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Carles Torras: “Los éxitos en el cine ya no se miden en función de los ingresos en taquilla”

abril 29, 2019 ZONA INDUSTRIA
Producers on the move 2019 Entrevista a Carles Torras

El productor y cineasta catalán Carles Torras ha sido seleccionado este año a propuesta del ICAA, para participar durante el Festival de Cannes en las sesiones de networking y reuniones one-to-one a desarrollar durante la trigésima edición de Producers on the Move, una iniciativa de la European Film Promotion que cuenta con el respaldo de Europa Creativa-Programa MEDIA de la Unión Europea.
Torras compagina desde hace bastante tiempo sus funciones en la producción de filmes con sus tareas como director de películas, con éxitos tan notables como los de “Joves” (co-dirigida junto a Ramón Térmens), “Trash” o la ganadora de la Biznaga de Oro, “Callback”, a través de su productora con sede en Barcelona, Zabriskie Films.

Actualmente, mientras se encuentra entre los veinte productores más prometedores del panorama del cine europeo, su compañía está desarrollando la postproducción del nuevo documental de Aram Garriga, “American Satan”, y su propio próximo proyecto de ficción.

Asimismo tienen en marcha el thriller psicológico “El practicante” -que co-producirán con Bélgica- así como la serie de ciencia ficción “La invasión” de Hèctor Hernández Vicens (director de “El cadáver de Ana Fritz”), y el largometraje “Upon entry” de Alejandro Rojas y Juan S. Vázquez.

Dirigir y producir son para él “dos facetas complementarias: la de director es más creativa y artística por decirlo de alguna forma, -asegura en entrevista con Cinestel-, y la de productor es una faceta empresarial; entonces ambas cosas me gustan y se pueden compaginar perfectamente”.

– ¿Cómo ves el mercado de las coproducciones europeas? ¿Crees que ayuda esta iniciativa en el Festival de Cannes?

Ayuda mucho porque es importante internacionalizar los proyectos, las películas, intentar abrir mercados y encontrar proyectos que puedan llegar a ser interesantes para que dos o más países puedan llegar a sacarlos adelante; y procurar que éstos tengan unas características más internacionales.

Yo creo que esto siempre es bueno, y en marcos como el de Producers on the move en Cannes, estamos en el lugar ideal para encontrar buenos socios.

– En Europa por suerte tenemos una gran diversidad de idiomas, pero por ejemplo en el mercado español prevalece de momento lo que son las películas dobladas. ¿Preferirías otro escenario donde los filmes de otros territorios se vieran subtitulados en su mayoría?

Pues sí. Para mí sería mucho mejor que el cine se viera en versión original, como pasa en muchos países, pero hay otros en los que tenemos la tradición de ver el cine doblado. La gente está acostumbrada y a veces les da pereza leer subtítulos, pero cuando uno se acostumbra a ver las películas en versión original ya no las quiere ver dobladas nunca más.

Para disfrutar las películas en su integridad, y a un nivel incluso en que la población esté más familiarizada con otros idiomas y hable mejor el inglés, pues siempre es mucho mejor verlas en versión original.

Producers on the move 2019 Entrevista a Carles Torras

– Recordando que un filme tan redondo como “Callback” demoró bastante su estreno en salas, ¿cómo ves el mercado de la distribución en España?

La distribución en salas cada vez es más complicada. Lo que pasa es que ya no estamos limitados a estrenar en los cines o a que nuestra película dependa exclusivamente de los ingresos en taquilla para que sea rentable, o al menos que no pierda dinero, sea financiable por decirlo de alguna forma.

Estamos viendo muchos ejemplos de películas que en taquilla no están funcionando y después están teniendo una segunda vida en las plataformas de Internet. Eso es lógico, porque cuando la gente puede ver todo el cine que quiera en su casa pagando 10 euros al mes, pues cada vez se lo piensa más a la hora de decidir ir al cine, ya que con lo que le cuesta una sola sesión en salas puede tener películas ilimitadas durante todo un mes.

Yo creo que los éxitos ya no se miden en función de los ingresos en taquilla. Eso va a quedar cada vez más limitado para determinado tipo de cine, que será el que se puede ver en familia o entre amigos, pero no ocurrirá con otro tipo de cine que es aquel que la gente lo prefiere ver en su casa.

Al haber diferentes fórmulas, ya no somos tan dependientes de los resultados en la taquilla. En otros países funciona mejor la recaudación de los cines, pero en España cada vez está peor.

– ¿Y como productor de las películas de Aram Garriga, cómo ves el género documental?

El documental es una prueba de lo que digo. ¿Quién va al cine a ver un documental? Muy poca gente. Desde luego es imposible que con los ingresos en taquilla se puedan producir documentales. Entonces estas películas se están viendo en otras ventanas.

Por ejemplo en el caso del primer documental de Aram Garriga, “American Jesus”, tuvimos la suerte de que se ha visto en muchísimos países, tanto en televisiones de la Warner de Estados Unidos como en plataformas como Netflix y en muchos países europeos. Y luego, cuando la película se estrena en el cine en España, las recaudaciones suelen ser bastante insignificantes, pero hay otras ventanas hoy en día que son adecuadas para el consumo del documental.

– Pero por ejemplo, entre las producciones en las que ahora estás inmerso hay un thriller psicológico y una serie de ciencia ficción. ¿Consideras que estos géneros tal vez convocarían a más público a una sala quizá?

Nosotros siempre buscamos que nuestras producciones tengan una mirada propia del director, tanto si soy yo como si estoy produciendo una película de otro. Eso no está reñido con el género, y que sea un thriller psicológico no quiere decir que sea una película que cumpla todos los clichés de un tipo de cine de género. Puede ser un thriller, pero puede ser muy original, y también puede ser muy novedosa o incluso arriesgada.

Existen ejemplos de ello. Desde “Repulsión” de Roman Polansky, que es una gran obra maestra de la historia del cine, innovadora y arriesgada, hasta tantas otras que se han hecho, y que al mismo tiempo son unas películas de género y se han llegado a convertir en fenómenos mundiales. A veces me hacen esta pregunta sobre los géneros y su salida, pero yo no sé muy bien ver la diferencia, porque veo que una cosa no está reñida con la otra.

Yo creo que todo lo que sea innovar, aportar originalidad y abrir nuevos caminos en lo que es la narrativa cinematográfica, es la vía para luego conseguir éxitos comerciales.

– También arriesgas en la producción de debutantes en la dirección que ya habían trabajado contigo, como son Alejandro Rojas y Juan S. Vázquez en el caso de “Upon Entry”. ¿Qué nos puedes contar sobre este proyecto?

Ellos habían dirigido cortometrajes; ésta es su primera película largometraje de ficción y vienen trabajando en diferentes campos del cine y la televisión. Alejandro es también montador y guionista, y Sebastián ha trabajado como director de fotografía. Son dos chicos con mucho talento y han escrito un gran guion, porque “Upon Entry” es un drama con un punto de suspense sobre una pareja que son retenidos en la zona de migración a la hora de entrar en Estados Unidos. Ahí se produce una situación inesperada, en la que van a permanecer allí sin saber los motivos, al tiempo que se van a ir descubriendo asuntos que van a ser una sorpresa para el espectador, incluso cosas que entre ellos mismos no sabían del otro.

– Y entonces, ahora que vas a entrar de lleno en lo que son las coproducciones europeas, ¿para ti es muy diferente la opción de coproducir con los Estados Unidos, ya que rodaste allí “Callback”?

“Callback” tenía un coproductor minoritario americano. También coprodujimos allí “American Jesus”, por tanto son dos experiencias ya en los Estados Unidos. Para ello, la historia tiene que tener sentido. “Callback” sucedía en Nueva York y se rodaba allí; por lo tanto tenía todo el sentido hacer la coproducción con ellos. Si haces la coproducción con algún país, pues tiene que tener relación con la historia de ese lugar o con la producción de la película, ya sea en función de los actores o cualquier otra razón que de alguna manera justifique que se involucren los países.

En Estados Unidos el caso de mi película fue una cosa muy natural, ya que la historia sucedía allí.Síguenos en Twitter color

 

©José Luis García/Cinestel.com

Producers on the move 2019 Entrevista a Carles Torras

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL.COM/ FUNDADA EN JULIO 2005

Cinestel, más de 15 años

FILMOTECA PLENAMENT OPERATIVA

Filmoteca de Catalunya. Des que el 26 de juny passat es van reprendre les projeccions, un total de 1.822 espectadors han visitat les dues sales, Chomón i Laya. Les 28 sessions programades fins el diumenge 5 de juliol han registrat una assistència mitjana de 65 espectadors. El nombre és destacable tenint en compte que l’oferta ha passat de 27 sessions setmanals a només 18 i que en aquests moments l’aforament disponible s’ha reduït a la meitat per les mesures de seguretat imposades pel desconfinament: 180 localitats a la Sala Chomón i 90 a la Sala Laya. La mitjana habitual a la Filmoteca per sessió, amb l’aformanet complet, se situa al voltant dels 100 espectadors.

Per compensar el temps d’aturada de l’activitat a la Filmoteca, es prorroga la validesa de tots els abonaments vigents en el moment de declaració de l’estat d’alarma, el 13 de març.

Els abonaments de totes les modalitats i els carnets de la Biblioteca del cinema tindran quatre mesos més de validesa a partir de la data de la seva caducitat.

Els Filmo10 d’aquest any, vàlids fins al 31 de desembre, es podran utilitzar fins al 31 de març de 2021.

Els abonats d’Aula de cinema podran accedir a un Filmo10 per bescanviar-lo per a les sessions reprogramades o per a qualsevol sessió de la Filmoteca fins al 31 de març de 2021.

CARTA BLANCA A JAUME PLENSA

Jaume Plensa és un dels catalans universals que ha donat l’art recent. La seva obra es troba arreu del món, en uns diàlegs amb l’espai públic molt suggeridors. La Crown Fountain al Millennium Park de Chicago (2004) o la Carmela que des de 2015 conviu amb el Palau de la Música i s’ha convertit en un nou símbol de Barcelona, en són només dos exemples.

Jaume Plensa es considera per damunt de tot escultor, tot i que la seva obra abasta múltiples disciplines. L’any 2018 el MACBA va presentar una exposició antològica que recollia obres de les darreres quatre dècades, en un recorregut que mostrava el diàleg que es produeix entre les obres que representen la figura humana i les obres abstractes. Era la primera exposició de Plensa a Barcelona en més de vint anys, des de la que li va dedicar la Fundació Joan Miró el 1996.

Per a les seves creacions, Jaume Plensa s’inspira en la poesia, la música, la religió i el pensament. El cinema també està en el seu àmbit d’interessos, i ha tingut la generositat d’acceptar la invitació de la Filmoteca de Catalunya per compartir els seus gustos cinèfils, amb una selecció de 10 títols que sorprendrà més d’un. No hi trobem vides d’artistes, i sí que s’hi detecta una debilitat pel thriller, el cinema negre o el polític. “El cinema negre i la novel·la negra tenen alguna cosa que jo sempre he buscat amb la meva obra: tot allò que no es diu i se sobreentén. L’escultura té aquesta capacitat enorme de treballar en el silenci, és com els escriptors que controlen bé els buits entre paraules o entre línies. El malentès, quan llegeixes un text i el malentens. Crec que el cinema negre està tot basat en el malentès, i això és extraordinari”, diu Plensa.
(Vull saber-ne més)

ALL ROADS LEAD TO BARCELONA

One of the best ways to follow what’s going on at the movie theaters area and what the next innovations are representing for the movies distribution industry, is taking a look at CineEurope coverage released on our site Cinestel.com

Una de les millors maneres de seguir tot el que està passant al voltant del àrea profesional de les sales de cinema i també d’allò que les següents innovacions representen per a la indústria de distribució de pel·lícules, és fent una ullada a la cobertura de CineEurope feta pel nostre lloc web Cinestel.com

This is a links’ summary (most of the reports and interviews are written in Spanish):

Aquest és un sumari en anglès dels enllaços a notícies i entrevistes:

FILMOTECA: AULA DE CINEMA

FILMOTECA PER A LES ESCOLES

SESSIONS FAMILIARS A LA FILMOTECA

Infantils Tortell Poltrona

Una de les missions de la Filmoteca de Catalunya és acostar el cinema als més petits, fer-los descobrir el plaer de veure cinema de qualitat a la pantalla gran i adonar-se’n de la riquesa de tots els seus detalls. Per aconseguir-ho, cada setmana ofereix dues sessions específicament adreçades als infants i les seves famílies. En concret, les sessions tenen lloc els dissabtes i diumenges a les 17:00h.

El programa proposa films de totes les èpoques i de tots els països, films adreçats als més petits i a les seves famílies, films que permetran als petits gaudir de l’espectacle fílmic i, als grans, redescobrir la il·lusió del cinema. Les pel·lícules que projecten en aquestes sessions infantils de caràcter familiar han estat escollides pel seu valor pedagògic i cinematogràfic.
(Vull saber-ne més)

Infantils Doraemon

SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

Sylvette Baudrot 260

ENTREVISTAS

Sabrina Moreno sobre “Azul el Mar”: “Los matrimonios siempre tienen una relación económica”

Película Azul el Mar Entrevista a Sabrina Moreno directora

El filme confronta la fragilidad del mar con la inestabilidad de la pareja protagonista, así como el caos que generan las olas cuando llegan a la orilla con la imperfección de un largo vínculo amoroso y de convivencia mutua.

FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

PRIMERA SALA 4DX EN CATALUNYA

Los Cines Filmax Gran Via ya ofrecen a sus espectadores la primera sala en Cataluña con tecnología 4DX. Y lo hacen de la mano de la compañía surcoreana CJ (www.CJ4DX.com), líder mundial en el sector.

El sistema 4DX incorpora en la proyección hasta un total de 21 efectos sincronizados. El espectador tiene la oportunidad de ver los principales estrenos de cartelera con efectos de movimiento, aire, agua, calor, aromas, vibraciones, además de elementos metereológicos como niebla, viento, rayos y burbujas.

Esta tecnología puntera consigue que los efectos se sincronicen con la acción y el sonido de la pantalla, de manera que los espectadores experimentan una inmersión 360 grados en la película.

Conoce más detalles sobre cómo funciona, en este artículo publicado en Cinestel en el año 2016.

PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL ARGENTINA

‘La producción audiovisual y su respaldo jurídico’ es el libro más reciente de Julio Raffo, un texto de lectura y de consulta imprescindible para los distintos profesionales de la industria del cine que deseen estar al tanto sobre cómo se regula en la Argentina la actividad productiva que conlleva la realización de películas, atendiendo no solamente a disposiciones legales y su marco regulatorio, sino que también a ejemplos prácticos y anécdotas. (saber más)

CRíTICAS CINE LATINOAMERICANO

“Los Fuertes”, de Omar Zúñiga; todo el amor contra viento y marea

Reseña de la película Los Fuertes de Omar Zúñiga

El relato ocurre desde que Lucas va a visitar a su hermana que vive en una localidad costera muy cercana a Valdivia. Allí conoce a Antonio, quien trabaja como contramaestre en un pequeño barco pesquero que sale a…

Camilo Restrepo sacude la Berlinale con su nuevo film “Los Conductos”

Reseña de la película Los Conductos de Camilo Restrepo

El relato comienza con Pinky, su protagonista, huyendo de noche en moto en el medio de esos ambientes marginales que para unos son incompresibles y para otros, lo más normal del mundo.

LLEGÓ A FILMIN “AYKA”, FILM KAZAJO

11 julio 2020 – La más reciente película del cineasta kazajo Sergei Dvortsevoy, ha sido ya estrenada en Filmin. “Ayka” es un drama sobre una joven emigrante kirguisa que trabaja ilegalmente en Moscú. Tras quedarse embarazada y dar a luz, dejará a su hijo en un hospital al no poder hacerse cargo de él. Sin embargo, tiempo después, el instinto materno le hará buscarle desesperadamente hasta intentar dar con su paradero.

El film puede ser visto como una representación de un tipo de violencia no física, pero siempre presente en forma de presión mental sobre la madre que abandona a su hijo.

La protagonista, Samal Yeslyámova, obtuvo en el Festival de Cine de Cannes el premio a la mejor actriz del certamen por esta película y nosotros, con motivo de su presencia en el Festival de Cine Asiático de Barcelona 2019, le hicimos esta entrevista.

POR FIN HA ESTRENADO “UNDER THE SKIN”

11 julio 2020 – Ha tardado algún tiempo, concretamente seis años tras su premiere mundial en el Festival de Venecia, pero las grandes pantallas de las salas de cine felizmente muestran ya la película “Under the skin” del director Jonathan Glazer, con la interpretación de Scarlett Johansson de una extraterrestre con apariencia de mujer que deambula por las calles de Escocia, arrastrando a hombres solitarios y confiados a un destino fatal.

La mayoría de los personajes de la película fueron interpretados por actores no profesionales; muchas escenas donde el personaje de Johansson conoce a sus víctimas eran conversaciones sin guion con hombres en la calle filmados con cámara oculta. Glazer dijo que a los hombres “se les preguntó previamente que si estaban de acuerdo en participar en la película, una vez que entendieron lo que estábamos haciendo”. Muchas escenas del film fueron conversaciones espontáneas filmadas con cámara oculta en la calle.

El campeón motociclista de carreras Jeremy McWilliams fue también contratado ya que la película requiere un motociclista de “clase mundial” con capacidad para viajar a través de las tierras altas escocesas a altas velocidades en condiciones de mal tiempo. El leñador que aparece en el film fue interpretado por el propietario de una ubicación buscada para la película. Para el personaje del hombre deformado, Glazer no quería usar maquillaje ni prótesis; el equipo de producción contactó con la organización benéfica Changing Faces, que apoya a las personas con desfiguraciones faciales, y el papel fue para Adam Pearson, que tiene neurofibromatosis y ya había trabajado antes en producción televisiva. Los guionistas utilizaron sus sugerencias sobre cómo el personaje de Johansson podría atraer a su personaje.

CINE YELMO DESPIDE A ENNIO MORRICONE

8 julio 2020 – El pasado 6 de julio nos dejaba Ennio Morricone y el mundo del cine aún sigue llorando su pérdida. Entre ellos Cine Yelmo que ha decidido prolongar la exhibición en sus salas del gran clásico europeo “Cinema Paradiso”.

Para homenajear y despedir al compositor italiano, Cine Yelmo continuará ofreciendo esta oportunidad única con la que disfrutar de la que es toda una declaración de amor al cine y a la figura de “Il Maestro”, cuyas composiciones épicas han marcado el séptimo arte. Esta despedida agridulce será a través de +Que Cine, la ventana de contenidos alternativos de Cine Yelmo.

Compositor prolífico donde los haya, Morricone ha firmado la banda sonora de más de 500 largometrajes a lo largo de seis décadas de magia y talento. Sus melodías han acompañado tantas aventuras como conquistado corazones de cinéfilos de todas las edades y se han convertido en esenciales para entender la historia del cine. De “La misión” a “El bueno, el feo y el malo”, pasando por “Días de cielo”, “Los Intocables de Eliot Ness” y, por supuesto, “Cinema Paradiso”.

Además de las proyecciones actuales, a partir del viernes 10 de julio la partitura de Morricone para “Cinema Paradiso”, con sus cuerdas y flautas, se seguirá escuchando por todo lo grande en Madrid (Ideal, Tresaguas, Plenilunio, Palafox), Barcelona (Icaria, Comedia), A Coruña (Los Rosales), Oviedo (Los Prados), Málaga (Vialia), Santa Cruz de Tenerife (La Villa de Orotava), Sevilla (Lagoh), Valencia (Mercado de Campanar), Valladolid (Vallsur) y Vizcaya (Artea).

ADIÓS AL ENORME ENNIO MORRICONE

6 julio 2020 – Nos ha dejado el italiano Ennio Morricone, probablemente el mejor compositor de música de cine de la Historia, cuya obra cumbre fue la banda sonora de “El bueno, el feo y el malo” (1966).

Iniciado en esas tareas con Luciano Salce y Sergio Leone, comenzó a consolidarse de manera reconocida y competente en el panorama de la música cinematográfica con su participación en películas de Pier Paolo Pasolini, Bernardo Bertolucci, Dario Argento, Gillo Pontecorvo, Marco Bellocchio y Giuseppe Tornatore.

En el plano internacional trabajó con, entre otros, Terrence Malick, John Carpenter, Brian De Palma, Roman Polanski, Quentin Tarantino, Roland Joffé o Pedro Almodóvar con “¡Átame!”.

Sin duda es y será siempre uno de los compositores de cine más admirados, gracias sobre todo a la música de los spaghetti western, pero también por las bellas melodías de “Días de Gloria”, “La Misión”, “El pájaro de las plumas de cristal” o la gran “Cinema Paradiso”.

A pesar de haber estado nominado al Oscar en seis ocasiones, Morricone no lo consiguió hasta el año 2017 por la banda sonora de “Los odiosos ocho”, película dirigida por Quentin Tarantino. Ni falta que le hacía, pues ya gozaba anteriormente del reconocimiento y la estima de miles y miles de espectadores cinéfilos.

ESTRENÓ EL FILM “TODO PASA EN TEL AVIV”

4 julio 2020 – Ya está disponible en salas de cine la comedia “Todo pasa en Tel Aviv”, dirigida por Sameh Zoabi, en torno a un buscavidas palestino que vive en Jerusalén y que trabaja en el set de la famosa telenovela palestina ‘Arde Tel Aviv’. Esta serie se produce en Ramala​, ciudad palestina situada en Cisjordania bajo control palestino y ocupación militar de Israel. Así que, todos los días, para llegar a los estudios de televisión, Salam debe pasar por un estricto control israelí. Al mando de este puesto de control militar está Assi (Yaniv Biton), cuya esposa es muy fan de la telenovela.

La película pasó por Venecia y Toronto y también se exhibió en el Festival de Cinema Jueu de Barcelona con su título anglosajón “Tel Aviv on Fire”. (Reseña del film)

IGOR LEGARRETA FINALIZÓ SU RODAJE

1 julio 2020 – El rodaje de la película “Ilargi Guztiak. Todas las Lunas”, segundo largometraje de Igor Legarreta (Cuando dejes de quererme), finalizó el pasado 20 de junio en la localidad vizcaína de Erandio, convirtiéndose así en el primero del territorio español en completarse tras la cuarentena. Durante el confinamiento, se aprovechó para avanzar con el montaje del material filmado y mejorar así la planificación de las escenas de la película que quedaban por rodar.

El relato se ha filmado en País Vasco y Navarra durante siete semanas con una interrupción de más de dos meses a causa del estado de alarma. Iniciado el 17 de febrero en el municipio Murtriku (Guipúzcoa), el rodaje se prolongó durante cuatro semanas hasta su interrupción, el pasado 13 de marzo, por la crisis ocurrida.

Ambientada durante los estertores de la última guerra carlista, en la película una niña es rescatada de un orfanato por una misteriosa mujer que habita en lo profundo del bosque. Como sus condiciones de vida no son favorables, y tras pasar la mayor parte del tiempo encerrada, la protagonista conoce a un hombre humilde que la acogerá en su casa como si de su propia hija se tratase.

El rodaje se retomó el pasado 1 de junio y se ha prolongado durante tres semanas, hasta el 20 de junio. Durante este tiempo, el acceso al set de filmación se vio restringido al equipo estrictamente necesario para la producción, manteniendo en todo momento los protocolos de seguridad que la normativa exigía. Afortunadamente, durante las cuatro semanas de filmación antes de la interrupción se habían grabado las escenas con más figuración y de mayor complejidad de producción.

XIII PREMIS GAUDÍ: OBREN LES INSCRIPCIONS

29 juny 2020 – L’Acadèmia del Cinema Català ha acordat flexibilitzar temporalment els criteris per concórrer als Premis Gaudí, atès el tancament obligat de sales comercials per la crisi sanitària i la cancel·lació d’algunes de les estrenes cinematogràfiques previstes el primer semestre de l’any. Avui dilluns, 29 de juny, comença el període d’inscripcions als seus guardons, que romandrà obert fins al 6 d’octubre a les 14 hores. Les Bases d’aquesta tretzena edició recullen que podran participar-hi aquelles produccions catalanes (llargmetratges de ficció, documentals i d’animació) estrenades a sales durant el 2020 (amb una permanència en pantalla de, com a mínim, 7 dies no consecutius), i de forma excepcional per a aquesta edició, les produccions audiovisuals estrenades entre el 14 de març i el 31 d’agost a canals de televisió i catàlegs de programes operants a Catalunya, tal i com preveu el Decret 17/2020 del Ministeri de Cultura del passat 5 de maig.

Als efectes dels Premis Gaudí, es considera ‘pel·lícula catalana’ la que està participada en un mínim del 20% per una productora domiciliada a Catalunya i acredita la participació de talent català almenys amb sis punts, segons els criteris recollits a les Bases.

Degut a la situació actual d’incertesa en relació a l’evolució de la pandèmia, la data de la gala es manté oberta a partir del 23 de gener de 2021, i el calendari de la cursa es farà públic més endavant.

Curtmetratges i pel·lícules europees

Pel que fa als curtmetratges, podran participar-hi tots els curts qualificats entre l’1 d’abril de 2019 i el 30 de setembre de 2020, i que no s’hagin presentat a l’anterior edició dels Premis Gaudí. Tots els curtmetratges inscrits seran valorats per una comissió de selecció externa designada per la Junta directiva de l’Acadèmia, que seleccionarà la desena de curts (màxim 15) que passaran a ser candidats als Premis en la categoria de Millor curtmetratge.

De la mateixa manera, una comissió de selecció s’encarregarà d’escollir les sis pel·lícules europees candidates a Millor pel·lícula europea i que passaran a la primera ronda de votacions, entre aquelles estrenades a Catalunya entre el 26 d’octubre de 2019 i el 23 d’octubre de 2020.

Les Bases que regeixen la XIII edició dels Premis Gaudí van ser aprovades per la Junta directiva de l’Acadèmia el 25 de juny de 2020 i s’han registrat a la Notaria Andújar & Roselló & Martínez de Salinas de Barcelona, amb data 29 de juny de 2020. Es poden consultar aquí. (fmr/acc)

ESTRENOS DEL POTENTE CINE ISLANDÉS

27 junio 2020 – Llegan a los cines dos estrenos simultáneos procedentes de la cinematografía de Islandia, un país cuyas películas gozan de una notable aceptación por parte de cinéfilos y crítica.

“Oro Blanco” es una comedia dramática dirigida por Grímur Hákonarson, sobre una granjera que tiene que reiniciar su vida tras el fallecimiento de su esposo en un accidente de tráfico y que decide rebelarse contra el monopolio agrario local, tratando de sumar apoyos para acabar con la corrupción y la injusticia.

Por su parte, Hlynur Palmason (Winter Brothers) lleva a las salas su drama “Un blanco, blanco día”, premiado en el D’A Film Festival con el premio Talents, en el cual demuestra con tensión y candor cómo el amor puede ser más frío y doloroso que la muerte. Igualmente mediado por un trágico accidente automovilístico, aquí un jefe de policía retirado comienza a sospechar que su esposa fallecida pudo haber tenido una aventura secreta con un hombre local. Su obsesión por descubrir la verdad termina poniéndole en peligro a sí mismo y a sus seres queridos.

WOODY ALLEN ABRIRÁ SAN SEBASTIÁN

26 junio 2020 – El nuevo film de Woody Allen, rodado en Donostia, acogerá la sesión inaugural de San Sebastián para su premiere internacional.

“Rifkin’s Festival” narra la historia de un matrimonio estadounidense que acude al Festival de San Sebastián y queda prendado del evento, de la belleza y encanto de la ciudad y de la fantasía del mundo del cine. Ella tiene un affaire con un director de cine francés y él se enamora de una española residente en la ciudad.

Elena Anaya, Louis Garrel, Gina Gershon y Sergi López, son algunos de los actores que tienen presencia en el elenco de la película, que supone la cuarta colaboración del grupo MEDIAPRO con el cineasta, luego de “Midnight in Paris”, “Conocerás al hombre de tus sueños” y “Vicky Cristina Barcelona”.

Por otro lado, el actor estadounidense Viggo Mortensen debuta en la dirección con “Falling”, filme que también protagoniza este drama junto a Lance Henriksen, interpretando ambos a un padre y a un hijo cuyos diferentes mundos colisionan. Allí el Festival le entregará el Premio Donostia.

CINEEUROPE 2020 SE CELEBRÓ ONLINE

19 junio 2020 – La convención anual de la UNIC y su feria comercial anexa se celebró este año de manera online, los días 17 y 18 de este mes de junio, desarrollando seminarios y una mesa redonda sobre la gestión de la actual crisis que afecta al sector, así como las salidas hacia el futuro que los operadores de cine tendrán que afrontar de manera inmediata.

Las fechas han sido de esta forma muy oportunas, dado que en la mayoría de países las salas de cine están ya planteando su reapertura en las mejores condiciones posibles para el espectador.

Tampoco se olvidaron los organizadores de CineEurope 2020 de la feria comercial que acompaña al evento, que en esta ocasión ha sido virtual en vez de presencial, y donde los propietarios de salas de cine, a quienes está destinado este acontecimiento en exclusiva, pueden consultar los servicios y adquirir los refuerzos o las nuevas tecnologías que necesiten para sus espacios de exhibición. 

Por su parte, las distribuidoras de Hollywood y europeas también se sumaron por Internet al certamen virtual con mensajes especiales de ánimo para seguir adelante y continuar con sus actividades habituales.

CARLA SIMÓN APLAZA RODAJE HASTA 2021

12 junio 2020 – “Alcarràs”, la nueva película de la directora catalana Carla Simón (Estiu 1993), será rodada a lo largo del próximo año 2021. La filmación estaba prevista para este año, pero la evolución general de los acontecimientos de la vida diaria no se lo ha permitido, además de que el film cuenta con un elenco de actores no profesionales, lo cual implica tener que iniciar ensayos desde tres meses antes del inicio del rodaje. El pasado marzo ya se habían iniciado, pero el bloqueo posterior impidió su continuación efectiva.

La cinta recoge la última cosecha de melocotones que realiza una familia de agricultores en una zona muy concreta de Catalunya, Alcarràs, como el propio título de la cinta indica, y la recogida de esta fruta solo tiene lugar entre junio y agosto. Por tanto, no sería posible iniciar la preproducción y rodar la película en el momento óptimo de la cosecha.

Para Carla Simón, “rodar este año sería ir en contra de la realidad que estamos viviendo. Queremos hacer la película que escribimos, la que imaginamos todos juntos, sin renuncias, preservando su espíritu, su esencia. Por eso, después de darle muchas vueltas, hemos decidido posponer el rodaje al año que viene. Cuando una historia te toca de cerca, como es el caso, la energía y el deseo de contarla perduran. Estamos convencidos de que rodando el año que viene, “Alcarràs” será una mejor película, o al menos, será la película que queremos hacer”.

Y según la productora María Zamora, “retrasar un año entero el rodaje ha sido una decisión muy difícil de tomar. Sin embargo estamos convencidos de que hacemos lo correcto, pues rodarla en este verano 2020 habría supuesto renunciar hacer a la película que venimos construyendo con tanto mimo desde hace casi tres años.” (fmr/avl)

BILLY WILDER Y LOS FRACASOS EN EL CINE

Billy WilderPor lo general, cuando una película no funciona, uno dice que se adelantó a su tiempo, o que se estrenó demasiado cerca de la Navidad, o que era justo después de la Navidad y la gente se había gastado el dinero en regalos, o que fue un fracaso porque hacía muy buen tiempo y la gente se fue a la playa, o porque llovía y la gente se quedó en casa.
*Billy Wilder, director y guionista austriaco.

POR QUÉ FILMA GARCÍA AGRAZ

José Luis García AgrazFilmo porque el cine, antes que nada, nos seduce al revelarnos lo más secreto de nosotros mismos; porque es el espacio donde podemos palpar nuestras inquietudes con mayor autenticidad, porque es el tiempo en el que esperamos que un milagro se produzca.
José Luis García Agraz, cineasta mexicano.