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SomCinema: Entrevista a Agustín Rubio por su película “La Desvida”

noviembre 13, 2021 ENTREVISTAS, UNIVERSO DEL CINE
SomCinema Película La Desvida Entrevista a Agustín Rubio

SomCinema 2021
Esta película fue toda una sorpresa encontrada entre la programación de la edición de este año del SomCinema de Lleida. “La Desvida” es una historia sorprendente sobre lo extraño y chocante que son para la mayoría de la gente aquellos cambios que súbitamente ocurren a veces en el seno de cualquier pareja, en un entorno familiar.
Trabajada con una precisión tal que hasta el mínimo detalle cuenta, Agustín Rubio Alcover y su equipo confeccionaron una historia desgarradora y humana al mismo tiempo, midiendo las tensiones y dificultades que surgen cuando unos padres pierden a su único hijo y no acaban de adaptarse a esa nueva situación que tanto les atormenta.
La película pone en cuestión las evoluciones, sobre todo si los protagonistas son gente que sabe equilibrar todos los inputs que reciben del exterior con su realidad más inmediata.

Tábata Cerezo, Julio Perillán y el niño Telmo Yago son los tres actores que de manera física intervienen en este filme también centrado en torno a la maternidad y todo lo aquello que la envuelve, como puede ser la protección de los hijos, aunque también posee otras aristas de indudable valor narrativo; de hecho su director detesta la presencia de cualquier atisbo de discursividad, aun cuando hay en él algún tema que en el periodo de tiempo en el cual la película fue concebida y rodada no tenía el protagonismo social e informativo que posteriormente ha alcanzado, lo cual es interesante si tenemos en cuenta que está tratado desde el respeto a todos los puntos de vista que se puedan tener y sin haber querido proyectar una especie de sermón sobre ese asunto ni a favor ni en contra.

Rubio explicaba con motivo de su visita a Lleida que la mayor obsesión que tuvo a la hora de escribir el guion radicaba en el factor de lo difíciles que son las relaciones de pareja y concretamente “el daño que nos podemos hacer las personas entre nosotros cuando nos queremos, y eso es algo que trasciende a la maternidad, la paternidad y los vínculos sentimentales entre las dos personas”.

“Yo lo que creo es que cuando te enamoras y vives con alguien, intentas hacerlo bien -sigue diciendo-, lo que pasa es que eso lo haces desde tus traumas, tus problemas, tus complejos, tus dudas y tus miserias; lo cual genera que como la otra persona lo hace desde las suyas, las cosas con frecuencia acaban mal”.

– También a veces ocurre -y así lo veo yo en tu película-, que nos atrae lo antagónico aunque después se reproduzca esa relación de amor y odio. Y en concreto tus dos personajes adultos no “son” sino que “quieren ser” algo y nunca llegan a serlo porque él y ella tienen un comportamiento demasiado diferente entre ambos.

Sí, yo nunca lo había pensado de esa manera, pero el hecho de que ellos son antagónicos es totalmente cierto. Es una relación disfuncional que tiene que ver con una etiqueta que incluso se utiliza con demasiada alegría y que es la incompatibilidad de caracteres, en el sentido de que él es un maniaco-depresivo y ella es histérica; poniendo etiquetas que seguramente tienen un componente penalizador, porque en cuanto a los personajes no es precisamente favorable.

Desde el punto de vista psicológico esas categorías existen. Lo cierto es que cuando entran en relación esos dos tipos de caracteres se produce una dinámica bastante compleja, y eso cualquiera que haya estudiado psicología o se haya interesado por ella en sus propias relaciones y sepa cómo es uno y se esfuerce por analizar cómo es la otra persona, sabe que se crea una dinámica muy viciosa cuando entran en contacto una personalidad que es más obsesiva y depresiva con otra que sea más expansiva, y al mismo tiempo que se retraiga, se expanda, precisamente cuando el otro se encierra en sí mismo. Ahí se genera mucha dependencia por ambas partes, mucha necesidad de convencer y llevarte a tu terreno a la otra persona, y al mismo tiempo es una espiral de una cierta negatividad porque es algo irresoluble. Cuando la otra persona va hacia ti, tú te retraes, y cuando la otra persona se retrae, entonces tú vas hacia ella. Y hacia donde se va es hacia el desastre en ese caso.

Sin embargo, ambos también tienen un potencial muy positivo. Él es una persona indudablemente capaz en su profesión, un buen narrador y un gran creador/contador de historias. Tiene su forma de ternura y el niño lo quiere. Y a ella le pasa exactamente lo mismo. Al niño lo ama profundamente -de hecho de una manera absolutamente exclusiva-, y ella es una persona extraordinariamente dedicada a él y también es talentosa en su rol como diseñadora. Es decir, hay una capacidad muy fuerte en los dos, pero el problema es que lo que generan juntos no es precisamente positivo.

Lo que ellos quieren creer es que el uno y la otra se potencian a sí mismos y que forman una pareja armónica, pero en realidad lo que hacen es minarse y sacar lo peor el uno de la otra y la otra del uno.

– Y de una manera bastante inteligente, en mi opinión, recreas lo que es la proyección pública que esta pareja quiere dar a través de una encuesta interactiva, durante la cual vemos cómo el protagonista masculino maneja un cubo de Rubik -un detalle que no se me escapó en absoluto-. Ahí estaría por un lado el trasfondo de la intimidad de la pareja y aquello que quieren representar públicamente, de cara al exterior, por otro. ¿No es así?

Eso tiene que ver con las limitaciones de producción, si queremos decirlo así, en el sentido de que yo sabía que la película que me podía permitir era una historia extraordinariamente barata, que tenía un argumento que debía ser contado en diez planos secuencia para poder filmarlos a razón de uno por día de rodaje; es decir, que la película está rodada en diez días.

Además tenía que intentar no salir de una sola localización para mover lo menos posible la cámara, no dentro del lugar de la filmación donde se está moviendo constantemente, sino que no sacarla y perder tiempo en desplazamientos saliendo al mundo real, y jugar la baza de un thriller psicológico absorbente.

SomCinema Película La Desvida Entrevista a Agustín Rubio

Agustín Rubio, director de “La Desvida”

En principio el relato iba ser transformado en una película de encierro, pero de alguna manera sí que me gustaba empezar, como tú dices, con esa escena de la video-encuesta que yo en un principio la había planteado como un prólogo.

Me gustaba empezar con la idea de la proyección pública, en el sentido de que te presento al principio cómo son los personajes, la imagen pública que ellos dan; te enseño también cómo es su dinámica de cara al exterior, que no vas a verla en ningún momento más, porque de hecho es una película de tres personajes; y luego a partir de ahí ves la “trastienda”, con todo lo más sórdido y siniestro de esa pareja, donde vas a ver la casa como metáfora de su relación.

– Así es, y por ese motivo también por lo que se ve has cuidado sobremanera lo que es la iluminación.

Estuvimos planificando cuidadosamente dónde colocar las luces durante cinco días, tras los cuales nosotros no sólo sabíamos que la película era filmable y la planificación funcionaba, sino que éramos conscientes de que ya era posible jugar a esa baza estética del claro-oscuro y hacer que las secuencias se alternaran entre sí de manera que hubiera un predominio de la oscuridad sin ser una película totalmente nocturna, sino que tuviera sus respiros y hubiera momentos en los que salen al jardín o al frontal de la casa.

Es decir, precisábamos una estructura en la cual el espectador pudiera ver unos ciertos clímax y anti-clímax, desde ese punto de vista incluso lumínico al cual te refieres.

– Otro elemento fundamental en la película es la música, para la cual elegiste a Josué Vergara, quien aporta unas composiciones de hondo calado en las cuales predomina el piano. ¿Fueron escritas durante el montaje o ya teníais un esquema predefinido?

Josué es el músico con el que yo siempre he trabajado y a esas alturas ya había una continuidad en el trabajo, nos entendíamos bien los dos y sabíamos lo que cada uno quería del otro. Eso quiere decir que él pudo leer el guion desde el principio y lo mismo puedo decir del ayudante de dirección y del director de fotografía.

Trabajar en condiciones de mucha precariedad o muy espartanas es sostenible y puede funcionar bien precisamente cuando lo haces con colaboradores muy cercanos, y ya que no me puedo permitir rodar grandes producciones, me gusta hacerlo con una cierta familiaridad.

Un crítico musical vino y me dijo que la música del film le recordaba a John Carpenter, y a mí me gustó mucho que pasara eso; que yo no viera el referente que le había marcado a esa música, pero que ese referente sí que fuera visible para los demás, de puertas afuera, luego de que a mí esas composiciones me habían convencido plenamente.

– También la selección de actores fue clave para el desarrollo de este relato. ¿Cómo fue que te decidiste por los definitivos?

Había una restricción de base que era importante: teníamos claro que la película queríamos hacerla en inglés y en España no hay demasiados actores que hablen ese idioma a la perfección y sean totalmente bilingües, diría que se pueden contar casi con los dedos de una mano.

Partimos de esa premisa y del hecho de que yo quería que uno de los dos de la pareja -preferiblemente él- fuera americano cien por cien, y en el caso de ella que que fuera una española que hablase muy bien el acento inglés.

En cuanto a él, la elección de Julio Perillán fue obvia, pues aparte de que no había muchos, es el que me vino a la cabeza inmediatamente, pues me gustaron mucho las actuaciones suyas que había visto en “Frágil”, de Juanma Bajo Ulloa y “Demonios tus Ojos”, de Pedro Aguilera, que son películas que están bastante alejadas de lo que es “La Desvida”, pero yo ya tenía claro que Julio era un actorazo.

Con la actriz tuvimos muchas más dificultades para llegar al casting, ya que el personaje en principio era mucho mayor de la edad real de Tábata Cerezo. Yo buscaba alguien con un rango de entre 35 y 40 años, es decir, una relación en la cual no había diferencia de edad. Ahí tuvimos bastantes dificultades, en el sentido de que recibimos noes, silencios administrativos,… y entonces una representante nos ofreció a Tábata.

Cuando vi su foto, ella tenía 26 años y pensé que era demasiado joven y que no daba el papel, pero tuve casi una epifanía porque la cuestión es que por conciencia profesional me puse a ver el video-book (reel) y me puse sus imágenes en movimiento. Ahí vi dos secuencias, una de las cuales era de “Amar es para siempre”, que no tenían nada que ver con el personaje, pero observé cómo daba en cámara y cómo miraba y ahí cambié radicalmente mi postura.

Y con el niño pasó tres cuartos de lo mismo en cuanto a dificultades. En Valencia niños que hablen inglés y que sepan interpretar, hay poquísimos. Entonces nos dieron la referencia de Telmo Yago, un niño que hasta ese momento lo que había hecho era sólo de modelo; nunca había interpretado para la cámara.

En ese sentido fue muy complejo porque él, que es absolutamente encantador y sonriente, estaba familiarizado con las cámaras pero aquí tenía que pasar a interpretar planos de 10-12 minutos, en los cuales tenía que hacer un montón de acciones desde el punto de vista físico (tocar la flauta, hacer gimnasia con su padre, pintar con su madre o, por ejemplo, tener un diálogo nada menos que sobre Dios), lo que suponía algo novedoso en su relación con la cámara, pero milagrosamente nos lo montamos de manera que salió y la verdad es que yo estoy muy satisfecho de cómo fueron las cosas. Telmo tiene una disciplina y una madurez absolutamente de hierro.

– Por último quisiera que comentaras un poco cómo ha sido el paso de la película por infinidad de festivales, la mayoría de ellos online pero ahora en Lleida presencial, en una época en la que ha habido una crisis importante con el cierre de salas. ¿Cómo has vivido todo este lío paralelo al recorrido del filme?

He intentado vivir las cosas según iba transcurriendo el día a día. Es decir que por una parte yo soy obsesivo, indudablemente, pero al mismo tiempo igual que lo de rodar en plano secuencia para mí tiene una dimensión terapéutica en el sentido de que me tengo que olvidar del perfeccionismo, pues también hay una coherencia con la manera en que me planteo cada momento de la vida.

Quiero decir que yo puedo tender a ser maniático, esquemático y rutinario, pero al mismo tiempo, como sé que la vida es impredecible y constantemente te está sorprendiendo, pues intento adaptarme. Y con los festivales me ha pasado lo mismo, es decir, no era lo que yo esperaba, pero es que no ha habido otra que hacerlo así. Nos hemos adaptado a lo que ha ido pasando.Síguenos en Twitter color

 

©José Luis García/Cinestel.com

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PEPÓN COROMINA: “THE HUMAN HIBERNATION”

5 juliol 2025 – En el marc de la Festa d’Estiu de l’Acadèmia del Cinema Català, es va fer públic el veredicte del 12è Premi Pepón Coromina, un guardó que distingeix anualment el risc, la innovació i la creativitat en la producció cinematogràfica catalana, en record del productor Pepón Coromina.

El jurat d’aquesta edició, format pels cineastes Juan Sebastián Vásquez, Andrés Duque, Júlia de Paz, Jordi Sanz i l’actriu i directora Mireia Vilapuig, va reconèixer “The Human Hibernation”, d’Anna Cornudella (foto), “una obra de rara bellesa, on la ciència-ficció especulativa es fon amb la melancolia dels paisatges rurals per oferir-nos una meditació poètica sobre l’espera, la transformació i el desig de desaparèixer”, recull el veredicte.

La proposta estètica i filosòfica interpel·la l’espectador des d’una temporalitat alternativa, i esdevé un acte de resistència silenciosa i transformadora, “amb una direcció sensible i una aposta formal valenta, que planteja un descentrament del jo per obrir la mirada cap a l’ecosistema sencer i els vincles que el conformen”, destaca el jurat.

Amb aquest guardó, “The Human Hibernation” ha estat reconeguda per primer cop a Catalunya, després de rebre el premi FIPRESCI de la crítica al Festival de Berlín i el Feroz Arrebato de No Ficció.

El jurat també va voler donar una Menció especial a la sala de cinema cooperativa Zumzeig, per la seva trajectòria valenta i la seva aposta decidida per una altra manera de fer, veure i compartir el cinema. “Zumzeig és l’espai on es poden veure obres com The Human Hibernation; un projecte autogestionat que manté viva la flama del pensament crític i el risc creatiu en els circuits de distribució”, assenyalen.

NEIX EL SOM CINEMA LAB/PRO

4 juliol 2025 – El Festival Som Cinema serà el marc de la primera edició del Som Cinema Lab/Pro, una iniciativa formativa i professionalitzadora destinada a guionistes i directors/es de les Terres de Ponent. Aquesta nova branca del festival neix amb la voluntat d’acompanyar el desenvolupament de curtmetratges en català en fase de guió, i de facilitar eines i espais per defensar-los davant de productores i professionals del sector.

L’objectiu principal del Lab/Pro és oferir espais de treball per millorar i reescriure els guions presentats; i fomentar una experiència col·lectiva d’aprenentatge, intercanvi i xarxa entre creadors/es que es trobin en moments similars del procés creatiu.

La convocatòria del Som Cinema Lab/Pro s’ha obert el 13 de juny i estarà activa fins a les 23.59 h del 5 de setembre. Els projectes seleccionats participaran activament en diverses sessions de treball durant els dies centrals del Festival Som Cinema, que enguany se celebrarà del 22 al 26 d’octubre a la ciutat de Lleida.

El jurat del Lab/Pro escollirà un projecte guanyador que serà premiat amb la participació directa a la Trobada de Talents del Festival Galacticat 2026, on podrà entrar en contacte amb productores destacades del sector audiovisual. El curtmetratge resultant també es projectarà a la següent edició del Som Cinema, sigui dins o fora de competició, i el finalista rebrà un passi complet per al Festival Animac 2026. Aquesta primera edició del Som Cinema Lab/Pro estarà coordinada per la cooperativa audiovisual Octubre Cinema.

Les inscripcions es poden fer a través del formulari en línia https://forms.gle/UVEmPmKPg3twRtYN8.

CANNES PREMIÓ A “SIRAT”, DE OLIVER LAXE

25 mayo 2025 – El director Oliver Laxe recibió en Cannes el Premio del Jurado por su más reciente película.
“Sirat” está protagonizada por el actor catalán Sergi López, quien junto al niño Bruno Núñez desarrolla una historia mística y de trance en pleno desierto.

Un hombre y su hijo llegan a una rave perdida en medio de las montañas del sur de Marruecos. Buscan a Mar, su hija y hermana, desaparecida hace meses en una de esas fiestas sin amanecer. Reparten su foto una y otra vez rodeados de música electrónica y un tipo de libertad que desconocen. Allí deciden seguir a un grupo de raveros en la búsqueda de una última fiesta que se celebrará en el desierto, donde esperan encontrar a la joven desaparecida.

El cineasta gallego había participado antes en Cannes, pero aún no lo había hecho en la Sección Oficial. Esta vez continúa dando muestra del estilo heredado de sus anteriores trabajos, transformando el film en una historia introspectiva, con pocos diálogos e inspirada en el Puente Sirāt, que en la tradición islámica separa el infierno del cielo donde el alma se enfrenta a su verdadera naturaleza.

Pero lo que más llamó la atención en el prestigioso festival francés de cine es que esta nueva propuesta de Laxe es algo más radical que las anteriores y que, asimismo, a diferencia de sus anteriores filmes, en este caso sí que se le puede encontrar a la historia algunos matices que señalan a ciertos comportamientos ocurridos a nivel político, sobre todo en lo que afecta a ese escenario desértico y su conexión tanto con las tradiciones como con los personajes que padre e hijo se van encontrando a lo largo de la película.

Oliver Laxe es un fanático del formato y la textura del fílmico, así que no ha desaprovechado la ocasión para rodar “Sirat” en 16 mm, una calidad de color que los más avezados cinéfilos apreciarán, aun cuando en la mayoría de salas de cine la película se proyecta en el sistema más común y aceptado actualmente, que es el digital.

DOCSBARCELONA 2025: EL PALMARÈS OFICIAL

19 maig 2025 – “La memoria de las mariposas”, una pel·lícula que fa un tribut a les víctimes indígenes del comerç del cautxú peruà, i que la cineasta Tatiana Fuentes (foto) connecta amb la seva pròpia família, corona el palmarès de la edició d’enguany del DocsBarcelona amb el Premi Docs a la Millor Pel·lícula. El Jurat Oficial, integrat per Montse Triola, Ana Pfaff, Fito Castillo i Joost Daamen, va reconèixer “la resignificació de les imatges, tant en el context contemporani com dins del propi metratge, per tal d’apel·lar a la reparació i la memoria històrica”. El Premi Docs a la Millor Pel·lícula Catalana va ser per “Grup natural”, mirada empàtica i constructiva a l’adolescència de Nina Solà. “El que en un principi sembla el retrat d’una institució molt concreta acaba esdevenint una pel·lícula universal, divertida i fresca, amb una mirada que en cap moment infatilitza els protagonistes”, recull el veredicte del Jurat Docs&Cat, integrat per Adrià Lahuerta, Elena Molina i Adrián Silvestre. Van optar al premi, patrocinat per La Xarxa Audiovisual Local (XAL), les produccions catalanes del festival. També el Premi Docs del Públic – Moritz va reconèixer un documental català, en aquest cas “Mares”, d’Ariadna Seuba, el camí cap a la maternitat de dues dones, ple d’il·lusions i frustracions.

El Jurat Oficial va atorgar tres premis més del palmarès. El Premi Docs Nou Talent – Filmin, reservat a les òperes primes, va valorar “la mirada vital a una relació madura i complexa en el crepuscle de l’existència d’ambdós personatges” de “Two strangers trying not to kill each other”, de Jacob Perlmutter i Manon Ouimet. El Premi Docs Antaviana va ser per a “la mirada insistent a les futures generacions d’un país en guerra i la seva normalització en el sistema educatiu” de “Timestamp”, de Kateryna Gornostai, homenatge a la lluita quotidiana d’estudiants i professors per mantenir les escoles obertes en plena guerra d’Ucraïna. “Always”, el bell debut de Deming Chen, va rebre un dels nous guardons del festival, el Premi Docs al Millor Muntatge – AMMAC, “per una mirada precisa i observacional en l’ordinari que permet emergir a un relat poètic extraordinari”.

BCN FILM FEST PREMIÓ A “THE QUIET SON”

5 mayo 2025 – “The Quiet Son”, una película de las realizadoras francesas Delphine y Muriel Coulin, con un reparto encabezado por el veterano actor Vincent Lindon (foto), recibió el Premio a la Mejor Película en el festival de cine BCN FILM FEST 2025, celebrado en la ciudad de Barcelona.

El relato nos acerca a Pierre, un trabajador ferroviario de cincuenta años, que cría solo a sus dos hijos. Los tres están muy unidos. Cuando Louis, el más joven, deja su casa para estudiar en la Sorbona de París, Fus, el mayor y con peores resultados en los estudios, se vuelve cada vez más reservado, lo cual le lleva a involucrarse cada vez más con grupos de extrema derecha.

La película documenta el increíble esfuerzo realizado por los tres miembros de esta familia para permanecer juntos. Una de las directoras, Muriel, explicaba que esta historia de ficción “es como una mesa de billar de tres jugadores. Tres hombres unidos por algo muy duro, la desaparición de su madre. Y que intentan continuar como una familia a pesar de todo. Nunca se resignan a perderse el uno al otro”.

Delphine profundiza en el tema añadiendo que “es una familia que intenta seguir adelante. Se dice que el sentido de la historia es el del progreso: cada generación vive mejor que la anterior. Pero hoy las cosas van al revés. El voto extremista está ligado a este sentimiento muy fuerte de injusticia”.

Para Delphine, “Pierre intenta ser un buen padre, por eso no deja de preguntarse qué se ha perdido con Fus. ¿Somos responsables de lo que hacen nuestros hijos? Es una pregunta universal, dado el auge de la extrema derecha que se está produciendo en todas partes en el mundo occidental. Cualquiera puede identificarse con la historia” -concluye la co-directora-.

CANNES: ¿CARLA SIMÓN CON PALMA DE ORO?

11 abril 2025 – La directora catalana Carla Simón competirá en la Sección Oficial del Festival de Cannes con su nueva película, “Romería”. “Tengo la suerte de formar parte de una gran familia llena de historias que se han convertido en mi fuente de inspiración. Las relaciones familiares me fascinan porque no las escogemos. La familia es el origen de muchos conflictos, traumas y peleas, pero también es el origen del amor, la confianza y la lealtad más profunda” -explicaba la cineasta-.

En “Romería”, Marina viaja a Vigo para conocer a la familia de su padre biológico, que murió de sida, al igual que su madre, cuando ella era muy pequeña. A través de los encuentros con sus tíos, tías y abuelos, la joven intenta reconstruir un relato de sus padres, pero todos sienten demasiada vergüenza hacia los conflictos de drogas de la pareja, algo que Marina les recuerda con su presencia.

Será la historia de amor adolescente que vive con su primo lo que le permita reimaginar a sus padres y conectar con ellos. De esta forma, inventa un cuento, gracias al diario de su madre, que la libera del estigma que su familia siente por ellos y cumple el deseo de entender el pasado…

Por otro lado, un habitual de Cannes, el director gallego radicado en Marruecos, Oliver Laxe, también formará parte de la Sección Oficial con su cuarto largometraje, “Sirat”, protagonizado por el catalán Sergi López.

FILMO: RETROSPECTIVA D’ALBERTINA CARRI

2 abril 2025 – La Filmoteca de Catalunya dedica un espai a la riquesa del patrimoni i la creativitat contemporània del cinema argentí. Un dels exponents més diversos i prolífics d’Amèrica Llatina, el cinema argentí es debat entre la precarietat patrimonial, degut a l’absència d’estructures sòlides que garanteixin la seva difusió i pervivència, i les amenaces polítiques que posen en risc la inversió pública i els consensos democràtics sobre la memòria històrica i el valor social de la cultura.

Per això es programen dos cicles que ofereixen una panoràmica d’aquella cinematografia: un sobre el seu període clàssic i un altre dedicat a una de les figures contemporànies més personals i combatives: Albertina Carri. Artista i escriptora en canvi constant, en cada pel·lícula crea variants radicalment singulars, examinant qüestions tan diverses com la memòria de la dictadura, la mirada crítica a les relacions familiars, la reinterpretació de gèneres clàssics o el potencial de les sexualitats i els cossos no normatius.

Retrospectiva Albertina Carri

L’obra d’Albertina Carri (Buenos Aires, 1973) s’inscriu en el vessant més experimental del Nuevo Cine Argentino. El seu cinema, proteïforme i divers, abraça tota mena de tècniques expressives i recursos narratius, i es distingeix per un estil audaç i provocador que aborda temes tabú des d’una mirada crítica i subversiva.

El 2003 es dona a conèixer internacionalment amb Los rubios, un film que qüestiona la veracitat dels records i les formes de representació històrica, i amb el qual reconstrueix la seva història personal, marcada per la desaparició dels seus pares durant l’última dictadura argentina. Aquesta tragèdia personal ha influït molt la seva producció artística, amb la qual explora la intersecció entre l’experiència individual i la memòria col·lectiva, la identitat i la justícia social.

El tractament cru i transgressor de la violència, la sexualitat i el gènere són altres constants d’una filmografia bastida amb fúria i que desafia les estructures de poder i els discursos hegemònics i patriarcals per donar pas a una mirada política feminista de dissidència sexual. Cineasta incòmoda, Carri és una figura clau del cinema argentí contemporani.

Albertina Carri acompanyarà la preestrena del seu darrer film ¡Caigan las rosas blancas! (2025) el dimarts 8 d’abril, abans que arribi a les sales comercials el 16 d’abril. Serà la inauguració de la retrospectiva integral que li dedica la Filmoteca de Catalunya i que s’estendrà fins al 25 d’abril.

Podeu consultar la programació de la Retrospectiva Albertina Carri AQUÍ.

MÁLAGA PREMIA A “SORDA” Y “LOS TORTUGA”

22 marzo 2025 – Presidido por la actriz argentina Mercedes Morán, el jurado oficial del 28 Festival de Málaga otorgó su Biznaga de Oro a la Mejor Película a “Sorda”, ópera prima de la directora y guionista murciana Eva Libertad García, protagonizada por la actriz Miriam Garlo (foto), también debutante. El Premio Especial del jurado fue para la realizadora catalana Belén Funes por “Los Tortuga”.

“Sorda” es un drama sobre una mujer que está embarazada y que tiene esa discapacidad. Vive con Héctor, su pareja oyente, pero el embarazo hace aflorar sus miedos frente a la maternidad y sobre cómo podrá comunicarse con la hija que llegará tras el parto. Cuando la niña nace se genera una crisis en la pareja y eso lleva a Ángela a afrontar la crianza de su criatura en un mundo que no está hecho para ella.

El cine catalán obtuvo reconocimientos en nueve de las once categorías de la muestra de cine, con cinco películas diferentes premiadas. “Los Tortuga”, de Belén Funes, logró los premios a mejor dirección y guion, además del Especial del jurado antes mencionado. En Zonacine, “Esmorza amb mi”, debut de Iván Morales en la dirección, consigue cuatro estatuillas: mejores película, interpretación femenina (Anna Alarcón) y masculina (Iván Massagué), además del premio del público.

Los protagonistas de “Los Tortuga” (Belén Funes) no son una pareja feliz. Julián y Delia se mudaron hace más de veinte años a Barcelona y desde entonces atraviesan numerosas crisis de pareja que nunca se solucionan. Pero el matrimonio no se ha divorciado para no complicarle la vida a su hija Anabel, de dieciséis años.

ENTREVISTAS

“Amas de Cámara”, de Tomás Lipgot; el video y las redes sociales

Pelicula Amas de Camara Entrevista a Tomas Lipgot

Las películas de Tomás Lipgot suelen tener un costado lúdico y divertido que nos ayuda a captar la intención o la idea sobre la cual este cineasta argentino trabajó el proyecto.

Alejandro Jablonskis rodó en Catalunya el film “Dalton Revolució”

Documental Dalton Revolucio entrevista a Alejandro Jablonskis

Atravesados por la tradición circense de los siglos XIX y XX, y nacidos en la Argentina, han recorrido el mundo con sus actos de acrobacia y equilibrismo, han hecho una vida trashumante de…