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“Occidente”; el regreso a la esencia del cine de Jorge Acebo Canedo

Película Occidente Entrevista a Jorge Acebo Canedo

Estrenada en España
¡Qué importa que la vida perezca si se salva la verdad!, dice el subtítulo que figura en la promoción de la película “Occidente”, primer trabajo como director del tarraconense nacido en Francia, Jorge Acebo Canedo, quien tras haber terminado dos cortos previamente, ahora se lanza al terreno del largometraje con esta arriesgada historia que sin embargo deja un profundo poso en todos aquellos amantes del cine que la vean.
Un hombre y una mujer han crecido y viven rodeados de grandes industrias y aspiran a alcanzar la libertad en un mundo sobre el que creen que pretende anularlos y donde el arte ha desaparecido.
“La libertad es solo posible si nos hacemos conscientes de nuestros deseos y de lo que somos”, -asegura el realizador de este romántico y también provocativo thriller crepuscular-.

El protagonista de este filme ha puesto como excusa la filmación de una película para, en realidad, volverse a reunir con la mujer de su vida, una joven alienada junto a la cual pretenderá huir a partir del momento en que ella se dé cuenta de lo importante que sería que empezara a pensar por sí misma.

Acebo Canedo quiso tener todo muy controlado desde el inicio, incluido los actores que han seguido a rajatabla las instrucciones emanadas del guion pensado y escrito por el director, entre cuyos intérpretes se hallan Francesc Garrido, Paula Bertolín, Mario Gas, Isak Férriz y el argentino radicado en Barcelona desde hace muchos años, Gonzalo Cunill.

El guion no se escribió de una manera ortodoxa, es decir, no se buscaron argumentos, ni tratamientos, ni una financiación al uso, sino que aquí se partió de las referencias que le han llevado al director a tener un alto y muy marcado gusto por el buen cine.

“Occidente” vendría a ser en realidad un fresco reflexivo sobre esas inclinaciones y preferencias de su autor, ante la evidencia que él encuentra de que toda obra cinematográfica ya está condicionada por los grandes, inclusive antes de la escritura del guion, y a pesar de que él mismo también reconoce que no le gusta estar atado a nada, con la satisfacción de haber encontrado un equipo que le ha apoyado en la finalización de un proyecto que se construye desde otro lugar diferente al más convencional. Y eso ocurre así porque a Jorge le gustan temas como la filosofía y la poética y una estructura más clásica le habría impedido al final hablar de esos asuntos en una película tan libre como imperfecta.

El director responde las preguntas de Cinestel:

– El cine mainstream siempre coloca al star system por delante, es decir, a actores y actrices que son referentes en ese sistema. ¿A ti te molestaría si alguien va a ver tu película solamente porque sale Mario Gas?

Tú y yo tenemos ya una edad, pero las nuevas generaciones no saben quién es Mario Gas, por desgracia para ellos. No tenemos ningún respeto por la gente que ha construido algo, pero Mario Gas es una eminencia, es un monstruo. Yo cuando hablé con Mario para hacer este proyecto, le gustó y decidió hacerlo, aun cuando el trato que tengo con él no es de pleitesía, aunque estoy disfrutando del hecho de que Mario esté en la película.

Pero claro, yo miro la película y es una obra absolutamente independiente, que es muy complicado que llegue a muchas personas, pero tengo a Garrido, que es un actor con un peso intelectual que es imposible de encontrar, porque es alguien con quien te puedes poner a hablar en profundidad realmente de algo. Garrido es así y Mario también. Venimos de otro mundo.

Por otro lado, Paula me parece una excelente actriz, e Isak también, que aunque viene de otro mundo también decidió apuntarse a esta aventura a pesar de que esas apariciones en el film le van a aportar poco a su carrera. También está Gonzalo Cunill que es un pedazo de actor. Entonces, yo estoy tan contento con los actores que he tenido,… son tan súper actores, que eso igual lleva a la película a un lugar extraño.

– Y dentro del relato estableces algún tipo de paralelismo entre el mundo rural y el urbano que yo relaciono con la represión. ¿Era esa tu idea?

Se establecen muchas jugadas dialécticas en la película. Más que entre lo rural y lo urbano sería entre lo industrial y lo natural, entre lo artificial y lo natural, y tal vez, como tú dices, entre el campo y la ciudad. Sí, por qué no. Además hay un momento en que se ven unas personas como ahorcadas en la película y la protagonista pregunta “¿Quiénes son?” y le responden: “Gente que creía en la distinción entre el campo y la ciudad”.

Realmente aquí lo que hay es una reflexión sobre ese concepto que tenemos mucho de libertad, sobre el cual yo no estoy nada de acuerdo, en que la gente piensa que la libertad es la falta de encontrar el lugar mítico, quizá el de la infancia de Welles, que lo hacía muy bien cuando decía que “no hay lugar mítico, está la edad que te lleva a la muerte y te quedará el recuerdo. No quedará nada más”. Lo repetía en sus películas, en la primera, pero también en “Sed de mal”.

Película Occidente Entrevista a Jorge Acebo Canedo

Jorge Acebo Canedo, director de “Occidente”

Yo soy pesimista en ese sentido y para mí esa definición no consiste en que uno pueda encontrar la libertad en algún sitio, sino que ese será un asunto interior y se ejercerá en uno; pero el lugar mítico en el que tú aspiras a alcanzar la libertad es el sitio en el que vive el esclavo en realidad, y el esclavo está pensando que el lugar en donde tú vives es el de la libertad, como sucede hoy en día.

Verdaderamente creo que podría hacer más películas para desarrollar los temas que planteo en “Occidente”, pero aquí lo que quería era trasladar la idea de un fresco, de una pintura abstracta.

– Sí porque por ejemplo hay algunas imágenes que creo que pueden calar muy hondo, como puede ser la representación que haces de la tortura con un fondo industrial. ¿Cómo te planteaste hacer ese contraste?

Es un momento delirante que posee la película y si hubiéramos tenido más recursos, igual habría quedado más efectista. Es todo muy burdo en “Occidente”. Pero sí, a la gente se la tortura por soñar en la libertad y cosas así, y entonces, delante de ese fondo industrial donde hay gente mirando, es todo muy simbólico con unas imágenes muy poderosas.

No quiero decir tampoco que la industria sea el demonio. Para nada. Occidente nos ha llevado a la construcción de un mundo de explotación de recursos, de dominio sobre la naturaleza, y la gente al final el modo de vida que tiene es éste. Para mí no hay un punto en la Historia en el que podríamos haber girado a un camino a la derecha que hubiera cambiado, sino que todo esto lo veo como un proceso freud-hegeliano y marxista.

A mí las industrias me parecen súper poderosas. La gente va a trabajar a ellas y yo cuando veo una industria veo una cosa estética, plástica. Es un lugar de una belleza extraña, muy extraña.

– ¿Es como si fuera algo externo, que está por fuera de la humanidad?

Sí, de hecho mi padre trabajó en esas industrias. Osea, yo soy hijo de proletario, no de la burguesía, y eso es importante que a la hora de ver la película se dijera.

– Pero igualmente también colocas al amor como otro de los conceptos básicos de la historia, y a ello se une la relación entre los humanos.

¿El amor es importante o lo importante es amar? Me pregunto. Sí, pero en “Occidente” no vemos una pareja ejerciendo el amor porque la película no va de eso. No quería tratar una historia romántica de gente o de un drama amoroso, pero sí que hay una reflexión sobre qué es el amor. Aquí hay varias posibilidades y respuestas. En el fondo yo creo que el amor es expresión, no es concepto. Se ama.

– Y al mismo tiempo que hablas sobre el amor, también lo haces sobre una especie de tabla rasa que se está aplicando en el filme a una civilización.

Totalmente, sí. Y hacia ahí es donde yo creo que vamos, pero además elegantemente.

– E igualmente impresiona que emplees el tomavistas como un arma, en otra alegoría más de lo que está explicando la película.

¡El cine como arma! Que sería casi como que volviéramos a los 60, a los 70 y a los 20, habría que decir. ¡Y el cine-ojo y el cine-arma! Además es un plano que se repite en esta jugada dialéctica que hay todo el rato en la película. El protagonista lleva la cámara y es filmado frontalmente, como si en realidad disparara al espectador.

La protagonista lleva otro tipo de armas. Ella maneja escopetas en algún momento de la película y apunta al espectador también, estableciendo ese paralelismo tan claro de que la cámara es un arma. En este caso un arma de la reflexión, y yo creo que ha de serlo, aunque en el fondo no quería que fuera tan evidente, pero sin entrar en los tópicos creo que el cine y el arte en general debe ayudarnos a reflexionar, aunque sea equivocadamente, aunque sea de una manera fallida o imperfecta, pero creo que hoy en día estamos muy lejos de ese concepto. La obra de arte ha de ser, en cierta manera, revolucionaria e incluso desagradable y no aceptada.

Y es que mis maestros por desgracia fueron otros diferentes a los que hacen “Vengadores” y esas cosas. Mis maestros son los maestros del cine, aunque yo soy mal alumno.

– Y la tradicional y lamentable sumisión de la mujer también la has incluido en el film.

Sí, lo que pasa es que ya me han dicho que no desde un punto de vista de hoy, moderno y feminista. Es decir, porque no le doy escapatoria. Pero es que, en realidad, no le doy escapatoria a ningún personaje. Entonces, de una manera muy visceral o teatral, la mujer está representada como lo que ha sido a lo largo de la Historia: una especie de apéndice o apósito para el goce de la mirada del hombre.

Yo supongo que hay gente que espera ver mujeres que disparan bazocas, así hablando provocadoramente, como una manera de empoderamiento. Pero en mi película está también la dialéctica hombre-mujer muy presente, y también se puede leer en clave de que la mujer sometida históricamente a ese tipo de tratamiento, -sobre todo en el cine que ha convertido a las mujeres en un objeto sobre ese goce de la mirada-, es la que se ve reflejada en esta película para reflexionar sobre ello. Y al mismo tiempo, deja una cosa clara que igual se pierde, y es que es ella la que se pregunta por el amor y la que le dice al protagonista en un momento determinado que él es muy listo y que sabe hablar muy bien, pero que queda la expresión de las cosas en la expresión del amor.

La expresión de las cosas en realidad es el arte. Por lo tanto, en este caso la mujer es en cierta manera la salvadora, la que a una persona muy intelectual como soy yo, le dice que ésta es la expresión de las cosas. Y no tiene nada que ver con que sea mujer u hombre, porque hoy parece que en tiempos en que estamos buscando la igualdad, estamos ahondando aún más en la diferencia, cosa que me parece un poco contradictoria. Es decir, en esta película es la mujer. En la próxima podría ser él el que fuera a la inversa, aunque ya me han dicho que la visión de la mujer en mi película es muy esclava, pero aquí la intención fue que estuviera representada como un objeto del goce de la mirada.Síguenos en Twitter color

 

©José Luis García/Cinestel.com

Película Occidente Entrevista a Jorge Acebo Canedo

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL.COM/ FUNDADA EN JULIO 2005

CINESTEL TAMBIÉN ESTÁ EN BLUESKY

FILMOTECA DE CATALUNYA_JUNY 2025

Tsai Ming-liang

Considerat un dels grans mestres de l’slow cinema, Tsai Ming-liang ha bastit una obra profunda, sensual i poètica basada en la quietud, la repetició, i el temps d’espera i de trànsit. Figura fonamental del cinema queer en llengua xinesa, ha abordat temes com el desig no expressat, l’alienació urbana en entorns llòbrecs i hostils, o la soledat a les grans urbs com el revers del capitalisme. Un univers fílmic que convida a la pausa, a mirar l’invisible, i on el rostre i el moviment del cos esdevenen paisatges del temps. La Filmoteca de Catalunya té el privilegi de comptar amb la presència de Tsai Ming-liang per presentar una retrospectiva gairebé completa de la seva obra. (més informació)

Paul Newman, director

Va debutar en la direcció de llargmetratges pensant en la seva esposa, l’actriu Joanne Woodward, a la qual gairebé no li arribaven projectes després d’haver-se retirat uns anys mentre criava les tres filles que tenien en comú. Amb Rachel, Rachel, Newman li va oferir un paper intensament emocional i introspectiu. L’èxit d’aquest film va confirmar a Newman que era possible dirigir films íntims i personals tot mantenint la integritat artística. En l’any del centenari de Paul Newman, celebrem el mite redescobrint la seva mirada més íntima. (més informació)

Wallay! Festival de Cinema Africà de Barcelona

Una finestra magnífica per pensar l’Àfrica des de dins, amb la seva complexitat, la seva creativitat i la seva força narrativa. La selecció de films interpel·la tant la memòria històrica com les tensions del present. A partir d’eixos temàtics com la lluita per la memòria i els drets, el pes de la religió, l’exploració del silenciament dels abusos -ja siguin sexuals, institucionals o familiars-, la joventut com a força de transformació o els tabús de la societat patriarcal, Wallay! ens convida a ampliar la nostra mirada envers l’Àfrica. (més informació)

Filmoteca George Didi-Huberman

Continua, fins al 31 d’agost, l’exposició Al taller del filòsof a la Filmoteca i, fins al 29 de juny, el cicle que dialoga amb la mostra que el pensador francès comissaria al CCCB, «En l’aire commogut…». Sessions a cura d’especialistes que reprenen cadascun dels àmbits de l’exposició i relacionen el gest cinematogràfic amb algunes de les nocions que poblen el seu univers: Cares, Polítiques, Pensaments, Infàncies (2). (més informació)

Sarah Maldoror

En el segon i últim bloc del cicle dedicat a aquesta figura clau del cinema anticolonial i poètic es podran veure des de films que abracen el seu compromís polític i cultural fins a retrats d’artistes i poetes o curts que celebren la cultura popular. Una programació que tanca un viatge extraordinari per l’univers profundament humanista de Maldoror, amb la col·laboració de la Mostra Internacional de Films de Dones. (més informació)

Dimarts a la Filmoteca

Dos darrers programes del cicle transversal Afins. Helena Lumbreras. En el primer, Jan Baeta Salvany proposa un exercici de reconstrucció i reparació que ens convida a repensar la memòria audiovisual dels darrers afusellaments de la dictadura franquista, a partir de la filmació que Helena Lumbreras i Mariano Lisa van fer amb una càmera Bolex oculta dins d’una bossa per documentar l’acte commemoratiu del primer aniversari de la mort de Txiki (Juan Paredes Manot). La segona se centrarà en una faceta poc coneguda de la cineasta: els experiments cinematogràfics que va desenvolupar al llarg de la seva activitat docent en centres educatius catalans als anys setanta i vuitanta.

La tercera edició d’Arxiu Viu ens acosta al procés de recuperació d’una pel·lícula única: una filmació per al projector de cinema domèstic Pathé Baby, abandonada en un dels camins de l’exili que milers de civils i soldats van recórrer l’hivern del 1939. La petita bobina metàl·lica que contenia el film va ser recuperada el 2024 per Lluis Bassaganya, responsable del Museu de la Retirada de Camprodon, qui la va adreçar al Centre de Conservació i Restauració de Béns Mobles de Catalunya CCRBM i al 2CR de la Filmoteca, que han col·laborat en la seva restauració. (més informació)

A Dies curts, descobrirem Jaume Claret Muxart (Sant Cugat, 1998), segurament una de les persones que ajudaran (i ja ho estan fent) a repensar allò que entenem per «cinema d’autor» a Catalunya. El caracteritza una exploració constant d’allò que el cinema pot oferir; amb un ús del so, del color i els diàlegs que faran d’aquesta una ocasió perfecta per veure en pantalla gran algunes de les seves peces curtes. (més informació)

I també…

La digitalització del mes de juny del projecte Visibilitzem el cinema català és Solitud (Romà Guardiet, 1991), adaptació de la novel·la clàssica de Víctor Català, que dijous 26 de juny es complementa amb la lectura de Solitud, a càrrec d’Enric Casasses i Elvira Prado-Fabregat, a la Biblioteca del Cinema. (Enllaç)

Les estrenes de la Filmoteca portaran dues novetats: el darrer film de Joan Vall Karsunke, Biblioteca de pedra seca, que s’endinsa en la biblioteca del poeta i assagista Vicenç Altaió tot capturant l’essència del personatge a través de converses profundes i una estètica cuidada; i una sessió dedicada al Museu habitat, amb peces d’Aline Motta (Niterói, 1974) i Philip Rizk (Xipre, 1982) que, des de contextos molt diferents, exploren l’arxiu, un dels elements centrals d’aquest museu, per reconstruir històries silenciades.

Harold Lloyd tanca la programació del cicle transversal El gag infinit. Lloyd va apostar per un humor lligat al món modern, a la ciutat, al ritme i a l’optimisme americà. Es veuran dues de les seves obres més emblemàtiques: Safety Last! i The Freshman. (enllaç)

FilmoXica tanca el cicle de primavera Cants contra la guerra, amb títols com Persepolis. (enllaç)

CIRCUIT ESTABLE DE CINEMA CATALÀ

Cicle Gaudí 2016 - Circuit estable de cinema català
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SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

Sylvette Baudrot 260

FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL ARGENTINA

‘La producción audiovisual y su respaldo jurídico’ es el libro más reciente de Julio Raffo, un texto de lectura y de consulta imprescindible para los distintos profesionales de la industria del cine que deseen estar al tanto sobre cómo se regula en la Argentina la actividad productiva que conlleva la realización de películas, atendiendo no solamente a disposiciones legales y su marco regulatorio, sino que también a ejemplos prácticos y anécdotas. (saber más)

LOS INVENTORES DEL CINEMATÓGRAFO

Cinematógrafo LumièreEl cine es una invención sin ningún futuro. (…)
Nuestro invento no es para venderlo. Puede ser explotado algún tiempo como curiosidad científica, pero no tiene ningún interés comercial. *Antoine Lumière

ZONA INDUSTRIA

Las experiencias inigualables de Christie en CineEurope 2025

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“Nuestras últimas innovaciones reflejan el compromiso continuo de Christie por ayudar a los exhibidores a ofrecer experiencias excepcionales al público, al mismo tiempo que ahorran energía y mejoran el…

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Christie acaba de anunciar la firma de un acuerdo a largo plazo con NEOLUX Cinema Ltda., que se convertirá en el principal punto de contacto para los productos de cine de Christie en Brasil, y…

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Como parte de las actividades técnicas del festival, Zerouali ha ofrecido una ponencia titulada “Go to the dark(er) side with VDR: optimizando la experiencia cinematográfica”, en el marco de…

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A partir de este mes de mayo comienza a implementarse en salas de cine la próxima generación de sistemas de proyección láser Dolby Vision, tras haber sido anunciada la renovación de su acuerdo comercial con Christie.

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ISE 2025: IT’S ON; (David Zekaria) ¿Cómo reducir un 20% del tiempo y de los costes de rodaje?

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ISE 2025: Edgar Sanjuán Solé, (CEO): “Emogg mide cómo se siente el público en salas de cine”

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CANNES PREMIÓ A “SIRAT”, DE OLIVER LAXE

25 mayo 2025 – El director Oliver Laxe recibió en Cannes el Premio del Jurado por su más reciente película.
“Sirat” está protagonizada por el actor catalán Sergi López, quien junto al niño Bruno Núñez desarrolla una historia mística y de trance en pleno desierto.

Un hombre y su hijo llegan a una rave perdida en medio de las montañas del sur de Marruecos. Buscan a Mar, su hija y hermana, desaparecida hace meses en una de esas fiestas sin amanecer. Reparten su foto una y otra vez rodeados de música electrónica y un tipo de libertad que desconocen. Allí deciden seguir a un grupo de raveros en la búsqueda de una última fiesta que se celebrará en el desierto, donde esperan encontrar a la joven desaparecida.

El cineasta gallego había participado antes en Cannes, pero aún no lo había hecho en la Sección Oficial. Esta vez continúa dando muestra del estilo heredado de sus anteriores trabajos, transformando el film en una historia introspectiva, con pocos diálogos e inspirada en el Puente Sirāt, que en la tradición islámica separa el infierno del cielo donde el alma se enfrenta a su verdadera naturaleza.

Pero lo que más llamó la atención en el prestigioso festival francés de cine es que esta nueva propuesta de Laxe es algo más radical que las anteriores y que, asimismo, a diferencia de sus anteriores filmes, en este caso sí que se le puede encontrar a la historia algunos matices que señalan a ciertos comportamientos ocurridos a nivel político, sobre todo en lo que afecta a ese escenario desértico y su conexión tanto con las tradiciones como con los personajes que padre e hijo se van encontrando a lo largo de la película.

Oliver Laxe es un fanático del formato y la textura del fílmico, así que no ha desaprovechado la ocasión para rodar “Sirat” en 16 mm, una calidad de color que los más avezados cinéfilos apreciarán, aun cuando en la mayoría de salas de cine la película se proyecta en el sistema más común y aceptado actualmente, que es el digital.

DOCSBARCELONA 2025: EL PALMARÈS OFICIAL

19 maig 2025 – “La memoria de las mariposas”, una pel·lícula que fa un tribut a les víctimes indígenes del comerç del cautxú peruà, i que la cineasta Tatiana Fuentes (foto) connecta amb la seva pròpia família, corona el palmarès de la edició d’enguany del DocsBarcelona amb el Premi Docs a la Millor Pel·lícula. El Jurat Oficial, integrat per Montse Triola, Ana Pfaff, Fito Castillo i Joost Daamen, va reconèixer “la resignificació de les imatges, tant en el context contemporani com dins del propi metratge, per tal d’apel·lar a la reparació i la memoria històrica”. El Premi Docs a la Millor Pel·lícula Catalana va ser per “Grup natural”, mirada empàtica i constructiva a l’adolescència de Nina Solà. “El que en un principi sembla el retrat d’una institució molt concreta acaba esdevenint una pel·lícula universal, divertida i fresca, amb una mirada que en cap moment infatilitza els protagonistes”, recull el veredicte del Jurat Docs&Cat, integrat per Adrià Lahuerta, Elena Molina i Adrián Silvestre. Van optar al premi, patrocinat per La Xarxa Audiovisual Local (XAL), les produccions catalanes del festival. També el Premi Docs del Públic – Moritz va reconèixer un documental català, en aquest cas “Mares”, d’Ariadna Seuba, el camí cap a la maternitat de dues dones, ple d’il·lusions i frustracions.

El Jurat Oficial va atorgar tres premis més del palmarès. El Premi Docs Nou Talent – Filmin, reservat a les òperes primes, va valorar “la mirada vital a una relació madura i complexa en el crepuscle de l’existència d’ambdós personatges” de “Two strangers trying not to kill each other”, de Jacob Perlmutter i Manon Ouimet. El Premi Docs Antaviana va ser per a “la mirada insistent a les futures generacions d’un país en guerra i la seva normalització en el sistema educatiu” de “Timestamp”, de Kateryna Gornostai, homenatge a la lluita quotidiana d’estudiants i professors per mantenir les escoles obertes en plena guerra d’Ucraïna. “Always”, el bell debut de Deming Chen, va rebre un dels nous guardons del festival, el Premi Docs al Millor Muntatge – AMMAC, “per una mirada precisa i observacional en l’ordinari que permet emergir a un relat poètic extraordinari”.

BCN FILM FEST PREMIÓ A “THE QUIET SON”

5 mayo 2025 – “The Quiet Son”, una película de las realizadoras francesas Delphine y Muriel Coulin, con un reparto encabezado por el veterano actor Vincent Lindon (foto), recibió el Premio a la Mejor Película en el festival de cine BCN FILM FEST 2025, celebrado en la ciudad de Barcelona.

El relato nos acerca a Pierre, un trabajador ferroviario de cincuenta años, que cría solo a sus dos hijos. Los tres están muy unidos. Cuando Louis, el más joven, deja su casa para estudiar en la Sorbona de París, Fus, el mayor y con peores resultados en los estudios, se vuelve cada vez más reservado, lo cual le lleva a involucrarse cada vez más con grupos de extrema derecha.

La película documenta el increíble esfuerzo realizado por los tres miembros de esta familia para permanecer juntos. Una de las directoras, Muriel, explicaba que esta historia de ficción “es como una mesa de billar de tres jugadores. Tres hombres unidos por algo muy duro, la desaparición de su madre. Y que intentan continuar como una familia a pesar de todo. Nunca se resignan a perderse el uno al otro”.

Delphine profundiza en el tema añadiendo que “es una familia que intenta seguir adelante. Se dice que el sentido de la historia es el del progreso: cada generación vive mejor que la anterior. Pero hoy las cosas van al revés. El voto extremista está ligado a este sentimiento muy fuerte de injusticia”.

Para Delphine, “Pierre intenta ser un buen padre, por eso no deja de preguntarse qué se ha perdido con Fus. ¿Somos responsables de lo que hacen nuestros hijos? Es una pregunta universal, dado el auge de la extrema derecha que se está produciendo en todas partes en el mundo occidental. Cualquiera puede identificarse con la historia” -concluye la co-directora-.

CANNES: ¿CARLA SIMÓN CON PALMA DE ORO?

11 abril 2025 – La directora catalana Carla Simón competirá en la Sección Oficial del Festival de Cannes con su nueva película, “Romería”. “Tengo la suerte de formar parte de una gran familia llena de historias que se han convertido en mi fuente de inspiración. Las relaciones familiares me fascinan porque no las escogemos. La familia es el origen de muchos conflictos, traumas y peleas, pero también es el origen del amor, la confianza y la lealtad más profunda” -explicaba la cineasta-.

En “Romería”, Marina viaja a Vigo para conocer a la familia de su padre biológico, que murió de sida, al igual que su madre, cuando ella era muy pequeña. A través de los encuentros con sus tíos, tías y abuelos, la joven intenta reconstruir un relato de sus padres, pero todos sienten demasiada vergüenza hacia los conflictos de drogas de la pareja, algo que Marina les recuerda con su presencia.

Será la historia de amor adolescente que vive con su primo lo que le permita reimaginar a sus padres y conectar con ellos. De esta forma, inventa un cuento, gracias al diario de su madre, que la libera del estigma que su familia siente por ellos y cumple el deseo de entender el pasado…

Por otro lado, un habitual de Cannes, el director gallego radicado en Marruecos, Oliver Laxe, también formará parte de la Sección Oficial con su cuarto largometraje, “Sirat”, protagonizado por el catalán Sergi López.

FILMO: RETROSPECTIVA D’ALBERTINA CARRI

2 abril 2025 – La Filmoteca de Catalunya dedica un espai a la riquesa del patrimoni i la creativitat contemporània del cinema argentí. Un dels exponents més diversos i prolífics d’Amèrica Llatina, el cinema argentí es debat entre la precarietat patrimonial, degut a l’absència d’estructures sòlides que garanteixin la seva difusió i pervivència, i les amenaces polítiques que posen en risc la inversió pública i els consensos democràtics sobre la memòria històrica i el valor social de la cultura.

Per això es programen dos cicles que ofereixen una panoràmica d’aquella cinematografia: un sobre el seu període clàssic i un altre dedicat a una de les figures contemporànies més personals i combatives: Albertina Carri. Artista i escriptora en canvi constant, en cada pel·lícula crea variants radicalment singulars, examinant qüestions tan diverses com la memòria de la dictadura, la mirada crítica a les relacions familiars, la reinterpretació de gèneres clàssics o el potencial de les sexualitats i els cossos no normatius.

Retrospectiva Albertina Carri

L’obra d’Albertina Carri (Buenos Aires, 1973) s’inscriu en el vessant més experimental del Nuevo Cine Argentino. El seu cinema, proteïforme i divers, abraça tota mena de tècniques expressives i recursos narratius, i es distingeix per un estil audaç i provocador que aborda temes tabú des d’una mirada crítica i subversiva.

El 2003 es dona a conèixer internacionalment amb Los rubios, un film que qüestiona la veracitat dels records i les formes de representació històrica, i amb el qual reconstrueix la seva història personal, marcada per la desaparició dels seus pares durant l’última dictadura argentina. Aquesta tragèdia personal ha influït molt la seva producció artística, amb la qual explora la intersecció entre l’experiència individual i la memòria col·lectiva, la identitat i la justícia social.

El tractament cru i transgressor de la violència, la sexualitat i el gènere són altres constants d’una filmografia bastida amb fúria i que desafia les estructures de poder i els discursos hegemònics i patriarcals per donar pas a una mirada política feminista de dissidència sexual. Cineasta incòmoda, Carri és una figura clau del cinema argentí contemporani.

Albertina Carri acompanyarà la preestrena del seu darrer film ¡Caigan las rosas blancas! (2025) el dimarts 8 d’abril, abans que arribi a les sales comercials el 16 d’abril. Serà la inauguració de la retrospectiva integral que li dedica la Filmoteca de Catalunya i que s’estendrà fins al 25 d’abril.

Podeu consultar la programació de la Retrospectiva Albertina Carri AQUÍ.

MÁLAGA PREMIA A “SORDA” Y “LOS TORTUGA”

22 marzo 2025 – Presidido por la actriz argentina Mercedes Morán, el jurado oficial del 28 Festival de Málaga otorgó su Biznaga de Oro a la Mejor Película a “Sorda”, ópera prima de la directora y guionista murciana Eva Libertad García, protagonizada por la actriz Miriam Garlo (foto), también debutante. El Premio Especial del jurado fue para la realizadora catalana Belén Funes por “Los Tortuga”.

“Sorda” es un drama sobre una mujer que está embarazada y que tiene esa discapacidad. Vive con Héctor, su pareja oyente, pero el embarazo hace aflorar sus miedos frente a la maternidad y sobre cómo podrá comunicarse con la hija que llegará tras el parto. Cuando la niña nace se genera una crisis en la pareja y eso lleva a Ángela a afrontar la crianza de su criatura en un mundo que no está hecho para ella.

El cine catalán obtuvo reconocimientos en nueve de las once categorías de la muestra de cine, con cinco películas diferentes premiadas. “Los Tortuga”, de Belén Funes, logró los premios a mejor dirección y guion, además del Especial del jurado antes mencionado. En Zonacine, “Esmorza amb mi”, debut de Iván Morales en la dirección, consigue cuatro estatuillas: mejores película, interpretación femenina (Anna Alarcón) y masculina (Iván Massagué), además del premio del público.

Los protagonistas de “Los Tortuga” (Belén Funes) no son una pareja feliz. Julián y Delia se mudaron hace más de veinte años a Barcelona y desde entonces atraviesan numerosas crisis de pareja que nunca se solucionan. Pero el matrimonio no se ha divorciado para no complicarle la vida a su hija Anabel, de dieciséis años.

CINE.AR SE CONVIERTE EN S.A.U.

18 marzo 2025 – (COMUNICADO) La Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina (ACCA) expresa su preocupación ante la reciente decisión del Gobierno Nacional de transferir las plataformas CINE.AR, CINE.AR PLAY y CINE.AR ESTRENOS, hasta ahora gestionadas por el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), que pasarán a estar bajo el control de Contenidos Artísticos e Informativos Sociedad Anónima Unipersonal (S.A.U.), entidad dependiente de la Secretaría de Comunicación y Medios de la Presidencia de la Nación, a cargo de Manuel Adorni.

Esta medida, formalizada mediante un decreto presidencial, implica que las plataformas que históricamente han sido fundamentales para la difusión y promoción del cine nacional ya no estarán bajo la órbita del INCAA, organismo creado para fomentar y proteger nuestra cinematografía.

La desvinculación de estas plataformas del INCAA representa un golpe significativo a la autonomía y capacidad de gestión de nuestra industria cinematográfica. Además, esta decisión se suma a una serie de acciones que han debilitado al INCAA, incluyendo despidos masivos y recortes presupuestarios, afectando directamente la producción y difusión de nuestro cine.

La Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina reafirma su compromiso con la defensa del cine nacional y la promoción de políticas públicas que aseguren su crecimiento y difusión.

FILMOTECA: CICLO CINE CLÁSICO ARGENTINO

13 marzo 2025 – (Por Lucía Salas) Hacer hoy un programa de cine argentino clásico es una aventura compleja. A la histórica falta de una filmoteca se suma la intervención del instituto cinematográfico por parte del actual gobierno para desmantelar sistemáticamente lo que es público.

También hay buenas razones: el cine argentino de la era de los grandes estudios (y un poco antes, y un poco después) es inmenso, y es difícil elegir entre todos los directores, actores y géneros.

Casi sin películas digitalizadas, y sin la solidez institucional necesaria para mover copias físicas a través del Océano Atlántico, acudimos al archivo de la Filmoteca de Catalunya y de la española, donde encontramos algunas películas canónicas y muchas rarezas; al Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken, que lleva a cabo una tarea de preservación y difusión muy por encima de los recursos que le otorga el Estado; a la Filmoteca Buenos Aires de Fernando Martín Peña, que no sólo nos presta sus películas, sino que las lleva en la maleta.

De estas posibilidades surge un corte ecléctico del cine de un país, sus directores, sus actores, los vínculos directos con el teatro, el tango, el fútbol, el fango del barrio, las luces del centro, la intimidad de las familias, las corrientes migratorias y sus acentos, los ladrones del pan untado en aceite, los jornaleros, los gauchos y mucho más.
(Lucía Salas, curadora del ciclo)
(Enlace a vídeo en Youtube)

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