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Documental “Ilse Fuskova”, sobre la notable activista argentina LGBTIQ+

noviembre 14, 2021 ENTREVISTAS, VISION DOCUMENTAL
Película documental Ilse Fuskova Entrevista a Liliana Furió

Estrenado en Argentina
Es una mujer que ha transitado un camino fundamental para las nuevas luchas por los derechos civiles en el siglo XXI. Ilse Fuskova se convirtió hace mucho tiempo en una de las activistas históricas del feminismo y del lesbianismo en Argentina, y es un eslabón primordial de la lucha que día a día lleva a cabo el colectivo LGTBIQ.
Los realizadores Liliana Furió y Lucas Santa Ana unieron esfuerzos para llevar a las pantallas una película que refleje no sólo la vida de esta importante activista, sino que también los motivos que la llevaron a adoptar una posición de respuesta frente a las imposiciones de una sociedad patriarcal.
Ella se pronunció feminista en plena dictadura militar y en 1986 salió del clóset, se reconoció como lesbiana y de inmediato comenzó a relacionarse con las organizaciones que luchaban impetuosamente por conquistar derechos.

Antes que todo eso, la protagonista del film había trabajado como azafata y como periodista. Posteriormente creó junto a Adriana Carrasco «Cuadernos de existencia lesbiana», órgano fundamental para difundir sus ideas, y se convirtió en una figura clave cuando irrumpió en los principales medios de comunicación en los 90 asumiendo su lesbianismo públicamente, difundiendo conceptos y abriendo el debate a toda la sociedad.

Tanto Liliana Furió como Lucas Santa Ana se distinguen por ser realizadores que poseen una fuerte impronta en la lucha por los derechos civiles y por el reconocimiento de la diversidad, pero la primera tiene también motivos sobrados como para sentirse muy cercana a la mujer aquí retratada pues, al igual que ella, estuvo casada y tuvo hijos antes de decidirse a dar el paso de reconocerse públicamente a sí misma como quien verdaderamente es, salvando las distancias con un entorno represivo caracterizado además por ser hija de uno de los perpetradores de la antigua dictadura militar argentina.

En 2015 tomó contacto con la protagonista de este film y juntamente a Santa Ana, llevaron a cabo el desarrollo de este proyecto. De entre sus anteriores trabajos destaca “Tango Queerido” (2016), un documental dedicado a despojar al tango de los roles fijos de género, pues hasta hacía poco había sido un estilo musical muy vinculado al machismo.

Lucas Santa Ana retrató ese año en una película -“El Puto Inolvidable”- la personalidad de Carlos Jáuregui, co-impulsor junto a Fuskova de la Primera Marcha del Orgullo en Argentina, y destacando igualmente la diversidad como un hecho político y social.

“Ilse Fuskova” es un film que intenta situarnos en lo que es el lesbofeminismo dentro de un terreno feminista más general y más amplio: “Desde algún lugar coincido con algunas voces que dicen que el feminismo es uno y que lo que pregona es la justicia social y la diversidad -nos cuenta Liliana-. Sin embargo, la realidad nos confronta con algo mucho más complejo, donde hay una urdimbre, una trama de opresiones que no son las mismas claramente para una señora de clase media acomodada que para una lesbiana que tiene que salir a trabajar y que si se descubre, la van a discriminar”.

– De todas formas no deja de ser paradójico que en el documental se dice que la única que daba pelota en todos estos asuntos para reivindicar lo que es justo, era Ilse. ¿No hubo manera de que otras personas también lideraran entonces esos reclamos?

Claramente eso marcó de alguna manera a ese personaje y lo puso en un lugar de enorme exposición, con sus costos también, porque si bien ella lo dice en la película, que usó sus privilegios para socializarlos y dar batalla en una lucha importantísima, es verdad que también había que jugársela.

A ella le obligan a sacarse el apellido del ex-marido, con el que estuvo casada treinta años, e inclusive el padre le prohíbe usar su apellido para algo que él consideraba “deshonroso”. Ahí se instaló con el apellido de su mamá, con mucho orgullo obviamente. Y algo parecido le pasó a su pareja, Claudina Marek, a quien la sacaron de docente y la pusieron en otros puestos de castigo por estar dando esa lucha.

– En alguna otra película tuya creo que ya habías dado con otra protagonista de ascendencia alemana. ¿Crees que la mujer con influencias de Alemania, en general tiene ese pragmatismo y ese carisma asociado a su carácter?

Tú estás hablando de otro documental muy querido que se llama “Todos podemos bailar”, y en el que, como en casi todos mis filmes, quise destacar el trabajo de mujeres que han pasado desapercibidas para la gran masa y que quería dar a conocer. En este caso se trata de la directora y coreógrafa Susana González Gonz, quien a raíz del accidente que deja a su hijo de 14 años cuadripléjico, empieza un camino impresionante y desde hace unos cuantos años tiene una cátedra en la Universidad de las Artes, además de ser la directora del proyecto Danza Integradora y del Grupo Alma, que es un ballet integrado por personas convencionales y otras con discapacidad motriz.

Ella encontró su camino a raíz de una profesora alemana, Krombine, que vino acá a dar unas cátedras, y no casualmente pude llegar también a aquella docente para que participara en el relato, porque yo estoy casada con Julie August, que es una artista alemana que trabaja para una editorial muy importante de Berlín.

Así que siempre, y no sabría decir el porqué, hay alguna impronta de Alemania, un país que para bien o para mal, ya sabemos lo que implica en nuestra cultura de los últimos cien años. Pero como contraparte del horror, creo que Alemania ha dado al mundo en las décadas más recientes, pruebas sobradas de crecimiento de su pueblo, de la reivindicación que han hecho de los mea culpas; aunque falte mucho y ahora estemos preocupados por las vueltas de las derechas y el fascismo al mundo, pero hay que decir que tienen gente maravillosa y profesionalmente son muy destacables.

Película documental Ilse Fuskova Entrevista a Liliana Furió

Liliana Furió co-directora de “Ilse Fuskova”

– En “Ilse Fuskova” una de las claves está en la aparición de su protagonista en los almuerzos televisivos de Mirtha Legand. ¿Sin esa intervención en el programa, crees que todo habría sido distinto?

Son paradojas de la vida que me parecen interesantísimas. Un programa bastante burgués y trivial, de actualidad, con un personaje como Mirtha Legrand que siempre ha tenido más simpatía por lo conservador y por las élites, que le dé ese espacio a Ilse hay que subrayarlo; con un nivel de audiencia que esa gente tiene que es inigualable.

Lo que Ilse capitalizó en ese acto fue magnífico, porque a partir de ahí hubo una cantidad impresionante de lesbianas y gays que, según ella cuenta, todo tipo de diversidades le empezaron a escribir, y a partir de ahí armaron sus grupos y una publicación, así como colectividades de reflexión. Y eso fue gracias a ese programa tan masivo.

– Y a través de ese programa también nace la relación afectiva y amorosa más intensa de la vida de Ilse, siendo la última parte de tu documental la más emotiva; -casi que dan ganas de llorar en algún momento-. ¿Su relación mutua marcó un antes y un después en Fuskova? ¿Ilse cambió con Claudina, en cierto modo?

Yo me puse a llorar con la parte final. Y es que Ilse con Claudina pudo afianzar un vínculo amoroso que hasta ese entonces había sido bastante más inestable, por llamarlo de alguna manera, porque con respecto a los vínculos primeros que ella tuvo, los de Claudina le dieron una raigambre más clara a ese lesbianismo, y además fue su compañera de lucha en la militancia.

Ahí hubo una cosa afectivo-política, que también la tuvo con Carlos Jáuregui, el referente homosexual de nuestras luchas, porque ella tejió eso muy fuertemente, y obviamente que todas las voces que se potencian en comunitario y se van multiplicando, son importantísimas. Y yo creo que es hacia donde hay que apuntar para hacer crecer estas luchas sobre las que ojalá algún día no tengamos que estar haciendo esta película o diciendo estas cosas, pero lamentablemente, tal cual se ve venir el panorama, con un conservadurismo pacato y retrógrado, me parece que tenemos que estar más atentas y atentos que nunca.

– Pero tu película llega más allá y también abordas de forma breve el problema de la violencia de género. ¿De esta manera quisiste proyectar una visión más amplia sobre lo que Ilse Fuskova piensa?

Claramente. En el colectivo LGTBIQ de +40, casi todo el mundo sabe quién es Ilse Fuskova, pero las nuevas generaciones no tienen ni idea de quién es, y por eso me pareció necesaria esta película, pero también es importante destacar que muchísimas personas que no tienen nada que ver con las luchas de nuestro colectivo, se han sentido tocadas y se han emocionado, por lo que no es un filme para un gueto, ya que es una historia que nos toca a occidente de cabo a rabo. Ilse tuvo padres migrantes y la película arranca desde ahí, con un pequeño relato muy bonito, que es un retrato de la Argentina de aquellos tiempos; y también ella está muy afectada por lo que vio en Alemania en el año 1938 cuando el horror se venía.

Ya siendo muy chiquita, Ilse advirtió algo ominoso, horroroso. Tan es así que, sin que llegue a estar expresado en la película, he sabido que si bien ella tenía el idioma alemán como lengua madre porque fue la primera lengua que ella empezó a hablar al principio de su vida, por el trauma que le generó la segunda guerra y el horror que cometió el nazismo, se le olvidó ese idioma, no pudo hablarlo más por años. Y eso es más que significativo.

– ¿Y no crees, insisto, que Ilse ha sido quizá un poquito una heroína por imposición, es decir, que a ella le hubiera gustado la presencia de más gente de encabezamiento reclamando?

No quiero hablar por Ilse, pero sí en primera persona y decirte que cuando yo salí del armario en los 90, no hay que olvidar que acá veníamos de una dictadura, al igual que les pasó a ustedes, y eso genera un retraso en las evoluciones de derechos en materia de crecimiento político de la población y demás.

Cuando yo salí del clóset, con Ilse como referente, pensé que había muchas más cosas como dadas y que seguramente había gente pacata y retrógrada por ahí, pero que la mayoría de las personas eran empáticas. Lo que me encontré fue que era al revés, y yo creo que a Ilse también le pasó eso en gran medida, porque no sé qué le afecta a los demás que yo tenga un vínculo amoroso con quien quiera que sea. Sin embargo, la realidad era otra y creo que ése fue un proceso que pasó Ilse de una manera muy dolorosa.

– Esta película no es solamente para que la vean mujeres, sino que me parece que está destinada a todo el público, ¿no es así?

Así es, Ilse es muy carismática y a sus ochenta y algo-noventa es una mujer con una impronta y una vitalidad muy digna de conocerse. Me ha pasado de muchos varones que han visto la peli y que se han sentido realmente conmovidos, les ha encantado y han avisado a sus amigos y amigas para que vayan a verla, así que te agradezco la pregunta porque no es una historia para mujeres, ni tampoco exclusivamente para lesbianas. Es una película para seres humanos.Síguenos en Twitter color

 

©José Luis García/Cinestel.com

Película documental Ilse Fuskova Entrevista a Liliana Furió

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL_WEB FUNDADA EN JULIO 2005

FILMOTECA DE CATALUNYA_ESTIU 2026

Aquest estiu en la Filmoteca de Catalunya tenim la possibilitat de veure La repesca! i cicles de Fritz Lang sonor, comèdies romàntiques, Aki Kaurismäki o Jane Fonda, entre d’altres.

La repesca!

Un any més arriba La repesca!, un cicle pensat per recuperar algunes de les pel·lícules del 2025, votades per l’equip de la Filmoteca, i esquivar les dinàmiques accelerades que regeixen l’economia de l’atenció. Una invitació a redescobrir aquestes obres amb temps, en pantalla gran i oferint un espai compartit entre propostes de gran públic i altres de més minoritàries. L’edició d’enguany ofereix una mirada oberta a la diversitat de formes i sensibilitats que conviuen a la cartellera del nostre país.
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Fritz Lang. El període sonor

Fritz Lang entra en el cinema sonor per la porta gran tot revolucionant la nova tecnologia d’aleshores amb M (1931), un film en què els sons, el silenci i el fora de camp sonor s’integraven de manera innovadora en la narració. Aquesta transició significa per al cineasta el pas d’un univers monumental i fantàstic a un estil contingut i realista, centrat en personatges més quotidians, allunyats dels superherois i els supercriminals de l’etapa muda. En arribar als Estats Units, destaca en gèneres com el western, el d’espies, el d’aventures i, sobretot, el noir, al qual aporta la influència estètica de l’expressionisme alemany, i manté molts dels elements constants de la seva filmografia. (més informació)

Tu i jo, què? Comèdies romàntiques

Què és, exactament, una comèdia romàntica? Dues persones destinades a trobar-se? Una batalla de gèneres amb final feliç? Un mecanisme perfecte de rèpliques enginyoses contingut dins d’una matrioixca de malentesos? Tu i jo, què? proposa un recorregut per un dels gèneres més populars, mutants i persistents de la història del cinema: un territori on les formes del desig, les convencions socials i les fantasies sentimentals es negocien a cop de diàleg. El cicle reuneix grans clàssics, especialment del cinema nord-americà, però també proposa desviaments cap a altres geografies i sensibilitats.
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Aki Kaurismäki

Aki Kaurismäki va situar al mapa la cinematografia finlandesa. Centrant-se en personatges marginats i en conflictes de classe, construeix un cinema polític sense discurs explícit, basat en la defensa de la dignitat humana. Amb referents com Bresson, Tati, Chaplin, Buñuel o Ozu, la seva aposta formal consisteix a eliminar el superflu per aconseguir una expressivitat màxima amb recursos austers. Amb una posada en escena minimalista, el·líptica i sòbria, i una visió molt crua de la realitat, el cineasta combina l’humor sec i de vegades surrealista amb una gran sensibilitat emocional. (més informació)

Jane Fonda

Una retrospectiva en què algunes de les seves interpretacions més memorables s’entrellacen amb capítols clau del cinema del segle XX: la transició del sistema clàssic d’estudis al New Hollywood, el cinema compromès en l’estela de la contracultura i les lluites del 68, el nou star system del cinema d’entreteniment dels vuitanta…, fins a arribar als seus papers més recents, en els quals desplega sense complexos el seu estatus d’icona intergeneracional. Una història del cinema i de l’emancipació: amb un registre interpretatiu sofisticat i autoconscient, Fonda ha desmuntat metòdicament els codis de cosificació sexual imposats per la mirada masculina. (més informació)

EXPOSICIÓ: Feminismes fílmics: 1976-2026 – A partir de la col·lecció de la Filmoteca de Catalunya

En ocasió del 50è aniversari de les Primeres Jornades Catalanes de la Dona, l’exposició revisa la influència que el moviment feminista ha exercit en el camp del cinema i la creació videogràfica en el context català, i com les idees, les demandes i les accions d’aquest moviment s’han reflectit en els treballs audiovisuals per donar lloc a una manera diferent de pensar, sentir i crear imatges en moviment.

La mostra presenta remuntatges de fragments de pel·lícules, peces de videoart i reportatges televisius articulats entorn dels nou temes que es van debatre durant aquells dies –Treball, Barris, Família, Educació, Mitjans de comunicació, Política, Legislació, Ruralitat i Sexualitat–, i proposa una genealogia possible dels feminismes fílmics a Catalunya entre 1976 i l’actualitat.
(més informació)

I també…

Darreres sessions de la retrospectiva dedicada al cineasta romanès Radu Jude, una de les veus més originals i incisives del cinema europeu actual. (enllaç)

El cicle Arxiu viu presenta la sessió Mari Chordà. Cossos i corrents, un recorregut íntim per diversos fragments inèdits de la filmografia de la cineasta (Amposta, 1942), pel·lícules dipositades a la Filmoteca de Catalunya i procedents del fons que l’artista va confiar al Centre de Documentació de Ca la Dona. (enllaç)

I una altra cita clàssica dels estius: la col·laboració amb el Bachcelona, en el vessant cinematogràfic d’un festival que, més enllà del format de concert, potencia la vivència, la interacció, la divulgació i els aspectes més inesperats i lúdics de la música de J. S. Bach. Enguany amb la projecció de L’evangeli segons sant Mateu de Pasolini, on l’ús de la música de Bach crea un contrast auster amb la cruesa visual per atorgar a les imatges una dimensió gairebé espiritual. (enllaç)

Divendres 17 de juliol a les 17.00 h a la Sala Chomón, presentació dels curtmetratges resultants del taller d’experimentació cinematogràfica Vivim el barri, en una sessió oberta al públic i gratuïta presentada pels i les joves creadores, que del 6 al 14 de juliol hauran participat al taller, organitzat per la Filmoteca de Catalunya dinamitzat per l’associació Les minúscules. (enllaç)

I no oblideu que la FilmoXica d’estiu va en bicicleta! (enllaç)

CINESTEL TAMBIÉN ESTÁ EN BLUESKY

CIRCUIT ESTABLE DE CINEMA CATALÀ

Cicle Gaudí 2016 - Circuit estable de cinema català
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SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

Sylvette Baudrot 260

FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL ARGENTINA

‘La producción audiovisual y su respaldo jurídico’ no es un libro más de Julio Raffo, sino un texto de lectura y de consulta imprescindible para los distintos profesionales de la industria del cine que deseen estar al tanto sobre cómo, conforme a la Ley de Cine, se regula en la Argentina la actividad productiva que conlleva la realización de películas, atendiendo no solamente a disposiciones legales y su marco regulatorio, sino que también a ejemplos prácticos y anécdotas. (saber más)

ZONA INDUSTRIA

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PELÍCULA DE MARIANO LLINÁS EN LA SEMINCI

15 septiembre 2026 – El cineasta argentino Mariano Lllinás competirá en la Sección Tiempo de Historia de la SEMINCI de Valladolid, al final de octubre, con su nueva película sobre Borges.

En una nota de prensa, desde el festival cuentan lo siguiente: “La película de Mariano Llinás parte de una paradoja fascinante: cuanto más intenta acercarse a Borges, más imposible resulta abarcarlo. “Biografía de Jorge Luis Borges” reúne manuscritos, objetos, lugares, libros y episodios de la vida del escritor, pero cada hallazgo abre una nueva historia y conduce hacia otro lugar. En vez de encerrar a Borges en una semblanza al uso, Llinás vuelve a poner en circulación sus mundos y convierte su película en una aventura laberíntica que parece no tener final”.

A partir de la colección de objetos de la Fundación ISLAA, el director Mariano Llinás emprende un monumental viaje documental de 330 minutos dedicado a la vida de Jorge Luis Borges.

Construida como una minuciosa investigación detectivesca y un diario de viajes, la película examina manuscritos, cartas, dibujos de la infancia y correcciones del escritor. Acompañado por el especialista Ernesto Montequin, Llinás recorre geografías fundamentales para el autor como Ginebra, Cambridge, Reikiavik y Nueva York. La narración en voz en off guía la travesía rastreando las huellas físicas y personales que el célebre autor dejó en cada documento y lugar.

A lo largo de sus tres partes, la obra analiza la evolución literaria de Borges, conectando de forma sutil sus textos con su experiencia vital. La cinta no elude las zonas más complejas e incómodas de la trayectoria del escritor, abordando abiertamente su visión política y sus polémicas.

Fiel al espíritu borgeano, el relato se nutre de digresiones, referencias fantásticas, pasajes de la literatura universal y reflexiones sobre la creación. Un colosal retrato cinematográfico que demuestra cómo la propia vida de Borges se entrelaza con las tramas y mitologías que él mismo concibió.

BIARRITZ: PREMIERE FILM DE PABLO CÉSAR

14 septiembre 2026 – ROMANCE DE LA LUNA NEGRA, el nuevo largometraje del director argentino Pablo César, tendrá su Première Mundial el próximo 28 de septiembre a las 20:15 h en el Théâtre du Casino de Biarritz, como parte de la 35ª edición del Festival Biarritz Amérique Latine.

Rodada hace apenas unos meses en distintas localizaciones del País Vasco e íntegramente en película fotoquímica de 35 mm, ROMANCE DE LA LUNA NEGRA está protagonizada por Luz Castillo, quien tenía 90 años durante el rodaje y asume aquí por segunda vez el papel protagónico de un largometraje de ficción.

En la película, Castillo interpreta a Clara, una mujer de 90 años que vive sola en el País Vasco y cuya vida se ve alterada por la aparición de un misterioso vecino. A partir de ese encuentro, figuras provenientes de la memoria, la filosofía y el amor comienzan a reaparecer en su camino. Entre lo cotidiano y lo fantástico, Clara se interna en un territorio en el que los recuerdos adquieren cuerpo y el tiempo parece quedar suspendido.

La película propone un viaje íntimo alrededor de la vejez, la ausencia, la memoria y la posibilidad de reencontrar aquello que parecía perdido para siempre. En ese universo, figuras como José Ortega y Gasset, Miguel de Unamuno y Gustavo Adolfo Bécquer irrumpen no como explicaciones, sino como presencias que acompañan el recorrido interior de Clara.

La elección de Biarritz posee, además, un significado especial para la relación entre la actriz, el director y el festival: fue allí donde comenzó, dos años atrás, el recorrido internacional deDespués del final, la película que marcó el sorprendente debut cinematográfico de Castillo.

La Sección Oficial del reconocido festival francés también incluye algunas películas argentinas. En la categoría de largometrajes de ficción compiten CAMINERA (2025), dirigida por Federico Pozzi y HANGAR ROJO (2026) (Chile – Italia – Argentina), dirigida por Juan Pablo Sallato.

En documentales están programados DICIEMBRE (2025) (Uruguay – Argentina), dirigido por Lucas Gallo, y LOS VENCEDORES (2026), dirigido por Pablo Aparo.

Y en la sección de Cortometrajes se proyectan los filmes argentinos LA HORA DE IRSE (2026), dirigido por Renzo Cozza, y PARA LOS CONTRINCANTES»* (2026), (Chile – México – Reino Unido), dirigido por el argentino Federico Luis y ganador de la Palma de Oro en Cannes.

MURIÓ EL CINEASTA EDUARDO CALCAGNO

2 septiembre 2026 – Falleció en Buenos Aires a los 85 años de edad el reconocido cineasta y crítico de cine Eduardo Calgagno. Nacido en la capital argentina en 1941 e hijo del notable crítico Raimundo Calcagno, Eduardo inició su propio camino en la década de 1960 ejerciendo la crítica de cine en diversos medios gráficos, radiales y televisivos.

Pero pronto comenzó a fraguar proyectos concretos para el cine como director. Tras algunos cortometrajes, Calcagno se atrevió a probar suerte en el largometraje, asumiendo la dirección de “Fuiste mía un verano” (1969), donde se propuso unir el cine de autor con la fórmula comercial de llevar a un cantante popular a las pantallas, nada menos que Leonardo Favio.

A partir de ahí rodó más historias, como puede ser “Los Enemigos” (1983), “Te amo” (1986), y otra de sus más reconocidas: “El Censor” (1995), protagonizada por su actor fetiche, el talentoso y carismático Ulises Dumont. Una de las miradas más incisivas sobre la maquinaria cultural de la censura.

En 1999 estrena “Yepeto”, acaso su mejor película y también, por qué no escribirlo, la de Ulises Dumont. Con guión de Roberto Tito Cossa, cuenta la historia de un triángulo “amoroso” entre un atleta, una alumna de facultad y su profesor. Tanto Dumont, como Calcagno y Cossa, fueron galardonados en varios festivales por este filme.

Entre sus otros filmes, destacaremos que en 2007 Eduardo Calcagno realiza “El salto de Cristian”, también con muchos actores conocidos. Y en 2014 estrena “Ulises, un alma desbordada”, un documental homenaje a su gran amigo Ulises Dumont, una amistad de toda la vida la de ambos.

A este señor venido desde Claromecó a Buenos Aires, donde vivía muy cerquita de la 9 de Julio, tuvimos desde Cinestel la satisfacción de conocerlo, tanto triunfando en la Mostra de Lleida con “Yepeto”, como más adelante en el transcurso de sus años formando parte de las tutorías de los proyectos que se presentaban en el Concurso Historias Breves del INCAA. Su impronta, amabilidad y, sobre todo, su sentido del humor, dejaron huella entre muchos de nosotros.

RICARDO DARÍN PRESENTA “LO DEJAMOS ACÁ”

28 agosto 2026 – El actor argentino Ricardo Darín, imagen del cartel oficial del 74 Festival de Cine de San Sebastián, presentará en esta edición del certamen donostiarra, en premier mundial, la película “Lo dejamos acá”, de su coterráneo Hernán Goldfrid.

El film forma parte del programa Otras Actividades del Zinemaldia de Donostia, y está co-protagonizado por el actor Diego Peretti. La película trata acerca de un psicoanalista pragmático que pierde la fe en los métodos habituales de la psicología y comienza a sobrepasar los límites con sus pacientes. Todo parece funcionar hasta que un escritor con un bloqueo creativo llega a su consulta.

Producida por Kenya Films, con Ricardo Darín, Chino Darín y Federico Posternak como productores, y dirigida por Hernán Goldfrid (Atrapados, El jardín de bronce, Tesis sobre un homicidio), “Lo dejamos acá” marca el regreso de Darín a la pantalla grande tras “Argentina, 1985” y luego del éxito de la serie “El Eternauta”. Completan el elenco Antonia Bengoechea, Inés Efron, Andrea Politti, Pata Echegoyen, Carlos Santamaría y Miriam Odorico. El film llegará a Netflix el próximo 16 de octubre.

Hernán Goldfrid (Buenos Aires, 1979) debutó en el largometraje en el 2009 con la comedia romántica “Música en espera”, y posteriormente, dirigió el thriller “Tesis sobre un homicidio” (2013), protagonizado también por Ricardo Darín, que superó el millón de espectadores en Argentina.

Entre el 2016 y el 2023, el realizador argentino dirigió las tres temporadas de la serie “El jardín de bronce”, nominada en el 2020 al Emmy Internacional a Mejor serie dramática. Y en el 2025, firmó además varios episodios de “Atrapados”, adaptación de la novela Caught, de Harlan Coben.

MERITXELL COLELL PREMIADA EN LOCARNO

17 agosto 2026 – Tanto la crítica cinematográfica internacional como la suiza han otorgado sendos premios a la más reciente película dirigida por la realizadora catalana Meritxell Colell. “Lejos de los árboles” recibió en el Festival Internacional de Cine de Locarno, tanto el premio de Fipresci a la mejor película como el Boccalino d’Oro 2026. La película reflexiona sobre el silencios familiares heredados y fragilidad de la memoria.

Adela, una artista sonora mexicana, viaja desde la selva hasta los Andes peruanos junto a Lucho, un guía y traductor. Siguiendo el legado de su abuelo, un republicano exiliado en México, teje un mapa sonoro de lenguas en peligro de extinción. Cuando el miedo a la muerte irrumpe, la realidad se fractura. El viaje se convierte en un pasaje íntimo que la enfrenta a la memoria, el duelo, el desarraigo y la identidad.

Meritxell Colell Aparicio dijo en el festival suizo que su película “es una carta de amor a los abuelos de los que nunca me despidí. Un homenaje a familiares que fueron a la guerra siendo niños, cuyo silencio nos llegó a nosotros, sus nietas. Una historia de historias, que afirman la necesidad de recordar, escuchar y amar”.

El cine argentino también tuvo presencia en el palmarés: “La ilusión de un verano sin fin”, de Alessandra Sanguinetti, ganó el máximo premio de Cineasti del Presente y el reconocimiento a la mejor ópera prima. Producida por Julia Solomonoff, la película fue rodada durante 25 años. Este documental íntimo sigue la vida de dos primas inseparables en las Pampas rurales argentinas, comenzando como un juego infantil de fantasía y evolucionando hacia un profundo estudio colaborativo del tiempo, la memoria y la feminidad.

ESTRENA “A FUEGO”, DE ESTEL DÍAZ

1 agosto 2026 – Llega este 21 de agosto a la salas de cine del territorio español, la ópera prima de la directora Estel Díaz, una película de gran fuerza visual sobre la exuberancia emocional de la etapa adolescente. Tras la repentina muerte de su hermano Nico, Lola, de 17 años, se adentra en una búsqueda que la lleva a descubrir un mundo oculto que él solía frecuentar: El Búnker. Un espacio abandonado convertido en epicentro de fiestas clandestinas, batallas de baile y libertad, donde, junto a un nuevo grupo de amigos, reconectará con su pasión por la danza y encontrará un refugio para redescubrirse y aprender a vivir sin miedo, sin filtros, “a fuego”.

Las Tres Chimeneas de Sant Adrià se convierten en «El Búnker», el lugar en el que se celebran fiestas clandestinas y concursos de baile en los que no hay límites: solo diversión, ritmo y desinhibición. “A fuego” cuenta con guion de la propia Díaz junto a Núria Dunjó, nominada al Goya al mejor guion adaptado por “Ama”, y un elenco protagonista lleno de grandes promesas encabezado por Zoe Bonafonte, nominada al Goya a la mejor actriz revelación por “El 47”. Estará acompañada por Marc Soler (“Celeste”, “Viva”), la cantante Ruslana, Miquel Melero (“La noche salvaje”) y la colaboración especial de Omar Banana (“Te estoy amando locamente”). Completan el reparto Ujin Moreno, Ton Vieira, Cris Blanco y Mari Pau Pigem.

EN RODATGE: “MESTRES” DE JUDITH COLELL

31 juliol 2026 – Bruna Cusí, Daniela Brown, Natalia de Molina, Nausicaa Bonnín i Greta Fernández protagonitzen “Mestres”, la nova pel·lícula de la cineasta Judith Colell, inspirada en fets reals. La història gira al voltant d’un grup de mestres que van desafiar la dictadura franquista i lluitar clandestinament per una educació humanista.

Amb guió d’Antonio Chavarrías i Judith Colell, la pel·lícula ens situa al 1940, on cinc joves mestres decideixen desafiar la dictadura franquista i lluitar, clandestinament, per un sistema d’educació humanista.
«Mestres» és un drama històric, que mostra el llegat de l’escola de la República i la lluita clandestina per part de col·lectius de mestres, que van mantenir viu el seu esperit en temps del franquisme.

Segons la directora, Judith Colell: “La nostra voluntat és posar al centre de la història la tasca anònima d’aquestes mestres, i les seves escoles on es va conrear l’amor per la cultura, la llengua i la formació de ciutadans lliures. Espais que van contribuir a mantenir viu l’esperit de l’escola moderna en un context tant repressiu com va ser la postguerra franquista.”

“Mestres” és una pel·lícula de personatges, on les històries de les cinc dones protagonistes, mostren des d’una vessant realista i humana el retrat de la duresa i la repressió de l’època, però també des de la resistència i l’esperança per un món millor.
El rodatge de «Mestres» està tenint lloc durant sis setmanes en diferents localitzacions de Barcelona, Mataró i Cardedeu.

CARTEL DE DARÍN EN SAN SEBASTIÁN

3 junio 2026 – El reconocido actor argentino Ricardo Darín será la “imagen oficial” del cartel de la 74 edición del Festival de San Sebastián a celebrar este próximo mes de septiembre, con la presencia importante de la que será nueva directora del certamen Maialen Beloki (co-dirigiendo con José Luis Rebordinos hasta el final de diciembre de este año). Darín ya fue distinguido nueve años antes, en 2017, con el Premio Donostia. Este cartel oficial fue diseñado por el estudio donostiarra Wallijai, que creó un collage a partir de un retrato tomado en 2024 por el fotógrafo y músico argentino Sebastián Arpesella.

Ricardo Darín fue descubierto para el cine por Adolfo Aristaráin cuando a sus 22 años de edad participó en el rodaje de “La discoteca del amor”, estrenada en 1980, una película cuya idea original tuvo la finalidad de promocionar un disco LP de música que fue vendido en paralelo a su estreno. Está considerado como uno de los mejores y más prolíficos actores de la Argentina, y sobre todo en el exterior, dándose la paradoja de que las grandes distribuidoras del territorio español suelen plantear reticencias a la hora de exhibir películas argentinas en las que no participe Darín. Curiosamente a diferencia de Francia, donde sí que hay mayores posibilidades de ver filmes argentinos sin la supuesta “necesaria presencia” del afamado actor que plantean las grandes compañías ibéricas de distribución cinematográfica.