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Entrevista a Joako Ezpeleta, coordinador de la Mostra Fire!!

Mostra Fire 2019 Entrevista a su director Joako Ezpeleta

Mostra Fire!! 2019
Uno de los acontecimientos que surgen del colectivo LGTBI de la ciudad de Barcelona es la Mostra Internacional de Cinema Gai i Lesbià, Fire!!, que cada año reúne un buen número de títulos cinematográficos que cubren temáticas de todo tipo, ligadas a la diversidad sexual.
Hay películas relacionadas con el mundo gay y lésbico, pero también de temática trans o bisexual, además del apartado educacional, que tiene que ver con los niños y la adolescencia y que también invitan a ser vistas por padres y educadores, para conocer de primera mano historias en su mayoría de ficción, pero con un trasfondo real.
Este año, la Mostra Fire!! 2019 rememora en esta edición los graves disturbios que sucedieron hace 50 años en el bar neoyorkino Stonewall, donde unos policías entraron en el local y agredieron a todos los presentes, miembros LGBTI en su mayoría.

Ese lamentable suceso de 1969 marcó un punto de inflexión, dando inicio a protestas que más tarde derivaron en las reivindicaciones que han hecho posible en muchas partes del mundo, contrarrestar las consecuencias de las ideologías homófobas imperantes y facilitar que se vaya reconociendo una realidad incuestionable.

Ni un pas enrere! (¡Ni un paso atrás!) es el lema elegido por los organizadores del Fire!! para este año, a través del cual se recuerda el medio siglo transcurrido desde el asalto policial mencionado, e igualmente viene a cumplir el objetivo de hacer un toque de atención en torno al auge en Europa de grupos xenófobos que intentan cuestionar la pluralidad de género. El colectivo homosexual no está dispuesto a renunciar a los derechos conquistados.

Joako Ezpeleta, coordinador de la Mostra Fire!! responde las preguntas de Cinestel:

– Aunque todavía hay problemas en Europa, se han conseguido avances en los reconocimientos de derechos, pero ¿no crees que hay muchas diferencias según de qué país se trate?

Lo más grave es en Europa, porque efectivamente pertenecemos a una Unión Europea de países civilizados, tenemos una Constitución Europea que nos tiene que proteger, pero vemos que el auge de extremismos políticos en países donde estos derechos estaban más consolidados, los están poniendo en duda. No solamente países como Polonia o como Italia, sino también Estados Unidos con Trump.

Y esto no solamente ocurre en países con políticas de derechas, aunque a nosotros especialmente en el Fire!! no nos gusta hablar de políticas de derechas o de izquierdas. Y es que al final hay países enormes como puede ser China, o Rusia, o sin irse tan lejos, Cuba; lugares donde precisamente no está la extrema derecha, y los derechos de los gays tampoco están consolidados, ni mucho menos garantizados. De hecho se reprimen de manera salvaje, especialmente en Rusia y China, con lo cual para mí no es una cuestión ni de derechas ni de izquierdas, sino de derechos humanos en países como por ejemplo del continente africano, donde están a años luz de lo que estamos en Europa.

Pero en general, la situación si la miramos a nivel global en todo el planeta, es buena.

– En cuanto a la edición de este año, en esta ocasión recibís la visita de un director de culto llamado Rosa von Praunheim. ¿Cómo es su cine?

Él es un icono en el mundo del cine homosexual. Lleva muchas películas hechas, es alemán, y además firma con este nombre tan curioso que es un pseudónimo, siendo una figura respetadísima y con un sentido del humor y crítico que hace que tenga tantos seguidores de sus películas.

La que presentamos es la última y es una de las más convencionales, en el buen sentido de la palabra. Es más fácil de ver, con un argumento dramático entendible, narrativo, y yo creo que es una de sus mejores películas, “Darkroom”. Viene acompañado de su marido y ambos estarán en la primera proyección en el Fire!! para presentarla y compartir cualquier pregunta con el público.

– También siempre procuráis incluir alguna biografía interesante en forma de película, y este año le corresponde el turno a Montgomery Clift, que es un actor que tuvo que vivir en una época muy diferente a la actual.

Correcto. Y mucho más difícil, a pesar de que él fue una persona reconocida, rica y en un país tan potente como Estados Unidos, pero aun así, lo que da a entender ese documental es que fue un ser humano que sufrió muchísimo a pesar de tener dinero, al ser famoso como actor reconocido, pero a quien los conflictos identitarios y sexuales le hicieron huella, pues cada uno los vive de una manera diferente. Y se verá que en la vida de Montgomery Clift, como la de mucha gente conocida (actores, escritores, …) que ha pasado por el Fire!!, la lección es más humana que profesional. Fue un gran actor, pero al final fue un infeliz.

Mostra Fire 2019 Entrevista a su director Joako Ezpeleta

Documental “Making Montglomery Clift”

– Vosotros programáis tanto ficciones como cine documental. ¿Hay un equilibrio entre ambos géneros, o todo depende de la calidad de las películas que seleccionáis?

Depende mucho de la calidad, pero también es cierto que las películas de ficción tienen muchísimo más público que los documentales. Por eso la diferencia es enorme. Es decir, pueden haber 20 o 25 largometrajes de ficción frente a 7 u 8 documentales, porque son para un público más minoritario. Está mucho más aceptada una historia dramática de ficción que un documental.

Pero aun así, los documentales son muy buenos y tienen un nivel de calidad grandísimo, y siempre intentamos también contar con historias de gente que ha dejado alguna verdad o algo de lo que aprender. Ese sentido educativo se cumple más fácilmente con los documentales que con una película de ficción.

– En la Mostra se ha podido ver alguna que otra comedia, aun cuando este género no suele encajar mucho con los festivales en general. ¿Vosotros procuráis incluir siempre que podéis alguna comedia dentro de la programación del Fire!!?

Nunca nos han hecho esta pregunta, pero tienes toda la razón. Nosotros mismos nos preguntamos por qué no hay más comedia en el Fire!!, al igual que tampoco nos la encontramos en otros festivales. En nuestro caso, yo lo que te puedo decir es que no recibimos muchas comedias en lo que buscamos a lo largo del año para la programación, y no sé si tiene que ver con que los directores o directoras de temática LGBTI han tenido unas experiencias y unas vivencias negativas y dolorosas que se acaban transformando en la historia que cuentan, pero sí que es verdad que es muy difícil encontrar buenas comedias de temática LGBTI. Este año curiosamente abrimos en la inauguración con una comedia, “Kanarie”.

– Y creo que entre las visitas de este año tenéis la de Camille Vidal-Naquet, que viene a presentar “Savage”, y que había sido presentada hace poco en el Festival de Cannes.

Sí, y además de haber estado en Cannes, donde fue una película muy comentada y polémica en sí misma, el director está encantado de venir a presentarla, siendo el Fire!! uno de los primeros festivales después de Cannes que la va a poner, por lo que estamos muy contentos. Viene además con gran parte del equipo de la película, con lo cual se están tomando este estreno de Barcelona con un gran interés y estamos encantados de que vengan, porque el público agradece muchísimo cuando viene un director a hablar de su propia historia.

– ¿Uno de los aspectos más interesantes del Fire!! podría ser quizá que renunciáis a ser un evento competitivo?

Tenemos algunos premios nominativos, pero efectivamente no somos competitivos. De hecho no nos llamamos Festival sino Mostra, y lo que queremos es mostrar una selección de películas que nos han gustado y que vemos que tienen interés. Hemos preferido no competir con dinero, ni hacer que un jurado tenga que hacer algo tan subjetivo como es decidir si una película es mejor que la otra. Pensamos que es mucho más fácil y más sincero que sea una Mostra y que sea el público el que decida qué es lo que le gusta.

– En la base de la Mostra está el Casal Lambda, que lleva desde 1976 funcionando. ¿Ahí hacen actividades de cine también a lo largo del año?

Casal Lambda acaba de cambiar de ubicación y su sede está ahora dentro del Centro LGBTI que se ha abierto en Barcelona, junto a otras diferentes entidades. Es un lugar que es extraordinario y está en la calle Comte Borrell. Ahora empiezan a tener las condiciones técnicas y de espacio para poder hacer ese tipo de cosas.

En la sede anterior de Casal Lambda, se podía poner (y lo hacían) cortometrajes y algunas secciones de documental, o invitar a algún director de cine que proyectaba cosas, aunque no había un ciclo de cine estable durante todo el año, pero ahora estoy seguro de que se hará y de que recibirá el apoyo de la Mostra Fire!! para darle contenidos.

– Y para finalizar, me gustaría que nos comentaras un poco el cambio de fechas que hubo en el festival, que veo que ha sido positivo, porque lo seguís manteniendo. ¿No es así?

Correcto. Barcelona lo que tiene es que es una ciudad con tantísima oferta cultural, que es muy difícil competir. Y luego además teníamos el hándicap de dos cosas: una la playa, cuando estábamos en el mes de julio era totalmente dentro de la temporada de verano; y segundo, todas las actividades que giraban alrededor del Gay Pride. Todo esto nos hacía entender que no era el mejor fin de semana, porque realmente es muy difícil tener que elegir entre ir a una cosa u otra y es una semana en la que se prestaba tanta atención al colectivo LGBTI que al final, pasábamos más desapercibidos.

Al situarnos en junio, este cambio es más interesante. Estamos antes de todas estas celebraciones, con lo cual empezamos a promocionarlas nosotros mismos. También los medios de comunicación nos prestan un poco más de atención, y luego hemos visto que la asistencia del público es igual de buena o mejor que cuando estábamos en julio.

Por ahora nos quedaremos en el mes de junio, e intentaremos incluso el año que viene ampliar las sedes y no hacer algo solamente en el Instituto Francés, sino empezar a programar también en la Filmoteca de Catalunya, en el Raval.Síguenos en Twitter color

 

©José Luis García/Cinestel.com

Mostra Fire 2019 Entrevista a su director Joako Ezpeleta

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL, WEB FUNDADA EN JULIO 2005

FILMOTECA DE CATALUNYA_JUNY 2026

Aquest mes de juny en la Filmoteca de Catalunya tenim la possibilitat de veure cicles de Radu Jude; Barbara Hammer; Dies curts: Rocío Montaño; Japanimerama; Llogateres del món i Pink Narcissus a la restauració del mes.

Radu Jude

Extensa retrospectiva dedicada a una de les figures més interessants i prolífiques del cinema actual. La Filmoteca compta amb la seva presència per presentar una obra radicalment contemporània, no només pels temes que tracta (l’explotació laboral, el món de la publicitat o les xarxes socials), sinó perquè la mateixa forma absorbeix i qüestiona les mutacions de la imatge actual. Els conflictes ètics, socials i polítics que despleguen les seves pel·lícules estan profundament ancorats al present, alhora que manifesten el pes d’una herència que posa en crisi la història europea. Jude desafia amb un retrat àcid i sense concessions de la seva Romania natal, amb una llibertat formal desacomplexada, un sentit de l’humor incòmode i un ús depurat de la ironia. Un dels seus films més recents, Dracula, es presenta en el marc del +RAIN Film Festival de la Universitat Pompeu Fabra. (més informació)

Llogateres del món

Precisament el darrer film de Radu Jude, Kontinental’25, també forma part d’aquest cicle que centra el debat en la lluita per un habitatge digne, com un dels principals fronts de mobilització dels nostres dies. El cineasta romanès mantindrà una xerrada amb joves participants al taller Vivim el barri després de la projecció dijous 4 de juny. El programa continua tot el mes amb una selecció de pel·lícules que, des de diferents contexts històrics i geogràfics aborden la precarietat habitacional, els desnonaments, el sensellarisme i l’especulació com a símptoma d’un problema profundament polític. Entre d’altres s’hi podran veure Il tetto (Vittorio de Sica, 1956); El largo viaje hacia la ira (Llorenç Soler, 1969), Wendy & Lucy (Kelly Reichardt, 2008) i L’home sense nom (Wang Bing, 2009). (més informació)

Barbara Hammer

Continua la retrospectiva encetada al maig i organitzada amb la col·laboració de la Mostra Internacional de Films de Dones. El cicle explora l’obra d’aquesta cineasta i artista visual estatunidenca, lesbiana i feminista militant, que va concebre el cos com a espai de coneixement i d’acció política. Al llarg de cinc dècades, Hammer explora la representació del cos i el desig en nombrosos curtmetratges i llargmetratges, tant analògics com digitals, a través d’una experimentació formal en constant evolució. Filma el desig, el tacte i la vulnerabilitat com a formes de pensament i com a gest de llibertat. Hammer s’aproxima a tot allò que travessa la seva vida: els vincles afectius, el paisatge o la malaltia, amb una curiositat que esdevé font constant d’entusiasme i qüestionament crític.
(més informació)

De bell nou. La restauració del mes: ‘Pink Narcissus’

Recuperada gràcies al treball de la UCLA Film & Television Archive, la pel·lícula de James Biggood és considerada una obra de culte i una autèntica joia de l’estètica camp, imprescindible per entendre una possible expressió visual queer contemporània. Com una fantasia eròtica suspesa entre el somni i la realitat, aquest poema visual s’endinsa en la ment d’un jove prostitut que, mentre espera un client, s’abandona a una processó d’escenaris imaginaris. Un univers de colors saturats, decorats artificials i sensualitat desbordant construeix una exploració singular del desig i la bellesa, travessada per una ombra latent: la por a l’envelliment i a la pèrdua del propi encant. (més informació)

Japanimerama, punt final

Acaba aquest viatge al cor de l’animació japonesa que hem emprès des del mes d’abril, amb una acurada selecció de títols que mostren la diversitat d’estils i temes que han convertit a l’anime en un referent cultural global, també en la programació familiar de FilmoXica. I una de les cites pendents imprescindibles és la recuperació, en un programa doble, de les dues parts de Ghost in the Shell, les dues pel·lícules per antonomàsia del ciberpunk. Dues obres mestres del gènere signades per una de les seves ments més privilegiades: Mamoru Oshii. La segona part, Innocence, va ser el primer anime de la història seleccionat per competir a la Secció Oficial de Cannes.
(més informació)

Dies curts: Rocío Montaño

El cicle dedicat a cineastes emergents tanca temporada amb Rocío Montaño, cineasta i mestra de primària, graduada en Comunicació Audiovisual. Com a cineasta, la seva activitat se centra en els vídeo-diaris i el cinema domèstic. El programa que presentarà inclou títols tan suggeridors com Ansiedad y la cámara, Melocotones tardíos, Esto es agua o Cuadernos de cangrejos. (més informació)

I també…

Les golfes, el cicle que rescata el cinema més transgressor, programa una indiscutible pel·lícula de culte, motiu de projeccions especials arreu del món per celebrar la seva singularitat: Troll 2, l’enèsima demostració que les pel·lícules batejades com “la pitjor pel·lícula de la història” sempre troben el seu lloc. A Troll 2 ni tan sols hi surten trolls: hi surten goblins. La presentarà la comissària del cicle, Desirée de Fez. (enllaç)

Visibilitzem el cinema català està dedicat a la vessant com a productor de Josep M. Forn (Barcelona 1928-2021), figura fonamental en la història del cinema català. El seu nom és al darrere d’alguns projectes clau (La ciutat cremada) i en el debut de cineastes com Gonzalo Herralde o Ventura Pons. La sessió reuneix tres exemples de les desenes de curts que va impulsar per descobrir nous talents de casa nostra: Tango (Mario Gas, 1975), La casa d’Odin (Paco Poch, 1979) i La festa dels bojos (Lluís Racionero, 1977). (enllaç)

L’exposició Isabel Herguera. El desig d’un lloc imaginat tanca portes el 14 de juny. Darreres oportunitats de descobrir el talent i l’univers d’aquesta artista i animadora. Dimecres 3 de juny, darrera visita guiada, a càrrec de Laura Ginès, comissària del cicle paral·lel Isabel Herguera. Imaginaris compartits, que s’aproximarà al treball d’Herguera des de la pràctica artística compartida, aprofundint en la tècnica del multiplà i en l’obra més plàstica (dibuixos i llibretes de viatge), que revela la gènesi del cinema d’Herguera. (enllaç)

També es clou el cicle Fritz Lang. El període mut amb dos guions signats per la que aleshores era la dona del director, Thea von Harbou, Els espies i La dona a la Lluna, dos films de 1928 que donen pas a la seva filmografia sonora, objecte d’un nou cicle a partir de juliol, coincidint amb l’any del 50è aniversari de la mort del mestre alemany. (enllaç)

CINESTEL TAMBIÉN ESTÁ EN BLUESKY

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PALMA DE ORO PARA CINEASTA ARGENTINO

24 mayo 2026 – Deben de andar disgustados en estas fechas los responsables del (des)gobierno de Argentina formado por los partidos de Milei/Macri, pues un argentino, Federico Luis, logró la Palma de Oro en Cannes en medio de la crisis del INCAA. El director ganó la distinción por su cortometraje “Para los contrincantes”, que debió rodar íntegramente en México con fondos de ese país, Chile y Francia, ante el desfinanciamiento del INCAA y la consiguiente paralización del soporte estatal para el cine local.

El director subió al escenario de la Sala Lumière para recibir el galardón de manos de la realizadora catalana Carla Simón, y conmovió al auditorio con su discurso: “Es maravilloso estar aquí y también un poco agridulce, cuando sabemos que tantas cosas crueles están pasando en el mundo”. El cortometraje relata la historia de un niño de 10 años sumido en el mundo del boxeo infantil en el barrio mexicano de Tepito.

Federico Luis es un destacado cineasta argentino reconocido internacionalmente por su trabajo en dirección de cine independiente, que ya había triunfado en la edición 2024 de Cannes al ganar la Semana de la Crítica con su largometraje “Simón de la montaña”, hecho con el apoyo de los gestores anteriores del Instituto de Cine. Y se da la circunstancia de que su siguiente ficción en un largo también va a ser rodada en México, aunque Luis no es de los que a posteriori de la edición de un corto derivan la historia hacia un largometraje, sino que procura que cada film sea una obra independiente de la otra.

El jurado presidido por el director surcoreano Park Chan-wook e integrado, entre otros, por la actriz estadounidense Demi Moore y por el actor sueco Stellan Skarsgard, decidió otorgar su Palma de Oro al Mejor Largometraje a “Fjord”, del rumano Cristian Mungiu, una película que resultó ser polémica porque desde la ficción critica con vehemencia a los servicios sociales de Noruega que, entre otras cosas, deben velar por el bienestar de los niños sobre quienes se sospecha que han sido objeto de abusos y malos tratos por parte de sus padres.

El Gran Premio de Jurado fue para “Minotaur”, de Andrei Zviaguintsev y el de la Mejor Dirección fue, ex-aequo, para Pawel Pawlikowski por “Fatherland” y para Javier Calvo y Javier Ambrossi (Los Javis) por “La bola negra”, una película producida por Pedro Almodóvar, un cineasta que es todo un clásico muy admirado y querido en el Festival de Cannes.

27 MAYO: HOMENAJE A RAYMUNDO GLEYZER

21 mayo 2026 – Raymundo Gleyzer es uno de los cineastas imprescindibles del cine militante argentino y latinoamericano. En diez años de trabajo produjo una serie de cortometrajes y largometrajes que retratan las temáticas más urgentes de los 60s y 70s, que no sólo no han perdido vigencia y valor sino que lo han acrecentado. Ver sus películas hoy es conectar con la mirada lúcida de un cineasta comprometido con el tiempo que le tocó vivir. Raymundo Gleyzer fue secuestrado y desaparecido el 27 de mayo de 1976, a sus 34 años. Este año se hace una revisión su obra restaurada a 50 años de su asesinato en manos de la dictadura cívico-militar.

Desde el Foro Audiovisual de la Provincia de Buenos Aires han convocado a una proyección federal y simultánea para este 27 de Mayo. Las proyecciones alcanzan también algunos cines ubicados en España, que ese día también ofrecerán el visionado de algunas películas del célebre cineasta en homenaje a su autor y a su ingeniosa forma de retratar algunos problemas sociales. Además, desde el Foro también han convocado a todo el sector del cine y la cultura nacional argentina a que se sumen a esta iniciativa.

Raymundo Gleyzer no sólo filmó con la cámara, también lo hizo con la historia. No sólo rodó películas, sino que dejó trazado un camino. A 50 años de su desaparición, su nombre resurge cada 27 de mayo para recordarnos que el cine puede ser una herramienta poderosa, un arma creativa cargada de futuro.

En cuanto a las proyecciones en el territorio español, los residentes en Santiago de Compostela y alrededores tendrán la oportunidad de ver algunas de sus películas a las 19:00h de ese día, (enlace). Y se sabe que se las películas también se exhibirán en la Elías Querejeta Zine Eskola de Donostia-San Sebastián. En cuanto dispongamos de más enlaces, ampliaremos esta información.

“SOMUDL”, LA NOVA SECCIÓ DEL SOM CINEMA

El festival Som Cinema ha posat en marxa la convocatòria del SomUdL, una nova secció oberta a tot l’estudiantat de qualsevol titulació que vulgui presentar curtmetratges de ficció i documentals a concurs. La convocatòria, promoguda pel Vicerectorat de Cultura de la UdL i destinada a que l’alumnat “pugui expressar les seves inquietuds lliurement i transmetre la seva visió del món a través del llenguatge audiovisual”, restarà oberta fins al 10 de juliol. El festival Som Cinema tindrà lloc entre els dies 21 i 25 d’octubre, i la inclusió de la nova secció SomUdL és una de les grans novetats d’aquesta 17a edició.

Amb aquesta iniciativa, destinada a “enfortir el vincle de la Universitat de Lleida amb el cinema i la cultura a la nostra ciutat, tot posant en valor la creativitat del nostre estudiantat”, els organitzadors volen potenciar l’obertura del festival a tots els sectors de la ciutat i molt especialment als joves, que constitueixen el futur d’aquest àmbit de la creació audiovisual.

L’estudiantat interessat pot consultar les bases i el formulari d’inscripció al web www.somcinema.cat o enllaçar-hi a través del web www.udl.cat/ca/organs/vicerectors/vc/.

Cal recordar que, a banda d’aquesta nova secció, Som Cinema consta de les seccions oficials de Llargmetratges i Curts de Ficció, Llargmetratges i Curts Documentals i Som Secundària, i té una dotació de 2.000 € per a pel·lícula de ficció guanyadora.

El festival està organitzat per Suggeriments, amb el suport de l’Ajuntament de Lleida, Institut d’Estudis Ilerdencs de la Diputació de Lleida, ICEC-Generalitat de Catalunya, Universitat de Lleida i Fundació Horitzons 2050.

PALMARÈS DEL 29 FESTIVAL DOCSBARCELONA

17 maig 2026 – El Jurat Oficial de la 29ª edició del DocsBarcelona va concedir el Premi a la Millor Pel·lícula a Amazomania, documental que revisita l’expedició de 1996 a l’Amazones per filmar la tribu aïllada dels Korubo i que qüestiona el llegat colonial i les conseqüències humanes de la denominada “descoberta”. El film està dirigit pel suec Nathan Grossman, reconegut internacionalment per una trajectòria centrada en qüestions socials i mediambientals. Va començar la seva carrera com a fotògraf per a Rolling Stone i va passar al cinema amb el curt viral The Toaster Challenge, sobre el consum d’energia humana. En el seu primer llargmetratge, I Am Greta, va seguir Greta Thunberg des del primer dia de la seva vaga escolar fins a la fama mundial i va ser guardonat amb el Critic’s Choice i l’Emmy.

El mateix jurat també va atorgar una Menció especial a Das Deutsche Volk, una obra dirigida per Marcin Wierzchowski que reconstrueix l’atac racista de Hanau, a Alemanya, a través del testimoni de supervivents i familiars de les víctimes, exposant el racisme estructural a l’Europa contemporània.

El Jurat Docs&Cat va premiar amb el Premi a la Millor Pel·lícula Catalana– XAL The Travelers, un film que acompanya un grup de migrants a la frontera entre el Marroc i Espanya mentre esperen el moment de travessar cap a Europa, convertint la càmera en eina de supervivència i esperança compartida. Està dirigit per David Bingong, que va rodar el film durant el seu propi viatge migratori.

La Menció especial del Jurat Docs&Cat va recaure en Bèstia, retrat de tres caçadors de la Catalunya interior que reflexiona sobre la masculinitat rural i les contradiccions entre tradició i mirada contemporània. El documental és l’òpera prima de Helena Garza, autora vinculada a la no-ficció i a la investigació antropològica.

Corren las liebres va ser la producció més ben valorada pels espectadors d’aquesta edició del DocsBarcelona, que li han concedit el Premi del Públic – Moritz. El Premi Amnistia Internacional Catalunya i el Premi Docs del Jurat – Antaviana van reconèixer Atlas de la desaparición, de Manuel Correa, una investigació documental sobre les persones desaparegudes traslladades al Valle de los Caídos i sobre les eines forenses que avui permeten reconstruir-ne la memòria.

“Enguany hem volgut que el DocsBarcelona fos, encara més, un festival arrelat a la ciutat. Creiem que aquest és l’únic futur possible: generar espais de diàleg amb Barcelona on ens trobem i convertir-nos en un esdeveniment fet des de la ciutat i per a la ciutat”, va destacar Maria Colomer, codirectora artística i cap de programació.

“VIVA”, AINA CLOTET DEBUTA EN LA DIRECCIÓ

15 maig 2026 – L’actriu catalana Aina Clotet ha presentat a la Setmana de la Crítica del Festival de Cannes la seva òpera prima com a directora, “Viva”, una pel·lícula centrada en el desig intens de viure. “Aquesta història neix de la meva necessitat de parlar de la por: la por a la mort, la por a la solitud. Però, en el fons, la por a la solitud més profunda és la por a la mort”, va explicar Clotet a França.

Amb una combinació d’humor, intensitat emocional i una mirada profundament humana, “Viva” aborda qüestions com la dependència afectiva, la passió, la por a la mort i la necessitat de trencar amb les estructures tradicionals que condicionen les nostres vides. La mateixa directora assumeix també el paper protagonista.

La història segueix la Nora, de 40 anys, que, després d’un enfrontament directe amb la mort, es veu impulsada per una necessitat urgent de sentir-se viva. S’endinsa en relacions apassionades amb dos homes molt diferents, en Tom i en Max, les personalitats oposades dels quals reflecteixen el seu propi conflicte interior. Tanmateix, quan cap dels dos no aconsegueix omplir el buit que sent, la Nora es veu obligada a afrontar una veritat més profunda: haurà d’enfrontar-se a una por que alimenta el seu desig de viure.

Produïda per Ikiru Films i Funicular Films, “Viva” marca el debut d’Aina Clotet en el llargmetratge, després d’una consolidada trajectòria com a actriu en cinema, televisió i teatre. El guió, signat per Clotet i Valentina Viso, presenta el film com una tragicomèdia contemporània que explora el desig de viure, la por a la mort i la complexitat de les relacions afectives. El repartiment es completa amb Naby Dakhli, Marc Soler, Loll Beltran i Zaira Pérez, amb la col·laboració especial de Guillermo Toledo i Josh Zuckerman.

FALLECIÓ EL CINEASTA ADOLFO ARISTARÁIN

26 abril 2026 – Falleció a los 82 años de edad el cineasta argentino Adolfo Aristaráin, según un comunicado difundido por la Academia Española de Cine. Recibió numerosos reconocimientos por sus películas, entre los que destaca la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián por su filme “Un lugar en el mundo”. No hace mucho tiempo, esa misma Academia le condecoró con su Medalla de Oro, pero no pudo viajar a España como consecuencia del terrible miedo a volar que padecía, una fobia que compartía con uno de sus actores preferidos para trabajar en el cine, Federico Luppi.

Aunque durante su vida hizo multitud de trabajos audiovisuales, sus películas más reconocidas fueron, aparte de la anteriormente mencionada: Tiempo de revancha, La ley de la frontera, Martín (Hache), Lugares comunes y Roma, su último largometraje, pues aunque tenía algunos proyectos más, nunca se llegaron a concretar. En mayo del año 2022 presentó en Buenos Aires su libro titulado El Oficio del Cine.

Trabajó con gente tan conocida como Federico Luppi, José Sacristán, Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Juan Diego Botto y Susú Pecoraro, entre otros muchos.

En enero de 2024 publicó un texto en el diario Página12 en el que llamaba a movilizarse contra las políticas del gobierno de Milei/Macri que acababa de ganar las elecciones. A raíz de esa publicación, el fiscal federal Carlos Stornelli denunció penalmente al director de cine por instigación a cometer delito, intimidación pública e incitación a la violencia colectiva. La iniciativa no prosperó en los tribunales.

El mencionado texto de Aristaráin comenzaba diciendo: “Gracias a un grupo lamentablemente numeroso de imbéciles, ignorantes y zombies que una vez votó a Macri, y ahora a su bufón Milei y a toda la banda de rufianes que los acompañan, se entregó el gobierno y administración del pais a una banda organizada que no tiene ideología, que busca sólo sacar provecho y rematar las industrias, los minerales, todo lo que puedan, sin límite”.

Adolfo Aristaráin era un director honesto, intransigente y profundamente moralista, con una firme convicción ética que se reflejaba en su cine y en su vida. Defendió historias que él consideraba que cautivarían al público a través de unos ideales críticos de la realidad social y el individualismo ético.

Y él mismo se definía como alguien que aprendía un oficio en el cine, con un espíritu anticonformista arriesgado, sensible y cuestionador ante la obediencia ciega al poder.

MURIÓ EL CINEASTA ARGENTINO LUIS PUENZO

21 abril 2026 – El cineasta Luis Puenzo, director de “La historia oficial”, película que ganó el Oscar de Hollywood a la Mejor Película Extranjera, murió en Buenos Aires. La noticia fue confirmada por el entorno del director, quien en los últimos años se había alejado de la escena pública por problemas de salud. Tenía 80 años.

Su cine, atravesado por la memoria, la identidad y los derechos humanos, marcó un antes y un después en la proyección internacional de Argentina como país.

Inició su recorrido en el cine publicitario. En 1968 fundó su productora, Luis Puenzo Cine, y en 1974 Cinemanía S.A. En 1973 presentó su ópera prima, Luces de mis zapatos, protagonizada por Pipo Pescador, Norman Briski y Juan Hidalgo, dando inicio a su camino como realizador y productor con una mirada propia.

Su filmografía como director incluye La peste, Gringo viejo, La puta y la ballena, Las sorpresas y Broken Silence. Como productor, participó en XXY, El niño pez, Wakolda, Infancia clandestina, El faro de las orcas, Los últimos y Planta madre.

Fue miembro fundador de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina, participó en la redacción de la Ley de Cine y presidió el INCAA durante un corto periodo de tiempo.

Curiosamente, su fallecimiento llegó uno o dos días después del de un actor argentino relevante que participó en películas como La Patagonia Rebelde y Esperando a la carroza, entre otras. Ambos tenían nombres compuestos casi idénticos: Luis Adalberto Puenzo y Adalberto Luis Brandoni. Tristes ironías de la vida o de la muerte, en este caso.

APLAZADOS LOS PREMIOS CÓNDOR DE PLATA

13 abril 2026 – La Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina informa que la 73ª edición de los Premios Cóndor de Plata, correspondientes a la producción audiovisual 2025, queda suspendida hasta nuevo aviso.

La decisión responde al contexto económico que atraviesa la Argentina, el cual impacta en la disponibilidad de recursos y en la posibilidad de garantizar las condiciones necesarias para la realización del evento en los términos que requiere una ceremonia de esta magnitud.

Desde su creación, los Premios Cóndor de Plata han acompañado y visibilizado la producción audiovisual argentina, consolidándose como un espacio de reconocimiento para realizadores, técnicos, intérpretes y trabajadores del sector.

La Asociación continuará evaluando la evolución del contexto con el objetivo de reprogramar la ceremonia cuando existan las condiciones adecuadas para su realización.