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«Hermanos de sangre» de Daniel de la Vega; buen cine de género en clave de comedia negra

junio 6, 2013 ENTREVISTAS

Entrevista.
El cine argentino de género cada vez está despuntando más en consonancia con el gran número de seguidores que tiene y con toda una camada de realizadores que adoraron este tipo de películas cuando fueron chicos y que ahora, como le ocurre a Daniel de la Vega, serían capaces hasta de quedarse sin dormir por tener acabado un film narrativamente muy consistente como es el caso de «Hermanos de sangre».

La idea original de la película fue del realizador de «Diablo», Nicanor Loreti, firme admirador de Tarantino, que un año antes había conquistado el premio a la mejor película de la competencia argentina en Mar del Plata y que en la más reciente edición fue para ésta, en un trabajo de guión en el que le acompañaron Martín Blousson y Germán Val. Es el primer trabajo en cine de De la Vega en su propio país luego de haber hecho en los Estados Unidos varios cortos y dos largometrajes, «La sombra de Jennifer» (2004) protagonizado por Faye Dunaway, y «La muerte conoce tu nombre» (2007).

Alejandro Parrilla«Hermanos de sangre» es un film en el que su grueso protagonista, Matías Timm, es alguien que vive sus propios sueños como inalcanzables, y su mejor amigo, Nicolás Galvagno, es quien se propone allanarle el camino para que puedan cumplirse sus deseos más profundos mientras está secretamente enamorado de una compañera de trabajo.
El director detalla a Cinestel que «Matías sufre la indiferencia, el desprecio y el maltrato de una sociedad que no acepta al que es diferente, distinto o que no se ajusta al estereotipo de belleza que uno espera. De alguna manera es una de las tantas cosas que me acercaron a esta historia porque yo fui un gordito redimido hasta entrados los 35 años y creo que encontré en este guión un punto de partida para que yo me pudiera identificar».

«Atendiendo a que yo no tengo experiencia dentro de la comedia y que siempre he hecho películas de género, de terror en particular, esta película tenía un punto de oscuridad tan atractivo para mí y tan en común conmigo que sentí que podía aportarle algo. Creo que el personaje sufre básicamente lo que cualquiera de nosotros puede sufrir cuando es despreciado, no aceptado o no reconocido por méritos y sin poder aprovechar oportunidades».

– De todas formas él encuentra a su ex-colega y parece como que hay una parte de la manera de ser de su amigo que a él le gustaría tener, ¿es así?

Sergio Boris Alejandro Padilla Hermanos de SangreEs que en definitiva no dejan de ser dos caras de una misma moneda, es decir, esta es una historia de aprendizaje en donde un personaje se convierte en algo mejor de lo que era en un origen; es una transformación. En este caso, el detonante es una persona que asegura ser un amigo de infancia, cosa que no lo sabemos. Suponemos que es cierto pero lo que queremos transmitir con la película es que estas dos caras de la moneda son efectivamente uno solo; todo el tiempo se juega con esa idea.

– «Hermanos de sangre» contiene una estética de cine gore con una teatralización de la mutilación que incorpora muchos litros de sangre artificial, pero lo que prevalece ante todo es un tono muy amplio de comicidad que hace divertir y entretener al espectador a sabiendas de su construcción surrealista y con una estructura narrativa muy sólida. ¿Era esa tu intención inicial?

Mira, en esencia yo diría que la película es una comedia y que tampoco sacraliza los géneros sino que transita y de comedia luminosa deviene al thriller, pasa por la comedia negra y termina en un desenlace con policial de acción, es decir, es un híbrido extraño que por suerte no quedó como un pastiche, que era un riesgo posible. La verdad es que en ese sentido, la influencia de Tarantino es más que evidente, creo que intentamos hacer una película para el gran público, fuimos honestos porque estos géneros que transitamos fueron los que nos pedía la historia y creo que el humor fue un paraguas muy necesario para que funcionara, aunque la película esencialmente es políticamente incorrecta y si no fuera por esa identificación con los protagonistas y por el humor, creo que la película sería indefendible.

– Me doy cuenta de que en el lenguaje que emplean los personajes habéis tratado de evitar formas y modismos muy particulares de la manera de hablar del porteño. ¿Quizá pensasteis en un público de fuera de Buenos Aires o incluso más internacional?

Alejandro Parrilla en 'Hermanos de Sangre'Yo creo que la película es universal pero sinceramente es argentina, osea, nunca lo pensamos como una inserción en el mercado internacional porque, entre otras cosas, fue una película con uno de los presupuestos más chicos que otorgó en el año 2011 el Instituto de Cine argentino y jamás tuvimos grandes expectativas. Queríamos hacer una buena película porque le íbamos a poner buen corazón, de ahí a que la premiaran en Mar del Plata y que hoy estuviéramos estrenando en 14 salas, eso era un sueño inalcanzable en un principio que superó cualquiera de nuestras expectativas porque mientras trabajas nunca llegas a pensar que pudiera funcionar como lo hizo.

– La idea original fue de Nicanor Loreti y el trabajo de los guionistas se nota que está muy pulido y cuidado.

Trabajaron los tres guionistas y yo lo que hice fue acompañarles en el proceso, leyendo el  guión y haciéndoles preguntas que ellos respondían en el mismo texto, y fuimos construyendo algo que fue bastante sólido. Yo creo que nos potenciamos y nos sumamos mutuamente, sin dejar de resaltar que es una idea original de Loreti y que en definitiva se empezó a escribir en 2005. Yo me tropiezo con este libro en el año 2009 y desde ese momento hasta el 2011 que es cuando sale el dinero del INCAA, lo que hicimos fue escribir una tras otra las diferentes versiones hasta potenciar el libro y llevarlo adonde lo queríamos llevar. Creo que en ese sentido hubo muy buena química al punto de que ahora estamos empezando a desarrollar un nuevo proyecto juntos porque ellos tienen un universo que yo no tengo y yo puedo sumarles otras cosas que evidentemente les pueden ser útiles a ellos. En ese sentido, creo que es enriquecedor; yo también escribo mis propios guiones y por supuesto ellos proponen cosas adonde yo no llegaría.

– ¿Vos llevaste la cámara todo el tiempo de la filmación?

Sí, yo hice la cámara, el montaje, la producción, la dirección y no pude actuar porque no sabía cómo hacerlo. (risas)

– Pese a tu largo tiempo dedicado al mundo del audiovisual, ¿de verdad es esta la primera vez que trabajas en tu propio país, la Argentina?

Daniel de la Vega

Daniel de la Vega

Sí, es muy paradójico. Esta es mi ópera prima en castellano en mi país. Yo soy una persona que ha tenido la desventura de haber transitado el cine americano sin haberlo elegido porque cuando empecé mi carrera quería hacer filmes de terror, no encontré en mi país el apoyo que hubiera deseado y lo que terminó ocurriendo es que sí aparecieron capitales en el extranjero, en el mercado americano. «Jennifer Shadows», mi primera película de terror con Faye Dunaway, la hice junto a Pablo Parés de Farsa Producciones y la segunda también fue para allá y se llamó «Death knows your name», también en inglés, se estrenó en varios países y blockbusters y al fin conseguí mi objetivo de rodar una historia en mi tierra y en castellano a los 40 años de edad, lo cual suena bastante absurdo siendo un problema que tiene que ver con un rechazo al cine de género en Argentina. Hoy ya las cosas se han modificado y hay una apertura mucho mayor al género y por eso «Hermanos de sangre» salió adelante, pero puedo decir que hace diez años esta película no hubiera podido existir.

– ¿Y que te dieran un premio a la competencia argentina en Mar del Plata no es un buen aliciente, aunque sea un poco tarde?

Sí, está todo bien. Soy resentido hasta cierto punto, no demasiado. A mí lo que me permitió el premio es llegar a la gente, que en definitiva es el objeto de la existencia de esta película. El premio me dio la posibilidad de pasar a 35 la copia y estrenar la cinta porque en definitiva no teníamos recursos para pasarla de formato. Lo logramos y hoy el film se va a encontrar con la gente, que en conclusión, para eso lo hicimos. Estoy orgulloso de que la película tiene la virtud de que por un lado la crítica la ha tratado bastante bien pero fundamentalmente también el público. Siempre hay un divorcio entre el público y la crítica y sin embargo en este caso hubo cierta comunión y eso me gusta especialmente por la gente porque disfrutan de la película y para mí eso es un privilegio.

– Da la impresión de que el cine de género cada vez más va ganando terrero.

Jimena Anganuzzi en Hermanos de SangreEso es producto de un recambio cultural y de la mirada por parte del Estado. Yo estoy por filmar una película que se llama «Necrofobia» y el Instituto lo que hizo fue decirme que precisamente la financian porque es un película de género. En otra época hubiera sido todo lo contrario. Ahora el INCAA te hace un informe y te dice el motivo por el cual se suman a tu propósito y en la descripción de la aprobación del proyecto ponía: «las pantallas argentinas necesitan proyectos de estas características». Eso era impensado hace unos años; entonces, cambió mucho.

– Existe el festival Buenos Aires Rojo Sangre y lo interesante sería que hubieran otras oportunidades de exhibición durante el año. ¿Crees que profesionales veteranos de la realización en Argentina pueden entrar en este género de terror o habrá dificultades porque tienen otra mentalidad?

Sí, en mentalidad seguro que hay un prejuicio enorme. Esta generación de la cual te hablo es una generación nueva y joven. No veo viejos realizadores en la lucha por consolidar el género en la Argentina. Yo creo que hay una tradición muy fuerte del cine de autor en nuestro país, lo cual está muy bien, y que la resistencia ha sido el cine de género, al revés que en otros países. En el Buenos Aires Rojo Sangre se ha exhibido desde la carencia de recursos, pero se fueron consolidando y lograron estrenar comercialmente varias películas, y eso que el campo de batalla inicial fue un festival independiente que se hace todos los Halloweens en Buenos Aires y desde ahí nos conocemos todos y estamos construyendo nuestras carreras como podemos, tratando de consolidarnos y de estrenar comercialmente, pagando a los sindicatos y a los técnicos. Piensa que ni siquiera las productoras importantes están aportando al género. Lo que hay son proyectos independientes de realizadores que tienen fe en los proyectos y que quieren ver las películas que veían cuando eran chicos. Yo cuando era chico veía este cine y, de alguna manera, «Hermanos de sangre» responde al cine que veía en mi infancia.

©José Luis García/Cinestel.com

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Vera Chytilová

Vera Chytilová (1929-2014) ocupa un lloc d’honor entre les figures més iconoclastes, transgressores i proteiques del setè art. Figura clau del Nou Cinema Txec dels anys seixanta, va ser l’única dona d’aquest corrent cinematogràfic que va estudiar a l’Acadèmia de Cinema de Praga (FAMU). Coneguda per Les margarides (1966), la seva obra més emblemàtica, Chytilová va desafiar tant les convencions expressives del cinema com les imposicions ideològiques mitjançant un estil únic que combinava humor àcid, poesia visual i un insolent esperit de rebel·lia. Creadora de personatges femenins ingovernables, amb un domini magistral del muntatge i una llibertat creativa intolerable per la censura i les mirades més reaccionàries, el cinema de Chytilová és alhora sàtira moral, revolta feminista i un exercici constant de reinvenció formal.
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François Truffaut (1932-1984) va convertir el seu amor pel cinema en una manera de mirar i entendre la vida. En els seus inicis com a crític a Cahiers du Cinéma, va ser un dels artífexs de la «teoria de l’autor», la qual considera el director el responsable total del film. El 1959 irromp amb força amb Les 400 coups, un film inspirat en la seva dolorosa infància i amb el qual esdevé un dels principals impulsors de la Nouvelle Vague, el corrent que enceta el cinema de la modernitat i del qual esdevé el cineasta més cèlebre gràcies a una obra farcida d’humanisme i romanticisme i encarada al gust del públic. Les dones, els llibres, la infància i la mort són els eixos bàsics d’una filmografia caracteritzada per una sinceritat absoluta i en què l’element autobiogràfic és sempre present, especialment a través del personatge d’Antoine Doinel, el seu alter ego a la pantalla. (més informació)

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Nuestro invento no es para venderlo. Puede ser explotado algún tiempo como curiosidad científica, pero no tiene ningún interés comercial. *Antoine Lumière

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PROYECCIÓN Y DEBATE EN BARCELONA (19/07)

El dissabte 19 de juliol a les 20h, La Cinètika projectarà a Barcelona “Elogi de la Rebel·lió, cinema i contrainformació en les lluites populars”. Un llargmetratge documental sobre la cobertura audiovisual alternativa en la rebel·lió del 19 i 20 de desembre del 2001 a l’Argentina, dirigida per Fernando Krichmar, de 94 minuts de durada (2021). Hi haurà debat amb el director al final de la projecció.

Sinopsi:
Aquest documental narra, a partir d’entrevistes i material inèdit, la història dels col·lectius que van registrar el cicle de lluites que va tenir el punt més alt fa uns 24 anys, durant les jornades del 19 i 20 de desembre del 2001.

És una coproducció de Doca, Documentalistes d’Argentina i el Canal Barricada Tevé, de cinema documental, Argentina (2021).

PEPÓN COROMINA: “THE HUMAN HIBERNATION”

5 juliol 2025 – En el marc de la Festa d’Estiu de l’Acadèmia del Cinema Català, es va fer públic el veredicte del 12è Premi Pepón Coromina, un guardó que distingeix anualment el risc, la innovació i la creativitat en la producció cinematogràfica catalana, en record del productor Pepón Coromina.

El jurat d’aquesta edició, format pels cineastes Juan Sebastián Vásquez, Andrés Duque, Júlia de Paz, Jordi Sanz i l’actriu i directora Mireia Vilapuig, va reconèixer “The Human Hibernation”, d’Anna Cornudella (foto), “una obra de rara bellesa, on la ciència-ficció especulativa es fon amb la melancolia dels paisatges rurals per oferir-nos una meditació poètica sobre l’espera, la transformació i el desig de desaparèixer”, recull el veredicte.

La proposta estètica i filosòfica interpel·la l’espectador des d’una temporalitat alternativa, i esdevé un acte de resistència silenciosa i transformadora, “amb una direcció sensible i una aposta formal valenta, que planteja un descentrament del jo per obrir la mirada cap a l’ecosistema sencer i els vincles que el conformen”, destaca el jurat.

Amb aquest guardó, “The Human Hibernation” ha estat reconeguda per primer cop a Catalunya, després de rebre el premi FIPRESCI de la crítica al Festival de Berlín i el Feroz Arrebato de No Ficció.

El jurat també va voler donar una Menció especial a la sala de cinema cooperativa Zumzeig, per la seva trajectòria valenta i la seva aposta decidida per una altra manera de fer, veure i compartir el cinema. “Zumzeig és l’espai on es poden veure obres com The Human Hibernation; un projecte autogestionat que manté viva la flama del pensament crític i el risc creatiu en els circuits de distribució”, assenyalen.

NEIX EL SOM CINEMA LAB/PRO

4 juliol 2025 – El Festival Som Cinema serà el marc de la primera edició del Som Cinema Lab/Pro, una iniciativa formativa i professionalitzadora destinada a guionistes i directors/es de les Terres de Ponent. Aquesta nova branca del festival neix amb la voluntat d’acompanyar el desenvolupament de curtmetratges en català en fase de guió, i de facilitar eines i espais per defensar-los davant de productores i professionals del sector.

L’objectiu principal del Lab/Pro és oferir espais de treball per millorar i reescriure els guions presentats; i fomentar una experiència col·lectiva d’aprenentatge, intercanvi i xarxa entre creadors/es que es trobin en moments similars del procés creatiu.

La convocatòria del Som Cinema Lab/Pro s’ha obert el 13 de juny i estarà activa fins a les 23.59 h del 5 de setembre. Els projectes seleccionats participaran activament en diverses sessions de treball durant els dies centrals del Festival Som Cinema, que enguany se celebrarà del 22 al 26 d’octubre a la ciutat de Lleida.

El jurat del Lab/Pro escollirà un projecte guanyador que serà premiat amb la participació directa a la Trobada de Talents del Festival Galacticat 2026, on podrà entrar en contacte amb productores destacades del sector audiovisual. El curtmetratge resultant també es projectarà a la següent edició del Som Cinema, sigui dins o fora de competició, i el finalista rebrà un passi complet per al Festival Animac 2026. Aquesta primera edició del Som Cinema Lab/Pro estarà coordinada per la cooperativa audiovisual Octubre Cinema.

Les inscripcions es poden fer a través del formulari en línia https://forms.gle/UVEmPmKPg3twRtYN8.

CANNES PREMIÓ A “SIRAT”, DE OLIVER LAXE

25 mayo 2025 – El director Oliver Laxe recibió en Cannes el Premio del Jurado por su más reciente película.
“Sirat” está protagonizada por el actor catalán Sergi López, quien junto al niño Bruno Núñez desarrolla una historia mística y de trance en pleno desierto.

Un hombre y su hijo llegan a una rave perdida en medio de las montañas del sur de Marruecos. Buscan a Mar, su hija y hermana, desaparecida hace meses en una de esas fiestas sin amanecer. Reparten su foto una y otra vez rodeados de música electrónica y un tipo de libertad que desconocen. Allí deciden seguir a un grupo de raveros en la búsqueda de una última fiesta que se celebrará en el desierto, donde esperan encontrar a la joven desaparecida.

El cineasta gallego había participado antes en Cannes, pero aún no lo había hecho en la Sección Oficial. Esta vez continúa dando muestra del estilo heredado de sus anteriores trabajos, transformando el film en una historia introspectiva, con pocos diálogos e inspirada en el Puente Sirāt, que en la tradición islámica separa el infierno del cielo donde el alma se enfrenta a su verdadera naturaleza.

Pero lo que más llamó la atención en el prestigioso festival francés de cine es que esta nueva propuesta de Laxe es algo más radical que las anteriores y que, asimismo, a diferencia de sus anteriores filmes, en este caso sí que se le puede encontrar a la historia algunos matices que señalan a ciertos comportamientos ocurridos a nivel político, sobre todo en lo que afecta a ese escenario desértico y su conexión tanto con las tradiciones como con los personajes que padre e hijo se van encontrando a lo largo de la película.

Oliver Laxe es un fanático del formato y la textura del fílmico, así que no ha desaprovechado la ocasión para rodar “Sirat” en 16 mm, una calidad de color que los más avezados cinéfilos apreciarán, aun cuando en la mayoría de salas de cine la película se proyecta en el sistema más común y aceptado actualmente, que es el digital.

DOCSBARCELONA 2025: EL PALMARÈS OFICIAL

19 maig 2025 – “La memoria de las mariposas”, una pel·lícula que fa un tribut a les víctimes indígenes del comerç del cautxú peruà, i que la cineasta Tatiana Fuentes (foto) connecta amb la seva pròpia família, corona el palmarès de la edició d’enguany del DocsBarcelona amb el Premi Docs a la Millor Pel·lícula. El Jurat Oficial, integrat per Montse Triola, Ana Pfaff, Fito Castillo i Joost Daamen, va reconèixer “la resignificació de les imatges, tant en el context contemporani com dins del propi metratge, per tal d’apel·lar a la reparació i la memoria històrica”. El Premi Docs a la Millor Pel·lícula Catalana va ser per “Grup natural”, mirada empàtica i constructiva a l’adolescència de Nina Solà. “El que en un principi sembla el retrat d’una institució molt concreta acaba esdevenint una pel·lícula universal, divertida i fresca, amb una mirada que en cap moment infatilitza els protagonistes”, recull el veredicte del Jurat Docs&Cat, integrat per Adrià Lahuerta, Elena Molina i Adrián Silvestre. Van optar al premi, patrocinat per La Xarxa Audiovisual Local (XAL), les produccions catalanes del festival. També el Premi Docs del Públic – Moritz va reconèixer un documental català, en aquest cas “Mares”, d’Ariadna Seuba, el camí cap a la maternitat de dues dones, ple d’il·lusions i frustracions.

El Jurat Oficial va atorgar tres premis més del palmarès. El Premi Docs Nou Talent – Filmin, reservat a les òperes primes, va valorar “la mirada vital a una relació madura i complexa en el crepuscle de l’existència d’ambdós personatges” de “Two strangers trying not to kill each other”, de Jacob Perlmutter i Manon Ouimet. El Premi Docs Antaviana va ser per a “la mirada insistent a les futures generacions d’un país en guerra i la seva normalització en el sistema educatiu” de “Timestamp”, de Kateryna Gornostai, homenatge a la lluita quotidiana d’estudiants i professors per mantenir les escoles obertes en plena guerra d’Ucraïna. “Always”, el bell debut de Deming Chen, va rebre un dels nous guardons del festival, el Premi Docs al Millor Muntatge – AMMAC, “per una mirada precisa i observacional en l’ordinari que permet emergir a un relat poètic extraordinari”.

BCN FILM FEST PREMIÓ A “THE QUIET SON”

5 mayo 2025 – “The Quiet Son”, una película de las realizadoras francesas Delphine y Muriel Coulin, con un reparto encabezado por el veterano actor Vincent Lindon (foto), recibió el Premio a la Mejor Película en el festival de cine BCN FILM FEST 2025, celebrado en la ciudad de Barcelona.

El relato nos acerca a Pierre, un trabajador ferroviario de cincuenta años, que cría solo a sus dos hijos. Los tres están muy unidos. Cuando Louis, el más joven, deja su casa para estudiar en la Sorbona de París, Fus, el mayor y con peores resultados en los estudios, se vuelve cada vez más reservado, lo cual le lleva a involucrarse cada vez más con grupos de extrema derecha.

La película documenta el increíble esfuerzo realizado por los tres miembros de esta familia para permanecer juntos. Una de las directoras, Muriel, explicaba que esta historia de ficción “es como una mesa de billar de tres jugadores. Tres hombres unidos por algo muy duro, la desaparición de su madre. Y que intentan continuar como una familia a pesar de todo. Nunca se resignan a perderse el uno al otro”.

Delphine profundiza en el tema añadiendo que “es una familia que intenta seguir adelante. Se dice que el sentido de la historia es el del progreso: cada generación vive mejor que la anterior. Pero hoy las cosas van al revés. El voto extremista está ligado a este sentimiento muy fuerte de injusticia”.

Para Delphine, “Pierre intenta ser un buen padre, por eso no deja de preguntarse qué se ha perdido con Fus. ¿Somos responsables de lo que hacen nuestros hijos? Es una pregunta universal, dado el auge de la extrema derecha que se está produciendo en todas partes en el mundo occidental. Cualquiera puede identificarse con la historia” -concluye la co-directora-.

CANNES: ¿CARLA SIMÓN CON PALMA DE ORO?

11 abril 2025 – La directora catalana Carla Simón competirá en la Sección Oficial del Festival de Cannes con su nueva película, “Romería”. “Tengo la suerte de formar parte de una gran familia llena de historias que se han convertido en mi fuente de inspiración. Las relaciones familiares me fascinan porque no las escogemos. La familia es el origen de muchos conflictos, traumas y peleas, pero también es el origen del amor, la confianza y la lealtad más profunda” -explicaba la cineasta-.

En “Romería”, Marina viaja a Vigo para conocer a la familia de su padre biológico, que murió de sida, al igual que su madre, cuando ella era muy pequeña. A través de los encuentros con sus tíos, tías y abuelos, la joven intenta reconstruir un relato de sus padres, pero todos sienten demasiada vergüenza hacia los conflictos de drogas de la pareja, algo que Marina les recuerda con su presencia.

Será la historia de amor adolescente que vive con su primo lo que le permita reimaginar a sus padres y conectar con ellos. De esta forma, inventa un cuento, gracias al diario de su madre, que la libera del estigma que su familia siente por ellos y cumple el deseo de entender el pasado…

Por otro lado, un habitual de Cannes, el director gallego radicado en Marruecos, Oliver Laxe, también formará parte de la Sección Oficial con su cuarto largometraje, “Sirat”, protagonizado por el catalán Sergi López.

FILMO: RETROSPECTIVA D’ALBERTINA CARRI

2 abril 2025 – La Filmoteca de Catalunya dedica un espai a la riquesa del patrimoni i la creativitat contemporània del cinema argentí. Un dels exponents més diversos i prolífics d’Amèrica Llatina, el cinema argentí es debat entre la precarietat patrimonial, degut a l’absència d’estructures sòlides que garanteixin la seva difusió i pervivència, i les amenaces polítiques que posen en risc la inversió pública i els consensos democràtics sobre la memòria històrica i el valor social de la cultura.

Per això es programen dos cicles que ofereixen una panoràmica d’aquella cinematografia: un sobre el seu període clàssic i un altre dedicat a una de les figures contemporànies més personals i combatives: Albertina Carri. Artista i escriptora en canvi constant, en cada pel·lícula crea variants radicalment singulars, examinant qüestions tan diverses com la memòria de la dictadura, la mirada crítica a les relacions familiars, la reinterpretació de gèneres clàssics o el potencial de les sexualitats i els cossos no normatius.

Retrospectiva Albertina Carri

L’obra d’Albertina Carri (Buenos Aires, 1973) s’inscriu en el vessant més experimental del Nuevo Cine Argentino. El seu cinema, proteïforme i divers, abraça tota mena de tècniques expressives i recursos narratius, i es distingeix per un estil audaç i provocador que aborda temes tabú des d’una mirada crítica i subversiva.

El 2003 es dona a conèixer internacionalment amb Los rubios, un film que qüestiona la veracitat dels records i les formes de representació històrica, i amb el qual reconstrueix la seva història personal, marcada per la desaparició dels seus pares durant l’última dictadura argentina. Aquesta tragèdia personal ha influït molt la seva producció artística, amb la qual explora la intersecció entre l’experiència individual i la memòria col·lectiva, la identitat i la justícia social.

El tractament cru i transgressor de la violència, la sexualitat i el gènere són altres constants d’una filmografia bastida amb fúria i que desafia les estructures de poder i els discursos hegemònics i patriarcals per donar pas a una mirada política feminista de dissidència sexual. Cineasta incòmoda, Carri és una figura clau del cinema argentí contemporani.

Albertina Carri acompanyarà la preestrena del seu darrer film ¡Caigan las rosas blancas! (2025) el dimarts 8 d’abril, abans que arribi a les sales comercials el 16 d’abril. Serà la inauguració de la retrospectiva integral que li dedica la Filmoteca de Catalunya i que s’estendrà fins al 25 d’abril.

Podeu consultar la programació de la Retrospectiva Albertina Carri AQUÍ.

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