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“Nación”, de Margarita Ledo Andión; la represión sexista del patriarcado

Película Nación Entrevista a Margarita Ledo Andión

Estrenada en España
Aun cuando es una película rodada en Galicia sobre hechos ocurridos allí, “Nación” muestra de forma directa la represión sexista que el sistema patriarcal desarrolló en el mundo de la industria y la economía especulativa.
Y es que a aquellos inversores cuyo mayor afán es el de ganar dinero a toda costa, les importa bien poco conocer cómo es la calidad de vida de las personas que ahí trabajan, cuestión que se agravó sobremanera durante la etapa del franquismo.
Dirigida por Margarita Ledo Andión, una de las figuras más relevantes de la cultura gallega, la película nos traslada a sentimientos, problemáticas y reivindicaciones que nos llegan tanto a través de sus expresiones orales como de ese rostro humano que nos expresa el deber y la necesidad inequívoca que todos tenemos de vivir con dignidad.

En una línea que se fue desgajando de sus anteriores películas a partir de una trilogía anterior sobre el Siglo XX, “Nación” se adentra de lleno en la generación de su directora, concretamente en aquellas compañeras y quizá amigas suyas que tuvieron que detener el curso de sus estudios para entrar a trabajar en una fábrica a los 13 o los 14 años de edad.

El destino de las protagonistas de este filme fue Pontesa, una fábrica de loza que cerró definitivamente en el 2001, cuarenta años después de su inauguración triunfal. Y es muy llamativo el hecho de que en aquel entonces era bastante habitual emplear a adolescentes para el trabajo, en un sistema que la realizadora explica como el paso de una economía productiva a otra de carácter depredador y especulativo.

“Nación” es asimismo un filme eminentemente feminista, que expone la realidad de estas mujeres que ya en los años 80 y 90 comenzaron a tener que batallar contra la destrucción de empleo, en un país que las considera de segunda categoría y que incluso les paga menos que a los hombres por hacer el mismo trabajo que ellos hacen.

Bajo la impronta de la pérdida de un derecho tan fundamental como es el laboral, la película combina la vivencia de estas luchadoras innatas haciendo uso de imágenes auto-registradas de las protagonistas, sus testimonios, una parte ficcionada desarrollada por actrices que representa a las mujeres silenciadas que trabajan en el campo y en las fábricas, mientras asumen los roles familiares asignados bajo la represión del arraigado sistema patriarcal; y por último algunos apuntes de carácter poético que se suman a un todo anti-patriarcal y anti-poder.

Margarita Ledo Andión responde las preguntas de Cinestel:

– ¿Qué diferencias encuentras entre las ex-trabajadoras de la antigua Pontesa y las actuales que faenan en industrias como Cerámicas do Castro o cualquier otra empresa?

Pontesa era una fábrica en la que trabajaban mil personas y las mujeres inmediatamente creaban sus vínculos y se organizaban, mientras que en este momento las fábricas que quedan en producción son pequeñas.

A mí me interesaba mucho, y por eso están grabadas y forman parte de la película, estas fábricas que siguen en funcionamiento, porque de alguna manera hago un bucle con el tema de la mujer y el trabajo industrial a fines de siglo con una referencia a una fábrica importantísima de Vigo, ligada al enlatado y a la conserva, muy bien filmada por José Gil, uno de nuestros grandes cineastas del periodo silente.

Entonces lo que hago es unir la salida de la fábrica de José Gil de 1928 con la salida de la fábrica de Castro ahora cuando lo rodamos en el año 2019, para de alguna manera fundir el comienzo y el fin de una época en que la mujer empezó a tener derechos. Por eso el nombre de “Nación” tiene que ver con eso, con la posibilidad de no formar parte de una sociedad en la que te representas y en la que vives, si no tienes derechos.

Película Nación Entrevista a Margarita Ledo Andión

Margarita Ledo Andión, directora de “Nación”

– En la película queda claro que en el fondo de este asunto está la feroz especulación de unos inversores que montan una fábrica y que cuando ya obtienen suficiente dinero para lucrarse con otra cosa, abandonan a su suerte a esas trabajadoras y a sus compañeros de profesión. ¿Aboga la película por la necesidad de ir hacia un tipo de sociedad distinta?

Efectivamente, hacia una autogestión o sociedad cooperativa en que realmente se redistribuya, se asuman las responsabilidades y se entre de nuevo en producir lo que necesitamos, y no en cuestiones que absolutamente nos llevan hacia la catástrofe, que es en lo que ahora estamos. De hecho, ellas cuando sueñan con volver a la fábrica, -que lo repiten mucho, aunque ya no lo puedan hacer-, están como lanzando un mensaje en una botella diciendo que no podemos seguir así.

– “Nación” une lo que es la ficción con el documental. ¿Fue uno de los principales retos a los que te enfrentaste cuando te planteaste el proyecto?

Eso está en todas mis películas en mayor o menor medida, pero en ésta lo hacía como algo que formase parte de esa posición de unir lo más palpable, lo que puedes tocar con la mano, con lo que deseas en tu imaginario. Y también para la transferencia de unos cuerpos a otros, de las mujeres a las actrices, de una generación a otra, de que a través de un concepto transformativo llegasen esos momentos de verdad en que pudiésemos invocar a todas las mujeres reprimidas durante la guerra civil, además con esas marcas sexistas de un tipo de represión. Y todo ello se acaba uniendo a una parte más actual.

Yo siempre trabajo con esos tres pies, que es lo que recojo de un especialista en poesía china, un amigo portugués, que dice que todo está unido por poesía, documento y reflexión histórica. Y es lo que pretendo también en mis obras más creativas.

– Hay una secuencia en tu película que a mí, no sé por qué, me llamó la atención por su semejanza con la prisión de Alcatraz, con esas rocas y el mar. ¿La incluiste para enfatizar la falta de libertades que estas mujeres han tenido y, en concreto, las consecuencias de la represión sexista?

Claro, es que esa imagen es como una isla, es el aislamiento total, cuando se cierra el juicio y se incluyen las imágenes de archivo del cierre de la fábrica de los años 20, cerrándose el ciclo industrial y quedándose todas ellas aisladas. A partir de ahí enlazamos con otras imágenes de las endemoniadas, a quienes les sale el demonio por la boca, mientras avanzamos hacia el final con toda esa representación sobre las mujeres, que parece que va a ser un final de muerte, pero conseguimos que definitivamente sea de reafirmación.

– Otra parte deleznable que aparece en “Nación” es la realidad de que algunas de esas mujeres trabajaban sin cobrar.

Ahí estamos en otra de las fábricas, la de conservas de Odosa en la Illa de Arousa, en unas valoraciones de urgencia que hacen ellas mismas contando esa dificultad y hablando de cara, hacia nosotros. Esas mujeres constituyeron una organización incidental que era autogestionada, pero que duró poco tiempo. Y efectivamente, ellas padecieron las condiciones más duras posibles. No existían como trabajadoras. Si una mujer se ponía enferma, no tenía cobertura de ningún tipo. Eso era el tipo de empresa que era Odosa. Además, una de ellas dice que si firmaban acuerdos con las autoridades, no los cumplían, con lo cual estaban denunciando la connivencia de la institución estatal con los intereses delictivos, en ese caso, de una patronal.

– Y ya que eres escritora, ¿para ti que es más dificultoso, hacer una película de este tipo o adaptar un libro al cine?

Yo creo que es más dificultoso adaptar un libro. Desconfío mucho de las adaptaciones. Adapté a veces poemas para cuestiones también muy incidentales, para festivales, que son cosas completamente diferentes; y me cuesta mucho trabajo después de leer un libro que me toca y que me da esos golpecitos de vez en cuando en la memoria, ver eso en una película.

Seguramente estoy influenciada por la rabia que sintió Marguerite Duras cuando vio “El Amante”, una película a partir de su propia obra literaria. Y aunque para mí sería más difícil adaptar un libro, yo hice esa “adaptación” con una novela propia, «Porta Blindada», para rodar “La Cicatriz Blanca”, pero justamente lo que hice fue desarrollar en ella lo que no había desarrollado en el libro. Fue mostrar los mismos personajes en otros aspectos que no estaban cubiertos en la novela. Lo cual no es exactamente una adaptación.

– Recientemente en otra entrevista me respondían con otra pregunta, -y no era gallega la entrevistada-, donde se cuestionaba el hecho de por qué no se adaptan tanto las películas a novelas. ¿Tú crees que de “Nación” alguien se podría inspirar para publicar un libro?

Claro que sí. Yo creo que cualquier material o situación te puede dar salida para un tipo de obra o de soporte diferente. Por ejemplo, -te lo pongo en otro terreno-, Mercedes Peón, que hizo la banda sonora en ésta y otras películas mías, acaba de presentar un espectáculo que se llama «Osmose», -en Conde Duque recién lo vimos-, en que parte de “Nación” y lo convierte en un espectáculo musical nuevo con imágenes de archivo que aparecen en mi película, producido por Peke Varela, una cineasta de Galicia que vivió mucho tiempo en Londres y ahora está en Vitoria. Por lo tanto, “Nación” dio salida en este caso a otro tipo de obra y podría dar pie a otras más.

– Entonces, quizá no lo sepamos tanto, pero puede ser que algunos escritores se hayan inspirado en películas a la hora de construir sus novelas, ¿no es así?

Exactamente, lo que no sé es cómo no nos habituamos a citar las fuentes, pues yo creo que de ese modo se revaloriza un trabajo y es colaborativo también, ya que tienes tus resonancias y las reivindicas. Yo siempre lo hago, a lo mejor porque soy periodista de origen. Siempre reivindico mis fuentes y además las quiero, porque es lo que me hace vibrar un poco y arriesgarme a hacer estas cosas.Síguenos en Twitter color

 

©José Luis García/Cinestel.com

Película Nación Entrevista a Margarita Ledo Andión

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL.COM/ FUNDADA EN JULIO 2005

FILMOTECA: SETEMBRE DEL 2021

Signoret/Montand: complicitats

Tots dos van néixer ara fa 100 anys, i tots dos van arribar a la fama amb padrins d’excepció: Yves Montand a través de seva descobridora i amant, Édith Piaf, i Simone Signoret a través del seu primer marit, el director Yves Allégret. Van esdevenir una de les parelles més cèlebres del cinema francès, tot i no coincidir gaire als platós, i també van deixar la seva empremta a Hollywood. Un cicle recorda aquesta parella mítica amb una companyia també excepcional: Costa Gavras, que els va dirigir al seu debut com a director, “Compartiment tueurs” (1965), i a “L’aveu” (1970) serà a la Filmoteca de Catalunya per presentar l’homenatge.

L’Havana de Fernando Pérez

La capital cubana serà la ciutat convidada de les festes de la Mercè d’enguany, i la Filmoteca l’acompanya amb la programació de tres títols emblemàtics del que és considerat el millor cronista cinematogràfic recent de L’Havana, Fernando Pérez: “La vida es silbar” (1998), “Suite Habana” (2003) i “Últimos días en La Habana” (2016). Les presentarà la filla del cineasta, Bebé Pérez, actriu a “La vida es silbar”.

Retrospectiva Sally Potter

Aviat farà 30 anys que Sally Potter va enlluernar el món amb “Orlando”, la brillant adaptació del clàssic de Virginia Wolf que també va servir de trampolí per a la carrera internacional d’una de les actrius més magnètiques i misterioses que ha donat el cinema, Tilda Swinton. Abans però, la cineasta ja s’havia fet un nom en els circuits més alternatius amb els seus curts experimentals. És un bon moment per repassar la carrera sempre marcada pel feminisme militant, la transgressió i la depuració formal d’una dona polifacètica que ens va oferir una inoblidable lliçó de tango amb el film que també va protagonitzar el 1997.

Choreoscope: cinema de dansa

Nova edició d’un festival que fa dialogar cinema i dansa, dos llenguatges que tenen en comú l’art del moviment. A més de les habituals sessions de curts a competició, inauguració amb “Malditos”, de la companyia Malditos, Premi Retrat d’una Generació Choreoscope 2021, i atenció especial al director i coreògraf belga Wim Vandekeybus, de la companyia Ultima Vez, amb una extensa obra de films de dansa.

Marquès de Wavrin

La Cinemateca belga acaba de restaurar bona part del treball etnogràfic del marquès de Wavrin que, a més de ser el més gran explorador belga del seu temps, també va ser un fotògraf i cineasta de gran talent que va dedicar 25 anys de la seva vida a capturar amb la càmera formes de vida i paisatges condemnats a desaparèixer. Pioner en el coneixement d’Amèrica del Sud, va conviure i va fer amistat amb moltes tribus indígenes, i va deixar aquest tresor excepcional que ara arriba a la Filmoteca, juntament amb un documental sobre la seva figura.

I també…

Setembre comença a la Filmoteca amb un homenatge de l’Acadèmia de Cinema Català a Ángela Molina, i hi haurà un altre al compositor de bandes sonores de pel·lícules, Manel Camp, i al centenari de l’escriptor i filòsof polonès Stanislaw Lem. També una nova edició del cicle de Cinema romanès actual, l’estrena del documental d’Ignacio Benedeti Cabirol ‘Spitsbergen, o Gardian do Ártico’, i la presentació del Premi Rizoma 2020.

ALL ROADS LEAD TO BARCELONA

One of the best ways to follow what’s going on at the movie theaters area and what the next innovations are representing for the movies distribution industry, is taking a look at CineEurope coverage released on our site Cinestel.com

Una de les millors maneres de seguir tot el que està passant al voltant del àrea profesional de les sales de cinema i també d’allò que les següents innovacions representen per a la indústria de distribució de pel·lícules, és fent una ullada a la cobertura de CineEurope feta pel nostre lloc web Cinestel.com

This is a links’ summary (most of the reports and interviews are written in Spanish):

Aquest és un sumari en anglès dels enllaços a notícies i entrevistes:

FILMOTECA: AULA DE CINEMA

FILMOTECA PER A LES ESCOLES

PRIMERA SALA 4DX EN CATALUNYA

Los Cines Filmax Gran Via ya ofrecen a sus espectadores la primera sala en Cataluña con tecnología 4DX. Y lo hacen de la mano de la compañía surcoreana CJ (www.CJ4DX.com), líder mundial en el sector.

El sistema 4DX incorpora en la proyección hasta un total de 21 efectos sincronizados. El espectador tiene la oportunidad de ver los principales estrenos de cartelera con efectos de movimiento, aire, agua, calor, aromas, vibraciones, además de elementos metereológicos como niebla, viento, rayos y burbujas.

Esta tecnología puntera consigue que los efectos se sincronicen con la acción y el sonido de la pantalla, de manera que los espectadores experimentan una inmersión 360 grados en la película.

Conoce más detalles sobre cómo funciona, en este artículo publicado en Cinestel en el año 2016.

ENTREVISTAS

“Ojos de Arena” se basa en dramas reales para desarrollar un thriller

Película Ojos de Arena Entrevista a Alejandra Marino

Junto a Marcela Marcolini, la realizadora hace recaer el peso principal del relato en la actriz Paula Carruega, quien construye un personaje ligado al territorio de la Justicia que ha acabado padeciendo en primera persona…

Entrevista a Martín Desalvo por su película “El Silencio del Cazador”

El Silencio del Cazador Entrevista a Martin Desalvo

En cierta forma, la película sigue apostando por algunas doctrinas que le han aportado solidez a estos géneros cinematográficos, y lo hace a través de actores como Pablo Echarri, Mora Recalde, Alberto Ammann y…

“Bahía Blanca”, de Rodrigo Caprotti; espinosos secretos inconfesables

Película Bahía Blanca Entrevista al director Rodrigo Caprotti

La película muestra cómo un docente universitario utiliza una investigación sobre el escritor Ezequiel Martínez Estrada para escapar de un pasado que lo atormenta y establecerse en Bahía Blanca a 688…

FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

CRíTICAS CINE LATINOAMERICANO

“Cuando el Olimpo choca con la Pampa” retrata a Ricardo Cinalli

Ricardo Cinalli en Cuando el Olimpo choca con la Pampa

Tiene un comienzo imponente a través del cual se destaca que el protagonista es una persona a la que siempre le ha gustado nadar a contracorriente, o sea, ser uno mismo, lo cual supone ya una excelente…

“Nuevo Orden”, una visión distópica del director mexicano Michel Franco

Crítica de la película Nuevo Orden un film de Michel Franco

Esta es la historia distópica de un colapso político visto a partir de las acciones de una familia influyente de clase alta, pero que sin embargo se dedica mucho más a desmenuzar los entresijos de una explosión de…

“Mamá, mamá, mamá”, un drama sobre lo que significa ser madre

Reseña de Mama mama mama de Sol Berruezo Pichon Riviere

El relato se aproxima al universo femenino infantil de unas niñas que ya se encuentran en la pubertad o a punto de acceder a ella. El bloqueo por lo ocurrido más las situaciones y fantasías típicas de esa…

MENCIÓN A ‘ELES TRANSPORTAN A MORTE’

27 septiembre 2021 – Después de obtener el Premio a la Mejor Aportación Técnica en la 36ª edición de la Semana de la Crítica de la Mostra de Venecia, “Eles Transportan a Morte” de Helena Girón y Samuel M. Delgado se hizo con una Mención Especial del Jurado de Zabaltegi-Tabakalera en la 69ª edición del Festival de San Sebastián.

El Jurado compuesto por Sergio Oksman, Miriam Heard y Elena López Riera otorgó este reconocimiento al film “por la manera en que explota las posibilidades de la materia fílmica para embarcarnos en un relato que pone en cuestión la historia de la conquista de América”.

El estreno mundial de la ópera prima de ambos realizadores tuvo lugar en la 36ª edición de la Semana de la Crítica de la Mostra de Venecia, certamen que este año celebró su 78ª edición. Los dos cineastas, cuyos cortometrajes han participado en un circuito selecto de festivales internacionales de cine como los de Toronto, Locarno o el New York Film Festival, combinan en su primer largometraje el relato clásico de aventuras con un discurso crítico sobre la colonización.

Según Helena Girón y Samuel M. Delgado, “la película se sitúa en 1492, año que representa el inicio del proyecto de dominación occidental, y que supone lo que algunos teóricos señalan como el inicio de una nueva era geológica: el llamado antropoceno. A partir de esta fecha, la caza de brujas, la trata de esclavos y la conquista de América, fueron imprescindibles para instaurar y articular el sistema capitalista moderno del que somos descendientes”.

La película parte de la premisa de que entre la tripulación de Cristóbal Colón viajan tres hombres que ya deberían haber muerto. Han conseguido evitar sus condenas participando en el incierto viaje, pero al llegar a las Islas Canarias, huyen cargados con una de las velas de la embarcación. Mientras, en “El Viejo Mundo”, una mujer trata de salvar a su hermana moribunda, con la esperanza de que una curandera pueda ayudarla. Ambos viajes tratan de burlar a la muerte y ambos viajes están a merced del tiempo y de la Historia.

YA EN LAS SALAS DE CINE “NEGRO PÚRPURA”

24 septiembre 2021 – Estrenó el documental “Negro Púrpura”, de las directoras Sabela Iglesias y Adriana P. Villanueva. El film se adentra en Galicia para contar la historia de un hongo alucinógeno que conecta el LSD, las multinacionales farmacéuticas, las plagas medievales, la medicina popular y la CIA.

“Negro Púrpura” retrata uno de los lugares de mayor producción a nivel mundial de claviceps purpurea, Galicia, al noroeste de la península ibérica. Este hongo alucinógeno, que brota en los cereales, nos abre las puertas de una historia tan curiosa, sorprendente y desconocida como importante en el devenir de la cultura y la economía de Galicia a lo largo del S.XX. Desde los campos de centeno hasta las multinacionales farmacéuticas y la CIA; desde las plagas medievales, pasando por la medicina popular, hasta el LSD. Historias desperdigadas que nos dejan un regusto amargo a pan de centeno, historias que repercuten traspasados los océanos. Una corteza que guarda una miga delirante.

Podemos incluir esta película dentro del denominado cine etnográfico, pues aborda un tema que nos conecta con la sociedad rural gallega de mediados del S.XX, aproximándose también a multitud de áreas de conocimiento: antropología, medicina, botánica, historia contemporánea, economía… y poniendo el foco en temáticas universales como la muerte, la enfermedad, la vida, la subsistencia o el dolor.

El cornezuelo del centeno, sus usos, su recolección, su venta, el contrabando que del mismo se hacía, su simbolismo… hace que podamos estar hablando de un hecho social total (Mauss, 1971) porque de este hongo se desprenden no solo actos individuales y experienciales, como registra la película, sino que también nos permite entender las claves del mundo en un plano religioso, histórico, económico y social.

Las intervenciones a través de radios y televisiones que se van sucediendo en la película nos trasladan a noticias pasadas y acontecimientos ocurridos en otros lugares del mundo.

MURIÓ EL DIRECTOR MARIO CAMUS

18 septiembre 2021 – Falleció Mario Camus, reconocido cineasta español que fue uno de los que mejores adaptaron obras literarias al cine, siendo célebres algunos de sus títulos como “La Colmena” (1982) o “Los Santos Inocentes” (1984). Perteneció a la generación del Nuevo Cine Español de la que formaron parte, entre otros, Carlos Saura, Basilio Martín Patino, José Luis Borau, Julio Diamante, Miguel Picazo y Manuel Summers.

Durante toda su carrera se manifestó como un director polifacético, pues además de sus películas derivadas de novelas, también incursionó con fuerza en el cine más comercial, en el western, en las historias de amor conflictivo, e inclusive en el análisis del terrorismo de ETA y en las fábulas críticas de la sociedad capitalista.

También series de televisión como «Curro Jiménez» y «Los Camioneros» fueron obra suya, así como «Los desastres de la guerra» y «Fortunata y Jacinta». En las artes escénicas teatrales dirigió el montaje de «¿Por qué corres Ulises?» de Antonio Gala, e igualmente escribió dos libros de relatos.

“EL ACONTECIMIENTO” ESTRENARÁ EN CINES

13 septiembre 2021 – La recién ganadora del León de Oro en la Mostra de Venecia tiene garantizado su estreno en salas españolas, todavía en una fecha por definir.
“El Acontecimiento”, una historia dirigida por la francesa Audrey Diwan concitó tanto la aprobación unánime de los miembros del jurado oficial como de la FIPRESCI, quienes también la premiaron. Es importante destacar esto porque no es tan frecuente como a priori pudiera parecer.

Basada en la novela autobiográfica de la aclamada escritora francesa Annie Ernaux, publicada en España por la editorial Tusquets, y protagonizada por la magnética Anamaria Vartolomei, una de las revelaciones del año, la película relata el viaje de una joven mujer y su batalla física y emocional por decidir sobre su cuerpo y su destino. Una apasionante y poderosa historia que es una crítica hacia un tipo de sociedad que castiga el deseo femenino y la libertad sexual.

ESTRENA EN LAS SALAS “WORTH”

11 septiembre 2021 – Coincidiendo con la fecha, hace 20 años, de los atentados de las Torres Gemelas de Nueva York, llega a numerosas salas de cine el estreno de “Worth”, una película dirigida por Sara Colangelo, con guion de Max Borenstein, sobre la que se advierte que está basada en un caso real, pues en el mismo tono que otras cintas con aires políticos y de carácter judicial que fueron llevadas al cine con éxito como ‘Erin Brockovich’ o ‘Spotlight’, el film nos desvela el proceso que sufrieron muchas familias para conseguir una indemnización tras los terribles sucesos de septiembre de 2001.

“Worth” ejemplifica la historia real de un famoso abogado de Washington D.C. que lucha contra el cinismo, la burocracia y la política para ayudar a las víctimas del 11-S.
Diferentes casos de aquellos familiares de las víctimas y de ellos mismos en su lucha contra las aseguradoras y el propio estado que les dio la espalda.

Atrapado entre abogados que quieren demandar y los grupos de presión de las aerolíneas que quieren llegar a un acuerdo, el letrado Feinberg debe negociar con las familias de las víctimas. Pero cuando se enfrenta a Charles Wolf (Stanley Tucci), un organizador comunitario entre los afectados y cuya esposa murió en una de las torres, Feinberg empieza a conocer el coste humano de la tragedia.

“Worth” supone la confirmación en la dirección de Sara Colangelo, quien trabajó a fondo con sus tres principales intérpretes Michael Keaton, Stanley Tucci y Amy Ryan, en una película cuyo propósito es el de provocar una profunda reflexión a todos los espectadores que se acerquen a ella.

MURIÓ EL ACTOR JEAN-PAUL BELMONDO

6 septiembre 2021 – Participó en la Nouvelle Vague e hizo cine negro, pero sin embargo su mayor popularidad en cuanto a cifras de audiencia la consiguió en sus numerosas apariciones en películas de acción y aventura. Falleció a los 88 años en París, el icónico actor francés Jean-Paul Belmondo.

Posee una larguísima y extensa carrera profesional como intérprete, no sólo en cine, sino que también en televisión. Además, desde 1962 hasta 2017 fueron quince los documentales que se refirieron a algún que otro aspecto de su vida.

Belmondo actuó en más de 80 películas. Desde su salto a la fama con “Sin aliento” (1960) de Godard, participó en recordados filmes como “Léon Morin, sacerdote” (1961), “Pierrot el loco” (1965), “Las tribulaciones de un chino en China” (1965), “Borsalino” (1970), “Pánico en la ciudad” (1975), “El profesional” (1981), “El marginal” (1983), “Rufianes y tramposos” (1984), o “Las cien y una noches” (1995), sólo por citar algunas de sus notables apariciones cinematográficas como actor.

Jean-Paul fue asimismo un icono de la cultura popular. A modo de ejemplo citar que Jean-Michel Charlier y Jean Giraud se inspiraron en él para crear su famoso personaje de cómic «Blueberry» (1963), e igualmente Belmondo cedió sus rasgos para otro personaje similar, «Goldrake», que fue editado en Italia pero también con traducción en francés. Y por poner otro ejemplo, en la película de animación japonesa “Las mil y una noches” (1969), el rostro del héroe Aladino adoptaba los rasgos de Belmondo.

El carismático actor sufrió uno de sus mayores golpes en la vida el 19 de septiembre de 2019, momento en el cual falleció el actor Charles Gérard, al que estaba muy unido desde que se conocieron en 1948 en un gimnasio de boxeo y compartieron la pasión por el deporte. Durante su vida, Jean-Paul se casó varias veces y tuvo numerosos hijos.

Tras la muerte de Belmondo, su abogado, Michel Godest, quien anunció la noticia en una declaración, dijo: “Estaba muy cansado desde hacía tiempo. Falleció en silencio”.

ESTRENÓ EN SALAS DE CINE “CHAVALAS”

4 septiembre 2021 – Llegó a los cines el debut en los largometrajes de ficción de la documentalista Carol Rodríguez Colás.

“Chavalas” cuenta la historia de cuatro chicas de un barrio de Cornellà de Llobregat, amigas inseparables de la adolescencia, vuelven a reencontrarse en el barrio para revivir la amistad que las unió, compartir nuevas aventuras juntas y hacer frente a los dilemas que las rodean. Casi sin darse cuenta, se ayudarán a tomar decisiones importantes en sus vidas. El paso del tiempo y lo distintas que son no será excusa para que su amistad prevalezca sobre todo lo demás.

“La película no aborda el barrio desde la exotización, ni la reducción de su imagen al folclore al que ha sido sometido especialmente por la industria musical. “Chavalas” es una apuesta fresca y naturalista que retrata la esencia de la periferia, sin asociarla a la marginalidad que se le ha atribuido a menudo. Un barrio real, vibrante y lleno de vida, donde cuatro amigas de toda la vida viven situaciones llenas de verdad, humor y emoción”, comenta Carol Rodríguez Colás, directora.

UN HOMENATGE A ÁNGELA MOLINA

27 agost 2021 – L’Acadèmia del Cinema Català i l’Academia de Cine Español tornaran a agermanar-se el pròxim mes de setembre per retre un homenatge mutu a les seves premiades honorífiques, les actrius Carme Elias, Gaudí d’Honor – Miquel Porter 2021, i Ángela Molina, Goya d’Honor 2021. Fruit de l’estreta col·laboració que mantenen les dues entitats, les actrius compartiran amb el públic a Madrid i a Barcelona dues de les pel·lícules més significatives de les seves filmografies, amb la col·laboració de la Filmoteca de Catalunya a la ciutat comtal.

Carme Elias, Gaudí d’Honor-Miquel Porter 2021, rebrà l’homenatge de l’Academia de Cine el 8 de setembre a la seva sala (19 hores), amb la projecció de La distancia más larga, de Claudia Pinto Emperador. El passi es completarà amb una trobada entre l’actriu i la directora, en la qual també participarà el cineasta Javier Fesser, director de Camino. La junta de l’Acadèmia catalana va reconèixer la trajectòria d’una actriu icònica que ha treballat a la pantalla, als escenaris i al doblatge durant cinc dècades. En la seva filmografia destaquen pel·lícules emblemàtiques com “L’orgia”, “Pont de Varsòvia”, “La flor de mi secreto” o “Quién te cantará”.

L’endemà, l’Acadèmia del Cinema Català reconeixerà a Barcelona la trajectòria excepcional d’Ángela Molina, «la seva autenticitat, el seu talent indiscutible i la seva especial sensibilitat”, tal com va fer l’Academia de Cine el passat mes de març. Serà el 9 de setembre a les 19 hores a la Filmoteca de Catalunya, amb la projecció de “Lola”, de Bigas Luna. Filla, germana i mare d’artistes, l’actriu, cantant i ballarina ha treballat amb alguns dels cineastes espanyols més destacats, com Buñuel, Almodóvar, Borau, Gutiérrez Aragón, Jaime Chávarri, Jaime de Armiñán, Josefina Molina, Jaime Camino o Pablo Berger.

DESPEDIDA A DAVID “COCO” BLAUSTEIN

24 agosto 2021 – Este mismo martes 24 habría cumplido 68 años de edad. El pasado día 16 falleció en Buenos Aires el cineasta argentino David “Coco” Blaustein, todo un referente del cine documental sociopolítico y latinoamericano.

Su obra más notoria fue “Cazadores de Utopías” (1996), en la que hacía referencia al movimiento Montoneros, pero no obstante en su cinematografía siempre trató aspectos importantes desde un prisma al que otros directores no habían llegado o cubierto; por ejemplo, en “Botín de Guerra” hablaba en torno a las Abuelas de Plaza de Mayo; en “Porotos de soja” lo hacía alrededor del tema del conflicto ocurrido entre los productores agropecuarios de soja y el gobierno en 2008; en “Fragmentos Rebelados” se refería a la figura del cineasta y militante Enrique Juárez; en “La cocina de la ley” incidía en la Ley de Medios más favorable al trabajo periodístico que ha existido nunca en país alguno; y en “Se va a acabar” comunicaba con imágenes y testimonios acerca de la lucha sindical en contra de la dictadura.

A lo largo de su extensa filmografía, Blaustein supo utilizar el lenguaje del género documental para ponerlo al servicio del uso de la Memoria y se erigió como un referente del cine sociopolítico argentino. También fue productor y conductor radial. En sus condolencias, la Asociación de Documentalistas de la Argentina (DOCA), a la que él pertenecía, indicó que “el lugar que ocupó hasta hoy será difícil de relevar, pero Blaustein deja también el legado de los sueños colectivos”.

David Blaustein, nacido en Buenos Aires el 24 de agosto de 1953, había cursado estudios en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de México y en el Instituto Oficial de Radio Televisión Española, lugar donde trabajó con Fernando Birri, Humberto Ríos, Adolfo García Videla y Jorge Denti.

Fundador de la productora Zafra, actualmente se encontraba preparando un documental sobre su madre, “La Blaustein”, proyecto vinculado a su pasión por el cine que desgraciadamente nunca verá la luz.

RUEDAN EL FILM “MATAR CANGREJOS”

21 agosto 2021 – El director Omar Al Abdul Razzak, autor de los documentales “Paradiso” y “La Tempestad Calmada”, se encuentra rodando su primera película de ficción, “Matar Cangrejos”.

El film participó en el Laboratorio de creación de guiones de la Fundación SGAE, en la segunda edición de La Incubadora (The Screen) de la ECAM y en la primera edición del programa Match! Me del Festival Internacional de Cine de Locarno. Es una producción de Tourmalet Films en coproducción con IJswater Films (Países Bajos). Entre sus trabajos destacan “Paradiso” (Omar Al Abdul Razzak), “El Arte de Volver” (Pedro Collantes), “Oscuro y Lucientes” (Samuel Alarcón), o las coproducciones “Stockholm” (Rodrigo Sorogoyen), “Doble Yo” (Felipe Rugeles) y “La última primavera” (Isabel Lamberti).

La trama se desarrolla en Tenerife en los años 90 y cuenta la historia de dos hermanos. Rayco, de 7 años vive fascinado por la llegada de Michael Jackson a la isla, y por un ermitaño que vive en una cueva frente al mar. Paula, de 13, afronta el inminente desahucio de su abuela vagando por hoteles abandonados en la costa.

Los protagonistas son Paula Campos y Agustín Díaz, dos niños elegidos tras un largo periodo de casting. Además, el reparto está formado por Sigrid Ojel y otros actores no profesionales de la isla de Tenerife.

Cuenta con la financiación del ICAA, Gobierno de Canarias, TEA Cabildo de Tenerife, MEDIA Europa Creativa y con la participación de la Televisión Canaria. La distribución está a cargo de Filmax.