de la ficción y documental

Reseña de Mato Seco em Chamas Adirley Queiros Joana Pimenta

El sonido del filme es espectacular y envolvente, y la película incluye también en sus más de dos horas y media de metraje distintas piezas musicales a cuyas letras de las canciones será interesante prestarles atención y…

SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

Sylvette Baudrot 260

ALL ROADS LEAD TO BARCELONA

One of the best ways to follow what’s going on at the movie theaters area and what the next innovations are representing for the movies distribution industry, is taking a look at CineEurope coverage released on our site Cinestel.com

Una de les millors maneres de seguir tot el que està passant al voltant del àrea profesional de les sales de cinema i també d’allò que les següents innovacions representen per a la indústria de distribució de pel·lícules, és fent una ullada a la cobertura de CineEurope feta pel nostre lloc web Cinestel.com

This is a links’ summary (most of the reports and interviews are written in Spanish):

Aquest és un sumari en anglès dels enllaços a notícies i entrevistes:

FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL ARGENTINA

‘La producción audiovisual y su respaldo jurídico’ es el libro más reciente de Julio Raffo, un texto de lectura y de consulta imprescindible para los distintos profesionales de la industria del cine que deseen estar al tanto sobre cómo se regula en la Argentina la actividad productiva que conlleva la realización de películas, atendiendo no solamente a disposiciones legales y su marco regulatorio, sino que también a ejemplos prácticos y anécdotas. (saber más)

NOTICIAS

Todd Solondz: “Me gusta jugar y a veces no me siguen el juego”

Filmoteca de Catalunya Todd Solondz Americana Film Fest 2023

Es un amante de la sátira, así que en sus películas el componente humorístico está asegurado: sólo hay que saber encontrarlo porque si no es así, seguro que las vas a detestar. La mayoría de…

MATÍAS BIZE, BIZNAGA DE PLATA EN MÁLAGA

18 marzo 2023 – El notable director chileno Matías Bize logró este año en Málaga la Biznaga de Plata a la Mejor Dirección por “El Castigo”, una película de suspense protagonizada por la actriz y pareja de Pablo Larraín en la vida real, Antonia Zegers, y rodada en un solo plano secuencia de 80 minutos de duración, toda una apuesta arriesgada que el realizador tuvo que repetir hasta siete veces para que saliera bien, según dijo en esa ciudad andaluza.

El film aborda la desaparición y posterior búsqueda agónica de un niño en plena carretera, siendo los diálogos uno de los puntos esenciales de este relato.

Por su parte, “20.000 especies de abejas”, de la directora debutante vasca Estíbaliz Urresola, consiguió alzarse con la Biznaga de Oro a la Mejor Película.

EN SALAS “LOS REYES DEL MUNDO”

18 marzo 2023 – Llegó a las salas de cine del territorio español, “Los Reyes del Mundo”, de la directora colombiana Laura Mora (Matar a Jesús).

La película cuenta una historia sobre la desobediencia, la amistad y la dignidad que existe en la resistencia. Rá, Culebro, Sere, Winny y Nano. Cinco chicos de la calle de Medellín. Cinco reyes sin reino, sin ley, sin familia, emprenden un viaje en búsqueda de la tierra prometida. Un film que procura ser un cuento subversivo protagonizado por actores no profesionales en una especie de road trip. Un viaje hacia la nada, donde pasa todo.

“PINOCHO”: OSCAR A LA MEJOR ANIMACIÓN

13 marzo 2023 – El cineasta mexicano Guillermo del Toro logró en la ceremonia de los Premios Oscar de este año la estatuilla a la Mejor Animación por su película musical “Pinocho”, la adaptación del clásico cuento de Carlo Collodi.

En realidad, el film reimagina la historia de aquel famoso cuento, una marioneta de madera que cobra vida como hijo de su escultor Geppetto. En este caso, el director la definió como “una historia de amor y desobediencia en la que Pinocho lucha por cumplir las expectativas de su padre, aprendiendo el verdadero significado de la vida”, y decidió ambientarla en la Italia fascista del periodo de entreguerras y la Segunda Guerra Mundial.

Del Toro también afirmó que su mayor interés era el de avivar la compasión entre los pequeños espectadores de la película. Y para ello no dudó en proporcionarle una dirección de arte de estilo gótico que se acerca a la estética de Frankestein, aun cuando esta historia siempre fue concebida para un público familiar y está dedicada a los padres del célebre cineasta.

LA VIDA DE NEUS CATALÀ: “UN CEL DE PLOM”

7 març 2023 – La vida de Neus Català arribarà al cinema aquesta primavera amb la pel·lícula “Un cel de plom”, una producció de Principal 2 Films i Comando de Gandulas AIE en coproducció amb TV3, la participació d’Aragón TV i el suport de l’ICEC. La història d’una de les últimes supervivents del camp d’extermini de Ravensbrück, activista de la resistència francesa i referent de la lluita antifeixista, s’estrenarà a les sales el 28 d’abril de la mà de Filmax, després de tenir la seva premiere internacional a la Secció oficial del Barcelona Film Fest el 22 d’abril.

L’òpera prima de Miquel Romans és una adaptació lliure del llibre homònim de Carme Martí (Editorial Amsterdam, 2012). Romans recrea els fets reals narrats en un dels episodis del llibre: el retorn a casa d’una jove Neus Català, interpretada per l’actriu Nausicaa Bonnín (Tres dies amb la família, La llum d’Elna), després d’haver estat presonera per l’exèrcit alemany i de fer treballs forçats a una fàbrica nazi a Txecoslovàquia. Rachel Lascar (A través de mi ventana), Roger Batalla (Com si fos ahir), Iria del Rio (Visitant), Natalia Barrientos (Les de l’hoquei), Paula Vélez (Polseres vermelles) o Laura Conejero (La Riera), completen el repartiment.

Ambientada l’any 1945, amb l’alliberament dels camps nazis, en la pel·lícula, Neus Català, jove republicana feminista, torna a França després d’haver estat empresonada per l’exèrcit alemany. Mentre recupera la seva vida en llibertat, rememora els fets viscuts un any abans, quan amb un grup de dones va sabotejar la fàbrica de producció de bales on els nazis les feien treballar, a Txecoslovàquia. Van ser conegudes com El Comando de les Gandules. Però la veritable resistència de la Neus Català tot just acaba de començar: la lluita per la memòria.

“Aquesta és una història de superació, d’absències i de lluita per la memòria, una historia de dones lluitadores i somniadores. La Neus va morir l’abril del 2019 a l’edat de 103 anys i aquesta pel·lícula vol ser un homenatge a la seva persona”, explica el director, que debuta en el llargmetratge de ficció.

Testimoni inesborrable del segle XX

Neus Català va néixer el 1915 als Guiamets. La guerra civil la va agafar al seu poble del Priorat, on ja d’adolescent havia participat en una vaga al camp per la igualtat de salaris de les jornaleres. Amb la guerra va marxar per defensar la República com a infermera, i després de passar la frontera cap a França amb 180 nens i nenes d’una de les colònies de Negrín, es va incorporar a la Resistència acompanyada del seu primer marit, l’occità Albert Roger. Detinguda i torturada a la presó de Llemotges, va ser deportada el 1944 al camp d’extermini de dones de Ravensbrück. D’allà va ser traslladada al camp de treball d’Holleischen, on va iniciar una lluita combativa.

“20.000 ESPECIES DE ABEJAS” (OSO DE PLATA)

27 febrero 2023 – La niña española Sofía Otero recibió en Berlín el Oso de Plata a la mejor interpretación femenina por su papel protagonista en la película “20.000 especies de abejas”, ópera prima de Estíbaliz Urresola que también recibió el Guild Film Prize, galardón que entregan los exhibidores alemanes al mejor film en competición. La película posee la particularidad de que tanto su equipo artístico como el técnico están integrados casi exclusivamente por mujeres. La trama se desarrolla a partir de las vacaciones de una niña trans de 8 años, compartidas con su propia familia en un entorno rural marcado por la recolección de miel de abejas.

El jurado oficial, que estaba presidido por la actriz Kristen Stewart, otorgó el Oso de Oro a un documental a cargo del francés Nicolas Philibert, “Sur l’Adamant”, enfocado en un tratamiento pedagógico que ocurre en un centro de salud mental.

En opinión de los miembros de este jurado, entre los cuales se hallaba la cineasta catalana Carla Simón, la mejor ópera prima fue la argentina “Adentro mío estoy bailando” de Leandro Koch y Paloma Schachmann, filme que también es un documental y que tiene que ver con la cultura idish y su amenaza de desaparición a través de una clarinetista de música klezmer llamada Paula.

EN SALAS: “LA SANGRE”, DE PEDRO COSTA

24 febrero 2023 – La primera obra maestra de Pedro Costa llega de forma inédita a los cines del territorio español en una nueva versión restaurada en 4K. Esta ópera prima, obra esencial del cine portugués contemporáneo, ya está en los cines.

Rodada en 1989, con apenas 29 años y recién finalizados sus estudios de cine, “La Sangre” evidencia muchas de las constantes que el realizador portugués desarrollará en obras posteriores -Caballo Dinero (2014), Vitalina Varela (2019)- hasta erigirse en una de las voces más singulares del cine europeo actual.

Entender el auge del cine portugués contemporáneo es entender sus bases. Cineastas como Manoel de Oliveira, Teresa Villaverde, Paulo Rocha, Rita Azevedo Gomes o Pedro Costa, estandartes de un cine que se coló en los intersticios de olas, corrientes y tendencias del cine de autor de finales del siglo XX, representan los albores de una silenciosa explosión artística, de una manera de ver el cine única; que no solo retrata la realidad de una nación -así como de sus colonias- sino que descubre la idiosincrasia de un país inmerso en un largo amanecer social e ideológico.

En este sentido, “La Sangre” de Pedro Costa tiene algo de fundacional. El viaje de dos hermanos (Pedro Hestnes y Nuno Ferreira) que deben reconstruir unas vivencias -pero también una realidad- tras la partida de su padre, no es más que la excusa para una catarsis familiar y a la vez colectiva, que involucra a toda una generación de jóvenes perdidos entre promesas incumplidas y un futuro que nunca llegó.

“La Sangre”, que se presentó en la Mostra de Venecia en 1989, ha sido recientemente restaurada en una copia en 4K supervisada por el director que pudo verse en el Festival de Gijón tras su proyección en Venecia o Nueva York. Ahora dicha copia acaba de llegar a las salas españolas para honrar a uno de los cineastas europeos más radicales e influyentes.

ISE 2023 FINALIZÓ EN BARCELONA

3 febrero 2023 – Una vez más tuvo lugar la celebración en Barcelona de una nueva edición de la feria y congreso audiovisual más importante a nivel mundial.

ISE (Integrated Systems Europe) integra todas los sectores ligados a la comunicación a través de la imagen y el sonido, y entre ellos se encuentra el cine. Dirigido exclusivamente a profesionales, la organización ambiciona crear las oportunidades necesarias para crear un mercado en el cual reunir a compradores y vendedores, así como un foro que regularmente implique un intercambio de ideas entre todas las partes implicadas en el proceso de su desarrollo en el terreno creativo.

PREMIOS FEROZ 2023: FILMS DESTACADOS

29 enero 2023 – ‘As bestas’, mejor película; ‘Alcarràs’, mejor dirección; y ‘Cinco lobitos’, mejor guion, dominaron las categorías de cine de los Premios Feroz de este año, al igual que ocurrió con ‘Competencia Oficial’ como comedia, mientras que ‘La ruta’ y ‘No me gusta conducir’ se alzaron con tres premios cada una, entre ellos los de mejor serie dramática y mejor serie de comedia.

Carla Simón por ‘Alcarràs’ logró el Feroz a mejor dirección, en el año en el que estaban nominadas cuatro mujeres cineastas de cinco candidaturas por primera vez en la historia este tipo de certámenes a nivel internacional.

‘Mantícora’ consiguió dos Lobos de Oro, el de mejor actor protagonista de una película para Nacho Sánchez y el de mejor cartel para el propio director de la cinta, Carlos Vermut. Laia Costa y Susi Sánchez recibieron las estatuillas como mejor actriz protagonista y de reparto en cine, y Alauda Ruiz de Azúa se llevó el Premio Feroz DAMA al mejor guión de una película por ‘Cinco Lobitos’.

Para los miembros de la AICE, el mejor tráiler es la versión final del realizado para ‘Cerdita’ por Marta Longás.
Además, ‘La piedad’ de Eduardo Casanova y ‘La visita y un jardín secreto’ de Irene M. Borrego recibieron los Premios Arrebato, de ficción y de no ficción respectivamente.

Pedro Almodóvar fue el receptor del Premio Feroz de Honor de manos de seis de sus actrices: Julieta Serrano, Rossy de Palma, Bibiana Fernández, Aitana Sánchez-Gijón, Leonor Watling y Milena Smit.

ELS GAUDÍ D’“ALCARRÀS” I “PACIFICTION”

23 gener 2023 – “Alcarràs”, de Carla Simón, i “Pacifiction”, d’Albert Serra, van guanyar els Gaudí a Millor pel·lícula i a Millor pel·lícula en llengua no catalana, respectivament, en una edició, la quinzena, d’uns Premis Gaudí molt repartits que també van reconèixer els mèrits de “Suro”, amb els guardons a Millor direcció novella per a Mikel Gurrea i millors interpretacions protagonistes, i d’“Un año, una noche”, d’Isaki Lacuesta, que es va endur fins a cinc estatuetes.

La cerimònia d’entrega dels XV Premis Gaudí no va deixar pràcticament cap dels títols més nominats sense recompensa: als ja citats cal afegir els dos guardons que es van endur “La maternal”, de Pilar Palomero, i “Los renglones torcidos de Dios”, d’Oriol Paulo.

L’emocionat record a Agustí Villaronga, traspassat el mateix dia de la cerimònia, va travessar una gala que va homenatjar l’estimat cineasta amb sentides paraules al llarg de tota la nit. Referent clau del nostre cinema, deixa un extens llegat de més d’una vintena d’obres reconegudes nacional i internacionalment.

PALMARÈS XV PREMIS GAUDÍ

Millor pel·lícula: ALCARRÀS. Dirigida per Carla Simón, escrita per Carla Simón i Arnau Vilaró i produïda per María Zamora, Stefan Schmitz, Tono Folguera, Sergi Moreno i Oriol Sala-Patau

Millor pel·lícula en llengua no catalana: PACIFICTION. Dirigida i escrita per Albert Serra i produïda per Albert Serra, Montse Triola, Pierre-Olivier Bardet, Dirk Decker, Andrea Schütte, Joaquim Sapinho, Marta Alves i Laurent Jacquemin

Millor pel·lícula documental: EL SOSTRE GROC. Dirigida per Isabel Coixet, escrita per Isabel Coixet i Laura Ferrero i produïda per Isabel Coixet

Millor pel·lícula d’animació: TADEU JONES 3. LA TAULA MARAGDA. Dirigida per Enrique Gato, escrita per Manuel Burque i Josep Gatell i produïda per Edmon Roch, Ghislain Barrois, Alvaro Augustin, Marc Sabé, Nicolas Matji i Javier Ugarte

Millor direcció: Carla Simón, per ALCARRÀS

Millor direcció novella: Mikel Gurrea, per SURO

Millor guió original: Carla Simón i Arnau Vilaró, per ALCARRÀS

Millor guió adaptat: Isa Campo, Isaki Lacuesta i Fran Araújo, per UN AÑO, UNA NOCHE

Millor protagonista femenina: Vicky Luengo, per SURO

Millor protagonista masculí: Pol López, per SURO

Millor direcció de producció: Elisa Sirvent, per ALCARRÀS

Millor curtmetratge: HARTA. Dirigit per Júlia de Paz, escrit per Júlia de Paz i Núria Dunjó i produït per Sergio Grobas

Millor pel·lícula per a televisió: SIS NITS D’AGOST. Dirigida per Ventura Durall, escrita per Jordi Lara i Ventura Durall i produïda per Ventura Durall i Paco Poch

Millor direcció artística: Sebastian Vogler, per PACIFICTION

Millor muntatge: Sergi Dies i Fernando Franco, per UN AÑO, UNA NOCHE

Millor actriu secundària: Ángela Cervantes, per LA MATERNAL

Millor actor secundari: Alex Brendemühl, per HISTORIAS PARA NO CONTAR

Millor interpretació revelació: Carla Quilez, per LA MATERNAL

Millor música original: Raül Refree, per UN AÑO, UNA NOCHE

Millor fotografia: Artur Tort, per PACIFICTION

Millor vestuari: Alberto Valcárcel, per LOS RENGLONES TORCIDOS DE DIOS

Millor so: Amanda Villavieja, Eva Valiño, Alejandro Castillo i Marc Orts, per UN AÑO, UNA NOCHE

Millors efectes visuals: Laura Pedro, per UN AÑO, UNA NOCHE

Millor maquillatge i perruqueria: Montse Sanfeliu i Carolina Atxukarro, per LOS RENGLONES TORCIDOS DE DIOS

Millor pel·lícula europea: CINCO LOBITOS (Espanya)

Premi Especial del Públic: ALCARRÀS. Dirigida per Carla Simón, escrita per Carla Simón i Arnau Vilaró i produïda per María Zamora, Stefan Schmitz, Tono Folguera, Sergi Moreno i Oriol Sala-Pataus