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Oscar Ruiz Navia habla sobre «Los Hongos», reconocida en Locarno

El director Oscar Ruiz Navia sigue describiendo en sus películas los diferentes ingredientes que se suman para conformar la rica y diversa sociedad que es Colombia y aquéllos otros que suelen ser un marcado punto de discordia, controversia, preocupación o impedimento entre sus habitantes. Rodada en Cali y galardonada en Locarno con el Premio Especial del Jurado de Cineastas del Presente, «Los Hongos» es una película que de ninguna manera va a dejar indiferente al espectador atento al desarrollo de las vidas de sus personajes, a caballo entre la lucha diaria y la amistad.

El punto de arranque del film es Roberto, un joven grafitero que se gana la vida como trabajador de la construcción y que es despedido de su trabajo cuando descubren que ha robado varios botes de pintura. Expulsado y en problemas con sus vecinos a causa de un amplio mural de pintura que él está formando en un solar abandonado, decide desplazarse a través de la ciudad en busca de Eduardo, otro joven grafitero que, al mismo tiempo, está afrontando la difícil desintegración de su familia y la enfermedad de su abuela.

En una mezcla de lo real, el pasado, los sueños y la ficción, «Los Hongos» retrata la amistad de dos adolescentes que están en caída libre, con sus sueños incumplidos en una ciudad tropical. Ruiz Navia responde a las preguntas de Cinestel:

– Cambiaste el ambiente rural por el urbano, pero sin embargo mantienes algunas características que son comunes a lo que se contaba en «El vuelco del cangrejo». ¿Era esa tu intención?

Sí, así es. Gracias por notarlo, porque algunas otras personas me han dicho que hice como un cambio trascendental en mi cine. Lo que yo podría comentar al respecto es que cada película tiene su forma de ser dependiendo del universo que uno esté explorando. Aquella primera película fue rodada en un pueblo lejano de pescadores que tiene unas normas en el tiempo que nos llevaban a una propuesta un poco más pausada, contemplativa. Esta película, «Los Hongos», es una historia que sucede en la ciudad de Cali y explora un universo que es mucho más frenético y hay más colorido porque es un filme que tiene muchos más personajes que en «El vuelco del cangrejo». Entonces esto me llevó a asumir la parte estética de pronto con algunas diferencias, sobre todo a nivel del manejo de la cámara y del montaje de algunas situaciones.

Sin embargo, como bien lo decías, lo que se mantiene un poco en ambas películas es el trabajo de inmersión que hago en los universos y con los actores, porque el método que yo utilizo está basado en la investigación de las propias vidas de los intérpretes que escojo, y en este caso ese factor nos llevó igual mucho tiempo buscando a los personajes y permitiendo que estas personas que habíamos encontrado permearan el guión de la película e hiciéramos un trabajo en el set muy similar, donde había un guión base pero se dejó mucho lugar a la espontaneidad y a la improvisación. Casi que los actores se vuelven parte del equipo de guión, son poco más o menos que guionistas de la película al proponer frases enteras, temas enteros, y esto es algo que a mí me gusta mucho hacer porque permite que las películas de alguna manera se complejicen y también encuentren situaciones y puntos de vista únicos, puesto que realmente la naturaleza de esas personas que están ahí en frente de la cámara es algo que yo no puedo a veces controlar, sino que ellos aportan todo lo que tienen de una manera muy natural.

También hay ciertas temáticas que se mantienen, como puede ser el tema del pueblo afrodescendiente en mi país que es una cultura que siempre me ha interesado, donde está el tema de nuestros ancestros africanos, la música y cómo estas personas en Colombia han tenido que salir adelante y han tenido que luchar contra muchos obstáculos. En «Los Hongos» quería, a pesar de todas esas dificultades y esos problemas que hay alrededor de todos estos personajes, mostrar cómo ellos a pesar de todo eso, no se rinden y siguen adelante dando un poco de vida y de esperanza al espectador.

– ¿Cómo definirías a los grafiteros que presentas en el filme? ¿Son personas que quieren dar a conocer su obra?

Oscar Ruiz Navia

Oscar Ruiz Navia

Ellos son un grupo de grafiteros que escogí con base en un trabajo de investigación que hice por varios meses en los que me fui involucrando en la escena de grafitti de Cali, que no es tan grande como uno pensaría. De todas maneras, es una ciudad intermedia del sur de Colombia y en Bogotá, por ejemplo, hay muchísimos más grafiteros. Entonces después de ese trabajo de campo, decidí que las personas que quedaron en la película eran las más indicadas para participar y precisamente ellos decidieron entrar y hacer esta colaboración, pues sabían de la importancia de dejar plasmada ahí una huella en la película y que eso iba de alguna manera a inmortalizar, por decir algo, su propuesta.

Ellos son evidentemente personas que se dedican a eso y los personajes que interpretaron en la película son ellos mismos. Yo les di algunas indicaciones sobre lo que tenían que hacer o decir, pero en la mayoría de cosas antes fue al contrario, porque ellos me iban guiando en el sentido de hacerme ver que algunos tipos de situaciones no funcionan en el mundo del grafitti, o lo que sí es acorde. Por ejemplo, hay una discusión que tienen sobre si unos trabajan con muchas letras y otros con muchos dibujitos, que está en la película porque es una polémica que surgió en los momentos previos al rodaje y como me pareció que era un conflicto muy propio de ese mundo, decidí incluirlo.

La obra que realizaron para la película fue una propuesta de ellos, porque querían representar lo que llaman la revolución submarina. Fue algo sobre lo que trabajamos en varios muros antes de la filmación para poder ir agarrando el tono, y a mí me parecía interesante que la propuesta visual de la obra que iba a quedar en la película, surgiera de ellos mismos.

– Al igual que hiciste en tu primer largometraje, en éste has empleado imágenes de receptores de televisión en funcionamiento con algunas noticias del momento. En «Los Hongos» se ve al presidente Uribe diciendo en un discurso que «Colombia es pasión». A mí lo que me pareció es que todo ese mundo televisivo que muestras es como que está en otro universo diferente que no conecta con lo que estás mostrando en la película. Desconozco si tu intención fue esa.

Sí, pues la escena del presidente Uribe es un poco una especie de sátira. Ya afortunadamente este señor no está en el poder, pero durante un tiempo sí lo estuvo y siempre iba tirando ese discurso de derecha que a veces es un poquito peligroso porque viene a decir que todos somos buenos, algunos malos, este país es maravilloso, aquí no hay problemas,… como «Colombia es pasión», que era un eslogan de ese gobierno para tapar los problemas, meterlos debajo de la alfombra y decir que el país es una maravilla cuando, aunque sí lo es, tiene muchas complejidades, corrupción y desigualdades.

Esa escena en particular surge a partir de una sensación que tuve durante los ocho años de gobierno de este presidente, donde él controlaba todos los medios de comunicación, todos los canales, y llegábamos a la exageración de que aun cambiando de canal, él estaba presente ahí todo el tiempo, y es un tipo de presencia que ya no queremos que exista más.

Evidentemente, en «El vuelco…» y en «Los Hongos» incluyo estos contextos que se transmiten a través de los medios de comunicación como una cuestión muy personal, donde siempre he querido tener en cuenta el conflicto que hay en mi país y de alguna manera sugerir que hay cosas que no están funcionando bien en Colombia, aunque haya personas que estén tratando de crear una nueva mirada, un nuevo camino y en esta película encaja bien porque precisamente los Hongos son esos seres vivos que surgen en algunos contextos de podredumbre y que se resisten a morir, a desaparecer en el medio de ese contexto tan problemático.

Para mí, al hablar de política en una película no le veo el mayor problema. Hay muchos artistas que critican a los otros artistas que hablan de política, pero yo pienso que toda la película es muy política. No importa que hable propiamente de temas de presidentes o de alcaldes sino que de alguna manera cada película transmite unas ideas a la sociedad. Entonces creo que es importante ser consciente de ese poder que tiene el cine y tratar de generar en el espectador preguntas y reflexiones más que respuestas, que les permitan pensar en una sociedad diferente. Para mí es muy importante ese tema de lo político en Colombia.

– Tal vez hay algunos conflictos que puedan permanecer silentes para el espectador, pero que ahí están en esta historia, en los personajes, y que son por ejemplo la represión que sufren los grafiteros y la proliferación de nuevas iglesias. Me pareció que es un contraste que hay en la película.

Yo en «Los Hongos» quería evidenciar diferentes universos que existen en paralelo, como pueden ser el de los jóvenes, el del padre, el de la abuela o la madre. No pretendía entrar a juzgarlos sino simplemente dejarlos allí en el ambiente, porque tampoco me interesa entrar a juzgar estas iglesias. Simplemente quiero constatar que hay un fenómeno social muy grande en Cali, en Colombia, y creo que en otras partes de Latinoamérica con el tema de la religión. Yo personalmente no soy miembro de ninguna iglesia pero en este barrio donde filmé la película pues uno ve muchas personas que han entrado a formar parte de ese tipo de confesiones y que están allí empezando a dejar su alma, su dinero y su esfuerzo en esos lugares.

Es entendible un poco la situación, porque muchas de estas personas que viven en estos barrios son gente que han vivido la violencia en Colombia, que son desplazadas del campo y han sufrido y han visto cosas horribles, y cuando llegan a la ciudad encuentran allí esa posibilidad de resarcir su alma. Entonces, yo entraría a juzgar ese tipo de instituciones como las iglesias de una manera muy respetuosa porque creo que obedecen también a un contexto social y a una crisis moral y social que vive Colombia, donde de todas maneras, como la película lo constata, siempre hay esperanza y siempre hay formas de seguir adelante, aunque en el pasado hayan existido actos violentos y actos reprochables.

– Cuando un grafitero dice «Yo quiero pintar a mi madre», ¿se está refiriendo quizá a valores que se quieren subrayar a consecuencia de ciertas rupturas que hay en el ámbito de la gente que se ha tenido que desplazar dentro del país?

Los_HongosAhí sí que es muy simbólico porque creo que, por ejemplo, parte del final de la película que es llegar a un árbol es como un símbolo del origen, y lo mismo la madre. Yo pienso que la rebeldía en el caso de esta película no obedece a ir en contra de los propios seres de uno, sino más bien que la abuelita de uno sea como un soldado del ejército de uno. Es una posición bastante punkera poner al papá, a la abuela o a la madre al frente del ejército. Eso es una cosa muy personal. Yo soy una persona muy familiar. Me gusta mucho mi familia. De hecho trabajo con mi madre en la productora y forma parte del equipo de producción de la película. Lo mismo con mi papá que actúa en la película, mi abuela,… osea, que siempre he considerado que la familia no es esa institución conservadora a la cual hay que huirle, sino que hay que cambiar ese concepto de familia creando nuevos paradigmas de lo que puede ser y creo que en definitiva, hay algún homenaje a la madre como figura esencial en cualquier ser humano y al final de todo siempre están esas raíces. Siempre todos llegamos a ese origen y desde allí es que podemos desarrollar nuestros sueños y nuestros deseos.

– ¿Las imágenes en las que se ve circulando la bicicleta en conjunto con la tabla de patinaje son muy comunes en el paisaje urbano de Colombia?

Sí, claro. Hay gente que monta tabla y otros montan bicicleta. Obviamente hay quienes son más expertos en el tema y pueden arriesgarse un poco a hacer este tipo de piruetas-maniobras. No te diría que es una cosa que se ve cada cinco minutos pero sí se ve, y esa escena especial donde están ellos juntos es en un túnel en el que está prohibido montar bicicleta. Eso era como un acto de rebeldía de los muchachos, que se meten a un lugar donde no se pueden meter y por eso hacen un boicot y el tráfico se enloquece un poco porque ellos van por ahí montando. Era una escena de cierta epifanía, como para crear una emoción de que en ese momento los chicos están apoderándose de la ciudad.

A mí me parece que el arte del grafitti lo que tiene interesante es que es una manera de apropiación de la ciudad que es diferente. Lo mismo que todo ese tipo de deporte extremo, los que hacen skate, parkour o que montan bicicleta, son individuos que asumen la ciudad y que se apropian de ella recorriéndola a través de lo que hacen. Es una manera de ver que en un lugar donde hay tanta violencia y tantos problemas, no podemos encerrarnos y tener miedo, sino que tenemos que salir y apropiarnos de nuestro espacio.

– En lo que se refiere al tratamiento de las imágenes se nota una diferencia notable en lo que es la técnica empleada. En «El vuelco del cangrejo» usasteis la cámara en mano y planos con trípode y observando bien percibí que habéis contado con mayores recursos en esta segunda película respecto a la primera, tanto en los travelling como en otras escenas, con la participación de la directora de fotografía Sofía Oggioni. ¿Fue así?

Sí claro, esta es una película que se realizó con muchos más recursos que en «El vuelco del cangrejo». Aquel fue un filme hecho de una manera muy austera. Teníamos una cámara 16mm con muy poquito material virgen, entonces tuvimos que controlar mucho cada imagen y esto llevó a una cierta estética más pausada. Realmente la mayoría de «El vuelco…» se hizo en trípode, salvo algunos pasajes, y evidentemente teníamos un equipo muy limitado de luces, que casi no habían, sin accesorios de cámara, sólo el trípode.

Sofía también fue la fotógrafa de «El vuelco del cangrejo». Es una persona con quien yo he venido trabajando hace más de doce años porque hicimos la universidad juntos y más tarde cortometrajes, por lo que ha sido todo un proceso de crecimiento paralelo. Obviamente, ella entre las dos películas realizó otros proyectos, otras películas, y entonces al entrar a «Los Hongos» llega cargada de nuevas experiencias y más conocimiento.

En esta película hemos trabajado por primera vez con steadycam y esto efectivamente nos permitía hacer cierto tipo de imágenes, sobre todo travellings, y ciertos planos que son en movimiento que con esa técnica se ven mucho más elegantes y no quedarían tan checkin si hubiesen sido solo cámara en mano. Yo no sé si es una evolución, pero yo diría simplemente que es un cambio, también debido a que es una producción que es mucho más móvil que «El vuelco…», que era una película que sucedía en un solo espacio donde el protagonista estaba estancado, mientras que «Los Hongos» trata sobre unos jóvenes que están en movimiento. Para mí era muy importante transmitir esta circunstancia desde la puesta de cámara y Sofía evidentemente es una persona a quien yo agradezco muchísimo por todo lo que aportó a la película, como siempre lo hace en los proyectos que desplegamos. Lo mismo la directora de arte que es Daniela Schneider, de México, y que habitualmente trabaja con Amat Escalante. Ella vino desde su país a trabajar conmigo y su trabajo ayudó mucho a la parte de fotografía.

– Por último, me quería referir a la autenticidad que muestran los personajes de tus películas y que también lo vimos en un corto como «El solecito», aspecto que yo destacaría que es como un valor añadido, porque no incorporas gente que se tiene que hacer cargo de ese tipo de personaje, sino que le aportan a estas películas un valor que es indispensable.

Gracias. Ese es el reto que he tenido en estas tres películas que llevo rodadas como director. Mi apuesta ha sido la de crear un universo de ficción a partir de personas que existen, que actúan de sí mismas, que al final construyen unos personajes pero que son personas que están muy próximas a lo que son ellos mismos. Evidentemente hay ciertas cosas que no son así en la vida real, como que Calvin no es el nieto de esa señora, pero por ejemplo él en la vida real tiene una abuela también y es por eso que la distancia entre el personaje y la persona es muy pequeña. En ese sentido casi que todo se vuelve como un documental de esas personas en medio de una estructura de ficción. Este es todo el cuento que me llena de mucha fascinación. Es muy difícil trabajar en este tipo de propuesta porque no hay mucho control a veces de las cosas y entonces en el set, por ejemplo, hay que trabajar mucho más tiempo de lo normal. Cuando tienes un actor que se aprende una línea y repite, de pronto hay como más velocidad, pero hay que tratar de capturar momentos de realidad y para eso se necesita que haya un set cómplice, una cantidad de profesionales que estén ahí detrás de la cámara en función de esas personas que están frente a ella. Ahí hay una dificultad, pero justo es lo que me ha interesado desarrollar en estos proyectos y quiero seguir haciéndolo. Es algo que me motiva mucho y me gusta.

©José Luis García/Cinestel.comLos Hongos_Oscar Ruiz Navia

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL.COM/ FUNDADA EN JULIO 2005

FILMOTECA DE CATALUNYA_ABRIL 2025

Albertina Carri

Retrospectiva integral d’una figura essencial del nou cinema argentí, en el seu vessant més experimental. El seu cinema es caracteritza pel tractament cru i transgressor de la violència, la sexualitat i el gènere, una mirada política feminista de dissidència sexual i per un estil audaç i provocador que aborda temes tabú des d’una punt de vista crític i subversiu. Carri presentarà el cicle dimarts 8 d’abril amb la preestrena de la seva darrera pel·lícula ¡Caigan las rosas blancas!, acabada d’estrenar a l’Argentina i al Festival de Rotterdam i que és en certa manera una seqüela de Las hijas del fuego (2018). (més informació)

El cicle dedicat a Carri completa el Focus Argentina iniciat el mes de març amb Cinema clàssic argentí i els seus marges, que s’estendrà encara fins al 12 d’abril per destacar la riquesa del patrimoni d’aquesta cinematografia en el període anterior als anys seixanta, sota el comissariat de la crítica de cinema argentina Lucía Salas. (enllaç)

Nicholas Ray

Considerat durant anys un outsider amb una carrera irregular, avui ningú no discuteix que Nicholas Ray és un dels grans mestres del Hollywood clàssic. Una extensa retrospectiva repassa la trajectòria d’aquest creador magnífic i turmentat, director de westerns que trencaven estereotips de gènere com Johnny Guitar o melodrames pioners a mostrar l’etern conflicte generacional com Rebel Without a Cause. Ray es va erigir, a la dècada dels cinquanta, en el portaveu més eloqüent de la soledat, l’individualisme rebel, el desarrelament i l’angoixa existencial. El cicle arrenca el 10 d’abril i s’allargarà també tot el mes de maig. (més informació)

Roberto Minervini. D’A Festival de cinema de Barcelona

Treballadors de la construcció, empleades amb el salari mínim, presidiaris, drogoaddictes, treballadores sexuals, adolescents amants dels rodeos, joves grangeres enamoradisses, pinxos que juguen a les milícies, soldats de destí maleït… són l’ombra del somni americà i l’objectiu de la mirada de Minervini, protagonista del Focus del D’A que es presenta a la Filmoteca. El seu cinema busca sempre els angles menys visibles de la societat, amb retrats que dilueixen les fronteres entre la ficció i el documental. El director va obrir el cicle el dimecres 2 d’abril amb la presentació del seu darrer film, The Damned (2024), el primer obertament de ficció de la seva filmografia i premi a la millor direcció en la secció Un Certain Regard de Cannes. (més informació)

Constel·lació Portabella

També en el marc del D’A, la Filmoteca acollirà el dijous 3 d’abril l’estrena de Constel·lació Portabella, primer documental dedicat a Pere Portabella, amb presentació del seu director Claudio Zulian i el productor Lluís Miñarro. (més informació)

Frans van de Staak. Festival Punto de Vista

Entre allò satíric i allò filosòfic, les pel·lícules de van de Staak operen com a jocs de llenguatge que recomponen els elements tradicionals del cinema i desfan la nostra percepció d’allò quotidià. El seu cinema explora formes de col·laboració horitzontal que travessen el seu treball amb intèrprets i repartiments corals, però també amb operadors de càmera, dissenyadors de so i muntadors, o amb músics. El cineasta neerlandès, desaparegut el 2001, ha estat un dels focus del festival de documentals Punto de vista que s’acaba de celebrar a Pamplona, amb la primera retrospectiva internacional de la seva obra que inclou onze dels seus vint-i-cinc films. Els vindran a presentar els programadors Carlos Saldaña i Manuel Asín, autors també de la primera monografia dedicada a Frans van de Staak. (més informació)

Arxiu viu

El programa que rescata joies i rareses de les col·leccions pròpies i alienes, ofereix en la seva segona edició un triple programa a partir de la recerca i digitalització del curt La Paz, una pel·lícula d’agitació realitzada pel grup argentí Cine Liberación al novembre de 1968 i dirigida per María Elena Massolo. L’única còpia en 16mm coneguda fins al moment es conserva a l’arxiu de l’Institut Arsenal de Berlin i va ser digitalitzada el 2024 a l’Elías Querejeta Zine Eskola de Sant Sebastià. La seva cap de recerca, Carolina Cappa, ha presentat la sessió de l’1 d’abril, amb una conferència que va dialogar amb el focus argentí a la Filmoteca: el dedicat al cinema clàssic i la retrospectiva Albertina Carri.

I també…

A Dies curts, una cineasta que explora temes com la intimitat, el quotidià i la interacció de l’individu amb el món digital. Juganera i melòmana, Paula González, també coneguda com a Puchi, sol fer pel·lícules sobre coses que l’estressen, com la saturació d’informació a internet, la productivitat o la solitud. (enllaç)

El cicle transversal Afins. Helena Lumbreras ofereix un programa triple que inclou El campo para el hombre (1973), obra clau del cinema clandestí realitzat amb el Colectivo Cine de Clase que, partint d’una poderosa anàlisi sobre les relacions de classe en el sector agrari, troba en la lluita i el treball camperol la seva pròpia poesia. També a La saleta, sessió de lectura L’arxiu Helena Lumbreras. Vida, somnis i llegat, a càrrec de Tània Balló Colell, cineasta i investigadora cultural que treballa des de fa temps en la recuperació de creadores femenines. (enllaç)

Tercera i darrera parella de ball proposada per la dissenyadora de so Amanda Villavieja dins del cicle Els passos dobles. El diàleg que proposa és entre la seva col·laboració al film de Jonàs Trueba La virgen de agosto i Vendredi soir de Claire Denis, dos viatges introspectius femenins que esdevenen experiències sensorials del temps i la ciutat. (enllaç)

La digitalització del mes d’abril del projecte Visibilitzem el cinema català és La niebla en las palmeras (Carlos Molinero, Lola Salvador, 2006), un dels documentals més originals de la nostra cinematografia. Una exploració hipnòtica de la memòria i la percepció, que dialoga amb la incertesa i la superposició d’estats propis de la física quàntica. (enllaç)

Aula de cinema proposa una sessió en diàleg amb el primer llargmetratge de Carlos Martínez-Peñalver, À procura da estrela (2023), un film que, per la seva mirada poètica i calmada del món rural i el gest quotidià, forma un magnífic díptic de cinema sensorial amb el film programat a l’Aula O Movimiento das Coisas (Manuela Serra, 1985). (enllaç)

FilmoXica enceta el nou cicle de primavera titulat Cants contra la guerra, perquè per lluitar per la justícia social cal conèixer el passat i imaginar altres maneres d’habitar el món. Un recorregut per les foscors de la guerra i els autoritarismes on no hi faltarà l’humor ni l’esperança de canvis que ens ajuden a imaginar un món en pau. Entre d’altres s’hi podran veure el film català Les Perseides, que grata en la memòria històrica de la Guerra Civil, o El gran dictador de Charles Chaplin, també protagonista del mes d’El gag infinit, el cicle dedicat als grans còmics del període silent que també inclou entre d’altres The Gold Rush, de la qual enguany es commemora el centenari. (enllaç)

CIRCUIT ESTABLE DE CINEMA CATALÀ

Cicle Gaudí 2016 - Circuit estable de cinema català
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SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

Sylvette Baudrot 260

FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL ARGENTINA

‘La producción audiovisual y su respaldo jurídico’ es el libro más reciente de Julio Raffo, un texto de lectura y de consulta imprescindible para los distintos profesionales de la industria del cine que deseen estar al tanto sobre cómo se regula en la Argentina la actividad productiva que conlleva la realización de películas, atendiendo no solamente a disposiciones legales y su marco regulatorio, sino que también a ejemplos prácticos y anécdotas. (saber más)

LOS INVENTORES DEL CINEMATÓGRAFO

Cinematógrafo LumièreEl cine es una invención sin ningún futuro. (…)
Nuestro invento no es para venderlo. Puede ser explotado algún tiempo como curiosidad científica, pero no tiene ningún interés comercial. *Antoine Lumière

ZONA INDUSTRIA

CinemaCon 2025: Christie presenta la tecnología VDR

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Christie presenta en primicia su tecnología de Rango Dinámico Variable (VDR), que ofrece imágenes vívidas en pantalla, mayor eficiencia energética y menor coste total de propiedad en…

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CANNES: ¿CARLA SIMÓN CON PALMA DE ORO?

11 abril 2025 – La directora catalana Carla Simón competirá en la Sección Oficial del Festival de Cannes con su nueva película, “Romería”. “Tengo la suerte de formar parte de una gran familia llena de historias que se han convertido en mi fuente de inspiración. Las relaciones familiares me fascinan porque no las escogemos. La familia es el origen de muchos conflictos, traumas y peleas, pero también es el origen del amor, la confianza y la lealtad más profunda” -explicaba la cineasta-.

En “Romería”, Marina viaja a Vigo para conocer a la familia de su padre biológico, que murió de sida, al igual que su madre, cuando ella era muy pequeña. A través de los encuentros con sus tíos, tías y abuelos, la joven intenta reconstruir un relato de sus padres, pero todos sienten demasiada vergüenza hacia los conflictos de drogas de la pareja, algo que Marina les recuerda con su presencia.

Será la historia de amor adolescente que vive con su primo lo que le permita reimaginar a sus padres y conectar con ellos. De esta forma, inventa un cuento, gracias al diario de su madre, que la libera del estigma que su familia siente por ellos y cumple el deseo de entender el pasado…

Por otro lado, un habitual de Cannes, el director gallego radicado en Marruecos, Oliver Laxe, también formará parte de la Sección Oficial con su cuarto largometraje, “Sirat”, protagonizado por el catalán Sergi López.

FILMO: RETROSPECTIVA D’ALBERTINA CARRI

2 abril 2025 – La Filmoteca de Catalunya dedica un espai a la riquesa del patrimoni i la creativitat contemporània del cinema argentí. Un dels exponents més diversos i prolífics d’Amèrica Llatina, el cinema argentí es debat entre la precarietat patrimonial, degut a l’absència d’estructures sòlides que garanteixin la seva difusió i pervivència, i les amenaces polítiques que posen en risc la inversió pública i els consensos democràtics sobre la memòria històrica i el valor social de la cultura.

Per això es programen dos cicles que ofereixen una panoràmica d’aquella cinematografia: un sobre el seu període clàssic i un altre dedicat a una de les figures contemporànies més personals i combatives: Albertina Carri. Artista i escriptora en canvi constant, en cada pel·lícula crea variants radicalment singulars, examinant qüestions tan diverses com la memòria de la dictadura, la mirada crítica a les relacions familiars, la reinterpretació de gèneres clàssics o el potencial de les sexualitats i els cossos no normatius.

Retrospectiva Albertina Carri

L’obra d’Albertina Carri (Buenos Aires, 1973) s’inscriu en el vessant més experimental del Nuevo Cine Argentino. El seu cinema, proteïforme i divers, abraça tota mena de tècniques expressives i recursos narratius, i es distingeix per un estil audaç i provocador que aborda temes tabú des d’una mirada crítica i subversiva.

El 2003 es dona a conèixer internacionalment amb Los rubios, un film que qüestiona la veracitat dels records i les formes de representació històrica, i amb el qual reconstrueix la seva història personal, marcada per la desaparició dels seus pares durant l’última dictadura argentina. Aquesta tragèdia personal ha influït molt la seva producció artística, amb la qual explora la intersecció entre l’experiència individual i la memòria col·lectiva, la identitat i la justícia social.

El tractament cru i transgressor de la violència, la sexualitat i el gènere són altres constants d’una filmografia bastida amb fúria i que desafia les estructures de poder i els discursos hegemònics i patriarcals per donar pas a una mirada política feminista de dissidència sexual. Cineasta incòmoda, Carri és una figura clau del cinema argentí contemporani.

Albertina Carri acompanyarà la preestrena del seu darrer film ¡Caigan las rosas blancas! (2025) el dimarts 8 d’abril, abans que arribi a les sales comercials el 16 d’abril. Serà la inauguració de la retrospectiva integral que li dedica la Filmoteca de Catalunya i que s’estendrà fins al 25 d’abril.

Podeu consultar la programació de la Retrospectiva Albertina Carri AQUÍ.

MÁLAGA PREMIA A “SORDA” Y “LOS TORTUGA”

22 marzo 2025 – Presidido por la actriz argentina Mercedes Morán, el jurado oficial del 28 Festival de Málaga otorgó su Biznaga de Oro a la Mejor Película a “Sorda”, ópera prima de la directora y guionista murciana Eva Libertad García, protagonizada por la actriz Miriam Garlo (foto), también debutante. El Premio Especial del jurado fue para la realizadora catalana Belén Funes por “Los Tortuga”.

“Sorda” es un drama sobre una mujer que está embarazada y que tiene esa discapacidad. Vive con Héctor, su pareja oyente, pero el embarazo hace aflorar sus miedos frente a la maternidad y sobre cómo podrá comunicarse con la hija que llegará tras el parto. Cuando la niña nace se genera una crisis en la pareja y eso lleva a Ángela a afrontar la crianza de su criatura en un mundo que no está hecho para ella.

El cine catalán obtuvo reconocimientos en nueve de las once categorías de la muestra de cine, con cinco películas diferentes premiadas. “Los Tortuga”, de Belén Funes, logró los premios a mejor dirección y guion, además del Especial del jurado antes mencionado. En Zonacine, “Esmorza amb mi”, debut de Iván Morales en la dirección, consigue cuatro estatuillas: mejores película, interpretación femenina (Anna Alarcón) y masculina (Iván Massagué), además del premio del público.

Los protagonistas de “Los Tortuga” (Belén Funes) no son una pareja feliz. Julián y Delia se mudaron hace más de veinte años a Barcelona y desde entonces atraviesan numerosas crisis de pareja que nunca se solucionan. Pero el matrimonio no se ha divorciado para no complicarle la vida a su hija Anabel, de dieciséis años.

CINE.AR SE CONVIERTE EN S.A.U.

18 marzo 2025 – (COMUNICADO) La Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina (ACCA) expresa su preocupación ante la reciente decisión del Gobierno Nacional de transferir las plataformas CINE.AR, CINE.AR PLAY y CINE.AR ESTRENOS, hasta ahora gestionadas por el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), que pasarán a estar bajo el control de Contenidos Artísticos e Informativos Sociedad Anónima Unipersonal (S.A.U.), entidad dependiente de la Secretaría de Comunicación y Medios de la Presidencia de la Nación, a cargo de Manuel Adorni.

Esta medida, formalizada mediante un decreto presidencial, implica que las plataformas que históricamente han sido fundamentales para la difusión y promoción del cine nacional ya no estarán bajo la órbita del INCAA, organismo creado para fomentar y proteger nuestra cinematografía.

La desvinculación de estas plataformas del INCAA representa un golpe significativo a la autonomía y capacidad de gestión de nuestra industria cinematográfica. Además, esta decisión se suma a una serie de acciones que han debilitado al INCAA, incluyendo despidos masivos y recortes presupuestarios, afectando directamente la producción y difusión de nuestro cine.

La Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina reafirma su compromiso con la defensa del cine nacional y la promoción de políticas públicas que aseguren su crecimiento y difusión.

FILMOTECA: CICLO CINE CLÁSICO ARGENTINO

13 marzo 2025 – (Por Lucía Salas) Hacer hoy un programa de cine argentino clásico es una aventura compleja. A la histórica falta de una filmoteca se suma la intervención del instituto cinematográfico por parte del actual gobierno para desmantelar sistemáticamente lo que es público.

También hay buenas razones: el cine argentino de la era de los grandes estudios (y un poco antes, y un poco después) es inmenso, y es difícil elegir entre todos los directores, actores y géneros.

Casi sin películas digitalizadas, y sin la solidez institucional necesaria para mover copias físicas a través del Océano Atlántico, acudimos al archivo de la Filmoteca de Catalunya y de la española, donde encontramos algunas películas canónicas y muchas rarezas; al Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken, que lleva a cabo una tarea de preservación y difusión muy por encima de los recursos que le otorga el Estado; a la Filmoteca Buenos Aires de Fernando Martín Peña, que no sólo nos presta sus películas, sino que las lleva en la maleta.

De estas posibilidades surge un corte ecléctico del cine de un país, sus directores, sus actores, los vínculos directos con el teatro, el tango, el fútbol, el fango del barrio, las luces del centro, la intimidad de las familias, las corrientes migratorias y sus acentos, los ladrones del pan untado en aceite, los jornaleros, los gauchos y mucho más.
(Lucía Salas, curadora del ciclo)
(Enlace a vídeo en Youtube)

OSCARS 2025: “ANORA”, MEJOR PELÍCULA

3 marzo 2025 – “Anora”, la misma película que en mayo del año pasado obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes, recibió este año el Oscar a la Mejor Película, además de los Premios a la mejor actriz protagonista (Mikey Madison) y mejores guion y montaje. Su director, el británico-estadounidense Sean Baker, gusta de introducir elementos originales en todas sus películas. De hecho, es sabido que su film “Tangerine” (2015) fue íntegramente rodado con un teléfono móvil.

Otros dos galardones a destacar en la noche de alfombras rojas del Teatro Kodak de la ciudad de Los Ángeles, son el de Mejor Película Internacional para “Ainda Estou Aqui” (Aún estoy aquí), de Walter Salles, una historia ambientada en plena dictadura militar del Brasil de 1971; y el Oscar al Mejor Documental para “No Other Land”, una película dirigida por el israelí Yuval Abraham y el palestino Basel Adra, junto a Hamdan Ballal y Rachel Szor, que también fue premiada en la Berlinale de 2024. Los dos primeros protagonizan una historia acerca de los desalojos forzados por Israel en la zona ocupada de Cisjordania, con la finalidad de convertir algunas áreas en zonas de entrenamiento militar.

MÉXICO: NETFLIX AUMENTARÁ SU PRESENCIA

24 febrero 2025 – El CEO de Netflix, Ted Sarandos, recién visitó México para anunciar en una conferencia de prensa junto a la presidenta Claudia Sheinbaum, que su compañía abrirá oficinas en la capital de la nación e invertirá 1.000 millones de dólares en los próximos cuatro años para producir contenidos, tanto en lengua castellana como inglesa, en series y en otro tipo de producciones cinematográficas, lo cual conlleva que un buen número de películas serán rodadas en tierras aztecas.

La presidenta del país consideró que el acuerdo también supone un excelente incentivo para promocionar diversos estados mexicanos como locaciones de rodaje, lo cual redundaría, según dijo, en un beneficio para el sector turístico de México.

Según datos oficiales del Instituto Federal de Telecomunicaciones, en 2023 el 87% de los espectadores de contenido digital mexicanos tuvo preferencia por Netflix. La compañía FilminLatino, que fue una filial de la hasta ahora plataforma de streaming española Filmin, matriz que hace pocas semanas fue puesta en venta al mejor postor internacional (posiblemente Universal o Amazon), fue reconvertida por el IMCINE en marzo del 2024, luego de que el Instituto tuviera que asumir su gestión.

ISE 2025, PIEDRA ANGULAR DEL AUDIOVISUAL

7 febrero 2025 – Integrated Systems Europe (ISE) 2025 concluyó una semana de gran éxito en Barcelona, celebrando otro hito en la historia del evento. La feria de este año fue más rica que nunca en innovación, avances de la industria y tecnologías de vanguardia, reforzando su posición como el principal evento para la industria audiovisual (AV) y de integración de sistemas. La feria contó con el mayor número de expositores, 1.605, y la mayor superficie de exposición, 92.000 m2 netos.

ISE 2025 acogió a 85.351 visitantes verificados procedentes de 168 países, lo que supone un aumento del 15,5% respecto al año anterior.

Esta exposición internacional con sede en Catalunya consolidó una vez más su estatus como piedra angular del sector audiovisual y de la integración de sistemas, uniendo a profesionales de todo el mundo para intercambiar ideas, explorar tecnologías innovadoras y forjar conexiones duraderas. Reflexionando sobre el éxito del certamen, Mike Blackman, Director General de Integrated Systems Events, declaró al finalizar el evento: “La energía y el compromiso de nuestros asistentes y expositores han sido realmente notables. Desde la dinámica sala de exposiciones y los impactantes escaparates de los expositores hasta un programa repleto de contenidos, la edición de este año ha ofrecido una experiencia inigualable.”

AUDIOVISUAL: CREIX EL VOLUM DE NEGOCI

27 gener 2025 – El sector audiovisual a Catalunya ha augmentat un 14% el volum de negoci durant l’últim any fins als 8.636 milions d’euros, que representen el 3% del PIB. En conjunt, el sector reuneix 4.161 empreses, un 4% més que fa un any, i dona feina a 41.866 persones (un 13% més). Són les principals xifres de l’estudi El sector audiovisual a Catalunya, elaborat per ACCIÓ, l’agència per la competitivitat de l’empresa del Departament d’Empresa i Treball, en col·laboració amb el Clúster Audiovisual de Catalunya.

L’informe s’ha presentat en una jornada amb la presència de les principals empreses del sector i amb la participació del secretari d’Empresa i Competitivitat i conseller delegat d’ACCIÓ, Jaume Baró Torres, el president del Clúster Audiovisual de Catalunya, Miquel Rutllant, i el director general de l’Integrated Systems Europe (ISE), Mike Blackman.

Segons Miquel Rutllant, “ens trobem en un moment estratègic per al sector audiovisual català. Projectes com el de les Tres Xemeneies marcaran el futur de la nostra indústria perquè esdevingui un referent a nivell internacional. A Catalunya som molt forts en tecnologia i talent audiovisual. Un audiovisual molt potent en cinema i televisió que inclou nous formats com les experiències immersives o els videojocs, formats que precisament es caracteritzen pel seu fort component tecnològic. I el Catalunya Media City ha de ser la infraestructura que aculli platós d’última generació i data centers que permetin treballar el volum de dades que l’audiovisual necessita. Però també ha de reunir els principals actors nacionals i internacionals de la tecnologia audiovisual. I tot això requereix la col·laboració entre el sector públic i el privat”.

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