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SomCinema: Entrevista a Agustín Rubio por su película “La Desvida”

noviembre 13, 2021 ENTREVISTAS, UNIVERSO DEL CINE
SomCinema Película La Desvida Entrevista a Agustín Rubio

SomCinema 2021
Esta película fue toda una sorpresa encontrada entre la programación de la edición de este año del SomCinema de Lleida. “La Desvida” es una historia sorprendente sobre lo extraño y chocante que son para la mayoría de la gente aquellos cambios que súbitamente ocurren a veces en el seno de cualquier pareja, en un entorno familiar.
Trabajada con una precisión tal que hasta el mínimo detalle cuenta, Agustín Rubio Alcover y su equipo confeccionaron una historia desgarradora y humana al mismo tiempo, midiendo las tensiones y dificultades que surgen cuando unos padres pierden a su único hijo y no acaban de adaptarse a esa nueva situación que tanto les atormenta.
La película pone en cuestión las evoluciones, sobre todo si los protagonistas son gente que sabe equilibrar todos los inputs que reciben del exterior con su realidad más inmediata.

Tábata Cerezo, Julio Perillán y el niño Telmo Yago son los tres actores que de manera física intervienen en este filme también centrado en torno a la maternidad y todo lo aquello que la envuelve, como puede ser la protección de los hijos, aunque también posee otras aristas de indudable valor narrativo; de hecho su director detesta la presencia de cualquier atisbo de discursividad, aun cuando hay en él algún tema que en el periodo de tiempo en el cual la película fue concebida y rodada no tenía el protagonismo social e informativo que posteriormente ha alcanzado, lo cual es interesante si tenemos en cuenta que está tratado desde el respeto a todos los puntos de vista que se puedan tener y sin haber querido proyectar una especie de sermón sobre ese asunto ni a favor ni en contra.

Rubio explicaba con motivo de su visita a Lleida que la mayor obsesión que tuvo a la hora de escribir el guion radicaba en el factor de lo difíciles que son las relaciones de pareja y concretamente “el daño que nos podemos hacer las personas entre nosotros cuando nos queremos, y eso es algo que trasciende a la maternidad, la paternidad y los vínculos sentimentales entre las dos personas”.

“Yo lo que creo es que cuando te enamoras y vives con alguien, intentas hacerlo bien -sigue diciendo-, lo que pasa es que eso lo haces desde tus traumas, tus problemas, tus complejos, tus dudas y tus miserias; lo cual genera que como la otra persona lo hace desde las suyas, las cosas con frecuencia acaban mal”.

– También a veces ocurre -y así lo veo yo en tu película-, que nos atrae lo antagónico aunque después se reproduzca esa relación de amor y odio. Y en concreto tus dos personajes adultos no “son” sino que “quieren ser” algo y nunca llegan a serlo porque él y ella tienen un comportamiento demasiado diferente entre ambos.

Sí, yo nunca lo había pensado de esa manera, pero el hecho de que ellos son antagónicos es totalmente cierto. Es una relación disfuncional que tiene que ver con una etiqueta que incluso se utiliza con demasiada alegría y que es la incompatibilidad de caracteres, en el sentido de que él es un maniaco-depresivo y ella es histérica; poniendo etiquetas que seguramente tienen un componente penalizador, porque en cuanto a los personajes no es precisamente favorable.

Desde el punto de vista psicológico esas categorías existen. Lo cierto es que cuando entran en relación esos dos tipos de caracteres se produce una dinámica bastante compleja, y eso cualquiera que haya estudiado psicología o se haya interesado por ella en sus propias relaciones y sepa cómo es uno y se esfuerce por analizar cómo es la otra persona, sabe que se crea una dinámica muy viciosa cuando entran en contacto una personalidad que es más obsesiva y depresiva con otra que sea más expansiva, y al mismo tiempo que se retraiga, se expanda, precisamente cuando el otro se encierra en sí mismo. Ahí se genera mucha dependencia por ambas partes, mucha necesidad de convencer y llevarte a tu terreno a la otra persona, y al mismo tiempo es una espiral de una cierta negatividad porque es algo irresoluble. Cuando la otra persona va hacia ti, tú te retraes, y cuando la otra persona se retrae, entonces tú vas hacia ella. Y hacia donde se va es hacia el desastre en ese caso.

Sin embargo, ambos también tienen un potencial muy positivo. Él es una persona indudablemente capaz en su profesión, un buen narrador y un gran creador/contador de historias. Tiene su forma de ternura y el niño lo quiere. Y a ella le pasa exactamente lo mismo. Al niño lo ama profundamente -de hecho de una manera absolutamente exclusiva-, y ella es una persona extraordinariamente dedicada a él y también es talentosa en su rol como diseñadora. Es decir, hay una capacidad muy fuerte en los dos, pero el problema es que lo que generan juntos no es precisamente positivo.

Lo que ellos quieren creer es que el uno y la otra se potencian a sí mismos y que forman una pareja armónica, pero en realidad lo que hacen es minarse y sacar lo peor el uno de la otra y la otra del uno.

– Y de una manera bastante inteligente, en mi opinión, recreas lo que es la proyección pública que esta pareja quiere dar a través de una encuesta interactiva, durante la cual vemos cómo el protagonista masculino maneja un cubo de Rubik -un detalle que no se me escapó en absoluto-. Ahí estaría por un lado el trasfondo de la intimidad de la pareja y aquello que quieren representar públicamente, de cara al exterior, por otro. ¿No es así?

Eso tiene que ver con las limitaciones de producción, si queremos decirlo así, en el sentido de que yo sabía que la película que me podía permitir era una historia extraordinariamente barata, que tenía un argumento que debía ser contado en diez planos secuencia para poder filmarlos a razón de uno por día de rodaje; es decir, que la película está rodada en diez días.

Además tenía que intentar no salir de una sola localización para mover lo menos posible la cámara, no dentro del lugar de la filmación donde se está moviendo constantemente, sino que no sacarla y perder tiempo en desplazamientos saliendo al mundo real, y jugar la baza de un thriller psicológico absorbente.

SomCinema Película La Desvida Entrevista a Agustín Rubio

Agustín Rubio, director de “La Desvida”

En principio el relato iba ser transformado en una película de encierro, pero de alguna manera sí que me gustaba empezar, como tú dices, con esa escena de la video-encuesta que yo en un principio la había planteado como un prólogo.

Me gustaba empezar con la idea de la proyección pública, en el sentido de que te presento al principio cómo son los personajes, la imagen pública que ellos dan; te enseño también cómo es su dinámica de cara al exterior, que no vas a verla en ningún momento más, porque de hecho es una película de tres personajes; y luego a partir de ahí ves la “trastienda”, con todo lo más sórdido y siniestro de esa pareja, donde vas a ver la casa como metáfora de su relación.

– Así es, y por ese motivo también por lo que se ve has cuidado sobremanera lo que es la iluminación.

Estuvimos planificando cuidadosamente dónde colocar las luces durante cinco días, tras los cuales nosotros no sólo sabíamos que la película era filmable y la planificación funcionaba, sino que éramos conscientes de que ya era posible jugar a esa baza estética del claro-oscuro y hacer que las secuencias se alternaran entre sí de manera que hubiera un predominio de la oscuridad sin ser una película totalmente nocturna, sino que tuviera sus respiros y hubiera momentos en los que salen al jardín o al frontal de la casa.

Es decir, precisábamos una estructura en la cual el espectador pudiera ver unos ciertos clímax y anti-clímax, desde ese punto de vista incluso lumínico al cual te refieres.

– Otro elemento fundamental en la película es la música, para la cual elegiste a Josué Vergara, quien aporta unas composiciones de hondo calado en las cuales predomina el piano. ¿Fueron escritas durante el montaje o ya teníais un esquema predefinido?

Josué es el músico con el que yo siempre he trabajado y a esas alturas ya había una continuidad en el trabajo, nos entendíamos bien los dos y sabíamos lo que cada uno quería del otro. Eso quiere decir que él pudo leer el guion desde el principio y lo mismo puedo decir del ayudante de dirección y del director de fotografía.

Trabajar en condiciones de mucha precariedad o muy espartanas es sostenible y puede funcionar bien precisamente cuando lo haces con colaboradores muy cercanos, y ya que no me puedo permitir rodar grandes producciones, me gusta hacerlo con una cierta familiaridad.

Un crítico musical vino y me dijo que la música del film le recordaba a John Carpenter, y a mí me gustó mucho que pasara eso; que yo no viera el referente que le había marcado a esa música, pero que ese referente sí que fuera visible para los demás, de puertas afuera, luego de que a mí esas composiciones me habían convencido plenamente.

– También la selección de actores fue clave para el desarrollo de este relato. ¿Cómo fue que te decidiste por los definitivos?

Había una restricción de base que era importante: teníamos claro que la película queríamos hacerla en inglés y en España no hay demasiados actores que hablen ese idioma a la perfección y sean totalmente bilingües, diría que se pueden contar casi con los dedos de una mano.

Partimos de esa premisa y del hecho de que yo quería que uno de los dos de la pareja -preferiblemente él- fuera americano cien por cien, y en el caso de ella que que fuera una española que hablase muy bien el acento inglés.

En cuanto a él, la elección de Julio Perillán fue obvia, pues aparte de que no había muchos, es el que me vino a la cabeza inmediatamente, pues me gustaron mucho las actuaciones suyas que había visto en “Frágil”, de Juanma Bajo Ulloa y “Demonios tus Ojos”, de Pedro Aguilera, que son películas que están bastante alejadas de lo que es “La Desvida”, pero yo ya tenía claro que Julio era un actorazo.

Con la actriz tuvimos muchas más dificultades para llegar al casting, ya que el personaje en principio era mucho mayor de la edad real de Tábata Cerezo. Yo buscaba alguien con un rango de entre 35 y 40 años, es decir, una relación en la cual no había diferencia de edad. Ahí tuvimos bastantes dificultades, en el sentido de que recibimos noes, silencios administrativos,… y entonces una representante nos ofreció a Tábata.

Cuando vi su foto, ella tenía 26 años y pensé que era demasiado joven y que no daba el papel, pero tuve casi una epifanía porque la cuestión es que por conciencia profesional me puse a ver el video-book (reel) y me puse sus imágenes en movimiento. Ahí vi dos secuencias, una de las cuales era de “Amar es para siempre”, que no tenían nada que ver con el personaje, pero observé cómo daba en cámara y cómo miraba y ahí cambié radicalmente mi postura.

Y con el niño pasó tres cuartos de lo mismo en cuanto a dificultades. En Valencia niños que hablen inglés y que sepan interpretar, hay poquísimos. Entonces nos dieron la referencia de Telmo Yago, un niño que hasta ese momento lo que había hecho era sólo de modelo; nunca había interpretado para la cámara.

En ese sentido fue muy complejo porque él, que es absolutamente encantador y sonriente, estaba familiarizado con las cámaras pero aquí tenía que pasar a interpretar planos de 10-12 minutos, en los cuales tenía que hacer un montón de acciones desde el punto de vista físico (tocar la flauta, hacer gimnasia con su padre, pintar con su madre o, por ejemplo, tener un diálogo nada menos que sobre Dios), lo que suponía algo novedoso en su relación con la cámara, pero milagrosamente nos lo montamos de manera que salió y la verdad es que yo estoy muy satisfecho de cómo fueron las cosas. Telmo tiene una disciplina y una madurez absolutamente de hierro.

– Por último quisiera que comentaras un poco cómo ha sido el paso de la película por infinidad de festivales, la mayoría de ellos online pero ahora en Lleida presencial, en una época en la que ha habido una crisis importante con el cierre de salas. ¿Cómo has vivido todo este lío paralelo al recorrido del filme?

He intentado vivir las cosas según iba transcurriendo el día a día. Es decir que por una parte yo soy obsesivo, indudablemente, pero al mismo tiempo igual que lo de rodar en plano secuencia para mí tiene una dimensión terapéutica en el sentido de que me tengo que olvidar del perfeccionismo, pues también hay una coherencia con la manera en que me planteo cada momento de la vida.

Quiero decir que yo puedo tender a ser maniático, esquemático y rutinario, pero al mismo tiempo, como sé que la vida es impredecible y constantemente te está sorprendiendo, pues intento adaptarme. Y con los festivales me ha pasado lo mismo, es decir, no era lo que yo esperaba, pero es que no ha habido otra que hacerlo así. Nos hemos adaptado a lo que ha ido pasando.Síguenos en Twitter color

 

©José Luis García/Cinestel.com

SomCinema Película La Desvida Entrevista a Agustín Rubio

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL.COM/ FUNDADA EN JULIO 2005

FILMOTECA DE CATALUNYA – MAIG 2024

Agustí Villaronga

La recent digitalització de Tras el cristal (1985), títol de debut d’Agustí Villaronga que ell considerava l’únic de la seva filmografia que havia pogut desenvolupar d’una manera absolutament lliure i personal, és el pòrtic d’una retrospectiva íntegra del cineasta mallorquí, que estarà acompanyada per alguns dels seus col·laboradors més propers com Marisa Paredes, Jaume Peracaula, Isona Passola o Josep Maria Civit. La mort de Villaronga el gener de 2023 va colpir tot el sector cinematogràfic del país, i un any després la Filmoteca li dedica aquest reconeixement, que repassa una obra personal i amb una visió de la vida que conjugava les passions i la mort, encara que sovint es tractés d’encàrrecs o adaptacions de textos aliens. El cicle també inclou alguns dels seus curts, alguns treballs per a la televisió i la presentació dels fons documentals dipositats per familiars i col·laboradors.
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Els millors films de l’any 2023

Ja fa vint anys que la Filmoteca aplega les pel·lícules del darrer any més ben valorades pel seu cercle de crítics i programadors de cinema, en un dels cicles més esperats i valorats pels espectadors. En les darreres edicions els títols es divideixen en dues seccions: els que s’han estrenat a les pantalles comercials i els que únicament s’han pogut veure en plataformes o festivals. En la collita d’enguany hi ha noms consagrats com els de Nanni Moretti, Víctor Erice o Steven Spielberg, al costat de les aportacions fresques i innovadores de cineastes que ja comencen a sonar amb força com ara Justine Triet o Cyril Schäublin.
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Raymond Depardon i Claudine Nougaret al DocsBarcelona

La 27a edició del DocsBarcelona, Festival Internacional de Cinema Documental de Barcelona, ret homenatge al fotògraf i cineasta Raymond Depardon i la productora, cineasta i enginyera de so Claudine Nougaret, responsables de films documentals tan rellevants com els tres que es podran veure a la Filmoteca: 10e Chambre, instants d’audience (2004), La Vie moderne (2008) i Journal de France (2012). La mirada d’aquest tàndem creatiu traspua sinceritat i un desig inefable de capturar la puresa de rostres i paisatges a través d’un treball sobre el temps cinematogràfic que batega adaptant-se sempre a personatges i situacions. Per celebrar el Premi Docs d’Honor 2024 també hi haurà una trobada amb els dos cineastes sobre el seu procés creatiu conjunt. (més informació)

Mostra Internacional de Films de Dones de Barcelona

Aquesta nova edició proposa habitar espais i territoris, microcosmos únics i interconnectats. Films que il·luminen i reconstrueixen les zones cegues: espais pixelats i inaccessibles com fronteres i presons, pàgines arrencades dels llibres d’història, desitjos inenarrables que escapen a tot relat. Poden les imatges traçar noves cartografies? El programa «Persistències fílmiques» propicia diàlegs entre pel·lícules de recuperació i peces contemporànies, i desafia el relat de la historiografia tradicional del Nord global construint noves històries bastardes. En la mateixa línia se situa la retrospectiva sobre la cineasta cubana Sara Gómez, programada per la Filmoteca.
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Sara Gómez

La Cuba dels primers anys del règim castrista va ser un dels centres de producció i experimentació cinematogràfica més interessants, punta de llança de l’anomenat Nuevo Cine Latinoamericano. És en aquest context que la cineasta afrocubana Sara Gómez (1943-1974), a través de la seva mirada de dona, negra i revolucionària, es compromet amb els moviments d’alliberament i justícia social mitjançant un cinema popular que adopta una postura antropològica i didàctica a l’hora d’investigar la realitat del seu país. Després de realitzar una vintena de curts sobre temes com la marginalitat, el masclisme, els prejudicis tradicionals, la identitat nacional o la cultura afrocubana, el 1974 la seva mort prematura amb 31 anys va posar fi a una carrera fulgurant culminada amb la que es considera la seva obra mestra, el llargmetratge De cierta manera. (més informació)

Primavera Santos

Carles Santos (Vinaròs, 1940-2017), virtuós del piano i abanderat de l’avantguardisme més lliure, és la figura que reivindica aquesta programació promoguda per la Fundació Joan Brossa, a la qual s’hi ha afegit la Filmoteca amb un viatge pel cinema vist per l’artista durant tres dimarts consecutius. Al llarg de la seva carrera Santos fa diferents incursions en el cinema. Com a realitzador, com a guionista, al costat de Pere Portabella, i com a compositor de bandes sonores per a films, entre d’altres, de Jordi Cadena i Mariaelena Roqué. Són pel·lícules indòmites, fruit d’un compromís compartit amb l’experimentació. (més informació)

Naomi Kawase

Després de la inauguració el 30 d’abril amb Aguas tranquilas i amb la presència de la cineasta, la retrospectiva d’una de les cineastes més admirades de l’actualitat continua el mes de maig amb una bona mostra de la seva obra documental autoreferencial més desconeguda, abans del seu debut en la ficció amb Suzaku (1997). Entre d’altres també es podrà veure el seu film més popular, Una pastelería en Tokio (2015), que la directora considera «un cant a la vida perquè només el fet d’existir ja és quelcom meravellós.» (més informació)

Marga Almirall a ‘Dies curts’

Cineasta i muntadora especialitzada en pedagogia de la imatge amb perspectiva feminista, des de 2016 forma part de Drac Màgic. Ha realitzat diversos curtmetratges a partir de material d’arxiu familiar i personal, d’internet i de procedència diversa, per divertir-se i aprendre en l’exploració del muntatge d’apropiació. La sessió inclourà els seus curts, que tracten temes com els diaris personals, les correspondències, la salut mental, el cos, l’amor i l’amistat, la relació entre qui filma i qui és filmat, el paper de les imatges en la configuració d’identitats i de la memòria, a més de diverses col·laboracions, com les de l’actriu i poeta Eva Ortega i la directora i dramaturga Mireia Grau, en una performance de veu i moviment. (més informació)

I també…

Continua la programació vinculada al Centenari del cinema amateur a Catalunya, amb dos films de la retrospectiva dedicada al found footage: The Family Album (Alan Berliner, 1988) i Barcelona, abans que el temps ho esborri (2010), presentada per la seva directora Mireia Ros. Enrique Fibla Gutiérrez, co-comissari de l’exposició Fora de casa. Cinema amateur a Catalunya 1924-1940…, pronunciarà la conferència Filmathèque Pathé-Baby: una història paral·lela del cinema, i hi haurà dues activitats més relacionades amb l’exposició: una visita comentada a càrrec de Carolina Astudillo i el taller d’animació Entusiastes, a partir d’imatges del cinema amateur. (enllaç)

Darreres projeccions de les retrospectives dedicades al cineasta georgià recentment desaparegut Otar Iosseliani i a l’obra barroca i personalíssima del director suís Daniel Schmid, gràcies a la col·laboració de la Cinémathèque Suïsse. (enllaç)

El festival Vent del Nord neix amb la voluntat d’acostar realitats i traspassar murs, acostant l’àmbit penitenciari i la seva població a la comunitat. Amb aquest objectiu, tots els interns i internes dels tallers artístics dels diversos centres penitenciaris de Catalunya han estat convidats a participar en la secció competitiva del festival. Amb la col·laboració del departament de Justícia, Drets i Memòria i la fundació apip-acam. (enllaç)

Una sessió molt especial de cinema-concert. La Filmoteca celebra el centenari de la soprano Victoria de los Ángeles amb la projecció de Der Rosenkavalier (El cavaller de la rosa, Robert Wiene, 1925), acompanyada en directe per l’Orquestra Simfònica Victoria de los Ángeles, dirigida per Pedro Pardo, que interpretarà la banda sonora que el mateix autor de la popular òpera, Richard Strauss, va compondre per a aquest film. (enllaç)

El cicle que transversal dedicat a Victor Sjöström, amb materials provinents de l’Svenska Filminstitutet, ofereix aquest mes Els fills d’Ingmar (1919) i la seva seqüela Karin, la filla d’Ingmar (1920). (enllaç)

El cicle de primavera de FilmoXica, Viure a la ciutat, inclou, entre d’altres, El zoo d’en Pitus, que presentarà la seva directora Mireia Ros, i El hombre mosca, amb Harold Lloyd. (enllaç)

CIRCUIT ESTABLE DE CINEMA CATALÀ

Cicle Gaudí 2016 - Circuit estable de cinema català
Cicle Gaudí 2016 - Circuit estable de cinema català

SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

Sylvette Baudrot 260

FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

ALL ROADS LEAD TO BARCELONA

One of the best ways to follow what’s going on at the movie theaters area and what the next innovations are representing for the movies distribution industry, is taking a look at CineEurope coverage released on our site Cinestel.com

Una de les millors maneres de seguir tot el que està passant al voltant del àrea profesional de les sales de cinema i també d’allò que les següents innovacions representen per a la indústria de distribució de pel·lícules, és fent una ullada a la cobertura de CineEurope feta pel nostre lloc web Cinestel.com

This is a links’ summary (most of the reports and interviews are written in Spanish):

Aquest és un sumari en anglès dels enllaços a notícies i entrevistes:

LOS INVENTORES DEL CINEMATÓGRAFO

Cinematógrafo LumièreEl cine es una invención sin ningún futuro. (…)
Nuestro invento no es para venderlo. Puede ser explotado algún tiempo como curiosidad científica, pero no tiene ningún interés comercial. *Antoine Lumière

UN DOCSBARCELONA AMB “MEXICAN DREAM”

12 maig 2024 – “Mexican Dream”, de la directora mexicana Laura Plancarte, va ser reconegut en el DocsBarcelona amb el Docs a la millor pel·lícula del certamen. Hibridant ficció i documental, la cineasta mexicana revisa l’estereotip d’abnegada dona llatinoamericana, tradicional patidora de la violència masclista a través de la vida de Malena, una dona que, com tantes a Mèxic, deixa el seu lloc d’origen després de sortir d’una relació violenta per a treballar en cases alienes i construir, a comptagotes, un patrimoni que oferir als seus fills i en el qual resguardar-se. El resultat és una oda als nous principis, les xarxes de suport i l’amor propi que corona el palmarès de DocsBarcelona 2024.

“Our Land, Our Freedom”, de Meena Nanji i Zippy Kimundu, va rebre del jurat una Menció especial Docs&Pearls i també el Premi Amnistia Internacional Catalunya, dedicat als documentals de la Secció Oficial que per la seva temàtica s’impliquen en la defensa dels drets humans. Amb aquest retrat de Wanjugu Kimathi, filla de Dedan Kimathi, llegendari líder de les revoltes Mau Mau executat pels anglesos l’any 1957, les directores alimenten el debat sobre el passat colonial britànic, la propietat de terres mai retornades als seus propietaris després de la independència de Kènia i el genocidi del poble Mau Mau.

El jurat de la nova secció Docs&Cat va premiar amb el Docs a la millor pel·lícula catalana, patrocinat per La Xarxa Audiovisual Local (XAL), el documental “Casa Reynal”, de Laia Manresa (Morir de día), sobre la transmissió familiar i el llegat de la seva memòria. “Un estel fugaç”, d’Arturo Méndiz i Ignasi Guerrero, que posa el focus en el dol perinatal des del punt de vista del pare, ha rebut del jurat una Menció especial Docs&Cat, i també el Premi del públic.

El Docs Nou Talent – Filmin, destinat als directors debutants de la Secció Oficial Panorama, va ser rebut per “Daughter of Genghis”, dels cineastes i fotoperiodistes danesos Kristoffer Juel Poulsen i Christian Als. La protagonista del documental Gerel Byamba, lidera una violenta banda feminista que lluita contra el colonialisme xinès i l’explotació estrangera a Ulan Bator.

El Docs del Jurat Antaviana, patrocinat per Antaviana Films, va premiar la producció catalana “Hágase tu voluntad”, on el cineasta Adrián Silvestre (Sedimentos, Mi vacío y yo) es converteix en protagonista, explicant el seu retrobament, després de més de vint anys sense parlar-hi, amb el pare, un home que reivindica el dret a morir dignament.

Jurats joves

DocsBarcelona dedica la seva secció Doc-U als treballs de centres d’estudis superiors d’arreu de l’estat espanyol. El seu jurat oficial va atorgar el Doc-U 16nou al curtmetratge “Still, Life”, de Priya Woods. El premi Doc Around Europe, al qual opten els curtmetratges documentals internacionals que participen en aquesta secció universitària, va anar a parar a Nos Îles, d’Aliha Thalien.

“Pelikan Blue”, de László Csáki, s’endugué el Premi del Jurat Jove DocsBarcelona – Reteena, atorgat per joves d’entre 16 i 21 anys, i la producció “Artificial Immortality”, d’Ann Shin, el Premi Docs & Teens, atorgat pels alumnes d’ESO i Batxillerat del DocsBarcelona.

Finalment, el Premi Docs del Mes, decidit pel públic assistent a les projeccions de la xarxa formada per més de 70 sales d’arreu d’Espanya del Docs del Mes de l’any 2023, ha estat per “Zimbàbue. La lluita per la democràcia”, de Camilla Nielsson.

Així mateix, la 27a edició del DocsBarcelona també ve retre homenatge al prestigiós tàndem format pels cineastes francesos Raymond Depardon i Claudine Nougaret, que van recollir el Premi Docs d’Honor d’enguany a la cerimònia d’inauguració del certamen.

LA SRF, EN DEFENSA DEL CINE ARGENTINO



4 abril 2024 – (Comunicado de Prensa) El jueves 14 de marzo, miles de cineastas argentinos, profesionales del cine y cinéfilos se concentraron frente la legendaria sala Gaumont de Buenos Aires para expresar su angustia ante la voluntad deliberada del nuevo gobierno populista y ultraliberal de Javier Milei de destruir una de las industrias cinematográficas más vibrantes, célebres y apasionantes del mundo. Esta histórica y pacífica movilización fue violentamente reprimida por la policía, en la continuación de una política liberticida que parece sumir de nuevo a Argentina en sus horas más oscuras. Una vez más, el autoritarismo y la violencia de las medidas ultraliberales se ven acompañados por el autoritarismo y la violencia de la represión policial, resultando en una grave amenaza a la libertad de expresión, manifestación y creación.

En una ceguera puramente ideológica, el gobierno de Milei pretende destruir un modelo económico virtuoso borrando de un plumazo el Instituto de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), sustento del cine argentino, que no le cuesta un centavo al contribuyente porque, siguiendo el modelo del CNC francés, se financia con los impuestos a las entradas de cine y los ingresos de radio y televisión.

En términos muy concretos, los enormes recortes presupuestarios y el plan de despidos que está sufriendo el INCAA están poniendo en peligro una industria que mantiene a más de 600.000 familias. Se ha puesto en peligro o simplemente se ha hecho imposible el estreno de 200 películas al año, y la influencia de Argentina en el mundo se ha visto gravemente mermada. Cada año, películas argentinas son seleccionadas y premiadas en los mayores festivales internacionales (Cannes, Venecia, Berlín, etc.) y se exportan a todos los rincones del mundo.

Los recortes presupuestarios del INCAA también podrían llevar a la desaparición de dos eventos clave para el cine argentino: Ventana Sur, el mayor mercado de contenidos de América Latina, organizado conjuntamente con el Mercado de Cine de Cannes, y el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, el mayor festival de cine de Argentina, que atrae a más de 130.000 espectadores cada año. Si no se levantan las nuevas restricciones, estos eventos, que atraen la atención internacional, ya no podrán celebrarse.

Igualmente preocupante es la eliminación de la financiación de la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC), la principal escuela de cine de Argentina, que ha formado a cineastas de renombre mundial como Lucrecia Martel y Fabián Belinsky. La escuela, que forma a los profesionales del mañana en todo el país, se ve en la imposibilidad de seguir funcionando, dejando a su suerte a la nueva generación del cine argentino.

Como ocurre siempre que los derechos de los ciudadanos se ven amenazados, la cultura es vista por los gobernantes como un peligro que hay que destruir urgentemente. Porque un pueblo sin arte y sin cultura es un pueblo más fácilmente esclavizado y deshumanizado. Nosotros, cineastas, actores y profesionales del cine, queremos decir a todos aquellos que mantienen vivo el cine argentino y que se oponen a las medidas liberticidas del gobierno de Milei, que estamos firmemente a su lado y reafirmamos nuestro compromiso con una Argentina inspiradora, libre y creativa.

Firmantes:

Jean Achache, Steve Achiepo, Fleur Albert, Swann Arlaud, Anne Alix, Jacques Audiard, Mathilde Applincourt, Barbara Balestas Kazazian, Jeanne Balibar, Antoine Barraud, Nicolas Bary, Bérénice Béjo, Lucas Belvaux, Saïd Ben Saïd, Julie Bertuccelli, Thomas Bidegain, Bertrand Bonello, Chloé Borgella, Guillaume Brac, Mikael Buch, Claire Burger, Dominique Cabrera, Thomas Cailley, Laure Calamy, Robin Campillo, Laurent Cantet, Christian Carion, Malik Chibane, Hélier Cisterne, Jérémy Clapin, Clément Cogitore, Romain Cogitore, Christophe Cognet, Catherine Corsini, Didier D’Abreu, Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne, Camille de Casabianca, Lucas Delangle, Anaïs Demoustier, Claire Denis, Caroline Deruas, Sylvain Desclous, Arnaud Desplechin, Pascal Deux, Lukas Dhont, Jérôme Diamant-Berger, Claire Diao, Alice Diop, Mati Diop, Audrey Diwan, Evelyne Dress, Julia Ducournau, Jean-Baptiste Durand, Chloé Duval, Nadia El Fani, Jérôme Enrico, Frédéric Farrucci, Philippe Faucon, Pascale Ferran, Pierre Filmon, Emmanuel Finkiel, Aline Fischer, Marina Fois, Marine Francen, David Frenkel, Denis Freyd, Jean-Raymond Garcia, Louis Garrel, Dyana Gaye, Myriam Gharbi, Lisa Giacchero, Pauline Ginot, Delphine Gleize, Yann Gonzalez, Emmanuel Gras, Anouk Grinberg, Arlène Groffe, Robert Guédigian, Alain Guiraudie, Rachid Hami, Ted Hardy-Carnac, Arthur Harari, Mahamat-Saleh Haroun, Michel Hazanavicius, Christophe Honoré, Armel Hostiou, Cédric Ido, Isabelle Ingold, Irène Jacob, Agnès Jaoui, Gaelle Jones, Elisabeth Jonniaux, Sébastien Jousse, Baya Kasmi, Vergine Keaton, Cédric Klapisch, Nicolas Klotz, Gérard Krawczyk, Ariane Labed, Thomas Lacoste, Vincent Lacoste, Jean-Marie Larrieu, Sébastien Laudenbach, Pierre Le Gall, Erwan Le Duc, Julian Lessi, Marie-Ange Luciani, Vincent Macaigne, Dominique Marchais, Léna Mardi, Philippe Martin, Valérie Massadian, Chiara Mastroianni, Patricia Mazuy, Radu Mihaileanu, Hélène Milano, Félix Moati, Dominik Moll, Viggo Mortensen, Emmanuel Mouret, Elvire Muñoz, Olivier Nakache, Nathan Nicolovitch, David Oelhoffen, Emmanuel Olivier, Valerie Osouf, Mariana Otero, François Ozon, Agnès Patron, Cyril Pedrosa, Vivianne Perelmuter, Nicolas Philibert, Just Philippot, Bruno Podalydès, Mathieu Ponchel, Vimala Pons, Katell Quillévéré, Antoine Reinartz, João Pedro Rodrigues, Jane Roger, Axelle Ropert, Brigitte Roüan, João Rui Guerra da Mata, Latifa Saïd, Thomas Salvador, Pierre Salvadori, Clément Schneider, Pierre Schoeller, Kathy Sebbah, Claire Simon, Patrick Sobelman, Charles Tesson, David Thion, Bénédicte Thomas, Éric Toledano, Gilles Trinques, Marion Truchaud, Pamela Varela, Aurélien Vernhes-Lermusiaux, Caroline Vignal, Axelle Vinassac, Elie Wajeman, Denis Walgenwitz, Eléonore Weber, Alice Winocour, Zoe Wittock, Maud Wyler, Yolande Zauberman, Rebecca Zlotowski.

OSCARS 2024: GANÓ EL FILM “OPPENHEIMER”

11 marzo 2024 – El film “Oppenheimer”, de Christopher Nolan conquistó el Oscar a la Mejor Película, además de los premios a Mejor Director, Actor (Cillian Murphy), Actor de Reparto (Robert Downey Jr.), Banda Sonora, Fotografía y Montaje.
“Barbie”, la otra película protagonista del denominado fenómeno comercial “Barbenheimer”, solamente recibió el Oscar a la Mejor Canción Original por «What I was made for?». Igualmente se destacó el notable trabajo de la actriz Emma Stone en el filme “Pobres Criaturas”, de Yorgos Lanthimos, obra fílmica que recibió otros tres galardones (Diseño de Vestuario, de Producción y Maquillaje y Peluquería). “La zona de interés”, de Jonathan Glazer, se alzó con el Oscar a Mejor Película Internacional.

Leer nuestra reseña sobre “Oppenheimer” y “Barbie”, aquí.

“SEGUNDO PREMIO” OBTUVO PRIMER PREMIO

11 marzo 2024 – La más reciente película del cineasta catalán Isaki Lacuesta recibió en Málaga los premios a Mejor Película, Dirección y Montaje. El realizador de Girona cantó algunas estrofas de un tema musical, guitarra en mano, tras recibir el galardón. Una parte importante del rodaje fue dirigido de forma virtual debido a una grave enfermedad de la hija de Isaki, por lo que la mayor parte del trabajo presencial fue llevado a cabo por Pol Rodríguez.

“Segundo Premio” es un drama musical que está inspirado en los integrantes de la formación musical granadina Los Planetas, icónica de los años ’90. El argumento del film nada tiene que ver con la realidad cotidiana de la banda, es decir, no se trata de una biopic, sino que toda la acción es fruto de un guion de pura ficción escrito por Lacuesta junto a Fernando Navarro: Un grupo de música indie vive un momento delicado: la bajista rompe con la banda buscando su sitio fuera de la música y el guitarrista está inmerso en una peligrosa espiral de autodestrucción. Mientras, el cantante se enfrenta a un complicado proceso de escritura y grabación de su tercer disco. Nadie sabe que ese disco cambiará para siempre la escena musical de todo el país.

CRECE LA ASISTENCIA A LAS SALAS DE CINE

1 marzo 2024 – La Federación de Cines de España (FECE) y el Gremi de Cinemes de Catalunya, asociaciones empresariales sin ánimo de lucro que representa a más del 80% de los empresarios de salas de cine, presentó en Barcelona el dossier anual, “Las salas de Cine: Datos 2023”, que ofrece una completa radiografía sobre la situación actual del sector.

Por tercer año consecutivo la asistencia a salas de cine se incrementó respecto al año anterior hasta alcanzar la cifra de los 77.8 millones de espectadores, un 26% mas que en 2022. Sin duda el año ha estado marcado por el fenómeno “Barbenheimer”.

En cuanto al número de salas de cine activas, España cuenta con más cines abiertos en 2023 que antes de la pandemia, pasando de 723 cines en 2019 a 751 en 2023. Además, esta cifra supone un incremento del 2.6% respecto a los cines activos en 2022.

El informe también destaca las campañas del Bono Cultural Joven y el de Cine Senior que permite en este último caso que todos los jubilados se puedan beneficiar de un precio reducido (2€) si acuden los martes a cualesquiera de las salas adheridas. En 2023 participaron 924.724 espectadores, siendo el mejor periodo de la campaña el mes de octubre con 205.609 espectadores y el mejor día de la campaña, el 28 de noviembre con 53.756 espectadores mayores de 65 años.

El sector confía en que ambas campañas se prorroguen en el tiempo para afianzar la asistencia a salas de cine de estos dos grupos de edad y considera importante ampliar este tipo de campañas a otros colectivos, especialmente entre los más jóvenes en edad escolar, también en colaboración con las Comunidades Autónomas.

A nivel europeo, Italia y España lideran el crecimiento de los principales países europeos con crecimientos del 61.6% y 26% respectivamente.
Francia con un 18.9%, Alemania, con un 18.6% y Reino Unido con un 5.4% rebajan sus cifras de crecimiento respecto a 2022 pero mantienen la senda positiva y el camino hacia la recuperación de las cifras prepandemia. (FECE)

GRAN ÉXITO DE ISE BARCELONA 2024

3 febrero 2024 – Integrated Systems Europe 2024 (ISE) ha sido la edición de mayor éxito en sus veinte años de historia. Celebrado en el recinto Gran Via de Fira de Barcelona, el salón atrajo a 73.891 asistentes únicos verificados de 162 países, un récord desde su creación en Ginebra en 2004. Esto representa un aumento del 27% respecto a la edición de 2023.

El miércoles 31 de enero, el salón recibió 51.617 visitantes, la cifra más alta jamás alcanzada en un solo día, superando el récord anterior en casi un 22%.

El número total de inscripciones ascendió a 95.396, con 172.627 visitas en los cuatro días. El número de asistentes del viernes fue de 24.528, un récord para el salón desde que pasó a celebrarse en cuatro días.

Además de una ocupación récord en los hoteles, bares y locales de ocio de la ciudad, los expositores informaron de una afluencia sin precedentes a los stands del mayor salón ISE de la historia. La feria contó con el mayor número de expositores (1.408) y la mayor superficie de exposición (82.000 m2 netos).

Mike Blackman, Director General de Integrated Systems Events, comentó: “En los ilustres 20 años de trayectoria de ISE, hemos sido testigos del poder transformador de la innovación y la colaboración dentro de nuestra comunidad. ISE 2024 no sólo refleja las tecnologías de vanguardia que definen nuestra industria, sino que también sirve como testimonio del perdurable espíritu de creatividad y camaradería. Al celebrar este hito, junto a nuestros copropietarios AVIXA y CEDIA esperamos continuar con nuestro compromiso de ser una plataforma global para los profesionales de la industria.»

Ponentes de renombre en las conferencias y en los escenarios de la feria compartieron sus conocimientos sobre temas como la inteligencia artificial en el sector audiovisual, el diseño sostenible y el futuro de la colaboración a distancia. Los asistentes tuvieron la oportunidad de participar en debates significativos y adquirir conocimientos prácticos para mantenerse a la cabeza de un sector en rápida evolución.