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«Moacir III» completa la trilogía de la libertad de Tomás Lipgot

Entrevista Tomás Lipgot habla sobre Moacir III su película documental

Estreno Buenos Aires, Mendoza y Rosario
¿Pueden los verdaderos sueños legítimos de una persona llevarse a la práctica? El director argentino Tomás Lipgot abunda en la idea de que todo puede intentarse de una forma u otra, y procura hallar respuestas posibles a esos enigmas existenciales en la figura de su entrañable personaje Moacir dos Santos, quien le ha acompañado en sus documentales «Fortalezas» (2010) y «Moacir» (2011). En el primero lo descubre internado en un manicomio por voluntad propia, mientras que en el segundo, ya en libertad y con una mejor pensión, alcanza su propósito de convertirse en cantante y editar un disco con sus propias composiciones.
Lipgot no sólo ha seguido todo el proceso de Moacir, sino que además ha sido uno de los principales precursores de su renacimiento como persona, luego de creer que todo estaba perdido.
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«Soldado», de Manuel Abramovich, sobre cómo es una fantasía realista

agosto 7, 2017 VISION DOCUMENTAL
Reseña de la película documental Soldado de Manuel Abramovich

El realizador argentino Manuel Abramovich sorprendió en 2013 con aquel corto titulado «La Reina», al que le siguió «Las Luces», y ahora, tras el paréntesis de su primer largo, «Solar», en el que se contraponía a su propio personaje, retoma el camino de los rituales que tan bien le funcionó en sus dos primeros trabajos.
«Soldado» es una historia documental protagonizada por un muchacho joven llamado Juan José González, quien se alista como voluntario en el ejército argentino para obtener un salario por ello y, al mismo tiempo, complacer los deseos de su madre.
La película presenta los rigores de la disciplina militar desde la mirada individual de su protagonista, un chico que parece haberse encontrado con algunas cosas que no preveía con antelación.
Juan José ha entrado en un universo en el que la rigidez jerárquica se impone bajo unos preceptos claramente anquilosados en el pasado, en una especie de modelo basado en naciones enemigas.
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«Lantéc Chaná», de Marina Zeising; el último heredero de una lengua

Entrevista a Marina Zeising sobre su película documental Lantec Chana

Estrenada cine Gaumont Buenos Aires y Espacios INCAA de Argentina
Los idiomas forman parte del patrimonio cultural de la humanidad.
La necesidad de preservarlos y el derecho a su uso deberían de ser prioritarios, al margen de que existan otras lenguas hegemónicas que se expandieron bajo los efectos del colonialismo.
La directora y productora argentina Marina Zeising sigue fiel a su magnífica forma de retratar personajes que han alcanzado un pacto ético consigo mismos, y que sienten la necesidad de expresar el contenido de experiencias propias, únicas e irrepetibles.
Cuando se creía que el Chaná era una lengua desaparecida hace 200 años, emerge a la luz en esta película la existencia de Blas Jaime, un jubilado y ex-predicador mormón, quien asegura ser el último hablante de esa milenaria lengua utilizada por aquella étnia nativa para comunicarse verbalmente.
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FIDBA Buenos Aires: reseñas de la Competencia Internacional

julio 31, 2017 VISION DOCUMENTAL
FIDBA 2017 Festival Internacional de Cine Documental de Buenos Aires

La cuarta edición del Festival Internacional de Cine Documental de Buenos Aires, FIDBA 2017, estuvo muy atenta al desarrollo de este género cinematográfico, no solamente en la Argentina, sino que además en algunas otras partes del planeta. En esta relación de reseñas nos vamos a fijar en lo que fue su Competencia Internacional de Largometrajes, si bien las de Ópera Prima, Panorama Argentino y Cortometrajes también gozaron de una sustanciosa y rica variedad de propuestas fílmicas.
Pese a la difícil elección, ante la calidad de la obras, los distintos jurados del certamen premiaron a filmes como «Calabria» y «Ama-San» (Largos Internacional); «The Two Faces of a Bamiléké Woman», «El pacto de Adriana» y «Hotel Dallas» (Ópera Prima); así como las cintas «Orione», «Regreso a Coronel Vallejos» y «Las Cinéphilas» (Panorama Argentino).
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Entrevista a Ricardo Íscar, un referente en el documental español

FIDBA Buenos Aires entrevista a Ricardo Íscar director de documental

FIDBA de Buenos Aires
De origen salmantino, Ricardo Íscar lleva muchos años viviendo en Barcelona, donde es profesor de Guión y Realización de Documentales en la Universitat Pompeu Fabra, además de disponer de una extensa filmografía como director que abarca temas apasionantes abordados con profundidad y con especial relevancia en el encuadre.
Su pasión por la fotografía nació desde muy joven cuando, siendo estudiante de Derecho, instaló un laboratorio de revelado en unos baños del domicilio de sus padres. Aunque se licenció como jurista, se apartó por voluntad propia de su tradición familiar en la abogacía para abordar de lleno su predilección por la imagen en movimiento y la creación dentro del género documental.
Ricardo Íscar es este año miembro destacado del Jurado de la Competencia Internacional en una nueva edición del Festival de Cine Documental de la ciudad de Buenos Aires (FIDBA).
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«Construcción fija para habitación humana»; espacios que se habitan

julio 7, 2017 VISION DOCUMENTAL
Crítica de Construcción fija para habitación humana película documental

Estrenada en Buenos Aires Centro Cultural de la Cooperación
¿Qué espacios habitamos, cómo nos transformamos y cómo nos adaptamos? La respuesta a estos interrogantes dependerá de las experiencias propias de cada cual en su vida. Y esto es lo que desarrolla la documentalista de origen mexicano Adriana Casas, quien consigue en «Construcción fija para habitación humana» uno de los acercamientos más interesantes a cómo es hoy en día el desarrollo de la vivienda a nivel urbano en cualquier gran ciudad.
Rodado en una torre de 19 pisos de altura en pleno barrio del Once de Buenos Aires, el documental muestra cómo se ven a sí mismas algunas de las personas que habitan cualesquiera de los seis departamentos que componen cada uno de los niveles de ese enorme edificio. Todo un paradigma de hacia adónde ha ido a parar la transformación de la arquitectura contemporánea.
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DocsBarcelona 2017 mejora la experiencia documental

junio 4, 2017 VISION DOCUMENTAL
Reseñas de películas documentales vistas en DocsBarcelona 2017

Conseguir darle una relevancia al género documental que antaño no tenía es el gran logro de un Festival que con su DocsBarcelona del Mes completa una fórmula atractiva basada en una elección de calidad.
En su nueva convocatoria de este 2017, la parte profesional ocupó un espacio importante, del mismo modo que las proyecciones para público le ofrecieron al espectador la oportunidad de incursionar en temas diversos, pero muy bien clasificados en una guía previa imprescindible que puso a su disposición la organización del evento.
Por supuesto que se pudieron ver documentales de alto impacto como el de «Last Men in Aleppo», del director sirio Feras Fayyad, una revisión en imágenes de uno de los momentos más tristes de ese país: las últimas horas en la que los habitantes de esa ciudad resistieron el asedio del ejército, así como el trabajo incansable de los voluntarios de la ONG Defensa Civil Siria para localizar heridos.
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«La Memoria de los Huesos», de Facundo Beraudi; y sin resolver…

Entrevista sobre la película documental La Memoria de los Huesos

Estreno en Buenos Aires
Manuel Coley Robles, nacido en Barcelona, fue detenido y hecho desaparecer por la dictadura argentina en 1976. Sus restos fueron hallados 30 años después en un cementerio de las afueras de la ciudad de Buenos Aires.
El realizador argentino Facundo Beraudi ha desarrollado una parte de su carrera en Catalunya y cuando le fue encargado un documental en torno al catalán brutalmente desaparecido, comenzó a tener noticia del Equipo Argentino de Antropología Forense (EAAF) y con su director, Luis Fondebrider.
Aquel trabajo finalizó y en Beraudi se avivó la llama de la curiosidad por saber más acerca de estos profesionales que analizan las fosas de cadáveres de personas que fueron víctimas de todas aquellas desapariciones forzadas. De vuelta a Buenos Aires, comenzó a investigar e indagar acerca de las tareas de este grupo de profesionales que son la esperanza más poderosa para cientos de familias perjudicadas.
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DocsBarcelona 2017 apuesta fuerte por el cine documental

mayo 24, 2017 VISION DOCUMENTAL
DocsBarcelona 2017 Primer repaso a algunas películas programadas

Es una suerte que la oferta de cine documental esté ganando una intensidad cada vez mayor en Catalunya. La televisión pública posee ya tres programas semanales dedicados al género y ocupando franjas horarias de máxima audiencia. Y el certamen DocsBarcelona dobla su duración a partir de este 2017, al tiempo que amplía su palmarés. Más de 500 profesionales fueron atraídos en esta ocasión por la convocatoria de un evento que nació con la vocación de ampliar audiencias entre un público de mentes inquietas.
La más intensa actualidad (incluso hubo quien podría haber cambiado una pequeña parte del filme pocas horas antes del inicio del Festival), se une a temas muy diversos captados con la cámara muchas veces dentro de universos desconocidos a los que sería bastante difícil llegar de cualquier otra manera.
Seis sedes más en la demarcación de Barcelona, cine de animación y cortos catalanes, se incorporaron a la cita anual que incluye reuniones profesionales.
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«Los Niños», de Maite Alberdi; viviendo la diferencia a los 50 años

mayo 22, 2017 VISION DOCUMENTAL
Crítica de la película documental Los Niños de Maite Alberdi

La chilena Maite Alberdi vuelve a conmovernos con otro documental en el cual nos presenta a un grupo de amigos con Síndrome de Down que llevan 40 años asistiendo al mismo colegio.
«Los Niños» es una película que pasó por numerosos festivales de cine, y entre ellos el DocsBarcelona 2017, donde asombró y emocionó al público por ser una historia tan humana y sencilla, que además no se circunscribe a lo que pueda ocurrir en Chile ya que trata un tema que es universal.
Estos chicos grandes llevan ahí incluso más tiempo que los profesores de ese centro de enseñanza, mientras luchan contra el estigma de ser vistos como niños, pues la realidad es que no lo son.
Desde siempre se vio que los individuos que padecen esta discapacidad intelectual vivían hasta los 25 o 30 años de edad, pero de un tiempo a acá, con todos los avances en la medicina y en la calidad de vida, lo cierto es que estas personas pueden llegar a vivir en torno a los 60 años o más.
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«Escuela Trashumante»; el sistema educativo sí que puede adaptarse

Documental Escuela Trashumante entrevista a Alejandro Vagnenkos

Estrenado en Buenos Aires – cine Gaumont
Dice Alejandro Vagnenkos que «…la confianza —clave en cualquier relación pedagógica— es la base del vínculo entre docentes, alumnos y comunidad». Y esta es una frase que ejemplifica muy bien la génesis de su segundo proyecto fílmico con el que honra la idea que muchos espectadores a buen seguro tienen de que, con gran voluntad y esfuerzo, es posible hacer menos rígido y uniforme el sistema educativo, adaptándolo al modelo de vida de determinadas comunidades o zonas concretas de un país.
El director y docente argentino nos muestra en su «Escuela Trashumante» cómo sí se puede conseguir que el derecho a la educación se armonice con los ciclos que impone la dinámica social.
El relato parte de un paraje llamado Huncal que está situado en la provincia de Neuquén, donde una Escuela fundada en 1911 acompaña a los chicos de una comunidad mapuche trashumante.
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«Al otro lado del muro», de Pau Ortiz; trámites para ‘legalizar’ la vida

mayo 17, 2017 VISION DOCUMENTAL
Crítica película documental Al otro lado del muro Pau Ortiz

Así como la física muchas veces no cuadra con las matemáticas, las leyes van en ocasiones muy por detrás de las necesidades de cierta población con pocos recursos que precisa de una manera imperiosa el encontrar una salida digna a su ya de por sí complicada situación.
Pau Ortiz es un realizador catalán que está especializado en dirección documental por la ESCAC, siendo además conocido por haber dirigido la serie «Tu mateix» para la Xarxa de Televisions Locals de Catalunya.
Tras haber hecho en 2013 el docu-drama «13 maneras de quedarse solo», este 2017 estrena el documental «Al otro lado del muro», coproducción con la productora mexicana de Emiliano Altuna y Carlos Rossini (El Alcalde).
Rodado en Palenque, estado de Chiapas, el filme llega a la sección oficial del DocsBarcelona tras haber sido premiado como mejor documental internacional en el HotDocs de Canadá.
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La súbita improvisación o lo imprevisible de lo espontáneo

abril 5, 2017 VISION DOCUMENTAL
Crítica de la película documental Ruinas tu reino Pablo Escoto

Lo llaman cine experimental. «Ruinas tu reino» es una película documental hecha con el espíritu del amateur que se lanza a navegar por el mundo, (aquí de forma literal), para grabar imágenes que luego puedan ser concadenadas en una sala de montaje de manera que posean una mínima lógica argumental y se les pueda encontrar algún hilo conductor.
Estamos ante una idea inicial, que aquí puede ser la de los pequeños pescadores mexicanos que surcan el alta mar en busca de sus preciadas presas.
Lo suyo es a continuación ponerse a grabar con la cámara tropecientas horas de material para después analizarlo y cribarlo en el editaje. Es una manera distinta de trabajar, mediante la cual tal vez puedas llegar a acabar hablando de algún tema que ni siquiera te propusiste al iniciar el libre proyecto.
El realizador mexicano radicado en Buenos Aires, Pablo Escoto, se marcó a sí mismo ese reto que de cara al espectador se presenta como un desafío.
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«Epifanía», de Oscar Ruiz Navia y Anna Eborn; la memoria y el futuro

marzo 9, 2017 VISION DOCUMENTAL
Reseña de la película Epifanía Oscar Ruiz Navia Anna Eborn

Se comenta muchas veces que si tal o cual película es la mirada femenina o masculina de su director, pero ¿por qué no unir ambas en una misma película? La directora sueca Anna Eborn, quien normalmente trabaja desde Dinamarca el documental, unió su esfuerzo con el del realizador colombiano Oscar Ruiz Navia para rodar «Epifanía», una historia en tres partes bien diferenciadas a lo largo del filme, que arranca con la memoria que tienen acerca de sus respectivas madres, para que esa revisión del pasado nos lleve a una reflexión más profunda en torno al significado del paso del tiempo.
Nos guste o no, queramos o no, así es la vida. Nunca llegamos para quedarnos, y por lo menos deberíamos de pensar en garantizar esa continuidad. De una manera implícita, «Epifanía» hace una sutil crítica a la modernidad y apela ya desde un principio, al elemento espiritual, cualquiera que sea su origen.
Aquí el papel de la madre es el punto de partida.
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«Casa Roshell», de Camila José Donoso; el libre espacio utópico

marzo 7, 2017 VISION DOCUMENTAL
Reseña de la película Casa Roshell de Camila José Donoso

El interés de la realizadora chilena Camila José Donoso por el mundo de las personas transexuales cruza fronteras. Cuando en el año 2013 presentó su ópera prima, una ficción llamada «Naomi Campbel» con la actriz Paula Dinamarca como protagonista, recorrió numerosos países y entre ellos, México. Fue en la capital de la República donde, tras una proyección de la película, se le acercó quien le presentaría a la fundadora de un Club de mujeres trans, la actriz y activista Roshell Terranova, para contarle lo que hacían en ese lugar desde su inauguración allá por el año 2004.
Donoso regresa al tema del la transexualidad, pero ahora contado a modo de documental que trata de plasmar de la manera más realista posible cómo es ese espacio de libertad que reúne talleres, conferencias, cursos, asesoría para la comunidad LGTB, así como múltiples eventos, y que por la noche se convierte en un club show-espectáculo que acoge a hombres que viven reprimidos en sus deseos de feminización y travestismo.
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Aquel que mutó en un algarrobo… Documental «Bigas x Bigas»

febrero 17, 2017 VISION DOCUMENTAL

Estreno en España
El cineasta catalán Bigas Luna tuvo la osadía de grabar entre los años 2000 y 2007 una serie de vídeos caseros que se encontraban desordenados. Todos ellos pertenecían tanto a su ámbito personal como al profesional. Sólo quedaba que alguien los ordenara de una manera mas o menos lógica para darle forma de documental. Y fue el montador Santiago Garrido Rua quien lo hizo, en lo que significa la última película dirigida por el director de «Bilbao».
Bigas sobrevivió al cine que se hacía en España a mediados de los años 70, cuando comenzó, gracias a su buen gusto a la hora de presentar historias irreverentes y transgresoras en su cine.
«Bigas x Bigas» no es una película biográfica ni un repaso a las obras del genial y original director, sino que el filme se compone de muestras de su vida cotidiana, captadas o directamente robadas por él en el ámbito propio y el entorno en el que se movía.
Sin duda va a ser un film para el recuerdo.
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«Rumble: los indios que sacudieron el mundo»; una mirada original

febrero 2, 2017 VISION DOCUMENTAL
Crítica Sundance film Rumble the indians who rocked the world

La posibilidad de contar historias distintas acerca de temas que a priori puedan aparentar similitudes con lo visto en otras películas, o simplemente con lo que ya se sabe, es una de las buenas virtudes que tiene el cine. «Rumble: the Indians who rocked the world» es un documental de esos que te sorprenden y te hacen preguntarte cómo es posible que ningún director cayera antes en la cuenta sobre algo tan evidente.
Según aquí se dice, en los Estados Unidos, los nativos fueron tratados incluso peor que los esclavos africanos. Y no sólo eso, sino que también más adelante se ha hablado poco en relación a la influencia que ellos han tenido en los distintos estilos musicales que hoy conocemos. Disciplinas como el rock o el blues contienen en algunas de sus partes energías emanadas de los aborígenes americanos.
Este documental canadiense ganó el premio especial del jurado a la mejor historia original en el Festival de Cine de Sundance de este año.
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«El monstruo en la piedra», de Ignasi Duarte; origen del teatro automático

enero 24, 2017 VISION DOCUMENTAL
Crítica película documental El monstruo en la piedra Ignasi Duarte

Se trata de un juego ficticio que posee una sola regla: dos personas asumen roles distintos. Una hace la entrevista y la otra se dedica a responder. Las preguntas las formula el director del documental a un creador de ficciones. Un realizador catalán interroga a un novelista argentino para que éste las conteste a la medida de las obras que ha creado, tratando de recobrar en sus palabras el sentido de lo que escribió en las novelas.
«El monstruo en la piedra» es un documental que intenta aportar este estilo novedoso a la hora de presentar a un único personaje. Todas las preguntas tienen que ver con lo que previamente escribió Alberto Laiseca, el autor de Los Sorias, y adoptan una forma con aires filosofales de principio a fin de este mediometraje de 50 minutos, premiado en el FID de Marseille e igualmente exhibido y galardonado en el Festival de cine independiente l’Alternativa de Barcelona.
Aquí Ignasi Duarte formula preguntas que Laiseca escribió para los personajes de sus obras.
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«Priorat», de David Fernández de Castro; perseverancia y confianza

enero 11, 2017 VISION DOCUMENTAL
Crítica de la película Priorat de David Fernández de Castro

El sentido gustativo adquiriere dimensiones apasionantes para muchas personas, y no es un secreto que hay en ese ámbito todo un universo muy rico en torno a los grandes vinos. El Most Festival fue el encargado de descorchar por primera vez en Catalunya la botella de «Priorat», un documental del siempre arriesgado realizador nacido en Londres, David Fernández de Castro. El director transita aquí la sinuosa e imperceptible línea que separa los formatos del cine y la televisión, para conquistar ambos lados, tal vez inspirado por la maestría de sus personajes, los Cinco Magníficos que hicieron realidad su sueño de hacer viable un proyecto muy costoso en horas de trabajo durante su época inicial.
«Priorat» es el espejo en el que se ven reflejadas un grupo de personas pioneras, algunas llegadas de distintos lugares de Europa, para iniciar lo que supuso una importante transformación en esa zona.
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«Mi último fracaso»; impresiones de mujeres coreanas en Argentina

enero 4, 2017 VISION DOCUMENTAL
Crítica de la película Mi último fracaso documental Cecilia Kang

Estreno 7 de enero Malba Cine Buenos Aires
Los hijos de inmigrantes a las grandes urbes o adonde sea, tienen siempre con mucha facilidad sentimientos encontrados que derivan de la pertenencia al lugar donde viven y trabajan, combinada con un pasado genealógico familiar forjado en otras tierras más o menos lejanas. Y es que el fenómeno migratorio ha sido y es una fuente de inspiración para contar historias en el cine.
La realizadora debutante argentina Cecilia Kang establece su mirada en torno a las mujeres de su familia y amistades en «Mi último fracaso», película documental que nos sumerge en la historia de vida de su propia hermana, quien logró superar una grave enfermedad. Está narrada desde la sencillez. Por tanto, sin complejidad alguna nos transmite desde todos esos contrastes, la necesidad de hallar un camino propio y satisfactorio para enfrentar los temores y las dificultades de cara al futuro.
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CINESTEL, WEB FUNDADA EN JULIO 2005

FILMOTECA DE CATALUNYA_JUNY 2026

Aquest mes de juny en la Filmoteca de Catalunya tenim la possibilitat de veure cicles de Radu Jude; Barbara Hammer; Dies curts: Rocío Montaño; Japanimerama; Llogateres del món i Pink Narcissus a la restauració del mes.

Radu Jude

Extensa retrospectiva dedicada a una de les figures més interessants i prolífiques del cinema actual. La Filmoteca compta amb la seva presència per presentar una obra radicalment contemporània, no només pels temes que tracta (l’explotació laboral, el món de la publicitat o les xarxes socials), sinó perquè la mateixa forma absorbeix i qüestiona les mutacions de la imatge actual. Els conflictes ètics, socials i polítics que despleguen les seves pel·lícules estan profundament ancorats al present, alhora que manifesten el pes d’una herència que posa en crisi la història europea. Jude desafia amb un retrat àcid i sense concessions de la seva Romania natal, amb una llibertat formal desacomplexada, un sentit de l’humor incòmode i un ús depurat de la ironia. Un dels seus films més recents, Dracula, es presenta en el marc del +RAIN Film Festival de la Universitat Pompeu Fabra. (més informació)

Llogateres del món

Precisament el darrer film de Radu Jude, Kontinental’25, també forma part d’aquest cicle que centra el debat en la lluita per un habitatge digne, com un dels principals fronts de mobilització dels nostres dies. El cineasta romanès mantindrà una xerrada amb joves participants al taller Vivim el barri després de la projecció dijous 4 de juny. El programa continua tot el mes amb una selecció de pel·lícules que, des de diferents contexts històrics i geogràfics aborden la precarietat habitacional, els desnonaments, el sensellarisme i l’especulació com a símptoma d’un problema profundament polític. Entre d’altres s’hi podran veure Il tetto (Vittorio de Sica, 1956); El largo viaje hacia la ira (Llorenç Soler, 1969), Wendy & Lucy (Kelly Reichardt, 2008) i L’home sense nom (Wang Bing, 2009). (més informació)

Barbara Hammer

Continua la retrospectiva encetada al maig i organitzada amb la col·laboració de la Mostra Internacional de Films de Dones. El cicle explora l’obra d’aquesta cineasta i artista visual estatunidenca, lesbiana i feminista militant, que va concebre el cos com a espai de coneixement i d’acció política. Al llarg de cinc dècades, Hammer explora la representació del cos i el desig en nombrosos curtmetratges i llargmetratges, tant analògics com digitals, a través d’una experimentació formal en constant evolució. Filma el desig, el tacte i la vulnerabilitat com a formes de pensament i com a gest de llibertat. Hammer s’aproxima a tot allò que travessa la seva vida: els vincles afectius, el paisatge o la malaltia, amb una curiositat que esdevé font constant d’entusiasme i qüestionament crític.
(més informació)

De bell nou. La restauració del mes: ‘Pink Narcissus’

Recuperada gràcies al treball de la UCLA Film & Television Archive, la pel·lícula de James Biggood és considerada una obra de culte i una autèntica joia de l’estètica camp, imprescindible per entendre una possible expressió visual queer contemporània. Com una fantasia eròtica suspesa entre el somni i la realitat, aquest poema visual s’endinsa en la ment d’un jove prostitut que, mentre espera un client, s’abandona a una processó d’escenaris imaginaris. Un univers de colors saturats, decorats artificials i sensualitat desbordant construeix una exploració singular del desig i la bellesa, travessada per una ombra latent: la por a l’envelliment i a la pèrdua del propi encant. (més informació)

Japanimerama, punt final

Acaba aquest viatge al cor de l’animació japonesa que hem emprès des del mes d’abril, amb una acurada selecció de títols que mostren la diversitat d’estils i temes que han convertit a l’anime en un referent cultural global, també en la programació familiar de FilmoXica. I una de les cites pendents imprescindibles és la recuperació, en un programa doble, de les dues parts de Ghost in the Shell, les dues pel·lícules per antonomàsia del ciberpunk. Dues obres mestres del gènere signades per una de les seves ments més privilegiades: Mamoru Oshii. La segona part, Innocence, va ser el primer anime de la història seleccionat per competir a la Secció Oficial de Cannes.
(més informació)

Dies curts: Rocío Montaño

El cicle dedicat a cineastes emergents tanca temporada amb Rocío Montaño, cineasta i mestra de primària, graduada en Comunicació Audiovisual. Com a cineasta, la seva activitat se centra en els vídeo-diaris i el cinema domèstic. El programa que presentarà inclou títols tan suggeridors com Ansiedad y la cámara, Melocotones tardíos, Esto es agua o Cuadernos de cangrejos. (més informació)

I també…

Les golfes, el cicle que rescata el cinema més transgressor, programa una indiscutible pel·lícula de culte, motiu de projeccions especials arreu del món per celebrar la seva singularitat: Troll 2, l’enèsima demostració que les pel·lícules batejades com “la pitjor pel·lícula de la història” sempre troben el seu lloc. A Troll 2 ni tan sols hi surten trolls: hi surten goblins. La presentarà la comissària del cicle, Desirée de Fez. (enllaç)

Visibilitzem el cinema català està dedicat a la vessant com a productor de Josep M. Forn (Barcelona 1928-2021), figura fonamental en la història del cinema català. El seu nom és al darrere d’alguns projectes clau (La ciutat cremada) i en el debut de cineastes com Gonzalo Herralde o Ventura Pons. La sessió reuneix tres exemples de les desenes de curts que va impulsar per descobrir nous talents de casa nostra: Tango (Mario Gas, 1975), La casa d’Odin (Paco Poch, 1979) i La festa dels bojos (Lluís Racionero, 1977). (enllaç)

L’exposició Isabel Herguera. El desig d’un lloc imaginat tanca portes el 14 de juny. Darreres oportunitats de descobrir el talent i l’univers d’aquesta artista i animadora. Dimecres 3 de juny, darrera visita guiada, a càrrec de Laura Ginès, comissària del cicle paral·lel Isabel Herguera. Imaginaris compartits, que s’aproximarà al treball d’Herguera des de la pràctica artística compartida, aprofundint en la tècnica del multiplà i en l’obra més plàstica (dibuixos i llibretes de viatge), que revela la gènesi del cinema d’Herguera. (enllaç)

També es clou el cicle Fritz Lang. El període mut amb dos guions signats per la que aleshores era la dona del director, Thea von Harbou, Els espies i La dona a la Lluna, dos films de 1928 que donen pas a la seva filmografia sonora, objecte d’un nou cicle a partir de juliol, coincidint amb l’any del 50è aniversari de la mort del mestre alemany. (enllaç)

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SYLVETTE BAUDROT-OFICIO DE SCRIPT

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PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL ARGENTINA

‘La producción audiovisual y su respaldo jurídico’ no es un libro más de Julio Raffo, sino un texto de lectura y de consulta imprescindible para los distintos profesionales de la industria del cine que deseen estar al tanto sobre cómo, conforme a la Ley de Cine, se regula en la Argentina la actividad productiva que conlleva la realización de películas, atendiendo no solamente a disposiciones legales y su marco regulatorio, sino que también a ejemplos prácticos y anécdotas. (saber más)

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PALMA DE ORO PARA CINEASTA ARGENTINO

24 mayo 2026 – Deben de andar disgustados en estas fechas los responsables del (des)gobierno de Argentina formado por los partidos de Milei/Macri, pues un argentino, Federico Luis, logró la Palma de Oro en Cannes en medio de la crisis del INCAA. El director ganó la distinción por su cortometraje “Para los contrincantes”, que debió rodar íntegramente en México con fondos de ese país, Chile y Francia, ante el desfinanciamiento del INCAA y la consiguiente paralización del soporte estatal para el cine local.

El director subió al escenario de la Sala Lumière para recibir el galardón de manos de la realizadora catalana Carla Simón, y conmovió al auditorio con su discurso: “Es maravilloso estar aquí y también un poco agridulce, cuando sabemos que tantas cosas crueles están pasando en el mundo”. El cortometraje relata la historia de un niño de 10 años sumido en el mundo del boxeo infantil en el barrio mexicano de Tepito.

Federico Luis es un destacado cineasta argentino reconocido internacionalmente por su trabajo en dirección de cine independiente, que ya había triunfado en la edición 2024 de Cannes al ganar la Semana de la Crítica con su largometraje “Simón de la montaña”, hecho con el apoyo de los gestores anteriores del Instituto de Cine. Y se da la circunstancia de que su siguiente ficción en un largo también va a ser rodada en México, aunque Luis no es de los que a posteriori de la edición de un corto derivan la historia hacia un largometraje, sino que procura que cada film sea una obra independiente de la otra.

El jurado presidido por el director surcoreano Park Chan-wook e integrado, entre otros, por la actriz estadounidense Demi Moore y por el actor sueco Stellan Skarsgard, decidió otorgar su Palma de Oro al Mejor Largometraje a “Fjord”, del rumano Cristian Mungiu, una película que resultó ser polémica porque desde la ficción critica con vehemencia a los servicios sociales de Noruega que, entre otras cosas, deben velar por el bienestar de los niños sobre quienes se sospecha que han sido objeto de abusos y malos tratos por parte de sus padres.

El Gran Premio de Jurado fue para “Minotaur”, de Andrei Zviaguintsev y el de la Mejor Dirección fue, ex-aequo, para Pawel Pawlikowski por “Fatherland” y para Javier Calvo y Javier Ambrossi (Los Javis) por “La bola negra”, una película producida por Pedro Almodóvar, un cineasta que es todo un clásico muy admirado y querido en el Festival de Cannes.

27 MAYO: HOMENAJE A RAYMUNDO GLEYZER

21 mayo 2026 – Raymundo Gleyzer es uno de los cineastas imprescindibles del cine militante argentino y latinoamericano. En diez años de trabajo produjo una serie de cortometrajes y largometrajes que retratan las temáticas más urgentes de los 60s y 70s, que no sólo no han perdido vigencia y valor sino que lo han acrecentado. Ver sus películas hoy es conectar con la mirada lúcida de un cineasta comprometido con el tiempo que le tocó vivir. Raymundo Gleyzer fue secuestrado y desaparecido el 27 de mayo de 1976, a sus 34 años. Este año se hace una revisión su obra restaurada a 50 años de su asesinato en manos de la dictadura cívico-militar.

Desde el Foro Audiovisual de la Provincia de Buenos Aires han convocado a una proyección federal y simultánea para este 27 de Mayo. Las proyecciones alcanzan también algunos cines ubicados en España, que ese día también ofrecerán el visionado de algunas películas del célebre cineasta en homenaje a su autor y a su ingeniosa forma de retratar algunos problemas sociales. Además, desde el Foro también han convocado a todo el sector del cine y la cultura nacional argentina a que se sumen a esta iniciativa.

Raymundo Gleyzer no sólo filmó con la cámara, también lo hizo con la historia. No sólo rodó películas, sino que dejó trazado un camino. A 50 años de su desaparición, su nombre resurge cada 27 de mayo para recordarnos que el cine puede ser una herramienta poderosa, un arma creativa cargada de futuro.

En cuanto a las proyecciones en el territorio español, los residentes en Santiago de Compostela y alrededores tendrán la oportunidad de ver algunas de sus películas a las 19:00h de ese día, (enlace). Y se sabe que se las películas también se exhibirán en la Elías Querejeta Zine Eskola de Donostia-San Sebastián. En cuanto dispongamos de más enlaces, ampliaremos esta información.

“SOMUDL”, LA NOVA SECCIÓ DEL SOM CINEMA

El festival Som Cinema ha posat en marxa la convocatòria del SomUdL, una nova secció oberta a tot l’estudiantat de qualsevol titulació que vulgui presentar curtmetratges de ficció i documentals a concurs. La convocatòria, promoguda pel Vicerectorat de Cultura de la UdL i destinada a que l’alumnat “pugui expressar les seves inquietuds lliurement i transmetre la seva visió del món a través del llenguatge audiovisual”, restarà oberta fins al 10 de juliol. El festival Som Cinema tindrà lloc entre els dies 21 i 25 d’octubre, i la inclusió de la nova secció SomUdL és una de les grans novetats d’aquesta 17a edició.

Amb aquesta iniciativa, destinada a “enfortir el vincle de la Universitat de Lleida amb el cinema i la cultura a la nostra ciutat, tot posant en valor la creativitat del nostre estudiantat”, els organitzadors volen potenciar l’obertura del festival a tots els sectors de la ciutat i molt especialment als joves, que constitueixen el futur d’aquest àmbit de la creació audiovisual.

L’estudiantat interessat pot consultar les bases i el formulari d’inscripció al web www.somcinema.cat o enllaçar-hi a través del web www.udl.cat/ca/organs/vicerectors/vc/.

Cal recordar que, a banda d’aquesta nova secció, Som Cinema consta de les seccions oficials de Llargmetratges i Curts de Ficció, Llargmetratges i Curts Documentals i Som Secundària, i té una dotació de 2.000 € per a pel·lícula de ficció guanyadora.

El festival està organitzat per Suggeriments, amb el suport de l’Ajuntament de Lleida, Institut d’Estudis Ilerdencs de la Diputació de Lleida, ICEC-Generalitat de Catalunya, Universitat de Lleida i Fundació Horitzons 2050.

PALMARÈS DEL 29 FESTIVAL DOCSBARCELONA

17 maig 2026 – El Jurat Oficial de la 29ª edició del DocsBarcelona va concedir el Premi a la Millor Pel·lícula a Amazomania, documental que revisita l’expedició de 1996 a l’Amazones per filmar la tribu aïllada dels Korubo i que qüestiona el llegat colonial i les conseqüències humanes de la denominada “descoberta”. El film està dirigit pel suec Nathan Grossman, reconegut internacionalment per una trajectòria centrada en qüestions socials i mediambientals. Va començar la seva carrera com a fotògraf per a Rolling Stone i va passar al cinema amb el curt viral The Toaster Challenge, sobre el consum d’energia humana. En el seu primer llargmetratge, I Am Greta, va seguir Greta Thunberg des del primer dia de la seva vaga escolar fins a la fama mundial i va ser guardonat amb el Critic’s Choice i l’Emmy.

El mateix jurat també va atorgar una Menció especial a Das Deutsche Volk, una obra dirigida per Marcin Wierzchowski que reconstrueix l’atac racista de Hanau, a Alemanya, a través del testimoni de supervivents i familiars de les víctimes, exposant el racisme estructural a l’Europa contemporània.

El Jurat Docs&Cat va premiar amb el Premi a la Millor Pel·lícula Catalana– XAL The Travelers, un film que acompanya un grup de migrants a la frontera entre el Marroc i Espanya mentre esperen el moment de travessar cap a Europa, convertint la càmera en eina de supervivència i esperança compartida. Està dirigit per David Bingong, que va rodar el film durant el seu propi viatge migratori.

La Menció especial del Jurat Docs&Cat va recaure en Bèstia, retrat de tres caçadors de la Catalunya interior que reflexiona sobre la masculinitat rural i les contradiccions entre tradició i mirada contemporània. El documental és l’òpera prima de Helena Garza, autora vinculada a la no-ficció i a la investigació antropològica.

Corren las liebres va ser la producció més ben valorada pels espectadors d’aquesta edició del DocsBarcelona, que li han concedit el Premi del Públic – Moritz. El Premi Amnistia Internacional Catalunya i el Premi Docs del Jurat – Antaviana van reconèixer Atlas de la desaparición, de Manuel Correa, una investigació documental sobre les persones desaparegudes traslladades al Valle de los Caídos i sobre les eines forenses que avui permeten reconstruir-ne la memòria.

“Enguany hem volgut que el DocsBarcelona fos, encara més, un festival arrelat a la ciutat. Creiem que aquest és l’únic futur possible: generar espais de diàleg amb Barcelona on ens trobem i convertir-nos en un esdeveniment fet des de la ciutat i per a la ciutat”, va destacar Maria Colomer, codirectora artística i cap de programació.

“VIVA”, AINA CLOTET DEBUTA EN LA DIRECCIÓ

15 maig 2026 – L’actriu catalana Aina Clotet ha presentat a la Setmana de la Crítica del Festival de Cannes la seva òpera prima com a directora, “Viva”, una pel·lícula centrada en el desig intens de viure. “Aquesta història neix de la meva necessitat de parlar de la por: la por a la mort, la por a la solitud. Però, en el fons, la por a la solitud més profunda és la por a la mort”, va explicar Clotet a França.

Amb una combinació d’humor, intensitat emocional i una mirada profundament humana, “Viva” aborda qüestions com la dependència afectiva, la passió, la por a la mort i la necessitat de trencar amb les estructures tradicionals que condicionen les nostres vides. La mateixa directora assumeix també el paper protagonista.

La història segueix la Nora, de 40 anys, que, després d’un enfrontament directe amb la mort, es veu impulsada per una necessitat urgent de sentir-se viva. S’endinsa en relacions apassionades amb dos homes molt diferents, en Tom i en Max, les personalitats oposades dels quals reflecteixen el seu propi conflicte interior. Tanmateix, quan cap dels dos no aconsegueix omplir el buit que sent, la Nora es veu obligada a afrontar una veritat més profunda: haurà d’enfrontar-se a una por que alimenta el seu desig de viure.

Produïda per Ikiru Films i Funicular Films, “Viva” marca el debut d’Aina Clotet en el llargmetratge, després d’una consolidada trajectòria com a actriu en cinema, televisió i teatre. El guió, signat per Clotet i Valentina Viso, presenta el film com una tragicomèdia contemporània que explora el desig de viure, la por a la mort i la complexitat de les relacions afectives. El repartiment es completa amb Naby Dakhli, Marc Soler, Loll Beltran i Zaira Pérez, amb la col·laboració especial de Guillermo Toledo i Josh Zuckerman.

FALLECIÓ EL CINEASTA ADOLFO ARISTARÁIN

26 abril 2026 – Falleció a los 82 años de edad el cineasta argentino Adolfo Aristaráin, según un comunicado difundido por la Academia Española de Cine. Recibió numerosos reconocimientos por sus películas, entre los que destaca la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián por su filme “Un lugar en el mundo”. No hace mucho tiempo, esa misma Academia le condecoró con su Medalla de Oro, pero no pudo viajar a España como consecuencia del terrible miedo a volar que padecía, una fobia que compartía con uno de sus actores preferidos para trabajar en el cine, Federico Luppi.

Aunque durante su vida hizo multitud de trabajos audiovisuales, sus películas más reconocidas fueron, aparte de la anteriormente mencionada: Tiempo de revancha, La ley de la frontera, Martín (Hache), Lugares comunes y Roma, su último largometraje, pues aunque tenía algunos proyectos más, nunca se llegaron a concretar. En mayo del año 2022 presentó en Buenos Aires su libro titulado El Oficio del Cine.

Trabajó con gente tan conocida como Federico Luppi, José Sacristán, Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Juan Diego Botto y Susú Pecoraro, entre otros muchos.

En enero de 2024 publicó un texto en el diario Página12 en el que llamaba a movilizarse contra las políticas del gobierno de Milei/Macri que acababa de ganar las elecciones. A raíz de esa publicación, el fiscal federal Carlos Stornelli denunció penalmente al director de cine por instigación a cometer delito, intimidación pública e incitación a la violencia colectiva. La iniciativa no prosperó en los tribunales.

El mencionado texto de Aristaráin comenzaba diciendo: “Gracias a un grupo lamentablemente numeroso de imbéciles, ignorantes y zombies que una vez votó a Macri, y ahora a su bufón Milei y a toda la banda de rufianes que los acompañan, se entregó el gobierno y administración del pais a una banda organizada que no tiene ideología, que busca sólo sacar provecho y rematar las industrias, los minerales, todo lo que puedan, sin límite”.

Adolfo Aristaráin era un director honesto, intransigente y profundamente moralista, con una firme convicción ética que se reflejaba en su cine y en su vida. Defendió historias que él consideraba que cautivarían al público a través de unos ideales críticos de la realidad social y el individualismo ético.

Y él mismo se definía como alguien que aprendía un oficio en el cine, con un espíritu anticonformista arriesgado, sensible y cuestionador ante la obediencia ciega al poder.

MURIÓ EL CINEASTA ARGENTINO LUIS PUENZO

21 abril 2026 – El cineasta Luis Puenzo, director de “La historia oficial”, película que ganó el Oscar de Hollywood a la Mejor Película Extranjera, murió en Buenos Aires. La noticia fue confirmada por el entorno del director, quien en los últimos años se había alejado de la escena pública por problemas de salud. Tenía 80 años.

Su cine, atravesado por la memoria, la identidad y los derechos humanos, marcó un antes y un después en la proyección internacional de Argentina como país.

Inició su recorrido en el cine publicitario. En 1968 fundó su productora, Luis Puenzo Cine, y en 1974 Cinemanía S.A. En 1973 presentó su ópera prima, Luces de mis zapatos, protagonizada por Pipo Pescador, Norman Briski y Juan Hidalgo, dando inicio a su camino como realizador y productor con una mirada propia.

Su filmografía como director incluye La peste, Gringo viejo, La puta y la ballena, Las sorpresas y Broken Silence. Como productor, participó en XXY, El niño pez, Wakolda, Infancia clandestina, El faro de las orcas, Los últimos y Planta madre.

Fue miembro fundador de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina, participó en la redacción de la Ley de Cine y presidió el INCAA durante un corto periodo de tiempo.

Curiosamente, su fallecimiento llegó uno o dos días después del de un actor argentino relevante que participó en películas como La Patagonia Rebelde y Esperando a la carroza, entre otras. Ambos tenían nombres compuestos casi idénticos: Luis Adalberto Puenzo y Adalberto Luis Brandoni. Tristes ironías de la vida o de la muerte, en este caso.

APLAZADOS LOS PREMIOS CÓNDOR DE PLATA

13 abril 2026 – La Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina informa que la 73ª edición de los Premios Cóndor de Plata, correspondientes a la producción audiovisual 2025, queda suspendida hasta nuevo aviso.

La decisión responde al contexto económico que atraviesa la Argentina, el cual impacta en la disponibilidad de recursos y en la posibilidad de garantizar las condiciones necesarias para la realización del evento en los términos que requiere una ceremonia de esta magnitud.

Desde su creación, los Premios Cóndor de Plata han acompañado y visibilizado la producción audiovisual argentina, consolidándose como un espacio de reconocimiento para realizadores, técnicos, intérpretes y trabajadores del sector.

La Asociación continuará evaluando la evolución del contexto con el objetivo de reprogramar la ceremonia cuando existan las condiciones adecuadas para su realización.