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Entrevista a Franco Verdoia y Pablo Bardauil sobre «La Vida Después»

Aquello que imaginamos, ¿es tan sólo ficción o de alguna manera va poco a poco condicionando nuestra realidad? Esta parece ser la pregunta clave en las dos películas que hasta ahora han rodado Pablo Bardauil y Franco Verdoia, y eso que ambas son bien diferentes en su concepto general. Tras la original e insólita «Chile 672», en «La Vida Después» ambos realizadores se acercan bastante a unos sentimientos que muchos espectadores reconocerán en primera persona, porque se corresponden a momentos de especial extrañamiento que siempre ocurren cuando una pareja se rompe y las preguntas y dudas te empiezan a rondar en la cabeza. Se trata pues, de una historia más reconocible que la anterior pero nada previsible, en la que cada uno comienza a tener sospechas sobre la vida que está llevando el otro tras la separación. Verdoia y Bardauil, en entrevista para Cinestel, nos proporcionan cada uno su respectivo punto de vista.

Pablo Bardauil: Como guionista, lo que no hay de invención es el punto de partida, aunque ficción es todo. El guión de la película arranca a partir de la experiencia mía de separación. Yo me separo después de varios años de convivencia, y a partir de ahí y de otras situaciones de quiebre que veía en parejas que estaban cerca mío, me surgió la idea de escribir algo sobre un matrimonio que se rompe porque a mí lo que me llamaba la atención era cómo es que matrimonios que habían estado tanto tiempo juntos, de pronto se disolvían, y esa persona con la que habías convivido, de repente comenzaba como a transformarse a la vista de uno en una especie de extraño. Me interesaba cómo cada ex-pareja va construyendo después lo que cree que va haciendo el otro.

A mí me pasaba que yo tenía referencias por lo que me comentaban los demás de lo que iba haciendo mi mujer, y un poco uno va imaginando qué va haciendo la persona que estaba con vos, cómo va siguiendo su vida, cómo se las va arreglando para salir adelante, con qué amigos se vincula,… Y eso va dando lugar a toda una idea medio de fantasía respecto de en qué está el otro que forma parte de un proceso de extrañamiento.

Me parecía un punto de partida ficcional interesante, y la primera idea original era construir una película de un matrimonio que se separa, partirla en dos, dividirla en dos mitades y contrastarla en dos puntos de vista, el del marido primero y el de la mujer después. Esa idea fue básicamente la que le conté a Franco de entrada, antes de que fuera un guión, y a él le interesó porque le pareció que ahí había un material rico, interesante para explorar.

Franco Verdoia: Nosotros veníamos de la experiencia anterior de «Chile 672», y luego de ese proyecto empezamos a trabajar en otro que se llamaba «El Castillo Inflable», con una estructura de relato coral bastante ambiciosa, pero nos encontramos con muchas dificultades a la hora de conseguir financiación porque era una película muy cara.

Viendo que se dilataba la posibilidad de materializar ese nuevo proyecto, empezamos a pensar en una historia más pequeña y ahí nace esta idea. A partir de la experiencia personal de Pablo pensamos que podía ser perfecto con menos actores, con dos personajes, centrado en la intimidad de esa relación, lo que nos permitió también generar un proyecto posible y adecuado al tipo de financiación del que podíamos llegar a disponer. Nosotros queríamos filmar desde un punto de vista realista a nuestras posibilidades de producción.

– ¿Cómo desarrollasteis esa textura de color tan singular que tiene «La Vida Después»?

Franco: En los últimos años, y después de la primera experiencia nuestra en cine, me surgieron distintos trabajos como director publicitario. Eso fue un poco moldeando la mirada y construyendo en mí un sentido si se quiere más detallista, más preciosista. Entonces hay algo que yo tenía ganas de explorar y que le traía a Pablo para compartir, que tenía que ver tal vez con una puesta más minuciosa y rigurosa donde, habiendo hecho un «Chile 672» muy concentrados en los actores dentro de un código experimental en donde estábamos los dos un poco jugando a hacer cine, ante la realidad de que ninguno de nosotros había tenido una experiencia anterior, acá con un poco más de entrenamiento, yo tenía ganas de que pudiésemos los dos concentrar no solamente nuestra mirada en los actores, que siempre fue nuestra puerta de ingreso a la creación, sino también en el lenguaje visual.

La Vida Después Belloso OnettoAhí fue que junto con la directora de arte que fue Cristina Nigro y el director de fotografía Jorge Dumitre, comenzamos a compartir experiencias, a imaginar esa atmósfera que finalmente resultó y que tenía por delante muchos desafíos. Por un lado, encontrar el tono, el color, el clima de esta historia. Pensamos que el otoño y la circunstancia otoñal era una atmósfera que le iba a sentar muy bien. Después había dos puntos fuertes más; uno tenía que ver con los espacios como narradores de este movimiento emocional de los personajes, que están armados de una determinada manera y se van desarmando y se vuelve a armar en otro lugar de otra manera. Esa transformación espacial también representaba un desafío estético. Y por último, el otro punto también fuerte tenía que ver en cómo narrábamos los límites entre lo imaginado y lo real, entre lo que sucedía y la subjetividad de cada uno de ellos. Entonces también ahí hubo una búsqueda bastante pensada, peleada y discutida acerca del cuál era la mejor manera de confrontar o de disimular estos dos universos. Creo que fuimos por el camino de tratar de borrar esos límites, de que no estuviese tan claro en cuáles eran esos momentos en los que estábamos de alguna manera habitando la subjetividad de cada uno de ellos, y cuáles son esos momentos en los que indudablemente transcurre la vida.

Trabajamos mucho en la composición viendo referencias. Nos gustaba mucho la textura y la paleta de colores en la película «Interiores» de Woody Allen, que por cierto es el único drama que hizo, con un clima bastante particular. Después François Ozon también hacía una propuesta interesante de poner en valor cierta ambigüedad, y eso queríamos que nuestra película también lo tuviera. Igual con Haneke. Son inspiradores de cómo mirar nuestra propia historia, a partir de cómo ellos desplegaban determinados procedimientos desde la cámara y desde la luz.

– La imaginación más desbordante se intuye que está en el personaje de Carlos Belloso que parece que lo está asfixiando anímicamente.

Pablo: Es cierto que la fantasía emerge más bien al principio. En Juana también surge en un momento en que está leyendo una novela que él escribió, pero también es verdad que en la parte de ella, la película gira un poco desde el fantástico al policial, aunque la fantasía también aparece.

– Ambos protagonistas están estupendos en su actuación. Sin embargo hay gente que a Carlos Belloso se lo imagina en otro tipo de papeles. ¿Crees que esto puede ser algún handicap a la hora de cuando se estrene la película?

Pablo: Yo creo que sí. Generalmente los personajes que suele hacer Carlos son papeles donde la composición es muy importante. Es más, de entrada nosotros habíamos pensado más bien en María Onetto y cuando conversamos fue ella la que nos sugirió pensar en Carlos, porque él estaba muy deseoso de hacer películas en donde no solamente dependiera de una composición, sino donde pudiera desarrollar un trabajo más interno. Entonces, desde ese punto de vista fue un desafío bastante importante para nosotros y para él hacer un personaje alejado del tipo de cosas que hace normalmente. Y yo creo que el resultado fue muy bueno. El proceso de ensayos previo fue bastante extenso. Estuvimos más de un mes ensayando previamente antes de empezar a rodar con muy positivo resultado.

Franco: Evidentemente, su personaje apuntaba a otro tipo de abordaje o de construcción de su imagen y de sus emociones. Tal vez una propuesta que era mucho más austera y precisa que la composición. Carlos es un gran actor de teatro. Me acuerdo que por esa época cuando teníamos que hablar con él para ofrecerle el papel, yo lo fui a ver a una obra de teatro que estaba haciendo y era impresionante, porque componía unos monstruos en escena rarísimos y pensé que eso se alejaba mucho de lo que iba a ser Juan. Él es un actor muy virtuoso en lo que es composición física. Hacía unas cosas con el cuerpo que no se podía creer, de mucho virtuosismo, pero en las antípodas de lo que aquí tenía que proponer, y la verdad que tanto María como Carlos hicieron un trabajo de mucha entrega, como de mucha docilidad al mismo tiempo.

– La premiere de la película se dio en el Bafici. ¿Cuáles fueron los comentarios del público?

Franco: Pues un poco los comentarios fueron que es una película que propone un guión que desconcierta, sorprende, y parte de un aparente lugar común. Uno piensa que se va a sentar a ver un drama de separación y la película deviene en un montón de zonas que como es la historia, el espectador no se las espera; entonces eso hace que el público tenga un rol muy activo durante la proyección.

Pablo: Sí, porque la película va dando varios puntos de giro. No es que se queda en algo contemplativo sino que van sucediendo cosas. Es una película breve, -estamos hablando de 77 minutos-, y en la que todo el tiempo van sucediendo cosas y es cierto que a veces, como muchas de esas cosas van y vienen en la realidad y en la fantasía, hay que estar muy atento para no perderse.

– El final abierto a mí me parece lógico por cuanto la vida siempre continúa.

Franco: El espectador va a poder tratar de armar su propio relato a partir de lo que uno arroja como escenas y como subjetividad. Me parece que hacia el final la propuesta es bastante abierta y eso también genera un poco de angustia en el público, sobre todo el que está más acostumbrado a un final tipo «y comieron perdices y fueron felices», en el que se resuelvan las cosas.

Pablo: La película está haciendo una apuesta a activar la participación del espectador y a no cerrar todo, y eso es lo que puede producir angustia. En la vida sólo hay una conclusión que es la muerte, pero las cosas no se cierran, siempre están abiertas.

Franco: Lo cual no quiere decir que la película sea de una abstracción permanente. Es muy concreto lo que sucede y lo que va pasando, y por ahí las cosas no son tan determinantes como blanco o negro, sino más bien en zonas grises.

Enlace a nuestra crítica de la película, aquí.

©José Luis García/Cinestel.comLa Vida Después entrevista directores

La información: lo primero para poder elegir

CINESTEL.COM/ FUNDADA EN JULIO 2005

FILMOTECA CATALUNYA NOVEMBRE 2023

L’actual Mostra de Cinema Àrab i Mediterrani coincideix amb una nova edició de la Mostra de Cinema Espiritual, aquest any dedicada a l’obra de Claude Lanzmann centrada en l’Holocaust. Ambdues estaven programades des de fa molts mesos i es superposen ara amb una nova escalada de violència a l’Orient Mitjà. La Filmoteca ha decidit mantenir totes les projeccions des de la defensa de la cultura com a via de diàleg i dels valors democràtics.

Claude Lanzmann, testimoni de l’Holocaust

Com cada any, la Filmoteca acull la retrospectiva de la Mostra de Cinema Espiritual de Catalunya. Enguany el protagonista és el cineasta, escriptor i periodista francès Claude Lanzmann (París, 1925-2018), autor del monumental Shoah (1985), film definitiu sobre l’Holocaust jueu, de més de nou hores de durada, que per primer cop es podrà veure a la Filmoteca. Un llegat excepcional de memòria històrica que posava nom i rostre a algunes de les milions de víctimes d’aquesta barbàrie, amb una nova estètica i ètica en la representació dels genocidis. Lanzmann basa la força del seu relat en el testimoni dels supervivents (i dels botxins), a qui sol desplaçar a l’escenari traumàtic dels fets per reviure els seus records més dolorosos. El Centre Pompidou de París també programa aquest novembre una gran retrospectiva Lanzmann.

El cicle s’inaugura el dimecres 15 de novembre a les 20.00 h amb una taula rodona moderada per Mossèn Peio, impulsor de la Mostra de Cinema Espiritual, amb la participació de Paula Kuffer (Doctora en Filosofia, editora i traductora), Marta Marín-Dòmine (escriptora i investigadora) i Arturo Lozano Aguilar (historiador del cinema, autor del llibreVíctimas y verdugos en ‘Shoah’, de Claude Lanzmann). (més informació)

Mostra de Cinema Àrab i Mediterrani de Catalunya

La Mostra, una altra cita indefugible de cada tardor, serà competitiva per primer cop i estrena una nova col·laboració amb la Fundació Solidària Flama. La programació descobreix noves cinematografies, com les del Iemen o el Sudan, i aborda qüestions fins ara poc tractades com el moviment queer, l’avortament o la prostitució. També hi seran presents societats tradicionalment visitades per la Mostra com Palestina, el Líban o Síria, amb propostes que proposen nous relats. Vindran a presentar els seus films la palestina Maha Haj, la siriana Batoul Karbijha i l’egipci Mohammad Shawky Hassan, mentre que la cineasta i activista algeriana Habiba Djahnine presentarà el focus de títols clàssics, i mantindrà una conversa a la Biblioteca de la Filmoteca per explicar el projecte Cinéma et Memoire. (més informació)

Tatiana Huezo a L’Alternativa

El Festival de Cinema Independent de Barcelona arriba a la 30a edició, i dedica la seva retrospectiva a Tatiana Huezo, que amb només quatre llargmetratges s’ha fet un nom internacionalment, amb històries femenines on la violència o la pèrdua es troben amb la resiliència i la capacitat de trobar esperança en situacions difícils. La cineasta mexicana hi serà per presentar la seva obra més recent, El Eco.
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La Filmoteca també acollirà altres sessions destacades de L’Alternativa, com el film inaugural, Fallen Leaves, d’Aki Kaurismäki, Palma d’Or i Premi de la Crítica al darrer festival de Cannes, l’estrena d’It Must Be Heaven d’Elia Suleiman, en col·laboració amb La Mostra de Cinema Àrab, o els nous films d’Alice Rohrwacher, La Chimera, i del documentalista Nicolas Philibert, l’Os d’Or de la darrera Berlinale Sur l’Adamant, que presentarà personalment, a més d’impartir una masterclass al CCCB.
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Cinema romanès actual

Una selecció de sis produccions que han tingut un gran ressò en el circuit internacional de festivals darrerament, i que confirmen la cinematografia romanesa com una de les més interessants del panorama europeu des de la seva irrupció internacional l’any 2005. Emanuel Parvu hi serà present per inaugurar la mostra, on participa per partida doble com a director (Marocco, 2021) i com a actor (Miracol, 2021), i també es podrà veure R.M.N., el darrer film d’un dels membres més il·lustres de la nova onada del cinema romanès, Christian Mungiu, que va participar a la secció oficial de l’últim festival de Cannes. (més informació)

Masahiro Shinoda

Un dels màxims representants de l’anomenada “Nuberu bagu” (“Nouvelle vague”) japonesa. La seva obra va aportar una renovació estilística i ideològica a partir de gèneres tradicionals del cinema japonès, com el “yakuza eiga”, dedicat al gangsterisme local, el “jidai geki”, drama històric o el “chambara”, films d’espadatxins. Tot i així Shinoda parla sempre dels problemes del Japó contemporani, sobretot de la desorientació dels joves amb el país que han heretat dels seus pares després de la Segona Guerra Mundial. Un cicle amb cinc títols de la dècada de 1960 il·lustra la importància d’aquest gran renovador del cinema nipó. Amb la col·laboració de Japan Foundation. (més informació)

Wang Chao

En el marc de l’Asian Film Festival Barcelona, la Filmoteca projectarà la trilogia d’aquest director xinès sobre la Xina moderna: L’orfe d’Anyang (2001), Dia i nit (2004) i Cotxe de luxe (2006). Una magnífica ocasió per conèixer un cineasta compromès i inèdit a les nostres pantalles. Wang Chao, que serà a la Filmoteca per presentar els seus films, pertany a l’anomenada “sisena generació” de cineastes xinesos, i s’interessa pels marginats i els aspectes més controvertits de l’entrada de la Xina al mercat capitalista. (més informació)

Cinema Paper. Érik Bullot. Activitats paral·leles

Realitzar una pel·lícula a través de la paraula o el collage. Aquestes són algunes de les qüestions que travessen els escrits del cineasta i teòric Érik Bullot. La sessió Retrat del cineasta en ventríloc reflexionarà sobre la seva pròpia pràctica d’escriptura evocant els diferents contextos de publicació (revistes, conferències, assajos, ensenyament), l’ús de diferents llengües, el concepte de pel·lícula paper i el desdoblament del cinema a través de l’escriptura i la paraula. (més informació)

La Filmoteca també presentarà l’estrena a Catalunya del darrer film de Bullot, Langue des oiseaux (2022) on explora les potències de la traducció i el nostre desig de comunicació entre espècies.
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I també…

Història permanent del cinema català continua fent visibles els films digitalitzats del fons de la Filmoteca. Aquest novembre recuperemUn vaso de whisky (Julio Coll, 1958), barreja de cinema negre, drama psicològic i denúncia social.
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La protagonista del cicle Dones guionistes en el Hollywood silent és Anita Loos, coneguda sobretot per la seva novel·la Els senyors les prefereixen rosses. Es projecten dos dels seus guions de 1916 dirigits pel que seria el seu marit, John Emerson: His Picture in the Papers, comèdia al servei de Douglas Fairbanks, i The Social Secretary, al voltant de l’assetjament sexual a la feina.
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Com a colofó a l’homenatge que la Filmoteca dedica tot l’any a Godard, es presenta el documental Godard par Godard, un autoretrat d’arxiu del gran cineasta escrit per Fréderic Bonnaud, que serà aquí per presentar-lo després de passar per Cannes. (més informació)

Celebrem el Dia Internacional de la Llengua Romaní, amb la projecció del documental Flames de Déu (Meshakai Wolf, 2011), una història de llengua i identitat, les del poble gitano, als marges de la civilització occidental. Presentarà l’acte Sami Mustafa, del Consell del Poble Gitano. (més informació)

Una experiència inèdita a la Filmoteca: Sessió d’escolta, amb Attuning d’Aura Satz, amb dues de les composicions telefonicosonores de l’artista: Dial Tone Dron (2014) i Tone Transmissions (2020). Sessió en el marc del Festival LOOP 2023 i amb la col·laboració del Museu de la Música. (més informació)

Dins la programació de Per amor a les Arts, sessió especial que sota el títol Tràilers. Pel·lícules en miniatura inclou una selecció d’aquestes càpsules promocionals que acaba de donar a la Filmoteca el col·leccionista de cinema Lluís Benejam. Una mostra de la capacitat de síntesi d’aquestes peces, tant de films catalans i espanyols com d’internacionals.
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Les sessions familiars del cap de setmana cedeixen part del seu espai a El meu primer festival, i a més continua l’oferta de tardor de FilmoXica amb el cicle de tardor, Salvem el planeta!
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SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

Sylvette Baudrot 260

ALL ROADS LEAD TO BARCELONA

One of the best ways to follow what’s going on at the movie theaters area and what the next innovations are representing for the movies distribution industry, is taking a look at CineEurope coverage released on our site Cinestel.com

Una de les millors maneres de seguir tot el que està passant al voltant del àrea profesional de les sales de cinema i també d’allò que les següents innovacions representen per a la indústria de distribució de pel·lícules, és fent una ullada a la cobertura de CineEurope feta pel nostre lloc web Cinestel.com

This is a links’ summary (most of the reports and interviews are written in Spanish):

Aquest és un sumari en anglès dels enllaços a notícies i entrevistes:

FILMOTECA: ELS SERVEIS EDUCATIUS

PREMIO EUROPEO PARA ISABEL COIXET

15 noviembre 2023 – La directora Isabel Coixet ha sido galardonada con el European Achievement in World Cinema, otorgado por la Academia de Cine Europeo para rendir homenaje a su trayectoria y reconocer su impresionante contribución al mundo del cine.

La directora, que acaba de estrenar su último largometraje, ‘Un Amor’, se convierte así en la primera directora española en recibir el galardón, que han recibido figuras del cine tan relevantes como Isabelle Huppert, Juliete Binoche, Lars Von Trier o Roman Polanski, entre otros, y los españoles Antonio Banderas en 1999, Victoria Abril en 2002 y Pedro Almodóvar en 2013.

Nacida en Sant Adrià de Besòs (Barcelona), Coixet comenzó a filmar siendo una niña con una cámara de 8 mm y empezó a trabajar en publicidad a los 19 años.
Su ópera prima ‘Demasiado viejo para morir joven’ (1989), le valió una primera nominación a Mejor Director Revelación en los premios Goya.

A lo largo de su carrera, Isabel Coixet, en sus películas, sus escritos y entrevistas, siempre ha defendido sus creencias y valores, y ha dado voz a sus protagonistas. En 2015 recibió el reconocido premio de la Ordre de Chevalier des arts et des lettres de Francia y en 2020 el Premio Nacional de Cine, otorgado por el Ministerio de Cultura y Deportes de España.

Con un total de nueve galardones, Isabel Coixet es la cineasta con más premios Goya. También es presidenta honoraria de la Red Audiovisual Europea de Mujeres EWA. La cineasta será invitada de honor en la 36ª Ceremonia de los Premios del Cine Europeo el 9 de diciembre en Berlín.

La Academia de Cine Europeo busca apoyar y conectar a sus 4.600 miembros y celebra y promueve su trabajo. Sus objetivos son compartir conocimientos y educar a públicos de todas las edades sobre el cine europeo. Posicionándose como una organización líder y facilitando debates cruciales dentro de la industria, la Academia se esfuerza por unir a todos los que aman el cine europeo, lo que culmina anualmente con el Mes del Cine Europeo y los Premios del Cine Europeo, incluyendo el patrimonio cinematográfico europeo en su cartera y ampliando su enfoque hacia el público joven a través del European Film Club.

SEMINCI: “LA IMATGE PERMANENT”

28 octubre 2023 – El primer largometraje de Laura Ferrés (1989), “La Imatge Permanent”, ha sido premiado con la Espiga de Oro a la Mejor película de la 68 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci). Rodado en el Prat del Llobregat, ciudad natal de la directora, en lengua catalana y con fragmentos en castellano, está protagonizado por las actrices debutantes María Luengo y Rosario Ortega.

La película está ambientada en un pueblo del sur donde Antonia, una madre adolescente, desaparece en medio de la noche. Cincuenta años más tarde y muchos kilómetros al norte, Carmen, una directora de casting algo introvertida, debe encontrar personas que cuenten sus recuerdos tras cambiar de ciudad. Durante su búsqueda, Carmen conoce a Antonia, una mujer impulsiva que invade su soledad.

Premiada en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes, en los Goya y en los Gaudí, por su corto documental Los desheredados, Laura Ferrés firma el guion de su primer largometraje con la colaboración de Ulises Porra (Tigre, Carajita) y Carlos Vermut (Mantícora, Magical Girl, Quién te cantará).

Ferrés declaraba tras recibir la noticia del premio que “después de estrenar mis dos cortometrajes y mi primer largometraje en la Seminci, estoy muy feliz de recibir este importante premio justamente aquí. “La Imatge Permanent” es el proyecto más desafiante al que me he enfrentado y estoy muy agradecida al jurado y a la Seminci por reconocer este atrevimiento y esta otra manera de hacer cine. Asimismo, soy muy afortunada de contar con mi familia y equipo por ayudarme a sacar la película adelante; algunos ya son amigos de por vida y espero que premios como éste nos ayuden a hacer más películas».

PALMARÈS DEL FESTIVAL SOM CINEMA

23 octubre 2023 – El Festival de l’Audiovisual Català Som Cinema va lliurar a Lleida el guardó al millor llargmetratge de ficció a la pel·lícula Quest, òpera prima de la directora mallorquina Antonina Obrador. El jurat, integrat per Pere Gaviria, Alexia Muiños i Lucia Tello, va distingir aquest thriller psicològic que reflexiona sobre el dol i la masculinitat i que protagonitzen Enric Auquer i Laia Manzanares.

Obrador va recullir el premi de mans d’Antoni Gelonch, president de la Fundació Horitzons 2050 que, enguany per primera vegada, ha dotat el premi metàl·lic del guardó.
La sala Screenbox de Lleida va acollir la sessió de cloenda i anunci del palmarès del certamen. A l’acte van assistir la regidora de Cultura i Promoció Econòmica de la Paeria, Pilar Bosch, la vicepresidenta 2ª de la Diputació de Lleida, Sandra Castro, Antoni Gelonch i les regidores Neus Caufapé i Jordina Freixanet.

Documentals guardonats

Toda una vida, òpera prima de la realitzadora de Benicarló Marta Romero va rebre el premi al millor llarg documental d’acord amb el veredicte del jurat integrat per Daoud Sarhandi-Williams, Marina Rúbies i Núria Jové. La cinta és el resultat de dotze anys de gravació de la vida dels avis de la directora, marcada en aquest període per l’Alzheimer que va afectar la seva àvia. Més enllà d’aquesta malaltia, el film acaba mostrant una gran història d’amor.

Dins de la mateixa secció, el jurat va atorgar una Menció per a ¿Cómo te llamabas antes? Y otras preguntas estúpidas, dirigit per Ibán Pàmies, Belén López i Toni Torbellino; un retrat del dia a dia de les persones trans.

Pel que fa a l’apartat de curts documentals, el premi el va rebre Carmen, sin miedo a la libertad, d’Irene Baqué, sobre la primera associació de dones gitanes feministes, al barri de Las 600 de Cartagena, en lluita contra el racisme i el masclisme sistèmics.

Curts de ficció

El guardó al millor curt de ficció es va concedir al treball Has estado, hace tiempo, dirigit per Gerard Oms. El jurat va concedir una Menció a Anhel de Llum, de la lleidatana Alba Cros.

Pere Gaviria va destacar la gran qualitat de la secció de curts de ficció i, com a mostra d’això, es va decidir lliurar el Premi del Jurat a Hàbitat, d’Elena Escura.

Projecció de cloenda

En la sessió de cloenda, es va projectar el curtmetratge Clot, dedicat al procés de transformació de la plaça del Clot de les Granotes, a Lleida, produït per Bòreas Talens.
Som Cinema, produït per Suggeriments S.C.P., compta amb el suport de l’Ajuntament de Lleida, la Diputació de Lleida-Institut d’Estudis Ilerdencs, el Vicerectorat de Cultura i Extensió Universitària de la Universitat de Lleida i enguany s’ha incorporat la Fundació Privada Horitzons 2050, que ha dotat els 2.000 euros del premi al millor llargmetratge de ficció.

SITGES: “CUANDO ACECHA LA MALDAD”

16 octubre 2023 – “Cuando acecha la maldad” es un relato de posesiones demoníacas dirigido por el argentino Demián Rugna, que se alzó como la mejor película en Sección Oficial a Competición de la 56ª edición del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. El filme narra cómo un un pueblo remoto, dos hermanos descubren a un hombre infectado por fuerzas malignas que está a punto de dar a luz a un demonio. Desesperados por evitar la entrada del Mal a su pacífico mundo, los hermanos descubrirán la terrible verdad: es demasiado tarde.

El filme argentino se ha convertido en la primera película latinoamericana en alzarse con el premio a Mejor Película en los 56 años de historia del Festival de Sitges. Además, la película supone un éxito para Sitges Industry ya que fue un proyecto que empezó a gestarse en el contexto del Sitges Fanpitch. ‘Tiger Stripes’, otra de las películas premiadas (en este caso, Zafeen Zairizai se llevó una mención especial a la mejor interpretación femenina), también es otro proyecto que se incubó en Sitges Fanpitch y ha acabado pasando por el Festival de Cannes antes de completar el círculo y volver a Sitges.

El palmarés de la Sección Oficial estuvo muy repartido, con un total de trece películas logrando algún premio. ‘Vermin: La Plaga’ y ‘Stopmotion’ se suman a la lista de ganadoras del Gran Premio del Jurado, con un merecido reconocimiento ex aequo. La mejor dirección fue para una de las revelaciones del Festival, el director y músico Baloji se ha llevado el galardón por su trabajo en ‘Omen’. Por otro lado, los premios a las mejores interpretaciones fueron para Karim Leklou por ‘Vincent debe morir’ y Kate Lyn Sheil por ‘The Seeding’.

SAN SEBASTIÁN: VENCIÓ “O CORNO”

1 octubre 2023 – “O Corno”, la segunda película de la realizadora vasca afincada en Galicia, Jaione Camborda, se alzó con la Concha de Oro en el 71 Festival de San Sebastián. La película llegará a las salas cinematográficas del territorio español el próximo día 11 de octubre. Por cuarto año consecutivo, la Concha de Oro ha sido conquistada por una mujer después de Dasatskisi / Beginning (Dea Kulumbegashvili, 2020), Crai nou / Blue Moon (Alina Grigore, 2021) y Los reyes del mundo / The Kings of the World (Laura Mora, 2022).

La película, un drama rural ambientado en la Galicia de los años 70, está protagonizada por la bailarina Janet Novás (Premio Nacional de Danza) y cuenta en su reparto con Carla Rivas, Siobhan Fernándes y Diego Anido, entre otros.
O Corno está rodada en gallego y portugués en varias localizaciones de las comarcas de Arousa y Baixo Miño (Pontevedra) y Alto Minho (Portugal) y narra la historia de María, una mariscadora y también partera que, tras un horrible suceso, se ve obligada a huir a través de una ruta de contrabandistas.

María es una mujer que se gana la vida mariscando. También es conocida en la isla por ayudar a otras mujeres en sus partos con especial dedicación y cuidado. Tras un inesperado suceso, se ve obligada a huir y comienza una peligrosa travesía que le hará luchar por su supervivencia. Buscando su libertad, María decide cruzar la frontera por una de las rutas de contrabando entre Galicia y Portugal.

El Premio al mejor guion fue para los argentinos María Alché y Benjamín Naishtat por “Puan” (Argentina-Italia-Alemania-Francia-Brasil), largometraje dirigido por ambos. La Concha de Plata a la mejor interpretación protagonista recayó ex aequo en Marcelo Subiotto y en Tatsuya Fuji por sus respectivos papeles en “Puan”, de Alché y Naishtat, y “Great Absence” (Japón), de Kei Chika-ura, al tiempo que la Concha de Plata a la mejor interpretación de reparto fue para Hovik Keuchkerian por su personaje en “Un amor” (España), de Isabel Coixet. El Premio Horizontes fue para “El Castillo”, de Martín Benchimol (Argentina).

“POBRES CRIATURAS” TRIUNFÓ EN VENECIA

10 septiembre 2023 – La más reciente producción de cine dirigida por el cineasta Yorgos Lanthimos se alzó con el León de Oro en la Mostra de Venecia.

“Pobres Criaturas” (Poor Things) está protagonizada por la actriz Emma Stone y narra la increíble historia y fantástica evolución de Bella Baxter, una joven devuelta a la vida por el brillante y poco ortodoxo científico Dr. Godwin Baxter. Bajo la protección de Baxter, la protagonista está ansiosa por aprender. Hambrienta de la mundanidad que le falta, Bella huye con Duncan Wedderburn, un abogado hábil y libertino, en una aventura relámpago a través de los continentes.

La película huye de los prejuicios de esa época y se reafirma en su propósito de defender la igualdad y la liberación femenina en clave de comedia negra de ciencia ficción. El director justificó la ausencia de la actriz protagonista por los efectos de la actual huelga de actores y actrices de Hollywood. “Pongo mi voz en la esperanza de que se resuelva pronto”, dijo Lanthimos en la ciudad italiana.

Por su parte, el director japonés Ryūsuke Hamaguchi consiguió el León de Plata del Gran Jurado para su película “Evil does not exist” (El mal no existe), tras su reciente éxito “Drive my car” (2021), y “Green Border”, de Agnieszka Holland, que dramatiza la difícil situación de los inmigrantes en la crisis fronteriza entre Bielorrusia y la UE, se llevó el Premio Especial del Jurado; mientras que el italiano Matteo Garrone obtuvo el premio al mejor director por “Io Capitano”, con el joven actor Seydou Sarr ganando también el premio Marcello Mastroianni a la joven promesa de la interpretación por su papel en la película.

Asimismo, Peter Sarsgaard ganó la Copa Volpi al mejor actor por “Memory”, del cineasta mexicano Michel Franco, y pronunció un largo y emotivo discurso en el que pidió a la Alianza de Productores Cinematográficos y de Televisión que reconsiderara sus acciones en las huelgas en curso.

50 AÑOS DE “EL ESPÍRITU DE LA COLMENA”

7 agosto 2023 – Este año se cumplen 50 años del estreno de “El espíritu de la colmena”, película que lanzó la carrera de su director, Víctor Erice, y que le valió la Concha de Oro a la Mejor Película en el Festival de San Sebastián.

Hoy en día es considerada como una de las mejores películas de todos los tiempos.
La revista Sight & Sound y reconocidos cineastas como Guillermo del Toro y Paul Schrader, por poner solo dos ejemplos, la señalaron como obra capital de la historia del cine cuando la eligieron para el canal de Criterion.

Lo que no cabe duda es que el tiempo (a través de la crítica especializada y el recuerdo generado en los propios espectadores) ha puesto la película en un lugar destacado de la historia del cine. Nadie discute que hablamos de una experiencia cinematográfica memorable y que ha marcado también a numerosos cineastas del presente.

Para celebrar el 50 aniversario de esta importante obra cinematográfica, la distribuidora Avalon incorpora “El espíritu de la colmena” a su catálogo y en los próximos meses podrá disfrutarse en numerosas reposiciones en distintas salas, tanto en cines comerciales como pantallas alternativas.

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LOS INVENTORES DEL CINEMATÓGRAFO

Cinematógrafo LumièreEl cine es una invención sin ningún futuro. (…)
Nuestro invento no es para venderlo. Puede ser explotado algún tiempo como curiosidad científica, pero no tiene ningún interés comercial. *Antoine Lumière

BILLY WILDER Y LOS FRACASOS EN EL CINE

Billy WilderPor lo general, cuando una película no funciona, uno dice que se adelantó a su tiempo, o que se estrenó demasiado cerca de la Navidad, o que era justo después de la Navidad y la gente se había gastado el dinero en regalos, o que fue un fracaso porque hacía muy buen tiempo y la gente se fue a la playa, o porque llovía y la gente se quedó en casa.
*Billy Wilder, director y guionista austriaco.