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«Playing Lecuona», de Pavel Giroud, con Chucho Valdés, Michel Camilo y Gonzalo Rubalcaba

marzo 29, 2013 ENTREVISTAS

Cuba ha dado a lo largo de su historia músicos de primer orden, vanguardistas, innovadores y sobre todo sumamente apegados a un estilo de hacer música que conjuga buen gusto e interés por transmitir la alegría de vivir. En esa búsqueda y experimentación, y a iniciativa de una productora tinerfeña, se ha convocado para este documental a tres estrellas para que interpreten piezas musicales del gran maestro Ernesto Lecuona. El film se comenzará a exhibir hacia finales de 2014.

Ernesto LecuonaTodos los elogios que se digan sobre Lecuona pueden parecer pocos. Fue un niño prodigio que nació en Tenerife y que muy pronto radicó en Cuba, donde dio su primer recital a los 5 años y a los 13 realizó su primera composición.
Nacido en 1895, fue más que notable en disciplinas tan diversas como la zarzuela, el vals, el piano, con canciones que se han adaptado al pop, al jazz y a bandas musicales, y con banda sonora de películas de la Metro Goldwyn Mayer, la Fox, la Warner Bros y latinoamericanas de Cuba, México (María de la O) y Argentina donde también actuó en «Adiós Buenos Aires» (1938), dirigida por Leopoldo Torres Ríos.

Música de Ernesto Lecuona«Playing Lecuona» refleja la obra y espacios vitales de este hombre considerado el más universal de los cubanos. Tres grandes del piano nos sirven de guía con base en el latin jazz: Chucho Valdés desde La Habana fusiona el jazz con los ritmos afro-cubanos; Michel Camilo en Nueva York crea elegantes atmósferas sonoras; Gonzalo Rubalcaba en Sevilla, el corazón de la Andalucía homenajeada por Lecuona en sus composiciones, fusiona latin jazz con flamenco y todos juntos se unen en Santa Cruz de Tenerife interpretando a Ernesto Lecuona en un encuentro sin precedentes.

Su director, Pavel Giroud (Omertá, La edad de la peseta,…), nada más acabar el primer corte de la película cuenta a Cinestel el origen de esta propuesta que parte de una idea del productor y director canario JuanMa Villar Betancort:

Pavel Giroud

Pavel Giroud

«Este será el primer largometraje de Villar como productor y él veía bien que un director cubano se sumara a este proyecto de reproducir la música de Lecuona reinterpretada por músicos jazzistas como Chucho Valdés, Gonzalo Rubalcaba y Michel Camilo. No te tengo que decir que cuando él se sentó en la sala de mi casa a contarme esto, a mí me motivó mucho porque son tres artistas tremendos que admiro y cuya música yo escucho en casa y si para colmo está en medio la música de Lecuona, ahí no hay manera de que salga mal».

«Por tanto, me monté en ese tren y ya rodamos la primera parte en Cuba que es la sección de Chucho Valdés y nos queda por rodar la de Gonzalo Rubalcaba en Sevilla, a quienes se van a sumar músicos como Raimundo Amador y Esperanza Fernández, músicos de flamenco que van a hacer la suite de Andalucía de Lecuona. Luego Michel Camilo en Tenerife y Nueva York y más tarde el final de los tres pianistas juntos interpretando «Para Vigo me voy», del maestro Lecuona también.»

– Ernesto Lecuona compuso música en diversos terrenos y posiblemente sus seguidores querrán saber si habéis incluido esta diversidad, porque inclusive llegó a entrar de lleno en la música afro-cubana.

Yo dudo que haya un músico cubano con una obra más amplia cualitativamente. Hizo de todo, de hecho es el impulsor del afro-cubanismo en la música cubana, hizo danzas, hizo zarzuelas, su música se escucha hoy en día en España, y con temas como La Malagueña yo he tenido discusiones con amigos míos andaluces que dicen que eso no es cubano, que es español.

Omara Portuondo y Chucho ValdésEn el documental, cada músico escogió los temas que quería interpretar. Por ejemplo, Chucho ya hizo variaciones muy propias, muy personales, de La Comparsa de Lecuona, que es una de sus danzas más conocidas; lo mismo de Ahí viene el chino, igualmente conocida; junto a Omara Portuondo hicieron una interpretación muy personal de Estás en mi corazón (Always in my heart), que dicho sea de paso, fue un tema musical que supuso una primera nominación en el año ’42 de un cubano a un premio Oscar a la mejor canción, e hizo un tema fabuloso con Los muñequitos de Matanzas que es La Danza de los Ñáñigos. Gonzalo hará la suite de Andalucía y Michel hará Y la negra bailaba, y Siboney con Ana Belén.

Será muy variado porque son tres músicos que aunque están insertados dentro de un género que es el latin jazz, tienen tres maneras muy diferentes de abordarlo. No es solo la variedad de los temas seleccionados, sino la variedad que supone la inserción de estos artistas en nuestro proyecto.

– ¿Conseguiste imágenes del maestro Lecuona para añadir al documental?

LecuonaSí, pese a que todavía no estamos decididos a usar imágenes de archivo porque es un documental que no es biográfico, pero sí hemos conseguido imágenes fabulosas de Lecuona que yo nunca había visto. Nos metimos en los archivos de Cuba; en esto el ICAIC colaboró mucho con el proyecto y hemos encontrado cosas muy buenas, no sólo visuales, sonoras también, pero el peso del documental no estará en eso sino en la música de los intérpretes, aunque sí habrán elementos biográficos por supuesto de la vida de Lecuona, pero ni siquiera organizados cronológicamente. Funcionarán más como eslabones entre los temas musicales, incluso con temas muy polémicos dentro de la vida del compositor, que si fue censurada o no fue censurada su música en Cuba, que por qué no decidió ser enterrado en Cuba y sí en los Estados Unidos. El documental estará lleno de estas cosas.

– Él murió en 1963 y el ICAIC se había fundado unos cuatro años antes. Teniendo en cuenta estos datos, ¿tuviste facilidad para encontrar imágenes anteriores a ese periodo?

Sí, básicamente son imágenes de los años ’40 y ’50 de la vida de Lecuona, ya de su última etapa, y fotografías también hemos logrado reunir. No es abundante ese material pero tiene calidad y mucho significado para el tema que estamos tratando en la película.

– Hablabas antes de La comparsa y me estaba acordando de una imagen de «Calle 54» de Fernando Trueba muy emotiva en la que aparecen Bebo y Chucho Valdés tocando el tema, ahora que está reciente el fallecimiento de Bebo. ¿Aprovechaste la presencia de Chucho para hacer alguna referencia a su padre?

Bebo_ValdésSí, sobre la figura de Bebo se habla en el documental porque Chucho cuenta la anécdota de cómo conoce a Lecuona. Su padre Bebo trabajaba como músico en un programa que Lecuona tenía en la televisión donde dirigía la orquesta del programa y llevaba muchas veces a Chucho, teniendo 13 años de edad, al estudio a ver a su padre tocar y entonces una de esas veces Bebo le dice que toque La Malagueña porque un señor que estaba ahí quería escucharlo tocando esa pieza, y Chucho toca La Malagueña y cuando termina de tocar le pregunta a su padre que quién era ese señor que quería oír ese tema y le respondió que el compositor, Ernesto Lecuona. Entonces Chucho le dijo ¡pero cómo me has hecho esto, tocar La Malagueña nada menos que delante de Lecuona! y Lecuona vaticinó en ese momento que Chucho iba a tener una carrera importante como pianista y así fue.

– Yo he leído que Bebo, una vez que marchó de Cuba, estuvo bastante tiempo sin dedicarse a la música de manera pública.

Se cuenta incluso en un documental que se llama «Old man Bebo» que fue Paquito d’Rivera quien lo redescubrió tocando en un hotel en Estocolmo. No estoy muy claro de esto pero me parece que fue así la historia, que es quien lo invita a tocar nuevamente, a participar en sesiones de estudio con él.

– ¿En Cuba no se le conoce ampliamente a nivel popular a Bebo?

Bebo ValdésLa gente vieja vinculada a la música sabe bien quien es Bebo Valdés, tanto músicos como gente que vivieron la música de esa época. Mi generación no tanto. Yo vine a conocer a Bebo gracias a «Calle 54» posiblemente porque había oído hablar de él pero no había oído su música; sí había escuchado de un ritmo que él creó que se llama el ritmo Batanga, pero ni siquiera lo asociaba a Bebo Valdés y por supuesto ocurrió durante un tiempo en Cuba que los artistas que se marchaban caían casi en un anonimato local y más si eran artistas que tenían una postura reacia a lo que ocurrió en Cuba políticamente. Ya hoy eso va dejando de ser así por fortuna pero es innegable que ocurrió durante mucho tiempo.

Gonzalo RubalcabaAdemás de Ana Belén, Los muñequitos de Matanzas y Omara Portuondo, fueron convocados para participar en el documental «Playing Lecuona» Alfredo Valdés Jr., Raimundo Amador, Almendarez (Chocolate), Xiomara Laugart, Huberal Herrera y Esperanza Fernández.
El film se estrenaría a finales del año 2014, época en la que el director, Pavel Giroud, quizá haya estrenado su siguiente proyecto de ficción, «El acompañante», que interpreta el brasileño Lázaro Ramos (Madame Satá) sobre los acompañantes obligatorios que se adjudicaban a los seropositivos de Cuba en la primera época del sida, cuando éstos eran recluidos en sanatorios.

©José Luis García/Cinestel.com
Entrevista posterior al productor y director JuanMa Villar Betancort, aquí.
Enlace recomendado a la web del documental «Old man Bebo» de Carlos Carcas, aquí.Michel Camilo mano a mano

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL, WEB FUNDADA EN JULIO 2005

FILMOTECA DE CATALUNYA_MAIG 2026

Aquest mes de maig en la Filmoteca de Catalunya tenim la possibilitat de veure cicles de Barbara Hammer, Mostra Internacional de Films de Dones, Llogateres del Món, Anja Brien, Marc Cousins (Docs d’Honor 2026), Wallay (Festival de Cinema Africà), i les animacions de Martina Rogers (Dies Curts).

Barbara Hammer

La retrospectiva, organitzada amb la col·laboració de la Mostra Internacional de Films de Dones, permetrà explorar en profunditat l’obra d’aquesta cineasta i artista visual estatunidenca que va concebre el cos com a espai de coneixement i d’acció política. Els films de Hammer revelen una experiència lesbiana i feminista que la història del cinema ha relegat massa sovint a la perifèria. Filma el desig, el tacte i la vulnerabilitat com a formes de pensament i com a gest de llibertat. La càmera no observa des de fora: s’implica, acompanya, dialoga. Aquesta expressió del desig com a força col·lectiva la situa com una veu essencial del cinema contemporani i ens convida a apropar-nos al cos no com a símbol, sinó com a presència viva i relacional, sempre oscil·lant entre la intimitat i la revolta. (més informació)

Mostra Internacional de Films de Dones de Barcelona

A més del cicle dedicat a Barbara Hammer, la 34 edició de la MIFDB oferirà sessions familiars i la secció Persistències fílmiques, que propicia diàlegs entre pel·lícules contemporànies i peces de recuperació. Les persistències que donen títol al programa evidencien la voluntat continuada de les cineastes d’agitar els models fílmics i inventar nous llenguatges narratius. Les cineastes escollides revisiten herències, reescrivint relats, transformant imatges i reelaborant els codis del cinema feminista dels setanta. Digerir aquest llegat implica construir una llengua comuna entre generacions, capaç de mantenir viu el diàleg i generar noves genealogies fílmiques. Les sessions compten amb l’acompanyament de directores novelles, realitzadores consagrades, teòriques, escriptores i activistes, que comparteixen la seva mirada sobre la creació cinematogràfica. (més informació)

Llogateres del món

La lluita per un habitatge digne ha esdevingut un dels principals fronts de mobilització dels nostres dies. Hi convergeixen la violència dels desnonaments, la tensió entre especulació i drets fonamentals, i un nou paisatge de la precarietat que redibuixa els conflictes de classe. El cicle Un planeta de inquilinos, coprogramat per la Filmoteca Española i el Círculo de Bellas Artes, arriba ara a la Filmoteca de Catalunya adaptat i ampliat amb títols i propostes que il·luminen la història de transformacions urbanes i lluites veïnals a casa nostra, resseguint des de Barcelona les traces cinematogràfiques d’un conflicte que connecta moments històrics i ciutats de tot el planeta. Així, per exemple, es presentarà la sèrie de Pol Rodríguez i Isaki Lacuesta, Ravalejar. (més informació)

Anja Breien

El cinema de la noruega Anja Breien (Oslo, 1940) es caracteritza per una gran diversitat formal i temàtica, però amb una mirada coherent i crítica sobre la societat. Va desenvolupar una veu pròpia que des dels inicis, amb Violación (1971), qüestiona el sistema judicial, la culpa i les estructures de poder amb un estil proper al documental. El cicle reuneix els seus sis primers llargmetratges, recentment digitalitzats por la Biblioteca Nacional de Noruega i considerats l’etapa més estimulant de la seva trajectòria. Amb el seu film més emblemàtic, Las esposas (1975), resposta a Husbands de Cassavetes, explora els rols de gènere i la possibilitat de trencar-los, un tema central en la seva obra. Tot i rebutjar l’etiqueta de feminista, Breien defensa que les seves pel·lícules ofereixen un punt de vista femení sobre problemes universals. (més informació)

Docs d’Honor 2026: Mark Cousins

El DocsBarcelona atorga enguany el Premi d’Honor al cineasta escocès-irlandès Mark Cousins i la Filmoteca acull el focus que se li dedica. S’obrirà amb una sessió especial en la qual farà una classe magistral i presentarà la seva nova sèrie, The Story of Documentary Film, que amplia l’univers de The Story of a Film: An Odyssey, obra clau en la divulgació cinematogràfica. A més de figurar entre els teòrics contemporanis de cinema més destacats per les seves aproximacions acadèmiques i assagístiques al setè art, Cousins també compta amb una remarcable faceta artística, personal i d’autor, centrada en les emocions i la mirada, materialitzada en pel·lícules com I Am Belfast i Marcia su Roma.
(més informació)

Wallay! Festival de Cinema Africà de Barcelona

El Wallay! arriba a la seva novena edició amb una dansa d’escorpins i una piscina a N’Djamena; amb l’energia en esteroides de la inabastable Lagos i amb un cor que batega a Ciutat del Cap. De Senegal a Khartum, de Sudàfrica a Burkina Faso, el festival continua el viatge a la diversitat i la creativitat del continent africà i aterra un any més al Raval per explorar, gaudir, estremir-se. (més informació)

Dies curts: Martina Rogers

Artista visual i mediadora cultural, Martina Rogers ens convida a eixamplar la percepció i a afinar la mirada per captar allò invisible a través del joc i la connexió amb la natura. Amb les mans com a eina principal, fusiona diverses tècniques plàstiques com el dibuix, el gravat, la ceràmica i l’animació. Animista i recol·lectora, s’interessa per la matèria i per l’ànima de totes les coses. La sessió oferirà una mostra de la diversitat dels seus treballs i s’obrirà amb la performance La Roda, amb música en directe a càrrec de Toni Feliu. (més informació)

I també…

Continua el viatge al cor de l’animació japonesa amb JAPANIMERAMA, que també té la seva extensió en les sessions familiars de la FilmoXica de primavera. (enllaç)

Homenatge a Tomàs Pladevall, el director de fotografia i Premi Gaudí d’Honor que ens va deixar el febrer passat. Serà dijous 7 de maig a les 20.00 h en una sessió gratuïta i oberta a la participació d’amics i col·laboradors del mestre de la llum que ens acompanyaran. (enllaç)

Al cicle De bell nou. La restauració del mes, gràcies al brillant treball de la Cinémathèque Suisse, podem recuperar Rapt (Segrest, Dimitri Kirsanoff, 1933), primer film sonor del director que arrossega encara els darrers ecos del cinema mut: amb diàlegs escassos, construeix el relat a través de les mirades, els silencis, i una banda sonora pràcticament experimental concebuda amb l’ajut d’Arthur Honegger i Arthur Hoérée. (enllaç)

Visibilitzem el cinema català ofereix un programa doble format pels documentals D’un roig encès: Miró i Mont-roig (Josep Martí Rom, 1980) i Sobrevivir en Mauthausen (Llorenç Soler, 1975), fet a partir de testimonis en primera persona d’alguns supervivents. (enllaç)

L’exposició Isabel Herguera. El desig d’un lloc imaginat continua fins al 14 de juny, i aquest maig compta amb activitats paral·leles com una visita guiada amb Carolina López, directora d’Animac. Festival Internacional de Cinema d’Animació de Catalunya, i el taller d’animació Cossos en fuga a càrrec de la il·lustradora Marina Sáez. (enllaç)

Aula de Cinema arriba al final, i com en les darreres edicions ho fa amb un apèndix molt especial, l’Aula B, un projecte educatiu en què els i les estudiants reflexionen sobre la història del cinema, la crítica cinematogràfica i el fet de programar. I de fet programen i presenten les dues darreres sessions del curs: Ikiru (Vivir, Akira Kurosawa, 1952), dimecres 27 de maig, i Paris is Burning (Jennie Livingston, 1990), el 3 de juny. (enllaç)

Al cicle Fritz Lang. El període mut arriba el film més icònic del cineasta alemany, una obra fonamental del setè art que enguany celebra cent anys de la seva estrena: Metropolis. (enllaç)

CINESTEL TAMBIÉN ESTÁ EN BLUESKY

CIRCUIT ESTABLE DE CINEMA CATALÀ

Cicle Gaudí 2016 - Circuit estable de cinema català
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SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

Sylvette Baudrot 260

FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL ARGENTINA

‘La producción audiovisual y su respaldo jurídico’ no es un libro más de Julio Raffo, sino un texto de lectura y de consulta imprescindible para los distintos profesionales de la industria del cine que deseen estar al tanto sobre cómo, conforme a la Ley de Cine, se regula en la Argentina la actividad productiva que conlleva la realización de películas, atendiendo no solamente a disposiciones legales y su marco regulatorio, sino que también a ejemplos prácticos y anécdotas. (saber más)

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CANNES: RESTAURADA “LA CASA DEL ÁNGEL”

6 mayo 2026 – Causa vergüenza ajena observar los resultados de la intencionadamente desastrosa gestión del señor Carlos Pirovano al frente del Instituto Nacional del Cine y las Artes Audiovisuales de la Argentina (INCAA), un tipo sin escrúpulos si nos atenemos a algunos datos de su pasado que ya fueron comentados en un artículo publicado en Cinestel.

Este año 2026 la única película argentina que se proyecta en el Festival de Cannes es una copia restaurada del clásico de Leopoldo Torre Nilsson titulado “La Casa del Ángel”, una historia que se basó en un libro homónimo escrito por su esposa Beatriz Guido y que supuso el inicio de una manera de filmar que Nilsson continuó utilizando durante muchos años, estrechamente vinculada con el estilo de la nouvelle vague francesa. El filme lanzó al estrellato a la pareja de intérpretes Elsa Daniel y Lautaro Murúa y estuvo participando en la sección oficial de Cannes de mayo de 1957.

La película se proyectó por primera vez en un cine de la calle Corrientes de Buenos Aires el 11 de julio de 1957, habiendo iniciado su rodaje a inicios de junio. Acto seguido disfrutó de una buena comercialización, llegando a los Estados Unidos en agosto del mismo año con el título The House of the Angel. Más tarde, fue vista en muchos cines de países latinoamericanos y así su carrera comercial se extendió hasta Japón, donde se estrenó en 1957 y Alemania Federal, donde no se estrenó hasta el año 1969.

Según las fichas de estrenos y repertorios, la fecha de estreno registrado en España es el 21 de mayo de 1971.
Esto significa que la película se proyectó comercialmente en salas españolas más de una década después de su estreno mundial en Buenos Aires (julio de 1957) y de su presencia en la edición de Cannes de 1957.

Luis Alberto Scalella, presidente de Argentina Sono Film y supervisor del trabajo de recuperación, presentará la película junto a Fernando Madedo, presidente de la Sociedad por la Restauración Audiovisual y coordinador de todo el trabajo de restauración en 4K. Ambos ya estuvieron en este mismo festival en 2024 para presentar la restauración de otra película, Rosaura a las diez (1958), de Mario Soffici.

Esto en cuanto al Festival en sí. Respecto a los eventos paralelos, La Quincena de los Realizadores proyectará la nueva película de Lisandro Alonso titulada “La Libertad Doble”.

FALLECIÓ EL CINEASTA ADOLFO ARISTARÁIN

26 abril 2026 – Falleció a los 82 años de edad el cineasta argentino Adolfo Aristaráin, según un comunicado difundido por la Academia Española de Cine. Recibió numerosos reconocimientos por sus películas, entre los que destaca la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián por su filme “Un lugar en el mundo”. No hace mucho tiempo, esa misma Academia le condecoró con su Medalla de Oro, pero no pudo viajar a España como consecuencia del terrible miedo a volar que padecía, una fobia que compartía con uno de sus actores preferidos para trabajar en el cine, Federico Luppi.

Aunque durante su vida hizo multitud de trabajos audiovisuales, sus películas más reconocidas fueron, aparte de la anteriormente mencionada: Tiempo de revancha, La ley de la frontera, Martín (Hache), Lugares comunes y Roma, su último largometraje, pues aunque tenía algunos proyectos más, nunca se llegaron a concretar. En mayo del año 2022 presentó en Buenos Aires su libro titulado El Oficio del Cine.

Trabajó con gente tan conocida como Federico Luppi, José Sacristán, Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Juan Diego Botto y Susú Pecoraro, entre otros muchos.

En enero de 2024 publicó un texto en el diario Página12 en el que llamaba a movilizarse contra las políticas del gobierno de Milei/Macri que acababa de ganar las elecciones. A raíz de esa publicación, el fiscal federal Carlos Stornelli denunció penalmente al director de cine por instigación a cometer delito, intimidación pública e incitación a la violencia colectiva. La iniciativa no prosperó en los tribunales.

El mencionado texto de Aristaráin comenzaba diciendo: “Gracias a un grupo lamentablemente numeroso de imbéciles, ignorantes y zombies que una vez votó a Macri, y ahora a su bufón Milei y a toda la banda de rufianes que los acompañan, se entregó el gobierno y administración del pais a una banda organizada que no tiene ideología, que busca sólo sacar provecho y rematar las industrias, los minerales, todo lo que puedan, sin límite”.

Adolfo Aristaráin era un director honesto, intransigente y profundamente moralista, con una firme convicción ética que se reflejaba en su cine y en su vida. Defendió historias que él consideraba que cautivarían al público a través de unos ideales críticos de la realidad social y el individualismo ético.

Y él mismo se definía como alguien que aprendía un oficio en el cine, con un espíritu anticonformista arriesgado, sensible y cuestionador ante la obediencia ciega al poder.

MURIÓ EL CINEASTA ARGENTINO LUIS PUENZO

21 abril 2026 – El cineasta Luis Puenzo, director de “La historia oficial”, película que ganó el Oscar de Hollywood a la Mejor Película Extranjera, murió en Buenos Aires. La noticia fue confirmada por el entorno del director, quien en los últimos años se había alejado de la escena pública por problemas de salud. Tenía 80 años.

Su cine, atravesado por la memoria, la identidad y los derechos humanos, marcó un antes y un después en la proyección internacional de Argentina como país.

Inició su recorrido en el cine publicitario. En 1968 fundó su productora, Luis Puenzo Cine, y en 1974 Cinemanía S.A. En 1973 presentó su ópera prima, Luces de mis zapatos, protagonizada por Pipo Pescador, Norman Briski y Juan Hidalgo, dando inicio a su camino como realizador y productor con una mirada propia.

Su filmografía como director incluye La peste, Gringo viejo, La puta y la ballena, Las sorpresas y Broken Silence. Como productor, participó en XXY, El niño pez, Wakolda, Infancia clandestina, El faro de las orcas, Los últimos y Planta madre.

Fue miembro fundador de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina, participó en la redacción de la Ley de Cine y presidió el INCAA durante un corto periodo de tiempo.

Curiosamente, su fallecimiento llegó uno o dos días después del de un actor argentino relevante que participó en películas como La Patagonia Rebelde y Esperando a la carroza, entre otras. Ambos tenían nombres compuestos casi idénticos: Luis Adalberto Puenzo y Adalberto Luis Brandoni. Tristes ironías de la vida o de la muerte, en este caso.

APLAZADOS LOS PREMIOS CÓNDOR DE PLATA

13 abril 2026 – La Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina informa que la 73ª edición de los Premios Cóndor de Plata, correspondientes a la producción audiovisual 2025, queda suspendida hasta nuevo aviso.

La decisión responde al contexto económico que atraviesa la Argentina, el cual impacta en la disponibilidad de recursos y en la posibilidad de garantizar las condiciones necesarias para la realización del evento en los términos que requiere una ceremonia de esta magnitud.

Desde su creación, los Premios Cóndor de Plata han acompañado y visibilizado la producción audiovisual argentina, consolidándose como un espacio de reconocimiento para realizadores, técnicos, intérpretes y trabajadores del sector.

La Asociación continuará evaluando la evolución del contexto con el objetivo de reprogramar la ceremonia cuando existan las condiciones adecuadas para su realización.

EN RODAJE: “ROMANCE DE LA LUNA NEGRA”

1 abril 2026 – El director argentino Pablo César es uno de los pocos que todavía rueda sus películas en formato fílmico y ahora está rodando su siguiente largometraje de ficción en Euskadi. El nuevo film se llamará “Romance de la luna negra” y está protagonizado por Luz Fernández del Castillo, quien también es la coproductora de la película.

La historia de este filme presenta a Clara, de 75 años, quien vive sola en un apartamento en la parte alta de un caserío vasco. Su rutina se ve alterada por la llegada de un misterioso vecino, que desencadena una serie de extrañas apariciones: rostros cambiantes, presencias filosóficas y recuerdos que regresan. Clara transita entre lo cotidiano y lo extraordinario, entre lo tangible y lo que se desvanece como un sueño. En cada lugar, los encuentros con estas figuras la acercan a un enigma íntimo. Sin respuestas fáciles, sólo el valor de mirar hacia atrás y seguir adelante puede revelar el significado oculto de su camino.

Al respecto Pablo César, quien rueda su segunda película con Del Castillo, comenta: “Con Romance de la Luna Negra, quiero explorar la frontera entre la realidad y lo intangible. Me interesa cómo la memoria, el amor y la ausencia se entrelazan en la vejez, no como un final, sino como un tiempo de revelaciones. Clara encarna la fortaleza para afrontar lo irresoluble, y a través de ella, propongo un viaje donde lo cotidiano se abre a lo poético y lo enigmático. No busco ofrecer respuestas definitivas, sino plantear interrogantes”.

“En este proyecto, grandes pensadores como Ortega y Gasset, Miguel de Unamuno o Gustavo Adolfo Bécquer aparecen no como explicaciones, sino como reflejos de la mente y el alma de Clara. La película invita al espectador a habitar la ambigüedad, a reconocerse en los silencios y la niebla, y a descubrir que lo esencial puede haber estado siempre oculto, esperando ser visto”.

EL FESTIVAL DE NANTES PREMIÓ A “ROMERÍA”

31 marzo 2026 – El Festival de Cine Español de Nantes (Francia) premió en su 35 edición de este año como mejor película a “Romería”, la más reciente creación de Carla Simón estrenada en salas comerciales.

Los miembros del jurado oficial del certamen escribieron esto acerca del filme rodado mayoritariamente en Galicia: El premio recae en una de las voces más singulares del panorama cinematográfico actual. La poesía de su lenguaje visual y el minucioso desarrollo de una experiencia traumática dan lugar a giros inesperados tanto para la joven protagonista como para el público. Al descubrir la diferente percepción de la realidad y las prioridades, por lo tanto distintas, de su familia biológica, la protagonista debe seguir adelante con su misión con perseverancia y confianza para descubrir la verdad y poder forjar su propio futuro. Delicada y poderosa, poética y brutal al mismo tiempo.

El palmarés se completó con Maspalomas, de Aitor Arregi y Jose Mari Goenaga —Mejor Interpretación para José Ramón Soroiz y Premio del Jurado Joven—; Tres adioses, de Isabel Coixet —Mejor Dirección y Premio del Público—; La Furia, de Gemma Blasco, —Mejor Ópera Prima—; Una película de miedo, de Sergio Oksman, —Mejor Documental—; Ciudad sin sueño, de Guillermo Galoe, —Premio del Jurado Joven—; y Timecode, de Juanjo Giménez, —Premio del Público a Mejor Cortometraje—.

OSCARS: PREMIARON A “VALOR SENTIMENTAL”

16 marzo 2026 – Dirigida por el noruego Joachim Trier, la película “Valor sentimental” obtuvo el Oscar a la Mejor Película Internacional en la ceremonia de los premios anuales de la Academia de Hollywood.

El filme, que estrenó en cines españoles el pasado 5 de diciembre, narra cómo Nora y su hermana Agnés intentan superar la reciente pérdida de su madre cuando su padre, Gustav, regresa de forma inesperada a sus vidas. Con la intención de volver a conectar, Gustav les presenta un guion que ha escrito, ofreciéndole a Nora el papel principal. Pero Nora, que aún está dolida y desconfía, lo rechaza de forma tajante.

Mientras las tensiones familiares van creciendo, las tres personas enfrentan viejas heridas, silencios incómodos y la difícil tarea de reconstruir los lazos rotos por el tiempo y el dolor.

La crítica internacional fue muy entusiasta en la mayoría de países donde se estrenó: se habló de una de las obras más maduras de Trier, quien repitió la autoría del guion junto con Eskil Vogt, con altísimas valoraciones en agregadores y fuerte presencia en festivales (incluido premio importante en Cannes).

Muchos críticos la leyeron como una especie de culminación del ciclo íntimo de Trier (tras “Oslo, 31 de agosto” y “La peor persona del mundo”), pero enfocada aquí menos en el amor romántico y más en el legado afectivo de la familia.

Javier Bardem y Priyanka Chopra-Jonas fueron los encargados de anunciar la película ganadora. Bardem aprovechó el momento para clamar su “No a la guerra y Palestina Libre”.

GOYA PARA “BELÉN”, DE DOLORES FONZI

1 marzo 2026 – “Belén”, película dirigida por la también actriz argentina Dolores Fonzi obtuvo el premio a la mejor película iberoamericana en la ceremonia de los Premios Goya del cine español, celebrada este año en la ciudad de Barcelona.

En su agradecimiento, Fonzi dijo, entre otras cosas: “Nosotros somos las películas que hacemos y en este momento el mundo se convirtió en una película de terror donde, -ya se ha nombrado-, está el genocidio en Gaza, el reclamo de las mujeres en Irán, la persecución a los migrantes en Estados Unidos,… y esa película de terror no somos nosotros, no somos la humanidad, y eso no lo podemos seguir permitiendo. Ustedes que tienen tiempo aún, no caigan en la trampa: la ultraderecha vino a destruirlo todo. Eso es así y yo vengo del futuro, de un país en donde el presidente incluso puso en venta el agua. O sea, que ya no sólo defendemos el cine; estamos teniendo también que defender el agua. Que no les pase a ustedes. Muchas gracias por el premio y es un honor”.

En cuanto a los premios al cine español, “Los Domingos” y “Sirat” fueron las películas más galardonadas. La de Alauda Ruiz de Azúa obtuvo cinco (mejor película, mejor dirección, mejor actriz protagonista, mejor actriz de reparto y mejor guion original) y “Sirat” seis (mejor dirección de fotografía, mejor montaje, mejor música original, mejor sonido, mejor dirección de arte y mejor dirección de producción). Sorprende que Sergi López ni siquiera estuviera nominado en la categoría de mejor actor protagonista.

Por su parte, “Sorda” obtuvo tres premios (mejor dirección novel, mejor actor de reparto y mejor actriz revelación) y “La Cena” dos (mejor guion adaptado y mejor diseño de vestuario). El mejor documental, según los académicos, fue “Tardes de Soledad”, de Albert Serra.

Por último destacamos el reconocimiento recibido por el cineasta Gonzalo Suárez a toda su carrera con el Goya de Honor, la despedida del presidente de la Academia española, Fernando Méndez-Leite, quien no renovará su cargo en junio próximo, y nuestra preocupación por que en la lista de necrológicas relacionadas con el cine que se muestran en la gala, cada vez aparece un mayor porcentaje de personas jóvenes. ¿Qué está pasando con la salud en el territorio español?

BILLY WILDER Y LOS FRACASOS EN EL CINE

Billy WilderPor lo general, cuando una película no funciona, uno dice que se adelantó a su tiempo, o que se estrenó demasiado cerca de la Navidad, o que era justo después de la Navidad y la gente se había gastado el dinero en regalos, o que fue un fracaso porque hacía muy buen tiempo y la gente se fue a la playa, o porque llovía y la gente se quedó en casa.
*Billy Wilder, director y guionista austriaco.